Artículos externos de la Confederación

Ayer estuve en casa del fundidor y encargué una cadena. ¡No te alejes de mí! Una cadena. Y estuve toda la noche llorando porque me dolían las muñecas y los tobillos y, sin embargo, no la tenía puesta.”

Federico García Lorca, El público (1930).

Escrito en diapason / 27 enero, 2022

Quien conoce la música (¿contemporánea?) de los siglos XX y XXI se hará una idea aproximada de lo que puede contener este artículo. Pero, para quienes no sepan a qué me refiero, me voy a aventurar a explicar el término. Al tratar de describirlo, me dejaré muchas músicas en los márgenes e incurriré en (pretendidas) ambigüedades, pero espero no ser demasiado criticada por ello. Habrán podido imaginar, por mi precaución, que se trata de un tema no exento de polémica.

Por música contemporánea de los S. XX y S. XXI nos referimos, en un ámbito musical relativamente académico, a esa música compuesta durante estos siglos (hay quienes la sitúan especialmente a partir de la Segunda Guerra Mundial; otros a partir de 1945, fecha de la muerte del compositor Anton Webern, al que muchos consideran su precursor) y con cierta intención de vanguardia y de cambio. Habrán notado que no he querido mojarme mucho. Se hace prácticamente imposible delimitarla más porque, si por algo se caracteriza, es por la multitud de estilos, corrientes estéticas y de pensamiento, etc. que se suelen cobijar bajo este término paraguas.

Algunas de estas músicas, en ocasiones, son complejas y difíciles de entender para algunos oídos poco acostumbrados. O eso se dice. Otros, sin embargo, piensan que la música no ha de ser entendida, sino escuchada y/o vivida. Yo les voy a proponer un breve viaje por estas músicas de la mano de Lorca, poeta en el que muchos compositores relativamente recientes se han inspirado para crear sus propias obras. Si no están acostumbrados a escuchar estas músicas estoy (casi) segura de que les soprenderá. Por otra parte, quienes estén un poco más familiarizados con estas músicas, estoy (casi) segura de que les apasionará este viaje. Juzguen ustedes mismos. Allá vamos.

En 2012 el entonces director artístico del Teatro Real de Madrid, Gerard Mortier, encargó a Mauricio Sotelo (Madrid, 1961) una ópera sobre la obra El público de Lorca. Cuenta el propio Sotelo que cuando Gerard Mortier la habló de ella le dijo “amo esta obra, es una obra maravillosa, pero, sinceramente, no la entiendo. Mauricio, tú tienes la misión de revelarnos esta obra maravillosa a mí y a nuestro público”. Finalmente, Sotelo nos reveló esta obra el 25 de febrero de 2015, un año después de la muerte de Mortier, con libreto de Andrés Ibáñez y dirigida por Pablo Heras-Casado. Contó con un variado reparto en el que encontramos a Andreas Wolf, Arcángel, Jesús Méndez, Rubén Olmo, Thomas Tatz, José Antonio López, Antonio Lozano, Gun-Brit Barkmin, Erin Caves y Isabella Gaudí. La puesta en escena es de Robert Castro y la escenografía de Alexander Polzin. Musicalmente hablando, en esta obra el compositor mezcla la orquesta con sonoridades electrónicas; todo eso fusionado con el flamenco, ámbito en el que, según sus propias palabras, lleva investigando más de 25 años. Esto aparece explícitamente representado por los caballos (que simbolizan la pulsión sexual), interpretados por dos cantaores y un bailaor.

Cristóbal Halffter (Madrid, 1930), compositor al que le debemos la magnífica frase “en el arte la imaginación y la sensibilidad no basta, hace falta una técnica”, recogida en la serie documental “Imprescindibles-Cristóbal Halffter, libertad imaginada”, también compuso inspirándose en el poeta. Destacamos Elegías a la muerte de tres poetas españoles (1975), que consta de tres movimientos, el primero la elegía a Antonio Machado, el segundo a Miguel Hernández y el tercero a Federico García Lorca. En este último movimiento, de una fuerza sobrecogedora, para una enorme orquesta donde destaca la fuerza de los metales, Halffter emplea la aleatoriedad controlada, que es una manera de componer en la que el compositor realiza una propuesta más o menos abierta, dejando una parte del resultado final al azar, generalmente otorgándole ciertas licencias a los intérpretes.  Cuenta que cuando la dirigió con la Orquesta Filarmónica de Berlín y les explicaba a los intérpretes que tenían que tocar de manera independiente uno le dijo: “maestro, llevamos 250 años intentando tocar juntos y usted nos pide ahora que toquemos separados, pues nos va a costar”.

En otra obra Halffter también se inspira en algunos versos de Lorca. Esta es su segundo concierto para violonchelo No queda más que el silencio (1885). Donde los tres movimientos de los que consta la obra se titulan con versos del poeta: “I. El grito deja en el viento una sombra de ciprés”, “II. Vine a este mundo con ojos y me voy sin ellos”, “III. Si muero, dejad el balcón abierto”.

Pero no solo compositores españoles han encontrado una fuente de inspiración en Lorca. Destacan en este ámbito Luigi Nono (Venecia 1924- Venecia, 1990) y George Crumb (Charlestone 1929).

El italiano compone sus Epitafios a Federico García Lorca entre 1951 y 1953obra que consta de tres movimientos: “I. España en el corazón”, “II. Y su sangre ya viene cantando” y “III. Memento. Romance de la Guardia civil española”, está escrita para orquesta, voces solistas y coro. En el primero de ellos toma un texto de Pablo Neruda, pero en el segundo y en el tercero se basa en textos del propio Lorca. El segundo movimiento se titula con un verso del poema “Llanto por al muerte de Ignacio Sánchez Mejías” y el tercero toma el texto del poema homónimo.

George Crumb, compositor estadounidense, ha tomado en muchas ocasiones textos que reproduce explícitamente en sus obras, plasmando en estas obras, además, rasgos característicos de la música española como el uso de voces de cantaores y arabescos. Como obras más representativas en las que emplea textos del propio Federico podemos destacar: Night of the four moons (1969), Ancient voices for children (1970), Federico’s little songs for Children (1986). Obras de cámara construidas cuidando cada detalle, desde las relaciones formales, de los gestos, de los intervalos hasta las cualidades tímbricas de cada sonido y del propio texto lorquiano.

Los textos de Lorca reflejan una sensibilidad sublime y especial y eso ha sido, en términos generales, lo que los diferentes autores que se han inspirado en él han tratado de inducir a sus obras, aunque cada uno con un estilo diferente.

Esther Pérez Soriano.

Me llamo Elena Martínez Serrano y pertenezco a la banda “Asociación Amigos de la Música de Yecla” desde el 2003. Hice todos mis años de estudio en la escuela y como casi todo alumno, llegó el día en el que entré a la banda.

Escrito en diapason el 20 enero, 2022

En esa época, tenía 15 años y desde entonces aquí estoy, ¡¡ya hace casi 20 años!! y claro, durante todos estos años he ido creciendo y pasando por diferentes vivencias, pero siempre teniendo claro que, aunque ya no seguía con los estudios de mi instrumento (terminando todos los años en la escuela y primer año de conservatorio) “FLAUTA Y FLAUTIN” la banda, no me la dejaba. Está claro que pasamos por épocas en las que por el trabajo, salud u ocupaciones podemos ir más o menos a los ensayos, pero yo por mi parte, siempre he podido sacar un hueco para mi querida banda (como yo le digo).

Durante todos estos años podría contaros miles de conciertos y experiencias vividas en la banda, disfrutando de la música en diferentes lugares y sitios del mundo, pero quiero centrarme en estos últimos años en los que he tenido dos hijos que a día de hoy tienen 6 y 3 años. Con mi primer hijo estuve ensayando y yendo a todos los conciertos casi hasta el último momento antes de tenerlo. Mi último concierto fue en VALENCIA, julio del 2015, un certamen, estando embarazada de 8 meses, ahí fue mi despedida hasta que pasado un tiempo en el que ya te estabilizas con el pequeño y la familia, volví a ensayar y tocar. Con el segundo, igual, estuve ensayando hasta el último momento y… ¡¡¡¡hasta me fui embarazada a KERKRADE 2017 (Holanda)!!!!, no podía perderme esa experiencia que vivimos, que nunca se me olvidará, siempre en contacto con mi marido y mi hijo que se quedaron en España, siguiéndonos la pista por las redes . Todo esto es, gracias a Ángel (Director de la banda) que siempre que le he dicho que me la dejaba por cualquier motivo, él, me ha dado ese tiempo para poder centrarme en lo que conllevaba ese momento y enseguida estar de vuelta con las pilas recargadas, y por supuesto, GRACIAS a mi marido que es el que se queda con los peques en todos los ensayos y va a verme cuando puede a todos los conciertos.

Siempre he pensado que por ser madre y tener hijos no podía dejarme mis aficiones y por eso, mi frase favorita en la que me simboliza a la hora de seguir con mis metas es:

Si quieres, puedes y si tienes una afición en la vida y te gusta, tienes que luchar por ella y seguir disfrutándola”

Elena Martínez Serrano.

Flautista Banda Sinfónica AAMY.

¿ No os pasa que escuchas una frase…

«ERA COMO EL SOL A LA MAÑANA LUNA BLANCA EN SOLEDAD»

… Y pamm, un sin fin de imágenes inunda tu mente?

Sabemos que la música nos hace liberar en nuestro cerebelo dopamina, lo que nos hace estar enganchada a ella, el arte de mezclarla con poesía hace que nuestra mente dibuje escenas en las que nos vemos o vemos reflejadas a otras personas.

Escrito en diapason / 13 enero, 2022

Existen un sin fin de frases de canciones, que carecen de sentido propio, pero que nos hacen sentir miles de emociones a la vez.

«LUCHA DE GIGANTES CONVIERTE EL AIRE EN GAS NATURAL»
«EN LOS MAPAS ME PIERDO, POR SUS HOJAS NAVEGO»

Descomponemos palabra por palabra y nos hacemos una viñeta de nuestros propios sentimientos.

Cuando me siento feliz y enamorada me gusta escuchar canciones románticas y alegres.

«CON SOLO UNA CARICIA, ME PIERDO EN ESTE MAR»
«YO AÚN NO TE CONOZCO, Y YA TE ECHABA DE MENOS»

Pero es cuando me encuentro en esos peores momentos de la vida, desamor, estrés, rabia o simplemente bajón, cuando necesito más que nunca escuchar esas letras para poner mis pensamientos en orden.

Hay canciones, frases, sonidos o simplemente palabras que me ayudan a sobrellevar esos duros momentos.

«NO SE SECAN AL AIRE, CICATRICES DE AMOR»
«SALTE A UN VACÍO, DONDE SIGO ESTANDO EN PIE»
«DEJÓ DE SER O SERÁ, PORQUE EL DIABLO ES COMO ES JUEGA  CONTIGO AL ESCONDER»
«NO SE RESTAR, TU MITAD A MI CORAZÓN»

Utilizamos estas frases para expresarnos en redes sociales, necesitamos mostrar a los demás nuestros sentimientos, pero a la vez,  nos puede la vergüenza de hacerlo  directamente,  por lo que utilizamos estas canciones como modo de comunicación.

«RECHAZASTE SER LA FLOR PARA MI VIDA, POR SER SOLO UN PÉTALO EN LA DE ESE TIPO»
«COMO TE ATRVES A VOLVER, Y A TUS CENIZAS CONVERTIR EN FUEGO»
«TODO ARDE,SI LE APLICAS LA CHISPA ADECUADA»

Incluso los grandes compositores utilizan estas frases en sus propias composiciones.

«CANTAS, DE SOBRA SABES QUE TU ERES LA PRIMERA, Y YO QUE A SABINA LE BAILÉ MÁS DE UNA LETRA, HOY ME CUIDO EL ALMA EN LOS BRAZOS DE OTRO NOMBRE»
«Y ASI PASAN LOS DÍAS DE LUNES A VIERNES, COMO LAS GOLONDRINAS DEL POEMA DE BÉCQUER»

Por eso me ha fascinado siempre el mundo de la composición y desde mi posición de amateur, también he intentado hacer esta pequeña Magia en mis canciones.

«SUEÑO CON VOLVER, A CAMINAR DESCALZA POR TU PIEL»
«RESPIRO PROFUNDO Y CAMINO HACIA TI, MIS LATIDOS ME MARCAN EL RITMO A SEGUIR»

Nos pasamos una quinta parte de nuestra vida escuchando música, las canciones se han convertido en un modo de interacción social para el ser humano, por su facilidad de detallarnos un sin fin de información y sentimientos, nos hace estar felices, tristes, cambiar de cometido o simplemente desconectar y relajarnos.

Es por todo esto que le debemos tanto a las canciones.

Me despido de vosotros esperando haber sido capaz de contagiaros un poco de mi pasión por la composición, me encantaría saber que muchos de vosotros habéis leído estas frases en el relato y las habéis entonado cantándolas.

Solo me queda deciros:

«THE SHOW MUST GO ON»

Beatriz González Arellano.

Alumna de Canto Escuela de Música AAM Yecla.

Amb el sobrenom de Lolita Soriano va ser l’autora del primer himne del València, C.F.

Las Bandas d Música, MANOLI ARACIL– 10 de enero de 2022

Poc conegudes, però no per això inexistents van ser moltes dones valencianes les que van treballar després de la postguerra per a adaptar-se a la nova realitat del país. Igual que els seus col·legues masculins van treballar en l’àmbit cultural; no obstant això, obtenien menor protagonisme i reconeixement.

Cos de text
D’això tractem en aquesta secció de “Pioneres”, per tal de valorar el treball cultural femení. Rescatar, localitzar a aquelles dones, estudiar les seues partitures, la seua vida, les seues obres, valorar-les sense més pretensió que el seu reconeixement. Elles van alçar els pilars de la igualtat, d’igual forma com a grans professionals de la música, per això hem de saldar el deute històric que tant mereixen. Una d’aquelles grans desconegudes va ser María Dolores Soriano Raga, coneguda també com Lolita Soriano.

Infravalorada per la seua condició femenina

Aquesta compositora va treballar de manera incansable en la postguerra, no obstant això, en existir distinció entre el treball masculí i femení no es va poder desenvolupar professionalment com deuria per la seua condició femenina.

Els homes exercien el treball de manera pública i les dones de manera íntima, alguna cosa que els posava més difícil que el seu treball fóra conegut. Aquelles que ho aconseguien eren mal vistes i ignorades, fins i tot infravalorades. La invisibilitat femenina sempre era present; un gran impediment per al desenvolupament professional.

Les dones havien de complir el paper d’esposa, mare, filla, mestressa de casa… i si s’oposaven a eixos cànons, havien de lluitar fortament, mostrant la imatge de “bestioles rares” i més, sobretot, en el camp de la composició, perquè això suposava una capacitat intel·lectual encara més superior que es dubtava que elles tingueren.

Durant 50 anys va ser professora del Conservatori de l’Ajuntament de València

María Dolores Soriano Raga va ser durant cinquanta anys professora del Conservatori de l’Ajuntament de València. La seua gran evolució es desenvolupa en l’època franquista, per això posseeix entre les seues composicions nombroses marxes militars d’exaltació, patriòtiques, himnes religiosos, cançons espanyoles i pasdobles. Igualment va ser la fundadora del Cor Infantil “Juan Bautista Comes” al costat de José Roca.

Potser és la compositora més antiga que es té constància en els arxius de la Banda Municipal de València i la que més composicions posseeix, són algunes Així canta València, Olerizo, Capseta de Música, Llamas d’Art…

Malgrat ser molt prolífica, existeixen poques dades d’ella, de la seua vida… no apareix en els diccionaris de música valenciana. Té molta música escrita per a banda, veu i piano, uns àmbits en els quals signava com Lolita Soriano.

Com a compositora i docent també va crear moltes cançons infantils i un preciós Ocell Maríaper a veu i òrgan.

Compositora del primer Himne del València Club de Futbol

La seua obra més coneguda és la del primer himne del València Club de Futbol: “Hurra el València, hip, hip, hurra”. Molts dels seguidors desconeixen que la seua autora és una dona, no obstant això, aquest himne va ser dirigit i estrenat per ella en la vesprada del diumenge 21 de setembre de 1924 en el camp del Mestalla interpretat per la Unió Musical i el Cor del Micalet.

El València ja s’havia establit al Mestalla i va decidir obtindre un simbolisme, per a això va encarregar una cançó que el representara i va anar Lolita Soriano al costat de Bernardo Duties, que va aconseguir un himne vibrant.

El dia de l’estrena, a més de l’himne, es va presentar la bandera oficial. En acabar la interpretació, va ser tal l’èxit que va caldre ser repetit a causa de la gran ovació dels aficionats. Els crítics de l’època ho consideraven una miqueta barroc, però el públic demanava la seua repetició una vegada i una altra. No obstant això, malgrat l’èxit, a poc a poc va anar caient en l’oblit substituït pel pasdoble Valènciadel mestre José Padilla, que, amb el temps, va ser adoptat com a himne oficial. Podria dir-se que un dels motius del relegue en l’oblit va ser per ser escrit per mans femenines. En 2005 va ser reestrenat per l’Agrupació Musical Els Majors de L´Horta Sud d´Aldaia.

Escriu el primer poema en valencià de l’època franquista

Altra de les seues obres es va interpretar en 1939 en la commemoració del seté centenari de la Conquesta de la Ciutat de València per Jaume I. L’ambient d’aquell moment era, ja, totalment espanyolista i la composició tenia, no obstant, com a títol “Nostra Senyera” . Es converteix així aquest poema en el primer escrit en valencià durant la dictadura franquista. Ho va escriure per a la celebració del 9 d’octubre. Els seus últims versos són els següents:

València,
València,
la més florida i bella ciutat,
contempla a sons fills predilectes
que sempre estan al seu costat.


Dijosos i alegres,
en aquesta festa esplèndida digam:
Que vixca la nostra Senyera
qu’és el cor dels valencians!!

Les seues obres continuen sent desconegudes

Quant a les plataformes digitals actuals només podem escoltar el pasdoble “Llamas d’Art” interpretat per la Banda de Dons de la FSMCV. Una llàstima que obres de tan gran riquesa i compostes per dones no es puguen gaudir ni ser escoltades en sales de concert al no ser interpretades ni gravades.

De nou ens hem tornat a sorprendre en aquesta secció de “Pioneres” en voler visibilitzar una nova compositora, perquè resulta molt difícil de trobar entre documents històrics aquest tipus de biografies. Només hem pogut esbrinar que va ser coetània de Etelvina Ofelia, elaborant una gran labor pedagògica després de la Guerra Civil.

Estem ja situats en el segle XX i encara aquestes dones no han sigut reconegudes com bé mereixen per la seua labor educativa. Més aviat estan silenciades, les seues obres estan ben guardades en arxius històrics als quals tan sols accedeixen historiadors. Aquesta no és una forma de reivindicació, sinó de deute històric cap a elles. És un fet despietat i molt penós que aquesta classe de compositores estiguen relegades a l’oblit. Dones que han aconseguit titulacions superiors amb gran lluita en una època en les quals havien de doblegar el seu esforç per a aconseguir un buit en la cultura musical. Van realitzar els seus estudis en el Conservatori de València, igual que els seus companys i no es veuen igualment considerades.

Els llistats del Conservatori estan replets en les fulles de les seues matrícules de figures femenines docents, però les seues composicions sempre són interpretades com a obres menors. La majoria es van dedicar a la docència per no tindre l’oportunitat de ser intèrprets, no per això la docència cobra menys importància, només és la mostra que les dones no s’exposaven de manera pública, sent així menys admirades.

Va treballar de manera incansable en la postguerra, no obstant això, no es va poder desenvolupar professionalment com deuria per la seua condició femenina

El 9 d’Octubre de 1939 va escriure i va donar a conéixer el primer poema en valencià del període franquista

Va ser la fundadora del Cor Infantil “Juan Bautista Comes” al costat de José Roca

El intercambio es mucho más que una experiencia: es un aprendizaje clave que nos sirve para desarrollar competencias personales.

En dothegap, nuestro objetivo es que el intercambio deje de ser una actividad de “lujo” y se convierta en una actividad habitual a la que todos nuestros jóvenes puedan acceder: el crecimiento personal que supone les prepara para tener éxito en su vida adulta. ¿Por qué? Te lo contamos a continuación.

dothegap Team – Más sobre dothegap

El intercambio cultural: una experiencia clave que combina educación no formal e informal

Tal y como te hemos comentado en anteriores posts, las actividades de educación no formal e informal son un excelente complemento de la educación formal (la educación reglada) que reciben nuestros jóvenes.

El tipo de aprendizaje que ofrecen estas experiencias educativas impulsa nuestro deseo de aprender, aumenta la curiosidad, nos ayuda a conocer nuestros talentos y nos lleva a superarnos a nosotros mismos.

El intercambio es una experiencia que engloba múltiples actividades y aprendizajes que abarcan estos dos tipos de educación no reglada. La variedad de intercambios culturales es tan inmensa, ¡que puedes combinar ambos!

Por ejemplo, los intercambios que se inician con instituciones o entidades que se dedican a un aspecto concreto, como pueden ser los intercambios entre equipos de fútbolcentros de danza o escuelas de idiomas, son buenos ejemplos de educación no formal.

Por otro lado, todo intercambio conlleva un desarrollo de competencias personales muy valiosas (educación informal). Estas competencias son vitales hoy en día para tener éxito profesional y personal. ¿A cuáles nos referimos? Te las contamos a continuación.

El intercambio rompe barreras

Viajar a otro país y tener la oportunidad de conocer su cultura de primera mano te ayuda a conectar y descubrir nuevas costumbres, maneras de hacer y de pensar. Las personas de otras culturas que antes te parecían extrañas se convierten en tus amigas. Así, te llevas una gran lección de vida: aunque a priori, seáis de culturas diferentes, hay muchos aspectos que os unen. Este aprendizaje es crucial para que, cuando en un futuro la persona se encuentre en un entorno profesional o personal diverso, sepa encontrar esos puntos en común para llegar a un entendimiento.

Mejora la tolerancia a la frustración

Vivir un intercambio es una experiencia que te expone a muchas situaciones nuevas y desafíos que generan incertidumbre y te sacan de tu zona de confort. Es posible que surjan contratiempos que no puedas controlar y que, de primeras, no sepas cómo gestionar. Al inicio, resulta frustrante y descoloca, pero te obliga a espabilarte, a ser flexible, a salir adelante y a encontrar nuevas maneras de hacer las cosas. También cometerás errores y meterás la pata en alguna ocasión: es normal. ¡De todo se aprende!

Impulsa tu pensamiento crítico

Los seres humanos tenemos tendencia a socializar y hacer amistad con personas que comparten nuestras mismas inquietudes. Esto puede producir que tengamos una visión un tanto sesgada de la realidad. ¡El intercambio es la experiencia ideal para remediarlo! Al salir de nuestros círculos habituales, descubrimos que hay otras formas de pensar y creer y aprendemos a convivir con ellas. Este aspecto ayuda a fomentar nuestra solidaridad, pero también a desarrollar nuestra empatía y respeto por la diversidad, lo que nos ayudará a entender mejor a otras personas cuando nos pidan ayuda o nos compartan una inquietud.

Te ayuda a conocerte mejor

El intercambio cultural es un viaje tanto a nivel físico como interior. Los desafíos, experiencias, gente nueva que conoces y los nuevos impactos culturales que recibes te ayudan a plantearte quién eres. Descubrirás qué te gusta y qué no te gusta e, incluso, descubrirás nuevos horizontes y pasiones que no te habías planteado. El intercambio supone la apertura a un mundo desconocido, que te ayudará a descubrir y plantearte tus limitaciones y creencias con respecto a una nueva cultura.

Si en un futuro quieres ser un líder inspirador, gestionar equipos multiculturales, aprender a resolver problemas y gestionar situaciones complejas, el intercambio cultural es un excelente maestro. Además, ¡es una experiencia vital en la que te lo pasas genial!

Irse de intercambio parecía una actividad “elitista” por su elevado precio. Sin embargo, dothegap transforma el intercambio cultural en una inmersión real y segura a mínimo coste. ¿Cómo? Creando conexiones, conectando personas de diferentes países y culturas con el interés de vivir todo tipo de actividades cross-culturales, sin intermediario, sin incrementar el coste.

Para comenzar a disfrutar de este tipo de vivencias solo tienes que registrarte y lanzar tu propuesta de intercambio. Únete ¡YA! a nuestra comunidad, ¡te estamos esperando!

Su pasodoble Balones es el actual himno de Banimarfull. 

Siguiendo este ciclo de mujeres pioneras, nos adentramos ya en el siglo XX con María Teresa Andrés Blasco.

Las Bandas d Música, MANOLI ARACIL30 de noviembre de 2021

Esta compositora fue muy importante en la música de baile y por la época y la libertad que se iba incorporando en la vida social hacia la mujer, las bandas de música, aunque en minoría, ya incorporan en sus repertorios composiciones con nombres femeninos, evitando seudónimos para ocultar su nombre.

Es el caso de esta compositora, quetiene una gran variedad de música dedicada a las bandas, como algunos pasodobles que se convierten en himnos en algunos pueblos valencianos.

Sus padres, Salvador Andrés Fullana yMaría Blasco Villaplanaeran naturales de Benimarfull, aunque ella nació en Valencia el 13 de septiembre de 1910 y muere ya en pleno siglo XX en el año 1992.

Su enfermedad asmática le impidió su deseo de ser concertista (ladillo o destacado)

Su gran ilusión fue siempre ser concertista, inicia y acaba sus estudios en elConservatorio de Valencia, siendo algunos de sus profesores Antonio Fornet Asensi de piano, Pedro Sosade Harmonía de Historia de la Música Eduardo López Chavarri.También recibió clases particulares de Ramón Ribes, muy buen amigo de su padre. Al acabar sus estudios en 1930 se convierte en profesora de piano en el mismo conservatorio.

Su deseo de ser concertista se ve truncado por la necesidad de reposo que le conlleva su enfermedad de asma, por lo que estuvo dos años sin actividad que pasó en el pueblo de sus padres, Benimarfull.

Uno de sus grandes éxitos y sin ser todavía compositora profesional es el Xotisque compuso para Radio Valenciatitulado “Ellos son así”,a un programa con este mismo nombre. Su música se caracteriza por ser humorística y el estreno resultó un éxito rotundo.

Sus composiciones en rasgos generales, son sencillas y populares, enfocada siempre a la rebeldía del pueblo, con canciones satíricas y bailes, sobre todo para ser interpretadas por las bandas de música. A ello le acompaña su esposo Ernesto Hurtado, amante de las tradiciones, con el que contrajo matrimonio en 1945. Natural de Benimarfull y escritor de cuatro libros sobre esta población.

En 1972 presenta un villancico que resulta finalista en un Festival de Canciones Navideñasen Hospitalet de Llobregatcon el título Jesús Nen.

Ya en la década de los 80, más concretamente en el año 1982, (hay que señalar que las mujeres ya habían comenzado a incorporarse en las Bandas de Música)

El pasodoble Balones fue arreglado por Tomás Olcina Ribes con el permiso de María Teresa, se le puso letra y se convirtió en Himno de esa población.Más tarde, el alcalde de Benimarfull le encargó un pasodoble para Benimarfull, el cual, más tarde se convirtió en Himno de la población.

Para ello, se le necesitaba poner letra y el pianista Tomás Olcina Ribespidió permiso a María Teresa para cambiar el trío de esta composición, a lo que ella muy amablemente no opuso ningún problema.

Nos cuenta este pianista que era un persona alegre y muy simpática. Personalmente asistió al estreno del pasodoble convertido en Himno y le encantó, ya por aquel entonces llevaba en mente la composición de uno de sus pasodobles más interpretados y populares,  “El Delirio Ché!”,que, posteriormente fue adoptado por la Unión Musical “El Delirio”de Gorga

Sus éxitos van aumentando y en 1985, el alcalde de Benimarfull le encarga el pasodoble para el pueblo, el cual, igualmente que el anterior se convierte en himno de la población. Fue interpretado por primera vez por la Unió Musical de Muro d´Alcoi.

En la SGAE figura también bajo el nombre de María Andrés Blasco (ladillo o destacado)

Hay que decir que los avances de la época, dan lugar al mejor reconocimiento de las mujeres hacia el mundo de la música más popular, por ello no es inconveniente que sus obras puedan formar parte de laBiblioteca Municipal de València, Aunque a pesar de ello, en algunos archivos, su nombre aparece en ocasiones cambiado, suprimiendo el segundo, pasando solamente a María Andrés Blasco.

Otro aspecto del que nos podemos sentir afortunados es que al acercarnos ya a nuestra época, podemos contar con el disfrute de sus obras en formato digital, en plataformas que se aprecian mucho más el arte compositivo de esta mujer y que desde la década de los 50, cuando perfeccionaba sus estudios con Pedro Sosaingresó en la SGAE.

Algunas de ellas son:

Andaluza de mis sueños, banda

Balones, pasdoble banda

Benimarfull, pasdoble, banda

Costa Blanca, banda

El delirio che, banda

Gozos al Santo Cristo del Consuelo

Mocita cascabelera, veu i piano

Plegaria a la Mare de DéuUn hecho relevante de esta compositora son los escasos datos que se pueden encontrar sobre ella, por ello damos las gracias a la familia de Tomás Olcina, pianista que modificó el pasodoble “Balones” para adaptar la letra y convertirlo en Himno, al que ella aceptó gustosamente. Esta familia la conoció personalmente y nos ha facilitado muchos datos para poder recabar información).

Conforme anem avançant en el segle XX anem comprovant com la figura de la dona va prenent, molt poc a poc, rellevància en les diferents branques de la cultura.

És el cas de Matilde Salvador Segarra que és considerada com la més important professional de la seua època, quan la igualtat de gènere començava a ser un referent social i ja s’endevinava un altre estatus social.

Las Bandas de MúsicaMANOLI ARACIL / 19 de octubre de 2021

A Matilde Salvador se la considera una dona polifacètica, perquè no solament la seua creació es va limitar a les innombrables obres musicals, sinó que també es va dedicar a la pintura. És una de les figures més representatives del sentiment indentitari valencià pel seu fort compromís cap a la llengua i la seua cultura; per això va rebre la medalla de la Universitat de de Castelló (1998) i de València (2001) i la Creu de Sant Jordi (2005), entre altres guardons.

Nascuda a Castelló de la Plana, l’any 1918, el seu cercle social i familiar li va afavorir culturalment, perquè el seu avi era violoncel·lista, la seua tia una excel·lent pianista, el seu pare un gran violinista que va impulsar la creació de la Societat Filharmònica i el Conservatori de Castelló, i la seua mare es dedicava a la pintura de la mà del mestre Vicent Castell Doménech. Tota una gran família impulsada per l’art que va afavorir a aquesta gran figura femenina valenciana per a convertir-se en un esperó i impuls del desenvolupament cultural.

A la primerenca edat de sis anys ja va començar a estudiar piano amb la seua tia, aconseguint el títol Superior als 18 anys, continuant amb Harmonia, Composició i Orquestració de la mà de Vicente Asensio, que posteriorment es va convertir en el seu marit en 1947.

Les obres de Matilde Salvador destaquen sobretot en la música escènica i coral. Va poder gaudir de la majoria de les seues estrenes, entre elles dues òperes, a més de ballets, cantates escèniques, música religiosa i representacions nadalenques. A això se li uneix il·lustracions sonores per a les representacions de teatre clàssic. Va musicar poemes de Bernat Artola Tomás, Xavier Casp, Salvador Espriu, Miquel Costa i Llobera, etc.

Primera dona a realitzar una estrena en el Liceu de Barcelona

Amb l’estrena de la seua òpera Vinatea en 1974 es va convertir en la primera dona que estrenava les seues obres en el Liceu de Barcelona. La seua altra òpera La Filla del Rei Barbut s’estrena anteriorment en 1943 en el Teatre Principal de Castelló. La primera es basava en el llibret de Xabier Casp i la segona en el text de Manuel Segarra Ribés.

La seua obra és tan variada que acull tota l’extensió de composicions per a cor, cor i orquestra, grup instrumental amb òrgan, cançons per a concert, sobretot amb veu i piano i acompanyament de guitarra i orquestra. Apuntem que l’Himne de la Ciutat de Castelló de la Plana va ser adoptat en 1987 d’una de les seues composicions la Marxa de la Citutat.

Ja hem apuntat que la majoria de les seues obres eren la inclusió de música a textos, tant de poetes clàssics que contemporanis que van veure les seues obres musicalizadas sense límit de llengües: castellà, gallec, català, mallorquí, alguerés, anglés….

Quant a la secció discogràfica, hem d’afegir que hem tingut una gran sort perquè els enregistraments ja podien gaudir-se amb comoditat, fet que ha donat lloc a conservar moltes de les seues obres. El seu gran virtuosidad pianística ha sigut immortalitzada gràcies a això, podem escoltar de la seua pròpia mà les seues interpretacions de concert acompanyades de cantants.

La seua professió de docent en el Conservatori Superior de Música de València la va fer exercir com a crític musical en diversos diaris i revistes de les ciutats de Catalunya, València i Castelló.

Nombrosos són els seus premis al llarg de la seua carrera, entre ells destaca el de composició coral Joaquín Rodrigo que va aconseguir en dues ocasions i el de Joan Senet a València per la seua col·lecció de cançons Planys, Cançons i una Nadala totes elles per a veu i piano.

Les obres per encàrrec són nombroses en qualsevol aspecte, obres obligades per a concursos i premis tant nacionals com internacionals. Podem destacar el de José Iturbi de piano o el de la Ville de Carpentrás (França).

Filla Predilecta de Castelló, la seua ciutat natal

Els seus reconeixements són innombrables, tant acadèmics com institucionals. Va ser la primera dona a ser nomenada Filla Predilecta de Castelló de la Plana, distingida per la Generalitat Valenciana al Alt Mèrit Cultural , la Creu de Sant Jordi per la Generalitat Catalana, medalles d’or per les Universitats Valencianes… també va ser nomenada Valenciana de l´Any de la Fundació Huguet de Castelló. Una de les sales de l’Auditori de la Universitat de València porta el seu nom, a més de diversos centres de jubilats, biblioteques i instituts d’ensenyament; a això se li sumen carrers, places i avingudes en tot el territori valencià.

No podem deixar a un costat la seua faceta com a pintora, en la qual, va anar igualment prolixa, deixant com a mostra magnífiques obres sobre vidre. Una forma autodidacta que va començar en 1983 i que no va parar de mostrar en exposicions tant individuals com col·lectives, tant nacionals com internacionals. Entre els museus internacionals podem veure mostra de les seues obrar en alguns com el Naïf de Jaén o el Max Fourny de París.

Aquest personatge és sens dubte d’una gran influència en la cultura valenciana, perquè va desenvolupar tots els seus coneixements entre les ciutats de Castelló i València en les quals va repartir la seua vida.

Posseïa un gran caràcter vital i les seues creacions no van recular fins a la seua mort

Matilde Salvador posseïa un caràcter molt vital, inquiet, lluitador, nacionalista, amb una forma molt autodidacta que li permetia no sentir-se vinculada a cap escola; estimava les tradicions i el folklore valencià, de fet, sempre va parlar en valencià. La seua creativitat no es va veure minvada fins a la seua mort. Música i pintura eren imparables a les seues mans. Dia a dia augmentava la seua singular obra i així i tot no totes les seues creacions estan publicades, a pesar que en la Societat General d’Autors hi ha tres centenars sota el seu nom. La seua defunció el 5 d’octubre de 2007 va ser sobtat a causa d’un accident cerebrovascular.

El més significatiu d’aquesta dona és la gran influència valenciana que ha exercit dins de la nostra cultura, una dona incansable en les seues creacions. Personatges d’aquestes característiques són els que fan que es desenvolupe la cultura pròpia dels pobles, en aquest cas els valencians, aconseguint un caràcter propi, singular i definit.

Poques les paraules que la poden definir per la seua grandiositat artística i encara més puntual pel seu gènere, motiu pel qual Matilde es referent d’ aquesta secció de “Pioneres” com una de les figures femenines que van influir en la història de la música, ja no per la igualtat, sinó pel fet de simplement ser dona en el context social que com podem comprovar en aquesta època (mediats del segle XX) Matilde Salvador ja ocupa un lloc merescut en la història per la seua creativitat pròpia.

Destacats

«La condició de ser dona i haver nascut a Castelló han marcat la meua vida i la meua obra. No es comprén la meua producció musical i pictòrica sense aquests llaços» Matilde Salvador en 2004 en rebre el guardó de Dona de l’Any de la ciutat de Castelló.

Va ser distingida amb l’Alta Distinció al Mèrit Cultural de la Generalitat Valenciana i la Creu de Sant Jordi entre altres premis.

Principals guardons rebuts per Matilde Salvador

1945 Marxa de la Ciutat de Castelló, adoptada com a himne oficial l’any 1987.

1964 Premi Joan Senent per Planys, cançons i una nadala.

1967 Premi Joaquín Rodrigo de composició coral per Cantada de l’ocell.

1973 Premi Joaquín Rodrigo de composició coral per Vent, veu, àlber.

1979 Premi de Música Ciutat de Castelló per Cançoner de la Ciutat i terme de Castelló.

1979 Premi Colós del País Valencià

1984 Premi d’actuació cívica catalana de la Fundació Jaume I de Barcelona.

1986 Voladoret d’Or de la Colla del Rei Barbut, en la primera edició d’aquest premi.2​

1988 Inauguració del Centre Cultural Matilde Salvador d’Aldaia (València).

1989 L’Ajuntament de Benicàssim li dedica un carrer.

1993 Premi Senyera de Jaume I de la Comissió Cívica Jaume I de Castelló.

1995 La Akademia Cantos et Fidis del L’Alguer (Sardenya-Itàlia) posa al seu cor el nom de Cor Matilde Salvador.

1995 IES Matide Salvador a Castelló de la Plana.

1996 Valenciana de l’Any de la Fundació Huguet de Castelló.

1997 Alta Distinció al Mèrit Cultural de la Generalitat Valenciana.

1998 L’Ajuntament d’Onda li dedica un carrer.

1998 Medalla d’Or de la Universitat Jaume I de Castelló.

1999 Porrot d’Honor dels Lletres Valencianes de Silla.

2001 Medalla d’Or de la Universitat de València.

2004 Dona de l’any de Castelló de la Plana.

2005 Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya.

2007 L’Ajuntament de Castelló li dedica un carrer.

¿Qué relación podríamos hallar entre una ópera alemana, una canción popularizada en los 50’ por Louis Armstrong (entre otros), Rubén Blades con su “Pedro Navaja” y una ópera-balada Barroca? Son casi 300 años de diferencia, pero todo gira en torno a una historia que se repite una y otra vez.

Los protagonistas de este artículo tienen distinto nombre, pero aun así todos ellos no son más que un mismo personaje a través de un largo recorrido por la historia de la música.

Escrito en diapason, 30 diciembre, 2021 

El primero que apareció fue Macheath, allá por 1728, dándose a conocer por primera vez en Londres a través de una “ópera-balada” escrita por John Gay y cuya música se atribuye a J.Ch. Pepush. La obra lleva el título de The Beggar’s Operaque se traduce como “La ópera del mendigo” o “La ópera del vagabundo”, y nos cuenta la historia de Macheath, un asaltador de caminos que trabaja para la banda de Peachum, padre de Polly, con la que Macheath se había casado en secreto. Cuando Peachum se entera, decide entregarlo a las autoridades. Macheath es arrestado y trasladado a la prisión de Newgate, donde se encuentra con Lucy, hija del carcelero y ex-amante suya, y aunque sigue rencorosa le ayuda a escapar, pero pronto es arrestado de nuevo. Al regresar a la cárcel es condenado a muerte, y mientras Polly y Lucy suplican por el indulto, aparecen cuatro mujeres más que aseguran ser también sus esposas, a lo que Macheath responde que ante tal situación, prefiere ser ahorcado. Es entonces cuando se corta la escena (algo poco habitual en la época) y aparecen dos personajes, que ya habían aparecido al principio, diciendo que para que la ópera no se convierta en tragedia, tiene que acabar con un final feliz. Entonces se retoma la escena final y Macheath es perdonado y declara su amor a Polly.

 

Kurt Weill y Lotte Lenya.

Fue 200 años después cuando esta historia, que a priori puede parecer bastante sorprendente y “moderna” para una ópera Barroca, inspiraría a Bertolt Brecht para escribir el libreto de su ópera Die Dreigroschenoper o “La ópera de los tres peniques”, a la que Kurt Weill puso música. Y en ella encontramos la canción conocida como “Die Moritat von Mackie Messer”, algo así como la “balada de Mackie Navaja”.

La canción original, con letra en alemán, nos habla del personaje Mackie y de algunos de sus crímenes. En este enlace pueden escucharla cantada por Lotte Lenya, mujer de Kurt Weill:

Años después, Lotte Lenya grabó una versión con el famoso trompetista Louis Armstrong, pero en esta ocasión con una sonoridad mucho más jazzística y bajo el título de “Mack the Knife»:

Ella Fitzferald, Bobby Darin, Robbie Williams, Sinatra, Tony Bennet, Miguel Ríos… son otros de los numerosos artistas que han versionado la canción de Mack, pero fue el panameño Rubén Blades, junto con Willie Colon, quien la hizo más “suya”, adaptándola a sus ritmos latinos allá por 1978, convirtiendo a Mack the Knife en Pedro Navaja, haciendo a su vez que esta se convirtiera en uno de los mayores éxitos de la historia de la salsa. Observen como en la siguiente versión comienza cantando el tema de Mackie y luego lo enlaza con su “Pedro Navaja”:

 

En ella nos describe a Pedro Barrios, conocido como Pedro Navaja, (sombrero de ala ancha, largo gabán, diente de oro…) en una noche en la que se dispone a atracar y matar a una mujer prostituta, que luego descubriremos que es conocida como Josefina. Pero la historia da un giro  cuando Pedro se acerca a ella, y, tras apuñalarla, la mujer le dispara con su revólver, cayendo herido de muerte al suelo, acabando la canción con un borracho que se encuentra con los 2 cuerpos y recoge “el revólver, el puñal y los pesos” y desaparece en la noche cantando el coro de la canción…

…La vida te da sorpresas, sorpresas te da la vida…

Y fue precisamente con “Sorpresas”, canción que Rubén Blades estrenó en 1985, con la que nos cuenta toda una trama con nuevos personajes y una investigación policial en la que se descubre que Pedro Navaja en realidad sigue vivo (mala hierba…).

Paula Soriano Ibáñez.

Armonía

  1. f. Unión y combinación de sonidos simultáneos y diferentes, pero acordes.

  2. f. Mús. Arte de formar y enlazar los acordes.

Estas son dos de las acepciones que podemos encontrar en la RAE si buscamos el término armonía.

23 diciembre, 2021 / Escrito en diapason

Quizá no sean plenamente clarificadoras, o al menos, no nos transmitan la profunda importancia de esta palabra y el impacto que ha tenido en la música occidental, pero lo cierto es que en casi cualquier estilo musical o época en la que podamos pensar, se han aplicado y desarrollado los fundamentos de esta conjunción de sonidos convertida en disciplina con el paso de los siglos.

Cierto es que las reglas están para romperse y que gracias a este principio, los preceptos artísticos evolucionan y originan nuevas formas de expresión y/o cambios en el lenguaje que adaptan los sistemas establecidos a los gustos del momento. Pero no es menos cierto que para conseguir moldear nuestro elemento de trabajo (música, escultura, pintura, etc.) debemos entender cómo está formada esa materia prima que vamos a manipular, debemos conocer el medio en el que nos estamos moviendo.

Esto es, pues, el estudio de la armonía: no sólo es saber formar un acorde, si no saber cómo se comporta ese acorde dentro de una progresión; no sólo es saber ponerle nombre a un conjunto de sonidos, es saber cómo crear tensión con ellos para luego resolverla; no sólo es aprender unas normas que puedan parecernos, en ocasiones, anticuadas, es entender esas normas para aplicarlas o romperlas (según nos interese) y de esta manera hablar nuestro propio lenguaje. En definitiva, hablar música.

Pero ¿qué ocurre con aquellos músicos que sólo quieren tocar un instrumento y consideran que estas cuestiones teóricas están reservadas exclusivamente para los compositores?

Es innegable que a partir de la imitación, la repetición y la práctica se pueden alcanzar buenos resultados dentro de la interpretación.

¿Entonces?

Sería como recitar a Shakespeare a partir de la imitación, la repetición y la práctica, pero sin saber inglés.

Diego Corraliza Azorín.

Profesor Guitarra Escuela de Música AAMY.

Ethelvina Ofelia Raga Selma es una figura que luchó contracorriente por su condición de mujer en una época en la que el género y la posición social impedía hacerse un hueco en el mundo musical.

Como cualquier mujer no tenía cabida en este mundo en el que la profesión de músico era exclusivamente masculina.

Las Bandas de Música, MANOLI ARACIL – 13 de septiembre de 2021

A pesar de ello, existieron músicas como ella que lograron hacerse un hueco en el mundo de la composición y la dirección.

Nació en Catarroja el 30 de abril de 1911, le tocó vivir la guerra y la posguerra, una situación todavía más difícil acompañada de hambre y penurias con el canon establecido de la negada independencia y creatividad de las mujeres. Sus padres, de oficio zapateros, lucharon muchísimo para darles estudios a sus seis hijos, sobre todo a sus hijas.

Ethelvina, con grandes dotes para la música, siguió los pasos de su hermana Asunción que sobresalía como compositora, aunque tristemente murió muy joven. Fue entonces cuando su hermana Amparo se convirtió en tutora de Ethelvina. Los grandes cambios históricos de España le hicieron vivir un increíble cambio social, experiencias que se vieron reflejadas en su obra. Centenares de canciones, música de baile, zarzuelas… y el hito de ser la primera mujer en dirigir la Banda Municipal de Valencia.

Un hecho muy destacable de estas mujeres es su vocación innata, ya que la falta de referencias y valoraciones hacia ellas y sus obras, las convierte en genios que se hacen a sí mismos.

Raquel La Cruz, profesora de violonchelo del Conservatorio de Música de Valencia, realizó un magnífico trabajo de investigación que se puede consultar en la Revista Digital Notas de Paso. Esta estudiosa encontró entrevistas y conversaciones de las nietas de la compositora, además de algunas cartas.

España se encontraba en una situación política con dos bandos muy distanciados, uno conservador inclinado hacia la Iglesia y el otro liberal y republicano. La I Guerra Mundial estaba a punto de comenzar y España era territorio neutral.  Los republicanos, liderados en Valencia por Vicente Blasco Ibáñez, no tenían apoyo de la iglesia y su gran preocupación era la vida municipal y el proceso científico, lo que les enfrentaba al clero. El 50% de la población era analfabeta y los valencianos se dedicaban al cultivo de vid y naranjas durante las décadas del 1920 y 1930 y lo mismo ocurría en Catarroja, lugar en donde nace nuestra compositora, sin embargo, fue una de las privilegiadas en acceder a los estudios.

A temprana edad recorrió diversas poblaciones valencianas en compañía de su hermana Amparo, la cual fue su primera instructora y a los nueve años ya comenzó sus estudios musicales aprendiendo solfeo, armonía, violín, piano, Historia de la Música, dirección de Orquesta y folklore, declamación, Historia del Arte Dramático… obteniendo el título de violín, piano y composición en 1925 en el Conservatorio de Música de Valencia. Sin embargo, la difícil situación de España hizo que su gran carrera musical no pudiera desarrollarse con el esplendor que podría haber realizado, fueron muchas las alteraciones sociales: el golpe militar y la dictadura de Primo de Rivera, represiones y un largo etcétera que como a la mayoría de los artistas les truncaba la carrera teniendo que actuar en asociaciones benéficas y sociales.

Un hecho que influyó en la vida de Ethelvina tuvo lugar en plena Guerra Civil. Ingresó en el Convento de Vich como novicia, pues estuvo preparándose unas oposiciones de composición para París con las monjas de la Misericordia de Valencia y quedó tan impresionada de esta forma de vida que decidió ingresar. Desde allí marcha a Tàrrega (Lleida), pero como le pusieron impedimentos para formar un coro de obreros regresa a su ciudad natal convirtiéndose en organista de Las Damas Apostólicas del Sagrado Corazón de Valencia.

Ethelvina tenía la oportunidad de ejercer sus obras en la sección femenina de la Falange de las JONS a través de los Coros y Danzas, pues esta asociación controlaba los locales sociales, culturales y educativos, pero la única recompensa que recibía era el poder interpretar sus obras, así que se marcha a Manzanera (Teruel), en donde podía dirigir la banda que allí se había formado, pero la presencia de los maquis la hacen regresar a Catarroja.

La pobreza en España iba en aumento, los músicos trabajaban con sueldos precarios y Ethelvina se presenta a las oposiciones del Conservatorio de Orense, pero el insuficiente salario no le daba ni para poder pagar la pensión, por lo tanto, opta como muchos españoles a emigrar y se marcha a Suiza hasta que en 1977, cuando la democracia se instala en España, puede regresar. Ethelvina ya tenía 66 años con una gran carrera musical a sus espaldas que siempre estuvo marcada por los grandes cambios históricos y sociales.

Dirige a la Banda Municipal en 1957

Entre tantos sucesos se convirtió en la primera mujer que dirigió la Banda Municipal de Valencia en años de represión y muy difíciles. Ello ocurrió por la obtención de una beca en 1957 a través de la Diputación en la que pudo dirigir esta agrupación, exactamente el 19 de mayo de ese mismo año. La concesión de esta beca la convirtió en la primera figura femenina directora que se ponía al frente de la Banda Municipal de Valencia.

Cuando se traslada a Suiza se pone al frente de la revista alemana 7 Flechas, dedicada exclusivamente a emigrantes. A su vuelta a Madrid en los años 70, Ethelvina se pudo adaptar perfectamente al avance democrático de España, ya que había vivido bajo este modo social político de aquel país. Su vida continuó en tierras españolas, ejerciendo como profesora de clases particulares de música y dirigiendo la revista Ritmo, publicación especializada en temas musicales. Esta época también fue muy creativa, pues combinaba sus clases con la creación de guiones cinematográficos.

La vida de esta mujer es muy controvertida por los cambios políticos y su afán de trabajo fue tan impresionante que llegó a padecer el mal del escribano. Para recuperarse necesitaba calor en las manos y durante su estancia en Suiza trabajó en una fábrica de relojes y en otra de cuerdas para calentar sus manos y poder recuperarse. Gracias a su pronta recuperación consigue sacar el título de órgano.

Formación completa

Como se puede comprobar, la vida de esta mujer es impresionante con una formación de lo más completa, fue poeta, escritora, música… abarcando amplitud de estilos y técnicas. Esta clase de personajes tan carismáticos sufrieron en su carrera diversos conflictos que pudieron llegar a truncar sus obras, pero son figuras tan controvertidas que incluso se puede llegar a pensar que los aspectos históricos y la lucha por ser mujer entre una profesión masculina enriquecieron todavía más sus obras. Quizás por ello tuvo una vida tan erudita, tanto en el mundo religioso como portando la bandera republicana. Lo cierto es que en todos los ambientes que vivió supo sacar el mayor provecho a través de la música. Incluso en el final de sus días se vio envuelta en el separatismo de la lengua valenciana y fue simpatizante del Partido Conservador.

Un tratado sin editar

A los 84 años escribía cartas a políticos, alcaldes, al Rey… siempre fue muy particular con ideas bien claras hasta su vejez. Le gustaban los debates, las tertulias, discusiones… siempre rompiendo con la época incluso en su forma de vestir. Tiene un tratado todavía sin editar en donde demuestra su talla de intelectual, es el Tratado de instrumentación para banda en donde se muestra filosofía, historia, estética… traducidos por ella misma en cinco idiomas.

Murió en 2005 en una residencia de ancianos con su singular carácter alegre y esperando que la Orquesta de RTVE o la Nacional de España interpretara alguna de sus obras que por supuesto no llevaban su nombre por ser mujer, sino variedad de pseudónimos

Fue una mujer enérgica, no dudo en exiliarse en Suiza donde continuó su carrera y donde completó sus estudios de organista

Protagonizó una enorme actividad en el mundo de las bandas y fue profesora en el  Conservatorio de Orense

Manoli Aracil