BIOGRAFÍA JOSÉ SERRANO

Nació en Sueca, Valencia, en 1873, y al igual que otros compositores de zarzuela, fue su padre, director de banda de música, quien le introdujo en este campo. A los 16 años se traslada a Valencia para proseguir con sus estudios, trasladándose posteriormente a Madrid con la intención de obtener una beca con la que proseguir sus estudios pero se encuentra en un mundo muy distinto al que había dejado en Valencia y en el que no tiene mucha suerte.

La ceguera progresiva del maestro Fernández Caballero le obliga a pedir a Serrano su colaboración para la partitura de Gigantes y Cabezudos, obra que fue elogiada en El Saloncillo, revista en la que Serrano escribía desde hacía unos meses.

La primera composición de Serrano estrenada con éxito, El Motete, se remonta a 1900 y fueron los hermanos Álvarez Quintero los que le ofrecieron el libreto. José Serrano no desaprovechó la oportunidad de situarse entre los grandes compositores. Su figura se engrandeció por la labor llevada a cabo en el primer tercio del siglo XX, enmarcándose en el género chico que, aunque empezaba a ceder frente a la zarzuela grande, perduraría muchos años en los gustos del público. Entre sus más de 50 obras para teatro destacan: La Reina Mora con texto de los Hermanos Álvarez Quintero, Moros y Cristianos, Alma de Dios, La Canción del Olvido, Los Claveles , La Dolorosa y La Venta de los Gatos.

Serrano también es sobradamente conocido por todos los valencianos por ser el compositor del himno de la Exposición Regional Valenciana de 1909, adoptado oficialmente como Himno de la Comunidad Valenciana en 1925, o del conocido pasodoble «El Fallero». Serrano murió en Madrid el 8 de marzo de 1941 dejando sin estrenar la obra La Venta de los Gatos, basada en una narración de Bécquer.

OBRA OBLIGADA: «LA VENTA DE LOS GATOS» (Arreglos de Sergi Pastor)

Se escribió como una tentativa para instaurar la ópera española. En 1900 José Serrano acababa de conocer su primer éxito gracias al entremés «El Motete». Animados por el éxito de la obra, los hermanos Álvarez Quintero proponen al maestro Serrano, que cree la partitura de la ópera «la Venta de los gatos», sobre libreto de los propios Álvarez Quintero inspirado en una narración de Gustavo Adolfo Bécquer. Al año siguiente ya habría escrito la obra, pero no se llegó a estrenar hasta el año 1943, en el teatro Principal de Valencia, dos años después del fallecimiento del músico, atribuyéndose a la falta de instrumentación los motivos de su no estreno, siendo objeto de burla y, fomentando su fama de «vago» que lo perseguiría durante toda su vida. Según señala toda la prensa de los cuarenta, esta orquestación fue completada por Enrique Estela, que fue el encargado de dirigir el estreno.

El argumento de la obra sigue fielmente la narración homónima de Bécquer La primera parte está dominada por la alegría, la fiesta y el amor compartido: Lorenzo ama a Amparo, joven que desde la niñez vive en la sevillana «Venta de los Gatos», rescatada de la inclusa por el ventero, padre de Lorenzo. La segunda es oscura, siniestra, traspasada por el dolor y la muerte: Amparo ha sido recuperada por su padre, un noble que se vio forzado a salir de España por razones políticas; la chica añora su vida anterior y como no puede volver a ella, muere; cuando el cadáver es conducido al cementerio que se ha levantado cerca de la venta, Lorenzo lo descubre y cae en la locura.

La narración no está basada en un hecho real, aunque sí maneja elementos históricos ya que La Venta de los Gatos y el cementerio de San Fernando existieron realmente.

BIOGRAFÍA FLORENT SCHMITT

Compositor impresionista francés que comenzó sus primeras lecciones de composición con el compositor local Gustave Sandre, antes de ingresar en el Conservatorio de París a la edad de 19 años, estudiando con compositores como Jules Massenet, Gabriel Faure y Theodore Dubois. En el año 1900 gana el Premio de Roma.

Antes de 1920, se consideraba que Schmitt estaba en la primera fila de los compositores musicales «avanzados», no conformistas, formando parte del grupo conocido como Los Apaches y siendo uno de los compositores franceses más interpretados en el período entre las dos guerras mundiales, cayendo luego en el olvido, aunque continuó escribiendo música hasta el final de sus días. Fue a su vez director del Conservatorio de Lyon desde 1921 hasta 1924, y entre 1929 y 1939 trabajó como incisivo crítico musical para la revista «Le Temps».

Florent Schmitt fue un compositor sofisticado, capaz de «saltar pistas» estilísticamente y crear obras de arte convincentes en diferentes estilos. Se negó a deshacerse de su personalidad musical particular, y sufrió los ataques de aquellos que en ese momento sintieron que no unirse a las filas de la vanguardia era digno de desprecio. Aunque tradicionalista en muchos sentidos, su música a menudo empleaba modismos armónicos y rítmicos sorprendentemente modernos. Escribió cerca de 138 obras a lo largo de su vida, componiendo para la mayoría de las principales formas musicales, excepto para la ópera. Su estilo era principalmente impresionista, similar al de Debussy, pero también incluía elementos de Wagner y Richard Strauss. Su quinteto para piano en si menor, compuesto en 1908, ayudó a establecer su reputación, pero hoy sus composiciones más famosas son La tragedie de Salome y Psaume XLVII (Salmo 47) y su obra para Banda Sinfónica Dionysiaques Op. 62, escrita entre 1913 y 1914.

OBRA OBLIGADA: «DIONYSIAQUES OP. 62» (Revisión de Felix Hauswirth)

Dionysiaques es un brillante viaje de fuerza de 11 minutos que lleva al oyente a un increíble viaje de sonido. Aunque el trabajo no es realmente programático, su título sugiere una orgía dionisíaca, que se realiza plenamente en la intensidad de la música con sus interesantes contrastes: cromatismo melancólico alternando con emocionantes clímax tutti.

Además, la partitura tiene una orquestación intrigante, que requiere varios instrumentos inusualespara la época, como el sarrusophone, el saxofón bajo, los clarinetes contrabajos e incluso los Ccontrabajos de cuerdas.

Al igual que muchas de las composiciones de Schmitt, la música es un desafío para los artistas intérpretes o ejecutantes, lo que puede explicar en parte por qué «Dionysiaques» tardó muchas décadas en convertirse en un elemento básico del repertorio de la banda de conciertos.
Las dos primeras grabaciones de Dionysiaques fueron realizadas por la misma Banda de la Garde Républicaine de Paris, con tres meses de diferencia! La primera de las dos se grabó en noviembre de 1927 bajo la dirección del compositor-director Guillaume Balay, mientras que la segunda grabación se realizó en febrero de 1928 bajo la dirección de Pierre Dupont.

Estas primeras grabaciones de Dionysiaques son de particular interés histórico porque utilizaron la orquestación original de Schmitt, incluyendo una serie de instrumentos que ya no son parte de la lista típica de conjuntos de viento (petit bugles, saxhorns, sarrusophones y similares).
Pero algo interesante sucedió, comenzando en otro rincón del mundo. En Japón, un país con una fuerte tradición de conjunto de vientos escolares, Dionysiaques comenzó a aparecer como una obra de competencia de banda. En los últimos 30 años, ha habido innumerables actuaciones de la partitura de Schmitt con conjuntos de vientos de nivel medio, secundario y universitario.

Más recientemente, en 1992, Dionysiaques fue nombrada una de las mejores composiciones para la banda de conciertos «Top 10» como parte de una evaluación general de partituras de viento de «mérito artístico serio» realizada por un panel de 20 jueces que incluyen a grandes especialistas como Eugene Corporon del Conservatorio de Cincinnati y Donald Hunsberger de la Eastman School of Music, contando con el legendario Frederick Fennell como asesor del proyecto.

¿Qué le da a Dionysiaques su poder de permanencia como pieza de concierto? Es muy ingenioso … siempre fresco e interesante … y al final, completamente emocionante. Rara vez se escucha una pieza musical que lleve al oyente a través de tantos estados de ánimo y contrastes en una docena de minutos.

En resumen, Dionysiaques ha existido durante un siglo, pero nunca envejece.

BIOGRAFÍA JULIE GIROUX

Julie Ann Giroux nació en Fairhaven, Massachusetts, y se crió en Phoenix, Arizona y Monroe, Louisiana. Recibió su educación musical de la Louisiana State University y la Boston University. Estudió composición entre otros con John Williams, Bill Conti y Jerry Goldsmith. Julie es una intérprete consumada en piano y trompa, pero su primer amor es la composición. Comenzó a tocar el piano a la edad de tres años y había publicado su primera pieza a la edad de nueve.

En 1985, comenzó a componer, orquestar y dirigir música para televisión y películas. Tres horas después de llegar a Los Ángeles, estaba trabajando en la música para la miniserie ganadora del Premio Emmy «Norte y Su», seguidamente tranajó en la serie de televisión «Dynasty» and «The Colby», así como en varias películas como «Karate Kid II». Recibió su primera nominación al Emmy en 1988 por «North and South Part II – Love and War», y en los siguientes tres años fue nominada cada año por sus arreglos y composiciones originales para el show de los Premios de la Academia. Hasta la fecha, Julie tiene más de 100 créditos de cine y televisión y ha sido nominada a los premios Emmy varias veces. Cuando ganó su primer Premio Emmy, fue la primera mujer y la persona más joven en ganar el premio en esa categoría. Julie también tuvo el privilegio de hacer arreglos para Celene Dion, Paula Abdul, Dudley Moore, Liza Minnelli, Madonna, Reba McIntyre, Little Richard, Billy Crystal, Michael Jackson y muchos otros.

Julie escribe obras para todo tipo de formaciones sinfónicas y camerísticas, comenzando a escribir música para Banda Sinfónica en 1983 y dirigiendo su música en clínics por todo el mundo. Julie es miembro de la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores (ASCAP).

OBRA OBLIGADA: «BOOKMARKS FROM JAPAN» (The Great Wave Off Kanagawa – Hakone)

La Cuarta Sinfonía de Julie Giroux, «Bookmarks from Japan», es una obra de gran dificultad para Banda Sinfónica en seis movimientos que se pueden interpretar independientemente. Estrenada en 2013 en Japón por el Musashino Academy of Music Wind Ensemble, dirigiendo Ray E. Cramer y está basada en un conjunto de seis escenas históricas japonesas pintadas en madera de las que se interpretarán dos.

The Great Wave off Kanagawa
La obra de Hokusai «La gran ola de Kanagawa» (1830 y 1833), es conocida en todo el mundo dentro de la serie «Treinta y seis vistas del monte Fuji». Es su obra más famosa en la que podemos ver el Monte Fuji en el fondo, pero con el foco central en la enorme ola llamada Okinami (ola del mar abierto) y que en esta obra se representa desde sus comienzos en mar abierto, bastante tranquila, con la luz solar refractaria, bañada por el sol, y con su poder creciente con los vientos ondulantes hacia arriba y hacia abajo creando la primera formación de la gran ola, hasta su agonía final en una playa rocosa como final de su viaje.

Hakone
Basado en la escena titulada «Hakone» de Hiroshige Ando, de la serie impresa «Las cincuenta y tres estaciones de la autopista Tokaido», que representan las 53 estaciones de correos en el camino por el Tokaido de Edo a Kioto en 1832, en un viaje en el que se transportaban caballos como regalos que se ofrecerían a la corte imperial. En estas estaciones de correos ofrecían comida, alojamiento y establos para los viajeros de la autopista Tokaido.

BIOGRAFÍA PASCUAL PIQUERAS

Natural de Quart de Poblet. Funcionario de Carrera en el cuerpo de profesores de Música y Artes escénicas en la especialidad de Lenguaje Musical. Licenciado en Dirección de Orquesta por el Conservatorio Superior de Zaragoza y Diplomado en Trompeta en Solfeo y Teoría de la música. En otro plano ha realizado estudios de armonía moderna e improvisación de Jazz. Realiza el Master de Composición para Medios Audiovisuales en la Escuela Superior de música «Katerina Gurska» en el curso 2018-19 y el Taller de sonido y música en el cine en el curso 2019 como activo.
Ha estudiado Dirección de Orquesta con profesores de prestigio como Konrad Von Abel, George Phelivanian, Henrie Adams, Achim Holub, Octav Calleya, Arturo Tamayo, Juan José Olives, Juan Luis Martínez, José Rafael Pascual Villaplana y Massimiliano Caldi.

Ha dirigido distintos proyectos instrumentales, entre ellos la Joven Orquesta de Guadalajara, la Proyecto Alcarria Camerata y de la Banda Sinfónica Complutense de Alcalá de Henares. Ha sido invitado a dirigir distintas agrupaciones musicales como la Banda Municipal de La Coruña o la Banda Societat Artístico-musical «La Unió» de Quart de Poblet, Banda a la que pertenece.

Posee diversas composiciones publicadas en Editoriales como Piles y Branfor que son interpretadas por formaciones como las Bandas Municipales de Madrid, Huelva, Mallorca y A Coruña entre otras. Posee dos musicales compuestos, «El musi-drama del señorito Lasol», para Orquesta, y «Los delirios del señorito Lasol» para Banda Sinfónica. En breve saldrá a la luz una obra de encargo para Luis González Martí (Trompeta). Obtiene el 1º premio en el 1º Concurso nacional de composición para agrupaciones de metal de Alcasser en noviembre de 2.018. Realiza trabajos para documentales y cortometrajes, algunos de ellos emitidos en Televisión Española.

En la actualidad es Director del Conservatorio de Guadalajara.

OBRA OBLIGADA: «DE CAI»

La obra «de Cai» nace de la idea de componer una obra para quinteto de metal y cajón flamenco con el ánimo de acercar este estilo que tanto me gusta al repertorio para quinteto de metal. En ella confluyen distintos palos que de una manera intuitiva y fresca se juntan en esta pieza que ha tenido una gran aceptación en esta formación camerística gracias a Spanish Brass, uno de los grupos de música de cámara de más proyección internacional de nuestro país. Gracias a ellos la obra es conocida en el ámbito nacional e internacional.

La obra data de 1.997, y fue escrita con muy pocos recursos compositivos, ya que en aquel momento me encontraba en plena formación musical. Posteriormente se realizó la versión para banda, versión última que posee unas reseñas más claras hacia el leguaje jazzístico, lenguaje con el que tengo una gran afinidad al haberme desarrollado como trompetista de música moderna o Jazz a través de una larga e intensa trayectoria, sin olvidar además otras disciplinas como la Dirección y la Composición.

Los Tangos, la Bulería, y algún interludio indefinible se juntan en esta obra de melodía fácil y pegadiza en la que se intercalan distintos solos de instrumentos en clave de Flamenco-Jazz. El nombre de la obra denota proveniencia, «de Cai» alude a música de Cádiz. Dicho título está extraído de un lema que aparecía en la camiseta de un músico muy conocido con el que tuve la suerte de compartir escenario, Chano Domínguez. En aquella camiseta decía «Yo soy de Cai» y esta música intenta ser precisamente eso, «de Cai».

BIOGRAFÍA JORDI PEIRÓ

Titulado superior en Trombón y Bombardino por los Conservatorios de Valencia y Madrid.
Trombón A.Solista de la Orquesta Sinfónica del Vallés (Barcelona).
Trombón de la Orquesta Filarmónica de Málaga.
Profesor de Trombón, Bombardino y Tuba de los Conservatorios de Benidorm, (Alicante)
1º premio de Composición AETYB 2015 (Asociación Española de Tubas y Bombardinos) con la obra «LA FLOR DEL CEREZO» para Orquesta Sinfónica y Bombardino solista, «LA BATALLA DE LA ROCHELLE» fue seleccionada como obra obligada en el Certamen Autonómico de Valencia del 2016.

EVEREST poema sinfónico para banda es seleccionada como obra obligada en el CIBM «Ciutat de Valencia» en 2017 en su 1ª sección.
AL-BUAHYRA fue estrenada por la banda municipal de Valencia en el día de la Comunidad Valenciana en 2017.
Recibe el encargo del famoso trompetista belga Benny Wiame para la composición de una balada que es estrenada por la KH Sta. Lucia Engsbergen Limburg Bélgica.

Compone música de cine para las productoras BLUE TEAR PRODUCCIONES y CANSPAN FILM FACTORY. Tiene varios cortometrajes CARTAS y SEMILLAS, dos largometrajes LUCES, fue candidata a los premios Goya en 2017 en el apartado de música, y BURGA con Mercé Llorens y Manuel Gallardo.

Es colaborador de la Fundación Vicente Ferrer, para la cual ha escrito la obra ANANTAPUR con el fin de recaudar fondos para dicha fundación benéfica. Socio de la SGAE, y miembro numerario de la M.I. academia de la música valenciana.

Jordi Peiró Marco es profesor de BOMBARDINO en la BANDA MUNICIPAL DE VALENCIA.

OBRA OBLIGADA: «THE WITCHER»

The Witcher es una obra programática que consta de un solo movimiento fragmentado en cinco episodios que se enlazan imperceptiblemente sin interrupción alguna. La carencia de relación entre sus episodios la convierte en el principio formal, alejándose de cualquier estructura definida. Adquiere una forma autónoma e independiente, como es el Poema Sinfónico. Cada episodio está provisto de una exposición temática independiente, la cual trata de reproducir con precisión diversos momentos y estados de ánimo del personaje, característica principal de la Música Programática.

BIOGRAFÍA TEO APARICIO-BARBERÁN

Nace en Enguera en el año 1.967. Estudió saxofón con M. Vidal, F. Moral, G. Castellano, Antonio Daniel y J.M. Londeix entre otros. Estudia además, contrabajo, piano, armonía, contrapunto y fuga, composición y dirección de orquesta consiguiendo dos menciones honoríficas al final de sus estudios. El compositor Luis Blanes ha sido la persona que más influenció su carrera musical. Es DOCTOR en música por la facultad de humanidades de la Universidad Cardenal Herrera CEU.

Ha sido director titular de las bandas de Enguera, Fte. La Higuera, Vva. de Castellón, Quart de Poblet, Alaquàs, Xátiva y Benifairó de la Valldigna. Como director invitado ha estado al frente de numerosos conjuntos instrumentales (Banda Primitiva de Lliria, Banda Municipal de Palma de Mallorca, Banda de Sta. María da Feira en Portugal, Banda Municipal de Alicante, Banda Nacional de La Habana, Banda Nacional de San José de Costa Rica, Banda «La Artística de Buñol», Banda Municipal de Valencia, Banda Municipal de La Coruña, Banda del Ministerio de Defensa de Rusia, Banda Municipal de Osaka (Japón), etc. Para las temporadas 2007 a 2009 fue director titular de la Banda de la F.S.M.C.V. y de 2016 a 2017 director artístico de PROESO.

Es autor de más de un centenar de obras para diferentes grupos instrumentales. Su música se ha interpretado en Austria, Alemania, Francia, Suiza, Portugal, Colombia, Bélgica, Japón, Holanda y Estados Unidos, etc. Sus obras han sido incluidas en numerosos certámenes nacionales e internacionales. Solistas tan prestigiosos como Armin Rosin, Raul Junquera, Vicent López, Manuel Miján y Ana María Ribeiro han estrenado su música. Sus obras están recogidas en más de 15 CD y editada por Ed.Piles, Albadoc, Tot per l´aire , la editorial belga Beriato y la americana Hal Leonard. Es miembro de COSICOVA y de la WASBE. Es premio EUTERPE a la mejor creación musical sinfónica de 2012.
Ha trabajado como profesor de dirección y composición en diferentes Universidades y escuelas de Costa Rica, Colombia, Portugal, Bélgica y España. En la actualidad compagina la docencia con la composición.

OBRA OBLIGADA: «PORTAITS OF SPAIN»

Es una pequeña fantasía que recoge parte de las raíces musicales propias de este país. La obra se puede dividir estructuralmente en cuatro secciones que aparecen sin interrupción intentando crear diferentes atmósferas del folclore español. Podemos escuchar el típico movimiento de «seguidillas» con el que comienza la obra de gesto brillante y ritmo contagioso. Posteriormente aparece un «romance andaluz», de carácter más sosegado y exótica melodía. Este romance se estructura en A-B-A’, siendo B una sección contrastante (Allegro enérgico) y A’ una repetición de la primera parte con una codetta de transición al fandango posterior.

El «fandango», sin duda, es uno de los aires/tempos más característicos de la música española. Escrito en 3/8 y con un «Allegretto Scherzando» como indicación metronómica incluye, por descontado, el color de un instrumento tan nuestro como las castañuelas. Para finalizar, no podía faltar la «copla» proveniente de la zona mediterránea. Después de unos brillantes acordes de los metales que recuerdan las llamadas de «clarines» aparecerá un sencillo ritmo de tabal. La trompeta es la encargada de presentar el tema que irá apareciendo «in crescendo» con diferentes instrumentaciones hasta alcanzar su punto culminante. Por último aparece una reexposición del tempo de seguidillas y una breve coda final. Esta obra está enteramente construida dentro de un lenguaje tonal adaptado a los instrumentos de viento y con la escala «frigia» como principal elemento generador entre otras disposiciones armónicas muy tradicionales en el folclore español.

Este trabajo de Teo Aparicio es una de las obras de repertorio español para banda más interpretadas en el mundo. Fue estrenada y grabada por la Rundfunk Blasorchester de Leipzig en 2004. En 2010 se incluyó en el disco «Portraits of Spain»(Best Selections for concert band) de la prestigiosa editorial Beriato (actualmente Hal Leonard).