Artículos externos de la Confederación

Fuente: Revista Diapasón 21 enero, 2020 Escrito por diapason

Jesús Rodríguez Azorín

Catedrático de Trompeta del Conservatorio Superior

de Música Rafael Orozco de Córdoba.

Encantado de colaborar de nuevo con la Revista Diapasón. En esta ocasión, he decidido comentar algunos aspectos relacionados con los estudios de música, tanto a nivel amateur como profesional, que puedan resultar interesantes para los alumnos de estas enseñanzas y para sus padres.

No es mi intención establecer ningún tipo de juicio sobre la manera en que los padres deben de encauzar los estudios de música de sus hijos. Solamente pretendo hacer alguna reflexión en voz alta sobre estas enseñanzas desde el punto de vista de quien también es padre y a la vez se dedica profesionalmente al mundo de la música.

Empezaremos por la edad más temprana en la que un niño o niña puede aproximarse a la música. Estamos hablado del periodo de tiempo que comprende desde los 3 hasta los 7 años, aproximadamente. Es lo que se conoce en las escuelas o academias de música como “Música y Movimiento” o “Iniciación Musical”.

En primer lugar, me gustaría decir que se puede ser un profesional de la música, o simplemente disfrutar de ésta de forma amateur, sin pasar por esta etapa. De hecho, el que les habla comenzó sus estudios musicales a edad de 9 años y creo haber llegado a tiempo de formarme para hacer de la música mi profesión. Digo esto para que los padres de niños que no han empezado a esa edad tan temprana no tengan la sensación de que su hijo ya llega tarde a estos estudios. ¡El director del conservatorio donde yo trabajo comenzó a estudiar música con 18 años!

Ahora bien. Una vez hecha esta puntualización, no cabe duda de que es en esta etapa cuando el niño absorbe como una esponja todo lo que significa el sentido del ritmo, de la entonación y de la coordinación del cuerpo para hacer música. Por supuesto que cuando un alumno ha realizado esta etapa, la iniciación en el instrumento musical tiene lugar de una manera mucho más fácil y natural. Además, la aproximación a la música se produce desde un punto de vista más lúdico y divertido para el menor al realizarse a través de actividades en grupo.

Por otra parte, no olvidemos todas las ventajas que puede aportar este tipo de actividad colectiva al comportamiento o a la socialización del niño: integración en el grupo, aceptación de las normas de convivencia, superación del sentido del ridículo y la timidez, etc.

La siguiente etapa en los estudios musicales suele producirse alrededor de los 8 años y en ella el niño comienza a practicar con el instrumento de su elección. Para poder elegir un instrumento, sería ideal que el alumno pudiera ver y escuchar antes varios de ellos con el fin de saber más exactamente el sonido que produce o el tipo de música que se puede hacer con él.

También hay que tener en cuenta que hay instrumentos más solitarios pero que pueden hacer melodía y acompañamiento a la vez por sí mismos (es el caso de la guitarra o el piano), mientras que los instrumentos sinfónicos (flauta, violín, trompeta, clarinete, trombón, etc.), necesitan de un grupo para interpretar música. Todo tiene sus pros y sus contras: unos pueden tocar cualquier música ellos solos, lo que les permite disfrutar de una forma completa de la interpretación, mientras que otros disfrutan del hecho de tocar en grupo y de la vida social de las agrupaciones musicales (bandas, orquestas, etc.).

Una cosa más sobre este tema. Tras un año solfeando con mi maestro D. José Ortuño en la Escuela de la AAM de Yecla cuando empecé a estudiar música, yo quería tocar el saxofón, pero en aquel momento solamente estaba libre la trompeta. Tras el disgusto inicial, comencé a estudiarla y con ella he seguido hasta ahora. Por supuesto,no la cambiaría por ningún otro instrumento. Quiero decir que, si te gusta la música, el instrumento a elegir puede no tener una importancia tan trascendental.

Cuando los chicos comienzan a tocar un instrumento es fundamental que el repertorio que vayan a tocar sea motivador. Tenemos que pensar que lo cómodo para ellos es jugar con la tablet o ver vídeos de YouTube y que competir con esto es difícil. La práctica con el instrumento es laboriosa, sobre todo al principio, y esto hace que algunos de ellos abandonen.

Un buen aliciente para esta etapa es la participación en actividades donde pueda tocarse en grupo, como audiciones o música de cámara, etc. Es muy estimulante el tocar junto a otros compañeros y disfrutar de la interpretación de conjunto. Por supuesto, la incorporación a una banda de música también es muy motivadora, aunque sería conveniente que el alumno tenga ya un cierto nivel.

A partir de aquí, se abre un abanico de posibilidades para disfrutar de la música. En el caso de la guitarra o el piano: tocar piezas de diferentes estilos musicales (clásico, moderno, flamenco, rock…) y eventualmente participar en agrupaciones. En el caso de los instrumentos de viento, percusión o cuerda: incorporarse a una banda u orquesta o simplemente disfrutar de la interpretación y del aspecto más lúdico de la música.

Para cualquiera de estas actividades no hay límite de edad y el aprendiz de música adulto, puede disfrutar de la interpretación musical con otras personas y de participar en las actividades musicales y sociales de una agrupación. Que le pregunten si no a cualquier cantante amateur de un coro, por ejemplo, cuanto puede llegar a divertirse haciendo música con otros compañeros.

En definitiva, es importante que la música y el tocar un instrumento se realice de forma divertida y nos proporcione una buena dosis de felicidad. Afortunadamente, con la Escuela de Música de la AAM, tenemos una grandísima oferta musical que incluye enseñanzas para todo tipo de instrumentos, todo tipo de estilos musicales y para todas las edades.

Por último, me gustaría hacer una pequeña reflexión sobre algo de lo que no hemos hablado: la dedicación profesional a la música.

En ocasiones, he hablado con padres que han vivido con cierta desilusión el abandono de los estudios de música por parte de sus hijos o el hecho de que no se hayan dedicado a estudiar música de una manera profesional. Creo que esto es un error. Es absolutamente normal que muchos chicos y chicas abandonen sus estudios de música una vez que aparecen nuevos intereses en relación a otras carreras o trabajos. Forma parte de su evolución natural. Por supuesto, los beneficios que la música ya ha proporcionado a los estudiantes que han abandonado los estudios musicales son innumerables: desarrollo auditivo (por ejemplo, para aprender idiomas), coordinación y sentido del ritmo, disciplina de estudio y trabajo, relaciones sociales, etc. Además, la opción de participar de la interpretación de una forma lúdica y amateur, siempre estará ahí.

Suelo decirles a estos padres que para que alguien se dedique profesionalmente a la música tienen que darse necesariamente dos cosas: en primer lugar, tener una cierta facilidad a la hora de tocar el instrumento. Esto nos va allanar bastante el complicado camino en el que se adentran estos alumnos. En segundo lugar, que los futuros estudiantes de música tengan un gran amor e interés por estos estudios. Es un recorrido largo y la motivación debe de partir de uno mismo para lanzarse con determinación a conseguirlo, al igual que sucede con otras carreras.

Para terminar, un par de consejos para estos alumnos de estudios superiores de música. Toda la información está ahí, en Internet: oportunidades laborales, cursos, opciones para ir de Erasmus, profesores, ejercicios técnicos, clases online, vídeos de intérpretes, etc. Hay que ser activos y abrir la mente. No basta solo con tocar muy bien en casa. Hay que ir a cursos (a ver y a que te vean), hay que presentarse a pruebas (para ir poco a poco subiendo de nivel), hay que buscar cualquier información relevante sobre tu instrumento, tu repertorio o cualquier cosa que pueda ayudarte en tu carrera.

A todo esto, hay que añadirle voluntad y esfuerzo. En esto no hay diferencia con cualquier otra actividad profesional: para avanzar tiene que haber pasión por lo que estás haciendo.

La mítica banda galesa, que ha vendido más de 40 millones de discos en el mundo, y la intérprete ofrecerán conciertos en el Palacio Vistalegre de Madrid y en Razzmatazz de Barcelona, el 24 y 25 de enero respectivamente

La compositora y cantante castellonense es la telonera de Stereophonics en un tour con 16 conciertos en 8 países: Inglaterra, España, Francia, Alemania, Holanda, Suiza, Italia y Luxemburgo

La gira supone un gran espaldarazo a la carrera de Sheikh tras su actuación en el FIB 2018 y otros prestigiosos festivales en el Reino Unido como Tramlines Fringe Festival (Sheffield), el Y Not Festival (Derby) o en el Festival Isle of Wight

Sheikh ha empezado con 23 años el mayor reto de su carrera con su banda, y tras el lleno en los conciertos de Liverpool y Leeds ha mostrado su satisfacción por la fantástica respuesta del público que disfrutó de su propuesta indie, pop, rock

Get Away, última canción de Sheikh producida por Jamie Morrison (batería de Stereophonics) y Nigel Walker, (Paul McCartney, Elton John, Bob Dylan, El Canto del Loco…), habla del “sentimiento de impotencia cuando ves lo que pasa en el mundo”

Madrid – Barcelona, 23 de enero de 2020

Nadia Sheikh en el concierto de Leeds de la gira de Stereophonics. Autor: Jon Mo

Nadia Sheikh (L’Alcora – Castellón, 1996) empieza el año con la presentación de Get Away, un nuevo sencillo, y actuando de telonera de la mítica banda galesa Stereophonics en su gira europea con 16 conciertos en 8 países: Inglaterra, España, Francia, Alemania, Holanda, Suiza, Italia y Luxemburgo. En España ofrecerán conciertos en Madrid (Palacio Vistalegre) y Barcelona (Razzmatazz), el 24 y 25 de enero respectivamente. [Ver documentación adjunta].

Esta gira supone un gran espaldarazo y reconocimiento a una carrera que comenzó a los 14 años; uno más, tras su actuación en el Festival Internacional de Benicàssim (FIB) 2018, donde fue definitiva la apuesta personal de Melvin Benn, entonces director del festival; en el Tramlines Fringe Festival (Sheffield), el Y Not Festival (Derby) o en el Festival Isle of Wight en Reino Unido, así como sus giras y actuaciones en España. La prensa inglesa ya apuntaba sobre el “innegable talento” de la artista hispano-británica y le auguraba un “futuro brillante”.

Stereophonics, formada por Kelly Jones (voz, guitarra y composición), Richard Jones (bajo y voz), Adam Zindani (guitarra) y Jamie Morrison (batería), presenta en estos conciertos Kind, su último trabajo. La banda de rock ha vendido más de 40 millones de discos en el mundo y cuenta con 12 discos de estudio publicados, así como diversos EPs [Extended Play] y colaboraciones. Ha conseguido colocar sus álbumes varias veces en el número 1, desde que diera sus primeros pasos en 1992, y numerosos discos de platino y premios, lo que les convierte en uno de los referentes del panorama musical británico.

Sheikh muestra su enorme alegría por poder acompañar a Stereophonics por ciudades europeas como Madrid, Barcelona, París, Berlín, Zurich, Milán… e indica que “el domingo pasado fui su telonera en el mismo auditorio de Leeds que los vi, con 16 años, en primera fila; han sido y son una gran inspiración para mí”.  Sobre la gira, del 18 de enero al 12 de febrero, la cantante afirma que “la verdad, estoy esperando a que venga alguien, me pellizque y me diga, ¡despierta! Es una oportunidad extraordinaria para mí y mi banda y estamos muy agradecidos e increíblemente ilusionados por poder tocar junto a ellos para estas grandes audiencias”.

La compositora e intérprete ha empezado con 23 años el mayor reto de su carrera, hasta el momento, con su banda: Rowan Davies (bajo), George Gardiner (batería) y Lorenzo Passarella (guitarra); y tras el lleno en los conciertos de Liverpool y Leeds,  ha mostrado su satisfacción por la fantástica respuesta del público que celebró y disfrutó con sus actuaciones y de su propuesta indie, pop, rock.

Get Away, última canción
Get Away es la última canción publicada por Sheikh, producida por Jamie Morrison (batería de Stereophonics) y Nigel Walker, (Paul McCartney, Elton John, Bob Dylan, El Canto del Loco, Pereza…), y  habla “sobre el sentimiento de impotencia cuando ves lo que pasa en el mundo”. Este tema y su música está marcada por su singular estilo vocal influenciada por sus referentes culturales anglosajones y españoles.

La cantante realizó en noviembre una gira con actuaciones en Manchester, Madrid, Valencia, Castellón y Brighton para presentar Break Free junto con otros temas como No. 24, Flip the Coin, Going down, Toxic, The Wire y el EP 50 feet. El año 2019 fue muy importante en su carrera, recibió el apoyo de importantes medios de comunicación españoles e ingleses y realizó una gira por Reino Unido en colaboración con la promotora This Feeling. La crítica inglesa dedica grandes elogios a su trabajo y hablan de un “talento muy especial”, de su capacidad de emocionar y de que “hay algo atemporal, clásico y global en esta estrella del pop” que consideran “camaleónica”.

Con tan solo 14 años, Sheikh dio sus primeros pasos en la escena musical con una oferta discográfica de EMI España tras ganar el premio del público en un concurso, comenzó a trabajar con Walker que le produjo su primer EP a los 17 años. Desde entonces, la cantante ha colaborado con varios productores como Danny Schogger (Sam Brown,Paul Young…) y actualmente trabaja con Morrison y Walker.

– Más fotografías
https://www.dropbox.com/sh/2xf6kq7t0n4oizi/AACiMvm1CFdSeCn4KAIl7fmWa?dl=0
https://www.nadiasheikh.com/prensa
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VIDEOS

– Youtube
http://www.youtube.com/NadiaSheikhVEVO
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AUDIOS

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https://itunes.apple.com/gb/artist/nadia-sheikh/892011618

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DOCUMENTACIÓN

–  Nadia Sheikh
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– Stereophonics
https://www.stereophonics.com/

– SLK Associates (Relaciones públicas)
http://www.slkassociates.com/
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REDES SOCIALES

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– GIRA EUROPEA DE STEREOPHONICS / NADIA SHEIKH

   Enero
   18/1 – Uni MounCord Hall, Liverpool – Reino Unido
19/1 – O2 Academy, Leeds – Reino Unido
   24/1 – Palacio Vistalegre, Madrid – España
25/1 – Razzmatazz, Barcelona – España
   28/1 – Olympia, París – Francia
29/1 – Olympia, París – Francia
31/1 – Batschkapp, Frankfurt – Alemania

   Febrero
   1/2 – AFAS Live, Amsterdam – Países Bajos
2/2 – Huxley Neue Welt, Berlín – Alemania
4/2 – Carlswerk Victoria, Colonia – Alemania
5/2 – TonHalle, Munich – Alemania
6/2 – Volkshaus, Zurich – Suiza
8/2 – Lorenzini District, Milan – Italia
9/2 – Les Docks, Lausanne, Suiza
11/2 – Rockhal Box, Esch Sur Alzette – Luxemburgo
12/2 – Docks, Hamburg – Alemania

La Sociedad Musical de Cehegín presenta el cartel de su próximo concierto de Semana Santa junto al cornetista Dani de Baza.

El concierto se celebrará el domingo 22 de marzo a las 17:30 en la Sala Camelot de Cehegín. Las entradas se pueden adquirir 666 65 76 86 / 626 70 58 94.

El concierto será un evento único donde se interpretarán junto a Dani de Baza algunas obras y marchas de procesión como las afamadas Saeta, la pasión, y otras menos conocidas, pero de gran dificultad como son Screaming to the Sky, Rapsodia y Fanfarria de Bronce. Durante el concierto se interpretarán otras obras como 800 balas de Roque Baños, Lloran los clarines de Abel Moreno, Súplica de Ignacio Sánchez y 2 marchas de Víctor Ferrer como son Crucifixión y la última noche. Durante el espectáculo muchas sorpresas harán al público ponerse en pie, como será la interpretación sincronizada audio-visual de la obra “la última noche”. Un concierto irrepetible que nadie se puede perder de la Sociedad Musical de Cehegín, junto a Dani de Baza y bajo la dirección de Rafael González García.

La Sociedad Musical de Cehegín lleva una trayectoria impecable en los últimos años, ya que a parte de ser laureada y galardonada en los últimos certámenes con primeros premios, como son; Nacional de Murcia en varias ocasiones, La Senia, Aranda del Duero, Cullera, entre otros, es conocida por su implicación en convertir cada concierto en un espectáculo donde el público se siente parte del evento. En su último concierto acudieron al concierto más de mil personas con unas críticas inmejorables. Ahora preparan una gran temporada que empieza con este fabuloso concierto.

Yecla, 21 de enero de 2020

Este próximo sábado 25 de enero de 2020, se realizará el segundo concierto incluido en la programación del XVIII Ciclo “Aula de Conciertos” organizado por la Escuela de Música de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla y la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Yecla, y que en esta decimoctava edición cuenta con el patrocinio de Dúo-Graph, Familia Castaño, Arty-Graph, Iberpiano, Juan Palao Peña, Autobuses Pelotón, Daemon 4, YeclaGrafic, Davó y Visual Rotulación. Y como en otras ediciones anteriores también cuenta con la colaboración de los medios de comunicación locales: Onda Regional de Murcia, elperiodicodeyecla.com, Teleyecla, Onda Cero Yecla, Cope Yecla y Siete Días Yecla.

Este segundo concierto del Ciclo se realizará en la Sala de Audiciones de la Escuela de Música a las 19:30 Horas, con el nombre de “Un Paseo por la música de los 90”, y será interpretado por los alumnos de la Asignatura de Coro y del Aula de Música Moderna de la Escuela de Música de nuestra Asociación, coordinados por el profesor José Antonio Cecilia Bernal.

Tal y como nos cuenta una de las alumnas de la Escuela:

Los ’90 fueron para mí una mezcla perfecta de música y adolescencia donde todos los sueños encajaban. Sin duda una década llena de pura magia.

Cada canción un recuerdo, un momento vivido con tanta intensidad que a veces hasta duele recordar la despreocupación, la alegría, las amistades forjadas en los bares de copas y como no, nuestros primeros amores… porque primeros eran todos…nada hubiera sido igual, ni nosotros seríamos los mismos sin esa música que nos permitía la locura con sus letras. Nos dejábamos llevar, probar sus límites y ser cómplices del momento con todo el corazón partío, remendado con tiritas y a juego con nuestra inconsciencia; hemos crecido sí y cómo hemos cambiado, pero atrévete a escuchar esa poesía de los 90… y tendrás la respuesta que desde hace unos años buscas ¿quién era yo? Y cuando la escuches de nuevo, te darás cuenta que en tu interior no has cambiado tanto y que no es tan difícil volver a ser quien eras.

«Cuando brille el sol te recordaré si no estás aquí…

cuando brille el sol olvídate de mi…«

Inmaculada Rico Fortes.

Los músicos que participarán serán: Rubén Cecilia, guitarra eléctrica; Alfredo Pérez, guitarra acústica; José Antonio Cecilia, teclados; Daniel Castaño, bajo eléctrico y Jesús Puche “Chechu”, batería

LA LEÑERA: Ramiro Martínez-Quintanilla, voy y armónica; Rubén Sinisterra, guitarra eléctrica; Paco Norte, guitarra eléctrica; Daniel Castaño, bajo eléctrico y Jesús Puche “Chechu”, batería.

El programa a interpretar será el siguiente:

“Mediterráneo”   Cristina Mir

“Cuando brille el sol“   Beatriz González

“Amores de barra”  Natalia García/ Beatriz Ortuño

“Naturaleza muerta” Mari Carmen Palao

“Entre dos mares” La Leñera

“Corazón de mimbre” La leñera

“La flaca” Rubén Cecilia

“Sólo para ti” Beatriz Ortuño

“Soñaré”  Mari Carmen Palao

“Noches de Bohemia” Cristina Mira/ Guitarra Española: Manuel López

“El corazón partío” Alicia Soriano

“Medley Música inglesa” Conchi Silvestre

“Sin documentos” Natalia García

“Resistiré”  Alicia Soriano/ Beatriz González

La entrada al concierto es libre y gratuita hasta completar el aforo de la sala.

Cartel del concierto pdf

Será el próximo domingo 26 de enero en el marco del Ciclo de Conciertos de Invierno que se celebra en el Auditorio Municipal

Javier Llopis, natural de Cullera, está reconocido como uno de los artistas especializados en requinto más destacados del panorama internacional

La obra ha sido encargada por el propio Llopis  al compositor de Ontinyent

Valencia, 21 de enero de 2020.

La Banda Sinfónica de la Sociedad Instructiva Musical (SMI) Santa Cecilia de Cullera estrenará el próximo domingo 26 de enero la última creación del compositor valenciano Saül Gómez Soler. Se trata de Scent, un concierto para requinto y banda sinfónica que le encargó el músico cullerense Javier Llopis, concertista internacional y director artístico del Tenerife Clarinet Fest, así como profesor de clarinete en el Conservatorio Profesional de Música de Tenerife y de requinto en el Centro Superior Katarina Gurska de Madrid.

El propio compositor define este concierto como “un viaje olfativo único y subjetivo en el que encontrarse con uno mismo». En este sentido, a través del olfato, uno de los mayores anclajes de vivencias y vínculos con el presente y el pasado, hace un recorrido por algunos de los momentos que marcan nuestra existencia vinculándolos con distintos aromas: de la cotidianidad más estresante al asfixiante espesor de los humos de la ciudad, lejanos recuerdos de nuestra infancia a través del olor de café recién molido… «Su poder transportador nos devuelve en cuestión de segundos a nuestro último viaje más místico en un bazar oriental a través de las notas únicas del sándalo o a ese lugar secreto donde cargamos nuestras pilas caminando sin rumbo en un bosque con hierba fresca a nuestros pies», comenta Saül Gómez, que divide su obra en tiempos con títulos tan sugerentes como: Estimulando los sentidos, Hierba fresca, Humo en la ciudad, Jardín de flores y Café amargo.

El objetivo de Javier Llopis cuando encargó este concierto a Saül Gómez, fue “potenciar la creación de composiciones para el requinto, ya que no existe mucho repertorio dedicado a este instrumento. Ya conocía el catálogo de Saül y pensé que era el compositor ideal para hacerlo”. Llopis se encuentra muy satisfecho con el resultado así como que sea con su banda, la Santa Cecilia de Cullera, con la que la estrene, bajo la dirección de Carlos Garcés.

El concierto, que comenzará a las 11:30 horas, en el Auditorio Municipal, se inscribe en el Ciclo de Conciertos de Invierno que organiza el ayuntamiento de la Ribera Baixa.

Javier Llopis

Javier Llopis es concertista internacional y director artístico del Tenerife Clarinet Fest, así como profesor de clarinete en el Conservatorio Profesional de Música de Tenerife y de clarinete en Mi bemol/requinto en el Centro Superior Katarina Gurska de Madrid. Como especialista en requinto, también es invitado con regularidad por la Orquesta Sinfónica de Tenerife. Además, es artista Buffet Crampon, D’Addario Woodwinds, Silverstein y Wi&Fi Mouthpieces.

Natural de Cullera (Valencia), inició sus estudios musicales en la S.M.I. Santa Cecilia de Cullera y los continuó en los conservatorios superiores de Valencia y Tenerife, donde se graduó en clarinete y música de cámara con las más altas calificaciones, y obteniendo premios de honor en ambas especialidades. Posteriormente amplió susestudios en España, Francia, Alemania y Austria con los maestros Alois Brandhofer, Alfred Prinz, J. L. Bergerard, Bertram Egger, Eric Hoeprich y Thomas Friedli.

Actualmente, Javier Llopis está reconocido como uno de los artistas especializados en requinto más destacados, sobre todo por su compromiso con el trabajo por el reconocimiento del clarinete en Mi bemol como instrumento solista y de cámara.

Como solista del requinto ha estrenado obras y ha tocado en España, Italia, Polonia, Brasil, Uruguay, EE.UU., Portugal, Bélgica y Francia.

Saül Gómez Soler

Saül Gómez Soler nace en Ontinyent (Valencia) en 1982. Es Profesor Superior de Música Licenciado en Percusión y Composición por el Conservatorio Superior de Música Joaquín Rodrigo de Valencia. Lo es también en Dirección de Orquesta por el Conservatorio Superior de Música del Liceo de Barcelona.

Ha estudiado dirección de banda en la ISEB en Trento (Italia) con Jan Cober, Felix Hauswirth, Carlo Pirola y Franco Cesarini.

Ha dirigido varias formaciones bandísticas, tanto en España como en diferentes partes de Europa (Salzburgo, Innsbruck, Praga, Berlín, Múnich…). Actualmente es director de la Agrupación Musical Santa Cecilia de Castalla y de la Orquesta Sinfónica Caixa Ontinyent. Es también profesor de orquesta del cuerpo de profesores de música y artes escénicas de la Generalitat Valenciana.

Ha tenido la oportunidad de dirigir a prestigiosos solistas internacionales como Vasko Vasilev, Pacho Flores, José Franch, Francesca Calero, Luís González, Roberto Turlo, Juan Lago o Pablo Zinger, estrenando obras de autores como Bernardo Adam Ferrero o Andrés Valero.

Durante 2018 fue el titular de la Joven Banda Sinfónica de la Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana (FSMCV) con la que estrenó varias obras y ofreció conciertos en la Comunidad, Madrid y Francia.

En el campo de la composición, podemos encontrar sus obras editadas en Piles y Molenaar. Posee además su propio sello editorial.

Participa regularmente como jurado en diferentes certámenes y su música se puede encontrar en diferentes cds.

Ha recibido diferentes encargos como la composición de la obra obligada en el Certamen Internacional de Valencia de 2015, música de cámara para la orquests de RTVE o la obra obligada para el Festival Internacional de Percusión Percute 2016. También ha recibido encargos de prestigiosos solistas internacionales como José Franch o el dúo Madrid Okho.

Ha sido galardonado con diferentes premios y distinciones como la Mención Honorífica de la Excelentísimo Ayuntamiento de Ontinyent. Desde el 2013 es miembro de la Academia de la Música de Valencia así como de la Asociación de Compositores COSICOVA de la cual es miembro de su junta. También pertenece a la Academia de los Grammy.

Actualmente, centra su carrera en la composición de música sinfónica y música para el sector audiovisual. En este ámbito, ha recibido tres nominaciones a los Hollywood Music in Media Awards de Los Ángeles y una para los premios Jerry Goldsmith.

Ha estrenado obras en Vancouver (Canadá), Texas (EEUU) y Madrid (España) y sus composiciones han sido interpretadas en Bélgica, Portugal, Italia, Japón, Canadá, Alemania, Suiza, Taiwán, Colombia…

La Tomatina prepara un amplio programa de actos para celebrar su 75 aniversario

Fuente: http://hoyunclick.es/, 

Redacción.- La Tomatina de Buñol celebra este año su 75 aniversario a través de un amplio programa de actos conmemorativos encaminados a poner en valor esta fiesta que está reconocida como de Interés Turístico.

Internacional.El primero de estos hitos tiene carácter musical, ya que si por algo es conocida esta localidad de la Hoya de Buñol además de por la gran fiesta del tomate, es por su gran tradición musical.

Así, el Ayuntamiento de Buñol y la concejalía de Turismo y Tomatina han encargado la composición de una pieza musical inspirada en su fiesta más internacional, pero centrada en el espíritu y el amor por la música que poseen todos los buñoleros y buñoleras.

De este modo, se aúnan dos rasgos indisociables de este municipio que destaca además por su gran patrimonio cultural y natural como el castillo, la cueva Turche y San Luis entre muchos otros.

El encargado de plasmarlo en una partitura ha sido el maestro Andrés Valero Castells el cual posee en la actualidad la cátedra de composición del Conservatorio Superior de Música, es director principal invitado de la Banda Primitiva de Liria y fundador del ensamble Estudi Obert. Este compositor valenciano destaca por su prolífica obra donde hay obras para banda, música de cámara y piano.

El Maestro Valero Castells ha explicado que esta obra pretende el episodio ocurrido en 1957, momento en el que se prohibió la fiesta y en su lugar se produjo “El entierro del tomate”.

En la sección central se recrea el tradicional ´Palo de Jabón´, que tienen lugar antes de empezar cada Tomatina” explica el compositor y añade que, además, contiene dos motivos extraídos del final del “Himno de Buñol” de Guzmán Carcel (con letra de Manuel Chinchilla), y de la canción “Todo es del mismo color” compuesta por el grupo buñolero de rock “Malsuejeto”, recogiendo de este modo la gran tradición musical de este municipio.

La concejal de Tomatina, María Vallés, ha explicado que tras el homenaje a la fiesta que realizó hace unos años “Malsujeto” faltaba también ese homenaje por parte de la música clásica, porque qué seria Buñol sin sus bandas y por eso pensamos que lo mejor era crear esa unificación entre los dos grandes baluartes de este municipio, la música de banda y su fiesta internacional”.

La alcaldesa de Buñol, Juncal Carrascosa, ha destacado el trabajo del Ayuntamiento a la hora de poner en valor esta longeva fiesta que se celebra desde hace más de siete décadas y ha señalado que con motivo del 75 aniversario el Consistorio prepara un amplio programa de actos que se desarrollarán a lo largo de este año y que tienen como objetivo mostrar que la Tomatina implica mucho más que la batalla que tiñe de rojo Buñol el último mes de agosto.

La Tomatina es motivo de orgullo de todos los buñoleros y buñoleras, no sólo por que recoge nuestro modo de entender la vida, sino porque además forma parte de nuestra tradición y cultura. Somos un pueblo que constamentemente mira al futuro sin perder de vista nuestra historia y tradición y por ello no hemos dejado de mejorar esta fiesta, que se ha convertido en una de las más seguras de España”, asegura la alcaldesa Juncal Carrascosa.

La alcaldesa ha indicado que desde el Ayuntamiento se trabaja para que la parcela turística de Buñol sirva de dinamizador y potenciador de la economia para que promotores y emprendedores encuentren en terreno abonado para lograr el crecimiento de esta localidad.

Por su parte, la concejal de Turismo y Tomatina, María Vallés, ha destacado el hecho de que el titulo responde a que muchos de los participantes experimentan al participar en la Tomatina, “un sentimiento de purificación, de catarsis donde se liberan y experimentan una sensación de puro disfrute y menos en un año como este en el que se cumplen 75 años de de la fiesta”.

Además, la edil ha anunciado que el próximo día 22 de enero presentarán la nueva imagen de la  Tomatina que se renueva con motivo de su 75 aniversario. Una imagen que “realiza un guiño a sus orígenes ofreciendo una imagen limpia y cercana, tal y como es nuestra fiesta que no sólo es acogedora y aglutinadora, sino que además destaca por ser una fiesta sin incidentes que ha logrado cautivar a ciudadanos de todo el mundo”.

Fuente: blogs.laverdad.es/febandasmurcia, Jueves, 16 enero 2020

Si cogiésemos un micro y decidiésemos pasar una mañana en la calle preguntando, ¿qué es la musicología?, probablemente recibiésemos muchas respuestas, quizás no del todo acertadas. Si además acabáramos la entrevista con la cuestión, ¿qué puede aportar un musicólogo a una sociedad musical?, el número de respuestas se reduciría, incluso entre los componentes de una sociedad musical.

Según Wikipedia, a la que los entrevistados acudirían nada más doblar la esquina, “la musicología es el estudio científico o académico de todos los fenómenos relacionados con la música, como sus bases físicas, su historia y su relación con el ser humano y la sociedad”.

No va desencaminada esta definición, pero nosotros definiremos la Musicología como la disciplina científica y universitaria, que tiene como centro de interés “la música”, en el sentido amplio de la palabra. Cualquier asunto relacionado y vinculado con la música (formas, géneros musicales, la relación de la música con el espíritu humano, la música y la sociedad….) es de interés para el musicólogo, a través de un acercamiento científico.

Al musicólogo Guido Adler a finales del s. XIX le debemos la organización de la musicología moderna, que él diferenció entre “musicología histórica” y “musicología sistemática”.

Pero dejemos de momento en este punto la cuestión musicológica y vayamos al origen de las sociedades musicales, es decir, las bandas de música, las cuales han creado una serie de estructuras sociales que se han convertido en patrimonio tradicional y social vivo.

Desde un punto de vista histórico, aunque sabemos que las agrupaciones de viento existían ya en la Antigüedad, las bandas en su sentido moderno constituyen un fenómeno del s. XIX.

Así pues, se trata de un fenómeno general en Europa, que se traducirá en la aparición de formaciones musicales diversas, como las bandas que se desarrollan en gran parte de España, mientras que en las zonas más industrializadas de Cataluña son las formaciones corales las encuentran una situación propicia.

En España, la invasión francesa durante la Guerra de la Independencia (1808) permitió conocer el modelo de banda de los ejércitos franceses. La plantilla de los regimientos de infantería de Napoleón, junto con el modelo del conservatorio francés, fueron imitadas en distintos países de Europa y América, de una forma rápida.

Sin embargo, será en fechas posteriores a la guerra de la Independencia cuando comience a surgir un incesante número de bandas en todo el país y en mayor número en la zona de Levante. Es el momento de la revolución burguesa en España, del desmantelamiento del Antiguo Régimen, teniendo como modelo a Francia.

También en lo referente a las agrupaciones de viento se van a imitar las estructuras de las bandas militares que acompañaron al ejército francés, aunque confiriéndoles un desarrollo y forma particulares. Estas nuevas formaciones dividían sus actuaciones en conciertos y la participación en las fiestas populares, y contaron para su desarrollo en un principio con profesores de música: los organistas y maestros de capilla.

Una de las razones que explica la proliferación de bandas en nuestro territorio objeto de estudio es la importancia del asociacionismo, cuyos orígenes se remontan al siglo XIX, época de grandes convulsiones político-económicas que conllevaron cambios sociales y una consecuente laicización de la sociedad, presente también en el resto de Europa.

En el año 1903 el gobierno español aprueba la ley de asociacionismo, que va a permitir convertirse a estas bandas en “Sociedades Musicales”. Se trata de un asociacionismo que perdura con gran fortaleza todavía en el siglo XXI, con grandes cambios y lo retos lógicos que implica el presente momento histórico.

Y llegados a este punto, es donde se entrelazan los papeles de la musicología y las sociedades musicales. Probablemente podríamos pensar que el papel del musicólogo en una sociedad musical podría ser el de documentación, recuperación de archivos, elaboración de la historia de la sociedad…, todo ello relacionado con la vertiente histórica de la musicología, quizás la más conocida.

Pero lo cierto es que queremos ir un poco más allá, en realidad deberíamos ir un poco más allá. Las sociedades musicales actuales distan mucho de aquellas primeras agrupaciones, de carácter amateur en todas sus manifestaciones. Sin embargo las modernas bandas, han conseguido un alto grado de profesionalización, que ha propiciado la creación de escuelas musicales de gran calado y con novedosos e interesante proyectos muy a tener en cuenta en la educación musical y en la actual oferta cultural. Es cierto que el “cuerpo de la banda” sigue basándose en el amateurismo, que es el mayor valor de estas sociedades y su razón de ser, pero su preparación y su mantenimiento exige un alto grado de profesionalización, empezando desde el nivel logístico, siguiendo por el administrativo, y llegando al educativo y de gestión cultural (qué programar, cuándo, actividades más allá del tradicional concierto, interactuación con todas las instituciones sociales, desde las enseñanzas regladas a las sanitarias y sociales).

Y es aquí donde encaja el perfil técnico del musicólogo. Es cierto que leyendo este último párrafo casi podríamos imaginar un escenario ideal, en el que la banda de música es parte activa de todo el conjunto social. Y lo es, pero el escenario no es tan ideal, ya que la legislación que atañe a todo lo referente a las sociedades musicales o es obsoleta o está realizada por ajenos a la materia que desconocen las necesidades actuales de las sociedades musicales.

En el momento actual una Sociedad Musical es una institución que tiene mucho que aportar a la sociedad, en múltiples aspectos (musical, educativo, humano…). Pero no podemos pensar en ellas con la misma mentalidad con la que surgieron, y es por eso que musicología y sociedades musicales se dan la mano para seguir escribiendo la historia de este apasionante mundo.

Asunción Belda Castillo.
Licenciada en Historia y Ciencias de la Música.

Fuente: 15 enero, 2020 Escrito por diapason

Ha existido, desde mucho tiempo atrás, un fuerte vínculo entre estos dos conceptos. La cuestión principal que surge cuando se habla de la relación entre la música y las emociones es la siguiente:  ¿Nuestra cultura  ha creado unos estereotipos musicales que  por costumbre se asocian a  una emoción concreta? O por el contrario, ¿es la propia música la que lleva implícita, desde su origen, características que nos hacen relacionarla con ciertas emociones? Si un bebé recién nacido escucha música de diferente carácter, ¿este logra asociarla desde tan temprano a una emoción en particular?

La posible respuesta a este debate ha de buscarse en el principio de esta relación. Si la música ha sido uno de tantos medios para expresar lo que una persona siente, esta estará desde el principio muy vinculada al carácter de este sentimiento. Por tanto se puede llegar a la conclusión de que la música se crea a partir de la imitación de situaciones o emociones vividas.

La música ha estado al servicio del ser humano, ha sido creada y modelada según las necesidades del hombre. En la prehistoria, el ser humano producía sonidos de alerta para comunicarse con los demás de su raza. Aquí comienza la música como lenguaje, a partir de imitar situaciones  o advertir de peligros mediante el golpe de dos piedras, la  percusión corporal o gritos y gemidos que podrían ir derivando en pequeñas frases y versos, pudiendo formar así pequeñas canciones utilizadas para animar en tareas de supervivencia, celebrar una buena caza o incluso despedir a los difuntos.

El lenguaje de la música ha ido evolucionando desmesuradamente hasta nuestros tiempos, pero el principio de esta relación es el mismo: sonidos por los cuales intentamos expresar o comunicar a otros cómo nos sentimos. Pero el hecho curioso que motiva este ensayo  es  que socialmente siempre se ha asociado un carácter musical con una emoción concreta y, personalmente, no creo que esto sea un mero estereotipo que se ha ido imponiendo sin más.

Por ejemplo: cierta música lenta, con melodías que no se mueven demasiado en el registro o con un  rango dinámico suave es  relacionada  con una emoción de tristeza o melancolía; mientras que una música con ritmo marcado, con melodías muy activas en todo el registro, con un rango dinámico bastante amplio y sonoridad brillante se suele relacionar con alegría o euforia.

A pesar de todo esto, la música es totalmente subjetiva, y si hiciéramos el experimento de tomar una persona de una tribu que nunca ha escuchado nuestra música y le preguntáramos qué sentimiento le inspira cada fragmento musical que le hacemos escuchar, seguramente sus respuestas serían una sorpresa para nosotros. Esto es debido a que la música está muy ligada a la cultura y a la forma de vida  de  cada  civilización. Pero entonces, ¿qué componente básico podría ser el que, desde el origen, ha establecido la relación primitiva entre la música y las emociones? Este no puede ser otro que el ritmo.

El ritmo fue el propio origen de la música y a  partir de él se  plantea  la siguiente hipótesis: ¿Tiene el ritmo musical relación directa con el ritmo cardíaco del ser humano?

Es cierto que cada emoción que vivimos altera por completo el funcionamiento de nuestro organismo, incluyendo el ritmo cardíaco y la presión arterial. El miedo acelera nuestro corazón a partir de la adrenalina que el cerebro libera, para así poder actuar rápido en una situación de peligro. En una situación de tristeza, el ritmo cardíaco se ralentiza y nos sentimos más débiles. La alegría, en  cambio, hace que todos los niveles  del organismo se equilibren, así como el ritmo y la presión cardíaca.

Existen numerosos estudios en los que, mediante experimentos, se demuestra cómo los latidos del corazón de un individuo que está escuchando una música determinada se intentan adecuar al ritmo de esta música. Si la música es lenta, el ritmo cardíaco tiende a descender y asemejarse al ritmo de la canción, y al contrario con música que tiene un ritmo rápido. Siguiendo esta teoría, un bebé podría percibir el ritmo de la música que escucha y que este sufriera una leve alteración cardíaca que le incite un estado anímico concreto.

Todo esto fortalece la idea de que puede haberse creado música con cierto ritmo en relación con el ritmo cardíaco asociado a cada emoción.  Pero, personalmente, no creo que esta sea la única explicación de la relación entre música y emociones.

El ser humano no ha sido consciente, desde el principio, de todas estas alteraciones del organismo. Sin embargo, si se ha percatado  del reflejo de estas en la expresión, sobre todo en la  expresión  vocal.  Sabemos que la música ha estado asociada al lenguaje desde su origen y, de alguna manera, una melodía es semejante a una frase hablada; ambas intentan expresar una idea concreta. Además, siempre se ha tratado de imitar con música lo que queremos decir con palabras.

Podemos establecer, pues, una relación entre la expresión vocal de un individuo y la imitación de sus características (de la voz) en  una  melodía. Tan solo escuchando el tono de voz de una persona que está hablando ya podemos saber en qué estado de ánimo se encuentra.

Si los sentimientos o emociones son reflejados a través del habla, podemos llegar a otra conclusión importante. Mientras el ritmo musical imitaba el ritmo cardíaco causado por una emoción, la  melodía podría ser   el reflejo del tono de voz de una persona con un estado de ánimo concreto. Se podría asociar una voz triste con un tono apagado, con pocas oscilaciones en las alturas, sin saltos bruscos o  movimientos enérgicos.  Por el contrario, una persona que está eufórica mostrará un tono de voz mucho más agitado, más agudo y con un movimiento notable en  su  registro. Y estas mismas características son las que, a la hora de crear música, pueden haber sido tomadas para que la propia música tome este carácter.

A partir de estas relaciones básicas se ha desarrollado un lenguaje mucho más desarrollado a la hora de componer, pudiendo ahondar mucho más en la tarea de expresar estas emociones mediante herramientas de ritmo, armonía, motivos y timbres.

Como conclusión, podríamos encontrar el origen primitivo de la relación entre música y emociones en estos dos conceptos: ritmo  y  melodía. Estos son los que pretenden imitar el ritmo cardíaco y el tono de voz de una persona con un estado de ánimo concreto. Es así que la música ha sido creada por el hombre y ha sido desarrollada y manipulada para  cubrir sus necesidades expresivas.

Sin embargo, la cultura y los estereotipos han tenido un papel fundamental a la hora de identificar ciertos motivos  o  sonoridades musicales con situaciones o sentimientos. Tanto es así que cualquier persona de nuestra civilización daría por acertados estos estereotipos impuestos. Pero, a pesar de esto, un bebé recién nacido que todavía no ha sido “manipulado” por la sociedad, siempre asociará una música de ritmo rápido y grandes saltos en su melodía con la euforia, la  actividad (comenzará a moverse imitando el ritmo) y alegría. Y al contrario con una música de carácter triste o tranquila. Todo esto teniendo en cuenta que el bebé ya ha escuchado las voces de su familia mientras estaba dentro del vientre, aprendiendo inconscientemente a asociar el tono de la voz con la emoción que lo provoca.

David Pérez Giménez.

El curso para intérpretes, una iniciativa de la Fundación CdM, pretende paliar la carencia de estudios y difusión de un repertorio singular en torno al patrimonio musical de la Edad Media al siglo XVIII

Los conciertos, con entrada libre, se celebrarán en la Capella de la Sapiencia de La Nau, mañana viernes 17 de enero a las 19.30h; y en la Iglesia de San Nicolás de Requena, el sábado 18 a las 19h

El programa, que girará en torno a la comedia madrigalesca de la Italia del Renacimiento tardío, abordará la obra satírica de Adriano Banchieri (1568-1634), una composición dinámica y divertida

Carles Magraner, director de Capella de Ministrers, ha mostrado su satisfacción por el “alto nivel y talento de los alumnos” y ha destacado “la proyección artística que atesoran”

El método de enseñanza de la Academia CdM es abierto, para potenciar el emprendimiento y reforzar el discurso artístico de los intérpretes y se centra tanto en la vertiente teórica como en la práctica

Valencia, 16 de enero de 2020

La Academia CdM es un proyecto de Capella de Ministrers con el que esta formación pretende canalizar su dimensión pedagógica y paliar la carencia de estudios y difusión de un repertorio singular en torno al patrimonio musical de la Edad Media al siglo XVIII. Está dirigido a jóvenes intérpretes y estudiantes y tiene como objetivo incrementar su experiencia e impulsar su integración en el mundo profesional. [Ver documentación adjunta].

El curso, que se desarrolla del 14 al 18 de enero en la Universitat de València, se clausurará con dos conciertos, con entrada libre hasta completar el aforo, en la Capella de la Sapiencia del Centre Cultural La Nau, mañana viernes 17 de enero a las 19.30h; y en la Iglesia de San Nicolás de Requena, el sábado 18 a las 19h. El director de la Academia CdM, Carles Magraner (violas de arco), Robert Cases (viola de mano, laúd y tiorba), y Toni Aparisi (dirección escénica), ofrecerán el repertorio trabajado junto con cantantes e intérpretes en estas actuaciones.

En esta tercera edición, el programa del concierto girará en torno a la comedia madrigalesca, un género que nace en la Italia del Renacimiento tardío. Se abordará la obra Festino de Adriano Banchieri (1568-1634), una comedia de 1608 compuesta por una colección de 20 piezas que recrean un festín. Esta composición dinámica y divertida es marcadamente satírica, no solo por sus textos cómicos sino por que cada pieza es una burla al lenguaje musical de la época. En esta opera temprana, Banchieri refleja ideas muy avanzadas sobre la literatura y el arte.

El método de enseñanza de la Academia CdM es abierto para potenciar el emprendimiento, reforzar el discurso artístico de los intérpretes y se centra tanto en la vertiente teórica como en la práctica. Constituye una oportunidad única para los alumnos de actuar con Capella de Ministrers, bajo la dirección de Magraner, en lugares emblemáticos; permite conocer la dinámica de trabajo de un ensemble de música antigua, el trabajo creativo que hay detrás de un programa de concierto, así como comprender su discurso artístico y la evolución del mismo.

Alto nivel y talento
Los alumnos adquieren habilidades indispensables en el mundo profesional como son la improvisación, la transposición, la actitud en el escenario, la complicidad con los compañeros y promueve en el alumno una actitud creativa. Magraner ha mostrado su satisfacción por el “alto nivel y talento de los alumnos, tanto cantantes como intérpretes”, ha destacado “la proyección artística que atesoran por su interés y compromiso con el trabajo que hemos desarrollado”, y asegura que “el público podrá apreciarlo en los conciertos que ofreceremos en Valencia y Requena”.

La iniciativa, realizada con la colaboración de la Fundación Cultural CdM, Institut Valencià de Cultura, Universitat de València y de la concejalía de Patrimonio y Recursos Culturales del Ayuntamiento de Valencia, se desmarca del academicismo establecido en las actuales enseñanzas musicales y tiene como objetivo proporcionar nuevas experiencias musicales a todos los participantes recreando música de la Edad Media, Renacimiento y Barroco conjugando criterios de praxis, musicológicos y etnomusicológicos que permitan descubrir y desarrollar tareas relacionadas con la interpretación, puesta en escena, actitud del músico en el concierto, improvisación, mensuración, ornamentación, organología, la música ficta, contrapunto…

– Más fotografías
https://capelladeministrers.com/es/
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DOCUMENTACIÓN

– Academia CdM
https://academiacdm.es/academia/

–  Fundación Cultural Capella de Ministrers
https://culturalcdm.eu/

– Capella de Ministrers
http://www.capelladeministrers.es/index.php/home/biografia-cdm.html

– Carles Magraner
http://www.capelladeministrers.es/index.php/home/biografia-carles-magraner.html

– Discografía (Fichas técnicas y documentación)
http://www.capelladeministrers.es/index.php/discografia.html

– Youtube
https://www.youtube.com/user/capelladeministrers

El Micalet considera un éxito de participación el desfile festivo y solidario en su quinta edición en el que han participado más de 500 personas de 48 organizaciones culturales y numeroso público

Las Magues de Gener han repartido a los niños magia, regalos artesanos (flores de papiroflexia, cuentos, pegatinas, chapitas, banderines…), semillas, caramelos, naranjas… bajo el lema L’Horta no es toca

La actuación de Al Tall, que se ha reunido excepcionalmente para la ocasión, y del grupo Pignatelli ha sido una de las grandes novedades de esta edición al término de la cabalgata

Tonetxo Pardiñas, presidente del Micalet, ha asegurado que “el balance es muy positivo, esta edición impulsará la consolidación de una celebración solidaria e inclusiva que mejoramos año tras año”

Cristina Escrivà, coordinadora del proyecto, subraya que “la respuesta de la ciudadanía nos invita a seguir trabajando en este proyecto para disfrutar de la alegría y la ilusión de la infancia”

València, 12 de enero de 2020

La Cabalgata de las Magues de Gener, organizada por la Societat Coral el Micalet, ha llenado esta mañana las calles de Valencia de música, ilusión, alegría y color en la quinta edición de esta expresión cívica, festiva y multicultural, destinada a los niños y niñas, que ha celebrado el solsticio de invierno bajo el lema L’Horta no es toca.

La sociedad musical había convocado a la ciudadanía a esta cabalgata, que culmina la Fiesta de la Infancia 2020, en la que han participado más de 500 personas en grupos de dolçaina i tabal, batukadas, muixerangues, grupos de danza, formaciones musicales, gigantes y cabezudos, animadores, asociaciones, instituciones… Un público numeroso, y en especial los pequeños, ha disfrutado de este desfile laico que es posible gracias a la colaboración solidaria y altruista de más de 48 organizaciones culturales de diversas comarcas de Alicante, Castellón y València.

Las Magues de Gener, encarnadas este año por la periodista y exdiputada en las Corts Valencianes, Llum Quiñonero (Libertad); la profesora de inglés y sindicalista, Beatriu Cardona (Igualdad); y la profesora y ecologista, Lucrecia Manzanares (Fraternidad-Sororidad); han repartido magia con serpentinas, pequeños regalos artesanos (flores de papiroflexia, cuentos, pegatinas, chapitas, banderines, separadores de libros, caretas de niña luna y niño sol), semillas de habas, garrofó, maíz y caramelos, globos, naranjas… en un año en el que sus varitas mágicas estaban rematadas con hortalizas como metáfora de la defensa de la comarca de L’Horta.

La cabalgata ha tenido el mismo recorrido que en años precedentes: ha comenzado en el Parterre y ha seguido por las calles de la Paz y San Vicente hasta llegar a la plaza del Ayuntamiento donde las protagonistas han ofrecido unos breves discursos desde el balcón del consistorio.

Libertad, Igualdad, Fraternidad-Sororidad
La maga Libertad ha dicho que el valor que ella encarna “es una bocanada de aire fresco, el alimento de los sueños, la materia para mirar lo que nos rodea, para abrir nuevos caminos. La Libertad es la madre de la audacia, de la creatividad, del cambio, del crecimiento para niños y niñas que también sois ciudadanía y la materia con la que construir sociedades más justas”.

Igualdad ha expuesto a los niños que “tenéis que recordar siempre que todas las personas hemos nacido iguales, tenemos el mismo derecho a vivir en paz y felicidad, y a poder cumplir nuestros sueños. Quien dice que somos diferentes se equivoca porque sólo ve un color en la piel, un cuerpo de mujer o de hombre, un origen próximo o lejano, y se pierde lo más importante: el corazón que late dentro de todas las personas es igual”.

Fraternidad-Sororidad ha destacado en su discurso que estos dos conceptos “han hecho posible la evolución de la humanidad; sin ellos, nadie ayudaría nadie, la gente no se abrazaría, no se cogería de la mano; no podríamos aprender de los otros. Estos valores ha indicado “nos ayudarán a estar más cerca entre nosotros y más cerca de la tierra”.

La actuación de Al Tall, que se ha reunido excepcionalmente para la ocasión, y del grupo Pignatelli ha sido una de las grandes novedades de esta edición al término de este desfile festivo. Pignatelli ha interpretado diversas albaes dedicadas a las Magues de Gener y a L’Horta, y Al Tall ha seguido la celebración cantando Tio Canya. El acto ha finalizado con la actuación de las muixerangues acompañadas por todos los grupos de dolçaina i tabal.

Un éxito y balance muy positivo
Tonetxo Pardiñas, presidente de la Societat Coral el Micalet, ha asegurado que “la cabalgata ha sido todo un éxito y el balance es muy positivo por el incremento de participantes y por la presencia y felicidad de muchos niños”. Pardiñas considera que “es una edición que impulsará la consolidación de una celebración solidaria e inclusiva que intentamos mejorar año tras año”.

Por su parte, Cristina Escrivà, coordinadora del proyecto y miembro de la junta directiva de la sociedad musical, subraya que “la respuesta de la ciudadanía nos invita a seguir trabajando en este proyecto para disfrutar de la alegría y la ilusión de la infancia. Escrivà, ha afirmado que “hemos visto una cabalgata muy bonita, repleta de emociones y con tres mujeres como referentes; tenemos que agradecer la solidaridad y el altruismo de asociaciones y personas, por compartir su música, danzas, canciones, animaciones… con los pequeños”.

Actividades culturales
El Micalet ha realizado diversas actividades culturales que han jalonado la Fiesta de la Infancia desde hace dos semanas. La sociedad musical publicó el libro Cançons laiques 2 en el que han participado 15 poetas que han colaborado en este trabajo que incluye un disco con diversas canciones infantiles e inauguró la exposición La magia de la infancia, con fotografías de Miquel Gómez Sahuquillo.

La entidad también presentó el libro La ilusión nos une, que recopila gráficamente las cuatro ediciones precedentes bajo el prisma de diferentes fotógrafos que han reflejado en sus instantáneas la alegría de las niñas y niños al paso de la cabalgata y la participación de la ciudadanía. Asimismo, el Centre del Carme recibió, el jueves pasado, la visita de las Magues de Gener que hizo entrega de unas semillas a los niños, un obsequio relacionado con el lema de esta edición.

Experiencia inolvidable
Las magas de anteriores ediciones, tras un lustro de Fiesta de la Infancia, valoran su participación en la cabalgata como una “experiencia inolvidable” y fantástica en la que “se sitúa a la mujer en un punto álgido”. El gozo, la felicidad, los valores de hermandad, humanidad, el respeto a otras culturas y ver la ilusión de los niños supusieron “un regalo” en un día “cargado de magia” y de  “sentimiento de orgullo”.

Estas mujeres experimentaron un cúmulo de emociones que les contagiaron “los niños con sus sonrisas” y la importancia de ver que habían paseado “los tres valores más grandes que tiene la humanidad” y eso supone abrir un camino de esperanza y “una oportunidad de cambio” porque “la felicidad es siempre revolucionaria”. La ayuda de las personas y de un tejido asociativo que crea belleza y la comparte es fundamental, “la magia, como la vida, pide una fuerte dosis de voluntad e ilusión”.

Un grupo de dolçaina i tabal

Muixerangues en la plaza del Ayuntamiento de Valencia

Cabalgata de las Magues de Gener

FOTOGRAFÍAS

– Más fotografías de la Fiesta de la Infancia
https://www.dropbox.com/sh/9kuxclvvzjigq1o/AAApGc2BBwqjMat6ttnmJ_mka?dl=0

AUDIOS

– Canciones incluidas en los libros Cançons laiques 1 y 2
https://www.dropbox.com/sh/9kuxclvvzjigq1o/AAApGc2BBwqjMat6ttnmJ_mka?dl=0

VIDEOS

– Videos de la Cabalgata de la Fiesta de la Infancia
https://www.dropbox.com/sh/9kuxclvvzjigq1o/AAApGc2BBwqjMat6ttnmJ_mka?dl=0

DOCUMENTACIÓN

– El Micalet
http://elmicalet.cat/

– Facebook. Fiesta de la Infancia. Magues de Gener
https://www.facebook.com/maguesdegener/?eid=ARDSKHpk7GgwIUWo7MaejrQobfzItXqkI6iL7Dr6rldqJxm2I5OQmU6ue_WXiEXQKCALiz9RPgMwLqHR