Artículos externos de la Confederación

Fuente:  Escrito por diapason, 24 septiembre, 2020

CONCIERTO GALDOSIANO

para dos trompetas y orquesta (nº 3) (2020-AV93)

I.- Celinina (8’)

II.- El carpintero y el duque (6’35’’)

Obra escrita por encargo de la Fundación SGAE y la AEOS, a propuesta de la Orquesta de Valencia. El estreno será el 10 de noviembre de 2020 en el Palau de  les Arts Reina Sofía de Valencia, a cargo de los solistas de la OV y amigos Francisco Javier Barberá y Raúl Junquera, con la Orquesta de Valencia, bajo la dirección del maestro Leopold Hager.

Este año 2020 se celebra el centenario de la muerte de uno de los escritores más insignes de la historia de la literatura: Benito Pérez Galdós (1843-1920). Por ello he dedicado el concierto a su memoria, basándolo en dos de sus relatos breves. Al mismo tiempo dedico esta obra a la memoria de Julio Andrade Malde (1939- 2020), buen amigo y eminente crítico musical, fallecido durante la presente pandemia.

El primer movimiento, Celinina, está basado en el cuento de navidad “La mula y el buey”, que Galdós escribió en 1876. Con esta pieza trató de reflejar la tragedia de la muerte de la niña, que evoluciona desde el lamento inicial hasta el conmovedor ascenso al cielo de su alma, eso sí, después de conseguir sus juguetes preferidos, la mula y el buey del belén navideño. El lamento, que funciona a modo de introducción, queda reforzado por la metamorfosis tímbrica del sonido brillante al oscuro de las trompetas; a continuación se desarrolla una música que pretende evocar la tristeza fúnebre, y en la 2ª y última sección la elegía da paso a la inocencia infantil de la niña jugando y volando hacia su nuevo destino; la imagen sonora con la que concluye trata de reflejar un cielo estrellado, en el que viven eternamente las almas de los niños. Los centros tonales utilizados son los de DO menor, Sol menor y Mib Mayor. Para todo ello me he servido de varias citas musicales que paso a detallar.

Galdós, que también fue músico, sentía verdadera devoción por Ludwig van Beethoven (1770-1827), de quien este mismo año celebramos el 250 aniversario de su nacimiento. Según el especialista en Galdós Vernon A. Chamberlin(1), era tal la admiración que sentía por Beethoven que, escribió su obra maestra Fortunata y Jacinta (1885-87), siguiendo el plan estructural de la Sinfonía nº 3 Heroica, Op. 55 (1803-04). Por esta razón, utilizo el tema principal de la marcha fúnebre del 2º movimiento de la Sinfonía Heroica beethoveniana. Dicho tema aparece en tres ocasiones, y suena superpuesto con un fragmento del Estudio Característico nº 2 para trompeta de Jean Baptiste Arban (1825-89); su Gran método completo para  corneta (1864), que incluye la pieza que cito, aún sigue utilizándose hoy en día. Pero el pedagogo y cornetista francés, también fue director de orquesta, y en 1865 dirigió una serie de conciertos en Madrid, interpretaciones que Galdós recogió en sus críticas periodísticas(2). Del Estudio nº 2 de Arban, además de la frase con idéntica estructura armónica que el tema fúnebre beethoveniano, también utilizo el motivo inicial.

Inmediatamente después de la 1ª aparición del tema fúnebre, utilizo la 2ª sección de mi obra Gabadafà (1999-AV34)(3), en la que creé dos breves temas, descomponiendo en una doble capa un ejercicio muy apreciado por los trompetistas, que proviene del Estudio nº 2 del método que Herbert L. Clarke (1867-1945) escribió en 1912. Este material temático se entremezcla con las fuentes anteriormente explicadas.

Para la 2ª sección de Celinina, he utilizado la 1ª frase del tercer movimiento del Septeto Op. 20 que Beethoven compuso en 1799. Invocar tan célebre minueto, de carácter juguetón, es debido a que Galdós escribió en una crónica de 1886:

“Su gran Septeto, adaptado a orquesta por Monasterio, es, a mi parecer, la cúspide de la inspiración musical y el punto más alto al que puede llegar entre los humanos la interpretación o la adivinación de lo divino”.

Reproduzco a pie de página otro extracto de la crónica de Galdós(4), porque pone de manifiesto el culto que rendía al genio de Bonn, y desde mi punto de vista justifica plenamente la inclusión de citas beethovenianas en una obra compuesta a partir de la literatura galdosiana.

Del mismo modo que el tema fúnebre de la Heroica posee unos pilares que albergan plácidamente el tema de Arban, el minueto del Septeto acoge en perfecta conjunción la primera semifrase del segundo movimiento del Concierto en Mib  para trompeta (1796) de Franz Joseph Haydn (1732-1809). No solamente es una música excepcionalmente apreciada por los trompetistas, la utilizo porque en los años en los que Beethoven compuso la que sería obra predilecta de Galdós, y  Haydn su concierto (tres años antes), ambos mantenían una estrecha relación profesor-alumno.

Por último, todavía podemos reconocer a un invitado más en esta ceremonia trompetística por la niña galdosiana. En 1950 se escribió otra de las obras más apreciadas por nuestra comunidad (me refiero a la de trompetistas y ex- trompetistas, como es mi caso), estoy hablando del Concierto para trompeta y orquesta de Alexander Arutiunian (1920-2012), de quien también este año 2020  se celebra su centenario. Únicamente utilizo el motivo que abre su popular Concierto, inicialmente de forma textural, y a lo largo de Celinina como elemento estratégico unificador, casi siempre como gesto anacrúsico.

Como conclusión diré que si bien hay mucho material sonoro externo, no he pretendido la mezcla a modo de collage, sino glosar músicas todas ellas por alguna poderosa razón, intentando que convivan como si de personajes de novela galdosiana se tratara. He de decir además que el pretexto ha sido la prodigiosa narrativa de un escritor, y músico, que aprecio en todas sus dimensiones, pero el sobrecogimiento que sentí con la lectura de su cuento navideño, me hizo querer de inmediato a Celinina, aunque más que como personaje en sí, como símbolo de una de las circunstancias más descorazonadoras que existen en la vida, como es la pérdida de un niño.

El 2º movimiento, El carpintero y el duque, está basado en el relato “Una industria que vive de la muerte; episodio musical del cólera”, que Galdós escribió en 1865. Ese año, además de escribir las críticas de los concierto dirigidos en Madrid por J. B. Arban, Galdós vivió muy de cerca una de las terribles pandemias de cólera que tuvieron lugar en el S. XIX(5). Debo confesar que al sumergirme hace meses en la lectura de obras de Galdós, y a pesar de que este cuento está considerado tal vez, como uno de sus escritos con mayores referencias sonoras y musicales, lo deseché por ser excesivamente tétrico. No obstante, mientras escribo estas líneas llevo 25 días de confinamiento debido al virus Covid-19, que desgraciadamente está asolando el mundo. Esta terrible concomitancia histórica con los hechos que motivaron el relato de Galdós, me han llevado a replantearme  la idea de utilizar este cuento, que por otra parte es un primor literario. Sin obviar que ya la protagonista del cuento anterior falleció por una terrible fiebre, aunque sin especificar.

En este 2º tiempo del concierto hay algún gesto descriptivo, como recrear inicialmente el sonido del martillo y los clavos(6) del carpintero fabricando ataúdes, o el trinar de los pájaros hacia el final, aunque he decido utilizar un sistema sonoro más abstracto que en el movimiento anterior. Los dos sonidos predominantes, que actúan como centros son el FA y el DO (pensando en una especie de F-antasía sobre el C-ólera). A partir de dichos sonidos, el fluido melódico está originado por un sistema de transformación de texto en sonido, basado en la mecánica del popular juego de mesa Scrabble(7). Este sencillo sistema consiste en aplicar a cada letra un valor numérico que influye sobre su duración y su altura. Normalmente se subraya la sílaba tónica de cada palabra, y al ir encadenando sonidos, el mayor o menor valor del inmediato anterior provoca un descenso o aumento de altura. Una vez obtenido el motivo sonoro en cuestión, puntualmente se le aplican procedimientos puramente musicales, como la inversión interválica, la aumentación o disminución de valores, la ornamentación de diferentes modos, o la combinación canónica.

Al final de este texto podemos ver la tabla de transformación y los textos utilizados y transformados.

Según va avanzando el movimiento, los motivos derivados de la transformación se convierten en el flujo de un sarcástico vals, a modo de danza macabra, que en su última parte alberga una doble cita. Escucharemos una referencia amalgamada a los estribillos de dos canciones con el mismo título: “Resistiré”. La que popularizó el Dúo Dinámico(8) en 1988, se ha convertido en una especie de himno oficial de la sociedad española por la crisis sanitaria derivada de los eventos pandémicos que vivimos. Pero algunos, sin poner objeción alguna a esa elección, creemos que la otra “Resistiré” sirve igualmente como himno; se trata de la canción que popularizó el grupo de rock Barón Rojo(9) en 1982; además, esta mítica banda también está de aniversario en 2020, puesto que cumplen 40 años de carrera.

Aunque muy de pasada, también hay un guiño al motivo inicial del tercer tiempo del “Concierto” en Mi o Mib para trompeta que Johann Nepomuk Hummel (1778-1837) escribió en 1803; sin duda, otra de las obras emblemáticas por las que hemos pasado todos los trompetistas.

Las dos piezas que componen este concierto están basadas sobre dos cuentos del mismo autor, en los que entre otras coincidencias(10), me llamó la atención el hecho de que ambos protagonistas mueren, y los dos son enterrados con su objeto más significativo entre las manos. En el caso de Celinina las figuritas de la mula y el buey, y en el caso del carpintero el martillo con el que creó su última obra: el ataúd que iba destinado al duque y en el que fue enterrado. Al igual que todos nos iremos algún día, si el virus contemporáneo que nos acecha se me  llevara por delante, no se me ocurre mejor objeto para portar entre mis manos que la partitura que acabo de componer y que con tanto cariño estoy describiendo.

Para concluir me permito parafrasear al gran escritor Isaac Asimov (1920- 1992), quien nació exactamente dos días antes de la muerte de Galdós, por lo que también está de centenario, y dijo que el problema no está en la muerte, únicamente en la transición, puesto que la vida es agradable y la muerte es  pacífica.

Andrés Valero-Castells.

www.andresvalero.com

 

  • Tabla de transformación:

(Valor 1 =semitono/corchea)

  • V 1 = A, E, I, O, U – separación entre palabras
  • V 2 = N, L, R, S -coma
  • V 3 = T, D, G, B – punto y coma, dos puntos
  • V 4 = C, M, P – punto y seguido
  • V 5 = F, H, V – punto y aparte
  • V 6 = Y, CH
  • V 7 = Q,J
  • V 8 =LL
  • V 9 =Ñ
  • V 10 =RR
  • V 11 =X
  • V 12 =Z

 

  • Textos transformados.

– Una industria que vive de la muerte; episodio musical del cólera.

– Benito Pérez Galdós.

– Galdós.

– Resistiré.

– El carpintero y el duque.

– Cadencia

Plantilla:

  • Solistas: 2 trompetas en Do
  • Quinteto de viento (Flauta, Oboe, Clarinete en Sib, Trompa en Fa, y Fagot)
  • Timbales (4)
  • Percusión (1 músico): Waterfono, Tam-tam (grande), Plato suspendido (crash), Temple blocks (4), Triángulos (2: medio y pequeño), Caja clara
  • Cuerda (mínimo deseable:10-8-6-4-2)

(al menos 1 contrabajo con extensor o 5 cuerdas)


(1) Vernon A. Chamberlin fue profesor emérito de la Universidad de Kansas. Entre otros estudios sobre Galdós, publicó en 1977: Galdós and Beethoven: Fortunata y Jacinta, a symphonic novel.

(2) Para la información acerca de las críticas periodísticas de Galdós me he servido entre otros, de los libros Pérez Galdós y la Música de Pedro Schlueter, Galdós, crítico musical de José Pérez Vidal, y el TFM de Carla Miranda Pérez Galdós, crítico musical en La Nación (1865-68).

(3) Es una composición para trompeta y marimba, publicada por la editorial parisina Gérard Billaudot Éditeur, y premiada en el VII International Composers Competition “Città di Pavia” en 2002. La obra es de 1999, pero fue revisada en 2004.

(4) … Beethoven, conjunto asombroso de todas las cualidades, el numen más robusto, más original, más vario, más atrevido, más patético que Euterpe ha echado al mundo. Lo tengo por el más grande de todos los músicos, y sus obras me parecen la cantera de donde manos hábiles han extraído todas las óperas que se han compuesto en lo que va de siglo. Él trabajó para los demás y creó el arte de sus sucesores. Elevando la sinfonía a un mayor esplendor y dándole todo el desarrollo posible, dejó en ella los gérmenes de la composición dramática en todos sus matices.

(5) Ese año en concreto, murieron más de 120.000 personas en España. El brote llegó por el puerto de Valencia, y la epidemia se propagó rápidamente a Madrid, lugar habitual de residencia de D. Benito en aquella época.

(6) Galdós describe con especial audacia ese sonido, que pasa por ser el hilo conductor de su relato: sonido seco, metálico, penetrante, perenne, agudo, monótono, acompasado, etc.

(7) Ideé ese sistema de transformación por mi gran afición a ese juego, y lo empleé para transformar algunos poemas de mi amigo Carlos Marzal, en el 2º movimiento “Poética” de mi “Sinfonía nº 5, en DO” (2009/12-AV77), para gran banda sinfónica. Posteriormente volví a emplearlo con alguna evolución en mi obra “Cruz de San Andrés” (2017-AV86), para clarinete bajo (con posteriores versiones para fagot, o tuba).

(8) La canción que popularizó el Dúo Dinámico (Manuel de la Calva y Ramón Arcusa) forma parte del álbum “En forma”, el texto fue escrito por Carlos Toro, y la música por Manuel de la Calva.

(9) El tema de Barón Rojo fue escrito por tres de los cuatro miembros originales: José Luis Campuzano “Sherpa”, y los hermanos Armando y Carlos de Castro, con texto de Carolina Cortés; formó parte del disco “Volumen brutal”, y el éxito fue de tal magnitud que tuvieron que grabar una versión del álbum en inglés. Curiosamente Sherpa compuso dos años después la canción “Breakthoven” (también con texto de Carolina Cortés, dentro del disco “En un lugar de la marcha”), como homenaje al compositor de Bonn, y al coincidir la efeméride, tanto de Beethoven como la de Barón Rojo, entre mis planes iniciales estaba citar dicha canción, en lugar de “Resistiré”.

(10) Los dos fueron escritos en el mes de diciembre de su respectivo año, mismo mes en el que los leí buscando inspiración para mi homenaje a Galdós.

Este curso la Escuela Superior de Música de Alto Rendimiento ESMAR ha concedido 5.000€ en becas a estudiantes de su escuela, siendo dos de ellas para alumnos con necesidades de compensación educativa.

Fuente: Nuestras Bandas de Música, 24 Septiembre 2020

ESMAR desarrolla un año más su programa de becas para alumnos con dos becas de excelencia académica ‘Consolat de Mar‘ concedidas ex aequo a los dos alumnos con la nota más alta en las pruebas de acceso, con un total de 1.000€ para cada uno, siendo beneficiarios el saxofonista Miguel Ángel Pacheco y la violinista Belén Clari. Además, este año integran la nueva beca ‘Luis Monzonís‘ con un importe de 1.000€, también con el objetivo de premiar las notas más altas, que este primer año ha sido concedida a Vicente Romero, flautista.

Pero además de premiar la excelencia académica, el programa de becas de ESMAR ha adjudicado dos becas de 1.000€ de la AIE (Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes de España) a otros dos alumnos por motivos de compensación económica.

Además de estas novedades, ESMAR imparte este año diferentes másters propios, destacando el Máster de formación Suzuki grados I-II y Music Mind Games grado I 2020-2021, el Máster de Gospel ‘Gospel Experience Project’, o el Máster en Técnica y Biomecánica Pianística.

Por otro lado, ofrecen formación continua, con las Academias Internacionales de Contrabajo y Trombón y el Seminario Internacional de Oboe, que este año ha tenido que abrir nuevas plazas tras agotarse todas el primer día.

La primera edición, que conmemora el 125 aniversario del nacimiento de José Iturbi, llega a su ecuador con la proyección del documental A propósito de Iturbi, esta tarde, presentado por su director Manuel Gil

Zabaleta abordará el sábado Goyescas, en el programa Amparo Iturbi y Granados, para rendir homenaje a una de las pianistas más destacadas de su generación, que mantuvo una estrecha relación profesional con su hermano

El valenciano Josu de Solaun, único español que ha ganado el Premio Iturbi, pondrá el broche de oro el domingo con la violinista Franziska Pietsch y el Quartetto Indaco a un festival con un alto nivel artístico

Glòria Tello, diputada responsable del Premio Iturbi, ha manifestado que “agradecemos la gran acogida del público y la expectación que está suscitando la primera edición del Festival Iturbi”

València, 25 de septiembre de 2020
El Festival Internacional de Piano Iturbi, organizado por la Diputació de València, llega a su ecuador con la proyección del documental A propósito de Iturbi, esta tarde en el Centre Cultural la Beneficència, actividad a la que seguirán los conciertos que ofrecerán los pianistas Marta Zabaleta, el sábado, y Josu de Solaun junto con la violinista Franziska Pietsch y el Quartetto Indaco, el domingo, que clausurarán esta primera edición que conmemora el 125 aniversario del nacimiento del pianista valenciano José Iturbi.
 
Manuel Gil presentará el documental que dirigió en 2002 y que aporta al Festival Iturbi diversas perspectivas y facetas de la vida del pianista, director y compositor a través de valiosos testimonios y entrevistas a familiares, amigos y sus colaboradores más cercanos. El trabajo aborda los hitos más relevantes de su dilatada y exitosa carrera artística de la mano de personalidades del panorama musical que tuvieron la oportunidad de conocer su trayectoria y proyección internacional.
 

Marta Zabaleta.

Zabaleta abordará el programa Amparo Iturbi y Granados con el que rendirá homenaje a una gran pianista que mantuvo una estrecha relación personal y profesional con su hermano en conciertos y películas. Amparo Iturbi, una de las pianistas más destacadas de su generación, conoció de la mano del compositor Eduardo López-Chavarri a Enrique Granados que la declaró la mejor intérprete de su obra Goyescas, pieza que ofrecerá la intérprete en el festival.

 
La pianista guipuzcoana ha ganado importantes premios en concursos internacionales como el Paloma O’Shea de Santander, Darmstadt, Premio Jaén y Pilar Bayonna de Zaragoza y ha colaborado con prestigiosos directores y orquestas como la English Chamber, Sinfónica de Londres, Sinfónica de Berlín, Sinfónica de Euskadi, de Bilbao, Extremadura, Castilla y León, Murcia, RTVE, Comunidad de Madrid, Galicia, Málaga, Granada, Valencia y Reina Sofía, entre otras. Asimismo, ha sido invitada a importantes festivales internacionales y auditorios, donde cabe destacar su debut en el Carnegie Hall junto a Asier Polo, así como sus grabaciones con reputados sellos discográficos.
 
Glòria Tello, diputada responsable del Premio Iturbi, regidora de Cultura del Ayuntamiento de València y presidenta del Palau de la Música; ha manifestado que “agradecemos la gran acogida del público y la expectación que está suscitando la primera edición del Festival Iturbi”. Tello, ha subrayado que “este maravilloso resultado nos reafirma en el proyecto que trazamos en esta nueva etapa, con la creación de un acontecimiento musical internacional que debemos impulsar y garantizar su continuidad en el futuro”.
 
Por su parte, Óscar Oliver, coordinador del festival, ha asegurado que “este acontecimiento musical refleja el nivel del Premio Iturbi, concurso bienal que se celebrará en 2021, año en el que celebraremos el 40 aniversario, y al que invitamos a inscribirse a pianistas de todo el mundo en una convocatoria que finaliza el 31 de octubre”.
 
De Solaun e Iturbi

El pianista valenciano Josu de Solaun en concierto. Autor: ©SFB.Santiago García

El valenciano Josu de Solaun, único español que ha ganado el Concurso Internacional de Piano de Valencia en 2006, y el George Enescu de Bucarest en 2014 entre otros relevantes galardones como el de la Unión Europea en 2009, pondrá el broche de oro a un festival con un alto nivel artístico. Ofrecerá el programa El Premio Iturbi junto con la violinista alemana Franziska Pietsch y la formación italiana Quartetto Indaco.
 
De Solaun y Pietsch han forjado desde 2017 una asociación notable y vienen ofreciendo numerosos recitales en Europa en una intensa y “electrizante” colaboración artística que continuará en los próximos meses, tras el parón y aplazamientos que ha motivado la crisis del Covid-19. Los artistas han grabado dos discos para el sello Audite, Strauss & Shostakovich en 2019 y Fantasque en 2020 con obras de los compositores franceses Gabriel Fauré, Claude Debussy, Maurice Ravel y Francis Poulenc, que han cosechado los elogios de la crítica especializada.
 
En el último concierto, los dos intérpretes subirán al escenario con el Quartetto Indaco, un grupo invitado a numerosos festivales e instituciones musicales de Europa. Su labor artística, en la que aborda el repertorio clásico y la música contemporánea, ha sido reconocida en diferentes concursos y ha colaborado con músicos de renombre internacional.
 
Proyección internacional
De Solaun es uno de los pianistas españoles con más proyección internacional, ha actuado en numerosos países de América, Asia y Europa como recitalista y solista junto a prestigiosas formaciones como la del Teatro Mariinsky de San Petersburgo, Orquesta de Cámara Rudolf Barshai de Moscú, Filarmónica La Fenice de Venecia, RTVE, Radio de Bucarest, Filarmónica George Enescu de Bucarest, Monterey Symphony Orchestra de California, Virginia Symphony Orchestra, American Ballet Theater Orchestra de Nueva York, Sinfónica Nacional de Colombia, Filarmónica de la Ciudad de México, Valencia, Galicia, Euskadi y Bilbao, entre muchas otras. 
 
Maestra de concierto
Pietsch empezó sus estudios de violín con solo cinco años de edad, a los once tocó su concierto de debut en el Komische Oper de Berlín, y ya estaba comprometida como solista con relevantes orquestas de la antigua RDA. Es ganadora de prestigiosos premios como el Bach-Wettbewerb Leipzig, el Concertino Praga y el Concurso Maria Canals de Barcelona y su extensa actividad la ha llevado a varios países de Europa, América y Asia. De 1998 a 2002, fue la primera maestra de concierto de la Sinfonieorchester Wuppertal; de 2006 a 2010, segunda solista en la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo y actuó con la Düsseldorfer Oper, Frankfurter Oper y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Colonia. 
 

El pianista Javier Perianes con el Cuarteto Quiroga. Autora: ©Eva Ripoll

Con anterioridad, han actuado en la primera edición del Festival Iturbi Javier Perianes, el Cuarteto Quiroga y Gustavo Díaz-Jerez. Las entradas para los conciertos, que se celebran a las 20.30h, son gratuitas hasta completar el aforo y se pueden conseguir en el Centre Cultural la Beneficència y en las páginas web www.labeneficencia.es y en www.entradesvalencia.com.

 

 

 


– Más fotografías del I Festival Iturbi
https://drive.google.com/drive/folders/1r4V7zk9_1uWabrTp0-BMkok-nVWHQz9T?usp=sharing

VIDEOS / AUDIOS

– Conciertos del Premio Iturbi
http://webtv.iturbi.es/

– Joaquín Achúcarro
http://www.achucarro.com/youtube.html
– Javier Perianes
https://www.javierperianes.com/galeria-videos.php
– Cuarteto Quiroga
http://cuartetoquiroga.com/es/videos/
– Gustavo Díaz-Jerez
https://www.linkedartists.com/project/gustavo-diaz-jerez/
– Marta Zabaleta
https://www.martazabaletapiano.com/videos/
– Josu de Solaun
https://www.youtube.com/user/desolaun

DOCUMENTACIÓN

– Premio Iturbi, Concurso Internacional de Piano de València
https://pianoiturbi.dival.es/

– Joaquín Achúcarro
http://www.achucarro.com/
– Javier Perianes
https://www.javierperianes.com/
– Cuarteto Quiroga
http://cuartetoquiroga.com/es/
– Gustavo Díaz-Jerez
https://www.linkedartists.com/project/gustavo-diaz-jerez/
http://www.gustavodiazjerez.com/

– Marta Zabaleta 
 – Josu de Solaun
https://www.josudesolaun.com/index.php
– Franziska Pietsch
https://www.franziskapietsch.online/
– Quartetto Indaco
https://www.quartettoindaco.it/

– Federación Mundial de Concursos Internacionales de Música
https://wfimc-fmcim.org/#!map
– Alink – ArgerichFoundation
https://www.alink-argerich.org/news

Ofrecerá un concierto el domingo 27 de septiembre a las 19:30 horas en L’Almodí

Interpretará un programa íntegro de sonatas de Beethoven, en conmemoración del 250 aniversario del nacimiento del genio alemán

Valencia, 23 de septiembre de 2021.

El pianista Antonio Galera vuelve de nuevo al ciclo de música de cámara del Palau de la Música de Valencia con un concierto dedicado a Beethoven que tendrá lugar en L’Almodí el próximo domingo 27 de septiembre a las 19:30 horas. El programa incluye las sonatas para piano Op. 26, op. 27 nº2 (Claro de luna), op. 90 y op. 101 y forma parte de la integral de Sonatas del compositor de Bonn que se está programando desde el Palau.

Es la segunda vez que Galera tocará de manera presencial ante el público después de la crisis provocada por el coronavirus. El pasado 21 de julio lo hizo en el Festival de Verano de San Lorenzo de El Escorial, y ahora se reencuentra con los oyentes valencianos.

Aunque la situación actual ha provocado la cancelación o aplazamiento de muchos de sus compromisos, entre ellos un recital en la Kosciusko F. de New York o su participación en el Bar Harbor Music Festival así como conciertos en el Festival Internacional de Música y Danza de Úbeda, el Festival dels Horts de Picanya (Valencia) y otros festivales de verano, la agenda de Galera se ha reactivado en las últimas semanas.

Así, próximamente retomará sus colaboraciones con la Orquesta de Valencia y la Orquesta de la Comunidad Valenciana, así como en el programa Sent la música del departamento didáctico del Palau de Les Arts. Asimismo, lo escucharemos en la Real Sociedad Económica de Amigos del País de Jaén (1 de octubre), la Sociedad Filarmónica de Pontevedra (9 de diciembre) con el tenor canario Manuel Gómez Ruiz  y en el Festival Internacional de Música y Danza de Úbeda (17 de diciembre) con la violista Isabel Villanueva, entre otras actuaciones.

Trayectoria

Antonio Galera lanzó en 2019 su primer trabajo discográfico. Bajo el título Prélude, está concebido en forma de recital y contiene composiciones de Johann Sebastian Bach, César Franck, Claude Debussy y Henri Dutilleux. El proyecto fue grabado en el Auditorio Manuel de Falla de Granada por el sello IBS Classical y presentado en el ciclo Serenates de la Universitat de València. Desde su lanzamiento ha recibido muy buenas críticas por parte de la prensa especializada que ha visto en este trabajo una muestra de las principales virtudes del pianista valenciano al que auguran un futuro brillante.

Descrito por Scherzo como “una voz con personalidad propia”,  Antonio Galera ha actuado en la Salle Cortot de París, Chapelle de la Trinité de Fontainebleau, Zhong Shan Hall de Taipei, Steinway Hall de Nueva York, Society of the Four Arts de Palm Beach, Teatros del Canal de Madrid —Jóvenes Intérpretes de la Fundación Scherzo—, Palau de la Música de València, Palau de les Arts, Auditorio ADDA de Alicante, Cartuja de Valldemossa, Auditorio de Zaragoza o Palau de la Música de Barcelona, con directores como P. Entremont, R. Gimeno, P. Rus, C. Soler o R. Tebar.

Galardonado por la Yamaha Music Foundation of Europe y en el Premio Iturbi de València, ha debutado recientemente en Londres -St. Martin in the Fields-, Oxford -Balliol Hall-, en la sala sinfónica del Auditorio Nacional de Madrid, en Musika-Música Bilbao y con la Orquestra de València con B. Fernández y J. Lluna. Muy activo en el campo de la música de cámara, ha actuado en la Fundación Juan March, Centre de Musique de Chambre de París, Música en Segura o en el Bar Harbor Music Festival, donde es músico residente. Otros compromisos recientes incluyen conciertos en México, Malasia, Qatar y Sudáfrica o colaboraciones con la compañía de danza La Veronal y La Fura dels Baus en el Palau de les Arts, con la OCV y A. Salado. Su disco de debut, grabado con IBS en el Auditorio Manuel de Falla de Granada, acaba de ser reconocido con el Melómano de Oro.

Nacido en València, estudió flauta y piano en el Conservatorio “Joaquín Rodrigo”, donde recibió el premio extraordinario de fin de carrera. Diplôme de Concertiste de l’École Normale de Musique de París y Máster en Interpretación Solista por el CSKG de Madrid becado por AIE, el Institut Valencià de Cultura, Comité Roussel y Juventudes Musicales de Madrid, beca recibida de S.M. la Reina Sofía.

Imparte cursos en la Universidad de València y en escuelas y universidades de Francia, Bélgica, Italia, México, Malasia, Qatar, España y EE. UU. Participa en las producciones del departamento de Educación del Palau de Les Arts.

Apasionado de la gestión cultural y la investigación, diseña proyectos como el Festival Iturbis para la Diputació de València, o el Festival dels Horts, del que es creador y director artístico, una propuesta innovadora que aúna música y patrimonio y que desde 2018 se celebra en una masía de la huerta valenciana con la participación de reconocidos intérpretes de prestigio internacional.

CONCIERTO ANTONIO GALERA. CICLE CAMBRA AL PALAU

L’Almodí. Valencia

Domingo 27 de septiembre. 19:30 horas.

Más información: https://www.palauvalencia.com/va/evento/antonio-galera-piano-6/

dothegap Team Educación no formalIntercambio

El principal beneficio un intercambio cultural es la gran cantidad de aprendizaje informal que se produce. Cuando un niño es pequeño, su forma de aprender es mayoritariamente informal. Al ser todo una novedad, simplemente absorbe nuevos conocimientos y desarrolla sus habilidades de esa manera. Es, principalmente, aprendizaje por observación y mediante ensayo y error.

Así es como todos aprendemos las cosas más importantes: a andar, hablar, comer correctamente o a saber qué es bueno y qué es malo. Los programas de intercambio siempre ofrecen estímulos de este tipo: aterrizas en un nuevo entorno y comienzas a aprender como un niño.

Intercambios informales, formales y no-formales

Algunos intercambios son totalmente informales: vas a un nuevo lugar, en el que el único vínculo es con el organizador o el anfitrión, y empiezas a aprender por tu cuenta. Adquieres conocimientos sobre el idioma, los nuevos sabores amplían tu gusto y olfato y refuerzas tus conocimientos sobre cultura, religión y geografía. Además de poder disfrutar de tradiciones y desarrollar habilidades como respeto y tolerancia por otras realidades.

En estos intercambios también puedes potenciar tus habilidades profesionales, pero sin contar con una red de apoyo o de profesores para hacerlo. Quizá encuentres un mentor o quizá estés totalmente por tu cuenta: aprendes igualmente.

En el otro extremo se encuentran los programas de intercambio de la educación formal, como el conocido Erasmus+. Los estudiantes universitarios o de formación profesional pasan uno o dos semestres en una universidad o instituto de FP de otro país.

El intercambio cultural combina la educación formal o no-formal con el aprendizaje informal - Pupitre

Estas experiencias aportan un gran valor añadido a su educación formal: suponen la oportunidad de trabajar con reconocidos profesores o de investigar en laboratorios mejor equipados que los de sus centros de origen.

De todas formas, los estudios demuestran que el principal beneficio de estos intercambios formales para los jóvenes es la inmensa cantidad de aprendizaje informal que tiene lugar mientras trabajan o se divierten con personas de diferentes orígenes culturales.

Los intercambios basados en la educación no-formal también están formalizados e institucionalizados. Tienen un objetivo y una estructura de aprendizaje bien definidos, pero están organizados por un proveedor de educación no-formal, como organizaciones juveniles, eclesiásticas, u ONGs medioambientales, por ejemplo.

El intercambio cultural combina la educación formal o no-formal con el aprendizaje informal - Viaje

En el caso de algunos intercambios no-formales, el aprendizaje informal se canaliza y amplifica a través de programas de estudios correctamente planificados. Este elemento, el diseño consciente del aprendizaje informal que suele hacer la educación no-formal más inclusiva y equitativa, podría ser aprovechado por la educación formal, especialmente las escuelas.

Un ejemplo habitual de esto son los intercambios para aprender una lengua organizados por las escuelas de idiomas. En ellos, el aprendizaje intercultural se produce de manera informal, pero apoyado y vertebrado a través de las actividades de las propias clases.

¿Cuáles son las diferencias entre educación formal, no-formal e informal?

Entender estas diferencias y no mezclar las distintas categorías es importante. Para una mejor comprensión, a continuación se muestra la definición de los tres tipos de educación según PHERECLOS (Partnerships for pathways to Higher Education and science engagement in Regional Clusters of Open Schooling):

  • El aprendizaje o educación formal es la proporcionada por profesores cualificados, de manera reglada, en una escuela, universidad o centro superior.
  • La educación no-formal está institucionalizada y ha sido diseñada por una entidad educativa. Su principal rasgo es que supone un complemento o alternativa a la educación formal dentro del proceso de aprendizaje que se produce a lo largo de la vida. Muchas veces se proporciona para garantizar el derecho universal a la enseñanza. Se dirige a personas de todas las edades, pero no utiliza una secuencia continuada: puede ser de corta duración o de baja intensidad y suele impartirse en forma de cursos breves, talleres o seminarios. La educación no-formal conduce, en la mayoría de los casos, a titulaciones no reconocidas por las autoridades educativas de los estados; también puede ocurrir que no incluyan ningún tipo de titulación. La enseñanza no-formal puede abarcar programas de alfabetización y educación para adultos y jóvenes no escolarizados, así como programas sobre habilidades para la vida, profesionales o para el desarrollo sociocultural.
  • Educación informal es el sabio, respetuoso y espontáneo proceso de aprendizaje. Se produce a través de la conversación y la exploración y el crecimiento de la experiencia vital.

Eszter Salamon
Directora de Parents International

Este post ha sido redactado por Eszter Salamon, directora de Parents International, organización que tiene el objetivo de ayudar a los padres de todo el mundo a conseguir que sus hijos se conviertan en ciudadanos felices y sanos, capaces de transformar el siglo XXI. Parents International colabora con www.dothegap.com con el objetivo de convertir el intercambio cultural en una actividad habitual e inclusiva, facilitando su acceso, creando comunidad y red de contactos.

El intercambio cultural combina la educación formal o no-formal con el aprendizaje informal - Amigas

La versión del texto que has leído ha sido traducida del inglés y editada para una mejor lectura en formato blog. Puedes leerla en el idioma original aquí.

Eszter Salamon nos ha ofrecido este estupendo artículo para complementar nuestro post dedicado a la importancia de la educación informal.

Desde dothegap, promovemos la necesidad de combinar el aprendizaje formal, no-formal e informal para lograr una educación completa para jóvenes y adultos. ¡Las personas nunca dejan de aprender a lo largo de su vida!

Por ello, en nuestra comunidad encontrarás multitud de experiencias de intercambio: culturales, de aprendizaje de idiomas, artísticos, deportivos, lo que más te interese. Además, puedes registrarte de forma gratuita y lanzar tu propuesta de intercambio. ¿A qué esperas para seguir aprendiendo? Forma parte de www.dothegap.com

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Sir Kenneth Robinson es el autor de la TED Talk más vista de la historia. Lo consiguió gracias a su defensa apasionada de la creatividad y las artes dentro del sistema educativo.

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¿Quieres conocer sus ideas y cómo el intercambio puede ser una gran herramienta para estimular la creatividad como motor del aprendizaje? ¡Te lo explicamos en este post!

¿Matan las escuelas la creatividad? Una TED Talk de Ken Robinson

Ken Robinson impartió su charla ¿Matan las escuelas la creatividad? en el año 2006. En la web oficial de TED, supera los 67 millones de visualizaciones, mientras que en otras páginas de streaming solo una de las versiones online suma otros 19 millones.

¿Cómo consiguió acaparar tanta atención hablando sobre la educación? Desde luego, su título es transgresor y su locuacidad es propia de una estrella de la comedia. Pero, el verdadero éxito son sus ideas y la gran pasión con la que las defiende.

Kenneth Robinson deja claro que su objetivo no es destruir el sistema educativo: forma parte de él. Su visión es que necesita transformarse porque no se tiene en cuenta algo tan importante como la propia alfabetización: la creatividad.

Para fomentar esta cualidad intrínseca en los niños (Robinson utiliza la afirmación de Picasso «Todos los niños nacen artistas. El problema es cómo seguir siendo artistas al crecer») y evitar que la pierdan, hay que eliminar el miedo al error. Solo se puede ser creativo sin temor a equivocarse.

El principal problema es que el sistema educativo actual no está concebido para las inteligencias que se salen del carril previsto. Se han creado modelos estandarizados que no tienen en cuenta la diversidad de las personas y sus diferentes talentos.

La creatividad: un motor del aprendizaje que se estimula con el intercambio - Baile

Un ejemplo de esto es que en todo el mundo priman las matemáticas y la lengua sobre las humanidades. Un escalón, mucho más abajo, se encuentran las artes. De esta manera, resulta casi imposible fomentar la creatividad y motivar a los alumnos con inquietudes que se salen de lo normativo.

Ken Robinson defiende la necesidad de introducir asignaturas como la danza o el teatro. Por un lado, porque permite desarrollar capacidades diferentes que no se tienen en cuenta en las materias más teóricas.

Por otro, porque ayuda a las personas a conocer mejor su cuerpo y comunicarse y crear a través de él. Las artes aportan un aprendizaje profundo y forman alumnos críticos, capaces de pensar por sí mismos, con una mayor comprensión lectora y de oratoria, así como más respetuosos con los demás y capaces de trabajar en equipo.

Puedes recuperar este post en el que hablamos de los beneficios educativos del teatro dentro de las aulas y también de su gran riqueza cuando se aprovecha como eje vertebrador de una experiencia de intercambio.

El intercambio cultural como herramienta para incentivar la curiosidad, la creatividad y un aprendizaje completo Clic para tuitear

La creatividad y la curiosidad son elementos fundamentales para aprender: son sus auténticos motores. Si se estimula la imaginación, los niños y jóvenes son capaces de aprender sin ayuda es externa. Se trata de la clave del aprendizaje experiencial, en el que la persona descubre y asimila conocimientos por sí misma.

Introducir las actividades artísticas dentro del sistema educativo es una manera de impulsar la creatividad y la curiosidad. Si además se incluyen otras experiencias tan enriquecedoras como el intercambio cultural, con todos sus beneficios intrínsecos, se logra un aprendizaje mucho más completo y enriquecedor.

En palabras Ken Robinson al referirse al papel de los educadores, «No se trata de pasar simplemente la información recibida a otros, sino de buscar estimular, involucrar, provocar». Y, en conclusión, «La educación tiene que ver con el aprendizaje, si no hay aprendizaje no hay educación y el objetivo de la educación es producir aprendizaje».

La creatividad: un motor del aprendizaje que se estimula con el intercambio - Clase

Como explicamos en este post, el intercambio cultural supone un excelente estímulo de la creatividad que ayuda a proporcionar un aprendizaje completo y valioso, respetuoso con la diversidad, de valores humanistas e interdisciplinar.

Con este post hemos querido homenajear a Sir Kenneth Robinson, un pensador de ideas innovadoras que se implicó durante toda su trayectoria en la mejora de los sistemas educativos de todo el mundo. Su fallecimiento, el pasado 21 de agosto, deja un inmenso hueco, pero su legado es imborrable.

En dothegap, puedes encontrar multitud de experiencias de intercambio en las que compartir el valor de las diversas disciplinas artísticas y de la creatividad. Además, ¡puedes compartir la tuya! ¡Regístrate y lanza tu propuesta!

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La iniciativa, que tendrá lugar en el Centre Cultural la Beneficència del 22 al 27 de septiembre con entrada libre, tiene como objetivo programar a grandes músicos de referencia y poner en valor la figura de José Iturbi en el 125 aniversario de su nacimiento

La primera jornada del I Festival Iturbi comenzará, mañana martes 22 a las  19h, con un concierto inaugural con diez pianos en la Plaza de la Virgen en el que participarán “diez talentosos músicos valencianos”

Glòria Tello, diputada del Premio Iturbi, ha manifestado que “el I Festival Iturbi es un proyecto transversal, de excelencia musical y estructurado en torno al Concurso Internacional de Piano”

Óscar Oliver, coordinador del festival, indica que “Iturbi hizo una labor precursora y trascendental en la difusión de la música española y valenciana, actuando como embajador de los compositores de su tiempo”

València, 21 de septiembre de 2020

El pianista Javier Perianes, en primer plano, con el Cuarteto Quiroga.

El I Festival Iturbi, organizado por la Diputació de València, inicia mañana su andadura con diversas actividades y conciertos a cargo de prestigiosos intérpretes y formaciones como Javier Perianes, Cuarteto Quiroga, Gustavo Díaz-Jerez, Marta Zabaleta y Josu de Solaun con la violinista Franziska Pietsch y el Quartetto Indaco, con el objetivo de programar a grandes músicos de referencia y seguir poniendo en valor la figura, el prestigio y el legado musical de José Iturbi (València 1895 – Los Ángeles 1980) los años en que el Concurso Internacional de Piano de València, de carácter bienal, no se celebra.

En esta primera edición, que tendrá lugar en el Centre Cultural la Beneficència del 22 al 27 de septiembre, el Premio Iturbi conmemora el 125 aniversario del nacimiento del pianista valenciano con diversas iniciativas en torno a un festival que viene a sumarse al elemento nuclear, el concurso, que mantiene abierta la convocatoria de inscripción de intérpretes hasta el 31 de octubre y que se llevará a cabo entre el 23 de junio y el 2 de julio de 2021.

La jornada divulgativa previa, celebrada ayer domingo en sesiones de mañana y tarde, se desarrolló en cinco plazas de Valencia (Plaza de la Virgen, Plaça dels Furs, Plaza Lope de Vega, Puerta de la Lonja de la Seda y la explanada de la Plaza de Toros) con la colaboración de Clemente Pianos que celebra su 30º aniversario. Estudiantes de piano y aficionados convocados por redes sociales interpretaron en estas ubicaciones obras maestras de la literatura pianística universal como los Cuadros de una Exposición de Mussorgsky, la Sonata Dante de Liszt, el Concierto sin Orquesta de Schummann y Miroirs de Ravel, entre otras.

Glòria Tello, diputada responsable del Premio Iturbi, regidora de Cultura del Ayuntamiento de València y presidenta del Palau de la Música; asegura que “el I Festival Iturbi es un proyecto transversal, de excelencia musical y estructurado en torno al Concurso Internacional de Piano”. Tello destaca que “la Diputació de València trabaja con la nueva dirección artística, a cargo de Joaquín Achúcarro, y el comité asesor con el objetivo de poner en valor el Premio Iturbi y consolidar su prestigio en el panorama musical internacional”.

Diez pianos en la calle

Concierto en la explanada de la Plaza de Toros de València en la jornada divulgativa previa del I Festival Iturbi, celebrada ayer domingo 20. Autora: Eva Ripoll

La primera jornada del I Festival Iturbi comenzará, mañana martes 22 a las  19h, con un concierto inaugural con diez pianos en la Plaza de la Virgen en el que participarán Miquel Aparisi, Carlos Barbé, Pascual Encarnación, Alejandro Espina, Marta Garijo, Mika Giménez, Ferrán López, José Andrés Romero, Carlos Santo y Jorge Tabarés. El repertorio está compuesto por la Obertura de las Hébridas de Mendelssohn, el Scherzo de la Sexta sinfonía de Tchaikovsky, el Mambo y la Obertura Candide de Bersntein, la Danza ritual del fuego de El Amor Brujo de Falla y la Rapsodia Húngara n. 2 de Liszt.

El pianista Carles Marín, asesor artístico del festival, afirma que “diez talentosos músicos valencianos, con galardones en diversos concursos internacionales, ofrecerán un recital con transcripciones realizadas para la ocasión por el brillante pianista y compositor Jorge Tabarés. Lo harán bajo el título de Diez pianos para Iturbi, haciendo un guiño a la famosa escena de la película Levando anclas en la que participa el intérprete acompañado de multitud de jóvenes pianistas, así como a su presencia en numerosos largometrajes de Hollywood junto a su hermana Amparo”.

Perianes en concierto
El crítico y musicólogo Justo Romero ofrecerá una conferencia, Iturbi, más allá de la pipa y la sonrisa, en el Centre Cultural la Beneficència a las 20.30h, hora a la que tendrán lugar todos los conciertos. Romero dará paso a un concierto de Javier Perianes con el programa Iturbi, pionero del piano en el siglo XX con obras de Falla, Albéniz y Debussy.

Perianes, Premio Nacional de Música en 2012 por el Ministerio de Cultura de España y nombrado Artista del Año en los Premios Internacionales de Música Clásica (ICMA) en 2019, también protagonizará la jornada del miércoles 23. El pianista andaluz ofrecerá junto al Cuarteto Quiroga el programa Manuel Quiroga y José Iturbi en el que interpretarán piezas de Beethoven y Schumann.

La Iberia de Iturbi

El pianista Gustavo Díaz-Jerez.

Gustavo Díaz-Jerez brindará con el programa La Iberia de Iturbi, obras de Antonio Soler, Albéniz y de su creación el jueves día 24. El pianista y compositor canario, una referencia de la interpretación y la composición a nivel nacional e internacional con actuaciones con prestigiosas formaciones y directores y ganador de numerosos galardones, recibió la Medalla Albéniz en 2010 por la grabación y difusión de la Suite Iberia.

El documental A propósito de Iturbi será presentado por su director, Manuel Gil, y se proyectará el viernes 25. Este trabajo, realizado en 2002, es un valioso testimonio biográfico del pianista valenciano más universal y un acercamiento a su personalidad y a los acontecimientos más significativos de su carrera artística a través de entrevistas a amigos, familiares y a sus colaboradores más cercanos. Asimismo, analiza sus logros con la ayuda de personalidades relevantes del panorama musical que tuvieron la oportunidad de conocerle y de seguir su exitosa trayectoria.

Zabaleta y De Solaun
En la recta final de esta iniciativa, la pianista guipuzcoana Marta Zabaleta abordará el programa Amparo Iturbi y Granados con la obra Goyescas del compositor catalán, el sábado 26. Y el valenciano Josu de Solaun, único español que ha ganado el Concurso Internacional de Piano de Valencia en 2006 y el Concurso de Piano George Enescu de Bucarest en 2014 entre otros relevantes galardones, ofrecerá el programa El Premio Iturbi junto con la violinista alemana Franziska Pietsch y la formación italiana Quartetto Indaco, que clausurarán el festival el domingo 27.

Óscar Oliver, coordinador del I Festival Iturbi, indica que “José Iturbi hizo una labor precursora y trascendental en la difusión de la música española y valenciana, actuando como embajador de los compositores de su tiempo”. Oliver subraya que “su fulgurante carrera internacional le permitió dar a conocer las composiciones de Albéniz, Granados, Falla, Infante, Cassadó… y la de los valencianos López Chavarri, Rodrigo, Palau o Magenti, primero en las grandes salas europeas, y posteriormente, en las orquestas estadounidenses más importantes del momento”.

Las entradas para los conciertos del I Festival Iturbi son gratuitas hasta completar el aforo y se pueden conseguir en el Centre Cultural la Beneficència y en las páginas web www.labeneficencia.es y en www.entradesvalencia.com.

La Mostra y el Palau de la Música
La Mostra de València también se sumará al 125 aniversario con el Ciclo José Iturbi, en el que se proyectarán, en la sede de la Sala SGAE Centre Cultural Valencia del 26 al 30 de octubre a las 18.30h, cinco de las películas en las que participó el pianista en Hollywood. Asimismo, el Palau de la Música en colaboración con la Diputación de València, ofrecerá un recital de Joaquín Achúcarro, director artístico y presidente del jurado del Premio Iturbi, en el Teatro Principal el mismo día (28 de noviembre) en el que nació Iturbi.

El Premio Iturbi, creado en 1981, forma parte de la Federación Mundial de Concursos Internacionales de Música, una asociación con sede en Ginebra que reúne concursos de países de los cinco continentes entre los que se encuentran las competiciones internacionales de música más prestigiosas de todo el mundo. Asimismo, el Concurso Internacional de Piano de València, es miembro de la Fundación Alink-Argerich, la cual reúne a la mayor parte de concursos internacionales de piano de todo el mundo.


– Más fotografías del I Festival Iturbi
https://drive.google.com/drive/folders/1r4V7zk9_1uWabrTp0-BMkok-nVWHQz9T?usp=sharing

VIDEOS / AUDIOS

– Conciertos del Premio Iturbi
http://webtv.iturbi.es/

– Joaquín Achúcarro
http://www.achucarro.com/youtube.html
– Javier Perianes
https://www.javierperianes.com/galeria-videos.php
– Cuarteto Quiroga
http://cuartetoquiroga.com/es/videos/
– Gustavo Díaz-Jerez
https://www.linkedartists.com/project/gustavo-diaz-jerez/
– Marta Zabaleta
https://www.martazabaletapiano.com/videos/
– Josu de Solaun
https://www.youtube.com/user/desolaun

DOCUMENTACIÓN

– Premio Iturbi, Concurso Internacional de Piano de València
https://pianoiturbi.dival.es/

– Joaquín Achúcarro
http://www.achucarro.com/
– Javier Perianes
https://www.javierperianes.com/
– Cuarteto Quiroga
http://cuartetoquiroga.com/es/
– Gustavo Díaz-Jerez
https://www.linkedartists.com/project/gustavo-diaz-jerez/
www.gustavodiazjerez.com <http://www.gustavodiazjerez.com/>
– Josu de Solaun
https://www.josudesolaun.com/index.php
– Franziska Pietsch
https://www.franziskapietsch.online/
– Quartetto Indaco
https://www.quartettoindaco.it/

– Federación Mundial de Concursos Internacionales de Música
https://wfimc-fmcim.org/#!map
– Alink – ArgerichFoundation
https://www.alink-argerich.org/news

17 septiembre, 2020 Escrito por diapason

Sección: Tirando del Hilo

Autor: Justo Soriano Aliaga

Se atribuye como principal iniciador de la trata esclavista con destino al Nuevo Mundo a un navegante inglés, llamado John Hawkins, quién desde 1582 estableció las bases de este comercio humano comprando a cambio de telas y armas a prisioneros de las guerras tribales en las costas africanas, llevándolos a América para trabajar en plantaciones, minas, construcción de casas y barcos, o cómo sirvientes. Con el dinero obtenido en su venta compraba productos apreciados  (café, tabaco, azúcar, pieles, etc.) para venderlos a su regreso en Europa, obteniendo enormes beneficios económicos. Fue ascendido a la nobleza inglesa por la reina que además le dio patente de corso. El resto de su vida se dedicó al tráfico esclavista y al pillaje marino. En su escudo de armas luce un esclavo encadenado.

Este tráfico de seres humanos se extendió desde el S.XVI hasta el S.XIX (1860). Durante ese periodo fueron llevados al Continente Americano millones de africanos por traficantes europeos de diversos países.

En el sur de Estados Unidos, fue surgiendo el jazz a finales del S.XIX. Desde las raíces africanas que guardaban  en la memoria las generaciones de estos esclavos, llamados “afro-americanos”, fueron conformándose los work-songs (cantos de trabajo), el góspel (cantos religiosos) y el blues (lamentaciones en soledad).

Curiosamente se asocia la prehistoria del Jazz a un espectáculo itinerante llamado genéricamente Black Minstrels, interpretado por artistas blancos que se embadurnaban la cara de betún, parodiando a los negros como vagos y torpes. Con el tiempo los actores fueron siendo los afro-americanos que con destrezas y malabarismos supieron ganarse el reconocimiento del público.

También estaban las bandas de música, formadas igualmente por afro-americanos que tocaban marchas fúnebres en los entierros y al regreso interpretaban ritmos alegres y sincopados para los acompañantes del duelo.

Otro factor fue el Ragtime, estilo musical realizado por pianistas criollos de educación musical europea, que imprimían un tiempo cortado a sus composiciones.

De las bandas de música se formaron conjuntos menores para alegrar fiestas y locales de baile y diversión, dando lugar a un estilo llamado Dixieland. Los pianistas animaban las salas de cine mudo y los burdeles (controlados por las mafias).

En el Sur de EE.UU, principalmente en Nueva Orleans, ciudad multicultural, es donde da sus primeros pasos el Jazz; un género musical capaz de integrar influencias, evolucionar con la sociedad y ser vehículo de expresión de poderosos talentos musicales.

Aunque el Jazz tiene su origen en la música vocal, sus comienzos son instrumentales. El canto se incorpora más tarde, y lo hace imitando el fraseo de algunos instrumentos como el saxofón y la trompeta.

En los tugurios del barrio de Storyville en Nueva Orleans, abundaban los pianistas animando el ambiente como solistas o con pequeños grupos de músicos, interpretando canciones jocosas o picantes.

Entre todos destacó FAST WALLER (1904-1943), virtuoso pianista, prolífico compositor (más de 300 temas), cantante irónico y alegre que ha dejado una huella imborrable en la historia de la música, a pesar de morir con menos de 40 años. Tenemos la suerte de escuchar su Jazz y piano además de verlo en imagen. Un espectáculo.

Quién cambió el estilo inicial en el Jazz primitivo fue LOUIS ARMSTRONG (1901-1971), incrustando en el sonido grupal sus solos de corneta primero y trompeta años después, abriendo el camino del virtuosismo y la imaginación inagotable en las melodías. Sus primeros cantos concretaron el modelo a seguir. Eran la imitación de la trompeta con acentuaciones vocales o sonidos onomatopéyicos (canto en “Scat”).

ELLA FITZGERALD (1917-1996). Es la voz femenina más conocida. Poseedora de un registro que abarcaba tres octavas y una capacidad enorme de adaptación, desde los temas clásicos a los más innovadores, pasando por el “Scat” y la “Bossa Nova”. Su voz trasladó muchos momentos de felicidad a cuantos la escucharon. Es en consecuencia una de las voces que más ha contribuid o a popularizar el Jazz.

Los “locos años 20” significan un crecimiento económico desmesurado en EE.UU para algunos segmentos sociales, rápidamente enriquecidos y ávidos de conductas disipadas. En las grandes ciudades como N. York, aparecieron grandes salas de diversión, una de ellas fue  “Cotton Club”.

Allí contrataban a los músicos del Jazz, como nuevo estilo bailable, complementado con grandes espectáculos. Uno de los artistas que actuaban allí era CAB CALLOWAY (1907-1994), director de orquesta, bailarín y comediante, además de cantante de “Scat”, que incluía grandes instrumentistas en su formación.

En los finales de los años 30´s y la década de los 40´s, el Jazz sigue siendo  bailable; es la era del SWING. Grandes orquestas dirigidas por excelentes conductores y repletas de talentosos instrumentistas, llenan este género musical de grandes temas. Los cuales son seguidos, bailados y cantados por gran número de público. Algunos músicos se comienzan a sentir encorsetados por una música que sienten repetitiva y buscan caminos nuevos con las “Jam-Sessions”, dando origen al Jazz Moderno, llamado BE-BOP ó BOP.

La emblemática voz femenina del Jazz Moderno es SARAH VAUGHAN (1924-1990). Dueña de una técnica excepcional con gran inventiva armónica, sentido de la improvisación y poseedora de un gran registro vocal. También domina la técnica del “Scat”, cantando impecablemente las baladas clásicas aportándoles un amaneramiento malicioso.

BILLIE HOLIDAY (1915-1959). Hija artística de Louis Armstrong, de quién capta la idea de la voz como instrumento y de BESSIE SMITH (La Emperatriz del Blues), porque hereda el espíritu de su música. Fue apodada por un maestro del Saxofón moderno, LESTER YOUNG como “Lady Day”. Sin duda fue el afecto que le tenía, porque hubiese sido más realista llamarle “Lady Pain”, por el trágico dolor que transmiten sus interpretaciones. Reflejan sus dramas personales y los causados por su condición racial. Nadie a través de sus interpretaciones ha plasmado mejor la esencia del Blues en el Jazz moderno.

FRANK SINATRA (1915-1998). Su estilo fue mezcla de música ligera comercial (easy listening) y de Jazz. Se rodeó de solistas y Orquestas de Jazz, sabiendo mantener siempre un “swing” y una perfecta ejecución jazzística de las baladas. Fue fichado por la discográfica Capitol, en la que fue el primer cantante que dio unidad temática a sus LP’S. El romántico contenido de sus baladas encandiló a muchísimas parejas de enamorados, pero también arrastró multitudes como otras muchas estrellas del pop y del rock.

En el Jazz Moderno (Be-bop) hay dos formas de vocalización características: por un lado el “Scat”, donde las palabras son sustituidas por onomatopeyas (frases sin sentido o sílabas) Uno de sus principales exponentes fue el trompetista y ocasional vocalista Dizzy Gillespie. Por otro lado, la adaptación de textos inéditos a temas instrumentales; o letras escritas sobre improvisaciones de los solistas, cuidadosamente transcritas nota a nota: se llama estilo “vocalese”. Muchos cantantes combinaban ambas formas. Uno de sus principales iniciadores fue BABS GONZALES. En épocas  recientes ha conseguido gran reconocimiento JOHN HENDRICKS, procedente del trio LAMBERT-HENDRICKS-ROSS. Es el referente de grandes figuras del Jazz actual como BOBBY McFERRIN, AL JARREAU y el grupo MANHATTAN TRANSFER.

El grupo francés DOUBLE SIX OF PARIS (1959-1965), es uno de los conjuntos de Jazz “vocalese” precursores y más innovadores. Emprendieron la tarea de dar forma vocalizada a temas instrumentales de Jazz Moderno, incluyendo los solos y todas las voces de una orquestación de Big-Band. Sus seis componentes reprodujeron en estudio las doce voces clásicas para la orquestación de una gran orquesta de Jazz. Después de hacer media docena escasa de grabaciones, desaparecieron en 1965.

Músiques Religioses del Món acoge a estas formaciones en L’Almodí de Valencia del 16 al 18 de septiembre en la segunda semana de su 21ª edición

Los Músicos de Urueña (Luis Delgado & César Carazo) actuarán con el programa Amor eterno, el día 16; Ensemble andalusí con Misticismo el 17; y Èlia Casanova, Carles Magraner & Robert Cases clausurarán el festival con Lucretia Borgia el 18

Músiques Religioses del Món, ofreció la semana pasada tres conciertos de Capella de Ministrers, Amancio Prada y la formación MuOM

Robert Cases, asesor artístico del festival, ha manifestado que «estamos muy agradecidos por la acogida del público en una edición difícil y compleja por la crisis del Covid-19 y dos aplazamientos”

Valencia, 15 de septiembre de 2020

El ciclo Músiques Religioses del Món [Músicas religiosas del Mundo], del Festival de Música Antigua de Valencia, Música, Historia y Arte (MHA), llega a la segunda semana con las actuaciones de Los Músicos de Urueña (Luis Delgado & César Carazo) el día 16; Ensemble andalusí el 17; y Èlia Casanova, Carles Magraner & Robert Cases el 18, en L’Almodí a las 19.30h.

Los Músicos de Urueña ofrecerán el programa Amor eterno, la música devocional de las tres culturas, con piezas de la tradición andalusí, del repertorio cristiano y de la música sefardí. El público podrá disfrutar desde los cantos de las cofradías sufíes del Magreb, que aún mantienen vivos los poemas de Al-Sustari, hasta los profundos textos de la música cristiana, pasando por los cantos sinagogales de los sefardíes, recogidos en cancioneros como la Antología de la liturgia judeo-española de Isaac Levy.

Tras más de veinticinco años de trabajo en diversas formaciones, y con una profunda experiencia en el campo de la música medieval y tradicional, Luis Delgado, junto a César Carazo llevan a cabo un trabajo creativo pero riguroso sobre la música antigua de la Península Ibérica, contando para ello con la proximidad cultural y geográfica del Magreb y de la Occitania medieval.

El Ensemble andalusí de Tetuán, formado por Fathi Benyakoub (violín), Aziz Samsaoui (kanun), Hamid Ajbar (voz y violín), Khalid Ahaboune (percusiones), y Mouhssine Koraichi (laúd), brindará el programa Misticismo, cantos místicos de Al-Ándalus, un repertorio con músicas y cantos del norte de África que encuentran la mejor forma de manifestarse a través de la cultura tradicional. En árabe, Al-Maqam es un fragmento o escala musical donde se desarrolla la música mágica de Oriente con Tarab que alude a las sensaciones o sentimientos que la música despierta en el alma.

En la España mulsumana, este arte estaba ligado a los procesos cósmicos y a los estados de ánimo humanos. Al-Ándalus desarrolló una música compleja y delicada que se alimentaba de las culturas magrebíes, hispana y del cercano Oriente; el refinamiento persa, de la mano de Ziryab, la sobriedad árabe y la jovialidad beréber se fundieron con la herencia hispano-visigoda y la hebrea para crear en el califato y los reinos de taifas un arte autóctono. La música y la poesía andalusí cuentan hasta qué punto el valor del amor era necesario y útil para el desarrollo y la prosperidad de toda la cultura arábigo-andalusí.

Lucrecia Borja
Èlia Casanova (soprano), Carles Magraner (viola de arco y dirección) y Robert Cases (guitarra renacentista y tiorba), clausurarán el ciclo con Lucretia Borgia, mito, historia y leyenda de la hija de Alejandro VI el viernes 18. Este es un homenaje musical a Lucrecia Borja (1480-1519), en el concierto se podrá vivir la fascinación de las cortes renacentistas italianas, su nacimiento en Roma, la caída de Granada, las bodas con Giovanni Sforza, Alfonso de Este y Alfonso de Aragón, las relaciones con Pietro Bembo, Isabella y la corte de Ferrara y músicos como Bartolomeo Tromboncino o Joan Ambrosi Dalco.

El repertorio que abordará la formación está incluido en uno de sus últimos discos en el que muestra la música contemporánea de los Borja (Borgia en su transcripción italiana), y de Lucrecia, una mujer culta y sensible con las artes pero protagonista de una leyenda negra que generó el proyecto familiar liderado por su padre, el papa Alejandro VI, que la utilizó para establecer alianzas estratégicas mediante tres casamientos.

Cultura segura

Amancio Prada en L’Almodí de Valencia

Músiques Religioses del Món, ofreció la semana pasada tres conciertos de Capella de Ministrers, Amancio Prada y la formación MuOM. Robert Cases, asesor artístico del Festival Música, Historia y Arte, ha manifestado que «estamos muy agradecidos por la acogida del público para estas propuestas en una 21ª edición difícil y compleja por la crisis del Covid-19 y dos aplazamientos». Cases ha indicado que «vemos recompensado nuestro esfuerzo para reivindicar la música frente a la pandemia y la seguridad de la cultura».

La formación MuOm

El ciclo, que se desarrolla con todas las medidas de seguridad y recomendaciones sanitarias, cuenta con la colaboración de la Generalitat Valenciana, Institut Valencià de Cultura (IVC), Turisme Comunitat Valenciana, Diputació de València, Red Europea de Música Antigua (REMA), Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), Ayuntamiento de València, el Vicerectorat de Cultura de la Universitat de València y la Fundación Cultural CdM.


– Más fotografías del ciclo Músiques Religioses del Món
https://www.dropbox.com/sh/iccn6ypsy211c8d/AAD7_MD2yc8dc1P35yeT6da4a?dl=0

– Más fotografías
https://capelladeministrers.com/es/
https://amancioprada.com/fotografias/
https://www.muom.net/es/fotos/

VIDEOS

– Capella de Ministrers
https://www.youtube.com/user/capelladeministrers
– Amancio Prada
https://www.youtube.com/results?search_query=Amancio+Prada
– MuOm
https://www.muom.net/es/videos/
– Video de presentación Lucretia Borgia
Video de presentación de Lucretia Borgia. Duración: 03.02 minutos
https://youtu.be/GBrRShW3Pgo
– Capella de Ministrers.Lucretia Borgia.
Concierto de Capella de Ministrers con el programa Lucretia Borgia. Duración: 03.39 minutos.
https://www.dropbox.com/s/hdycgas4eo4e0ma/Capella%20de%20Ministrers.Lucretia%20Borgia.m4v?dl=0

AUDIOS

– Lucretia Borgia (2 temas)
15 Queste non son piu lachryme
17 Alla Spagnola
https://www.dropbox.com/sh/m2i0nb7mkrcak9y/AADIqeF-C1d5W4VSglgDW17Pa?dl=0
– Lucretia Borgia. Spotify
https://open.spotify.com/album/6yvPwdnRYT8D3s7J5x917P

DOCUMENTACIÓN

–  Festival de Música Antigua de Valencia, Música, Historia y Arte (MHA). Músiques Religioses del Món
https://musiquesreligioses.com/

– Capella de Ministrers
https://capelladeministrers.com/es/
– Amancio Prada
https://amancioprada.com/
– MuOm
https://www.muom.net/es/
– Los Músicos de Urueña
https://www.luisdelgado.net/quarteto.htm

– Asociación Cultural Comes
http://www.culturalcomes.net/es/
– Fundación Cultural Capella de Ministrers
https://culturalcdm.eu/
– Red Europea de Música Antigua (REMA)
http://rema-eemn.net/

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Comenzamos esta semana el curso académico 2020/21 en la Escuela Superior  de Música de Alto Rendimiento (ESMAR), un curso condicionado fundamentalmente, en el conjunto del sistema educativo, por la crisis sanitaria de la COVID 19.

El objetivo fundamental de todos nosotros es garantizar la seguridad y la protección ante el virus. Y a ello nos hemos dedicado con denuedo. Recientemente decía el CSIC que los mayores de 16 años debían cursar sus estudios en un formato no presencial. Todo nuestro alumnado es mayor de edad, salvo unas pocas excepciones, y son personas responsables conscientes de los peligros que conlleva una actuación inadecuada en estos tiempos. La sensibilización es fundamental.

En ESMAR hemos tomado importantes decisiones, basadas en la experiencia que adquirimos durante los duros meses de confinamiento cuando las clases se desarrollaron con cierta normalidad. Por ello, todas las clases teóricas se desarrollarán en formato presencial por medios telemáticos, además serán grabadas y puestas a disposición del alumnado que podrá visualizarlas tantas veces como lo deseen. El profesorado contestará y tutorizará al alumnado para responder las dudas y aclaraciones que precise. Con esta medida, además de promover la innovación educativa y el uso de las tecnologías, evitamos de un “plumazo” el riesgo más grande de contagio en ESMAR.

Pero la calidad educativa nos preocupa y mucho, las clases de Instrumento, Música de Cámara y Orquesta se desarrollará de manera presencial directa. Eso sí, con todas las garantías: distancia de 1,5 metros entre alumnado y profesorado, limpieza y desinfección de manos, ventilación de los espacios educativos y uso de la máscara de protección de manera continuada, entre otras medidas. Además dispondremos de un médico exclusivo en ESMAR que atenderá cualquier urgencia que pudiera surgir.

En definitiva, buscar un equilibrio entre seguridad y calidad educativa.

Pero hay mucho más. ESMAR ha experimentado un crecimiento muy elevado del alumnado propio; en la actualidad y a falta de las últimas matriculaciones, tenemos ya más de 100 alumnos/as. Y no solo eso, nuestro claustro de profesorado se ha incrementado con incorporaciones de grandes artistas y profesores que son punteros dentro del panorama musical internacional. A todos/as ellos muchas gracias.

En este curso, hemos ofertado por primera vez la especialidad de Pedagogía y hemos encontrado una enorme acogida, tenemos matriculados 20 alumnos  Y sigue creciendo, algo que ha mejorado nuestras expectativas más optimistas.

Crece con fuerza también la especialidad de Producción y Gestión y la especialidad de Interpretación incrementa el alumnado procedente de toda España y del extranjero. Alumnado de Colombia, Soria, Madrid las Islas Canarias y del resto de áreas geográficas del territorio español que han establecido su residencia en Valencia para incorporarse a ESMAR.

Otra novedad durante este curso será la finalización de las obras del nuevo edificio que esperamos ocupar en marzo de 2021 y que supondrá una mejora sustancial de nuestras instalaciones educativas.

Y nuestra orquesta, que iniciara su andadura en noviembre bajo la dirección del prestigioso maestro Cristóbal Soler. En esta ocasión será Berta Belinchón, una alumna brillante de oboe que obtuvo la Matrícula de Honor durante el curso pasado, la que actuará de solista, una experiencia que tenemos reservada a muchos más alumnos y alumnas de ESMAR. Porque de eso se trata, de ofrecer las competencias profesionales y artísticas que el ejercicio de la profesión musical del futuro exige.

Gracias a todos/as los que hacéis posible este proyecto. Nuestra prioridad es el alumnado y sus necesidades formativas.

EL EQUIPO ESMAR

Manuel Tomás Ludeña