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La Puerta Grande de Elvira Checa

El 8 de marzo se celebra el Día Internacional de la Mujer, que conmemora la lucha de las mujeres por su participación en la sociedad y su desarrollo íntegro como persona, en pie de igualdad con el hombre

Coincidiendo con esta fecha, vamos a ofrecer nuestro artículo de la sección dedicada a los pasodobles, a uno compuesto por una mujer, concretamente “La Puerta Grande”, escrito por la conquense Elvira Checa Agüero en el año 1992

Escrito en diapason / 9 marzo, 2023

Sección: A dos por cuatro / Por José Miguel Ibáñez Lax

Aunque es verdad que cada vez son más las mujeres que se dedican al mundo de la composición, esta actividad ha sido históricamente un trabajo realizado en su mayoría por hombres, no porque no existieran grandes mujeres con talento, sino porque lamentablemente para ellas era un espacio muy restringido y controlado por los varones.

Clara Schumann, pianista y compositora (Leipzig, 1819-Fráncfort del Meno, 1896).

Si esto ha sido así en la música en general, se acentúa más en los compositores que han escrito algún pasodoble, puesto que, en nuestro país, por desgracia, la participación de la mujer en cualquier actividad profesional, y aún más en las artísticas, todavía se realizó con algo más de retardo que en el resto de Europa, situación que por suerte está cambiando a una velocidad de vértigo, lo que nos permite poder disfrutar cada vez más con obras escritas y compuestas por mujeres.

ELVIRA CHECA AGÜERO:

Elvira Checa Agüero nació el 29 de abril de 1943 en Beteta (Cuenca). Sus primeras enseñanzas en el ámbito de la música las recibió de su padre quien le enseñó los primeros acordes con la guitarra. Continuó su formación musical recibiendo clases de guitarra clásica con el maestro Piñero y música folk con la profesora Blanca Negri.

Siendo muy joven se trasladó a residir a Barcelona, pero nunca olvidó sus raíces visitando con frecuencia la villa conquense donde nació. Se casó con Luis María Gibert, que fue presidente de la Federación de Entidades Taurinas de Cataluña y cronista en Radio Hospitalet.

Elvira Checa Agüero (Beteta, Cuenca 1943).

Cantante y compositora con un amplio catálogo de obras, durante su dilatada carrera profesional ha editado tres trabajos discográficos y ha obtenido diferentes premios y reconocimientos, del que destaca el de mejor intérprete en la I Edición del Festival Cançó Marinera de Palamós. Asimismo, destaca su intervención en el año 1972 en el Festival de Canción Melódica “El Caserío”.

Ha grabado para sellos discográficos como Columbia, Horus o Gramophone Records. El Álbum “Pasodobles 92” se convirtió en el primer disco de pasodobles sinfónicos, distribuido por todo el mundo y siendo reeditado en tres ocasiones con el nombre del popular pasodoble “Puerta Grande”. Fue interpretado por la The National Symphony Orchestra bajo la dirección de Enric Colomer.

Álbum “Pasodobles 92” de Elvira Checa Agüero.

Es autora del libro Piel de barro, del que el escritor Fernando Claramunt destacó: “Elvira Checa, a través de la exquisitez poética alaba y magnifica la voluntad del hombre en búsqueda de la verdad de su existencia, describiendo con maestría al hombre del campo, al que trabaja empapando su piel de sudor hasta convertirla en piel de barro”.

Como ya hemos comentado, es autora del pasodoble taurino La Puerta Grande, pero además tiene compuestos las siguientes obras: Casta torera dedicado a José Cubero Sánchez El Yiyo, y que se estrenó  en el año 1985, pocos días después de la trágica muerte en los ruedos del torero; Duende de Triana dedicado al torero sevillano Emilio Muñoz Vázquez; Junco Carabanchelero dedicado al espada madrileño Lucio Sandín; La Monumental dedicada a la Plaza de Toros de Barcelona; “Las arenas de Nimes” dedicado al coso de la ciudad francesa; Lejos de mi Madrid, Himno de la Casa de Madrid en Barcelona; Sol del Mediterráneo dedicado al maestro alicantino Luís Francisco Esplá; Sueño de Las Marismas dedicado al diestro sanluqueño Paco Ojeda; Luz de Llanos escrito para conmemorar el centenario de la plaza de Toros de Albacete.

“La Monumental” pasodoble de Elvira Checa dedicado a la Plaza de Toros de Barcelona.

Otra de sus facetas, aunque quizás sea menos conocida fue su faceta como cantautora, donde según sus propias palabras “disfruté muchos años de mi vida  con el leguaje de las canciones y el haber publicado varios trabajos discográficos ha sido un  inmenso regalo para mí”. 

Dentro de esta actividad como cantautora, su primer disco publicado fue “Piel de barro” Iberia (1981), trabajo donde sus canciones hablan del campo, de la tierra, del amor, del esfuerzo del ser humano, canciones que cantó acompañándose con guitarra y formando dúo con Rafael Rico, gran guitarrista con el que hizo numerosos conciertos en la década de los 80.

En 1985, publicó un segundo disco con la discográfica HORUS: “Marco de una ausencia, Elvira Checa Canta a Miguel Hernández”, fue un disco donde pudo profundizar en la obra del gran poeta, adentrarse en su universo y expresar alguno de sus poemas a través de la música

“Cantaré” canción que pertenece al disco «Marco de una Ausencia». (1985) publicado en 1985.

LA PUERTA GRANDE:

Este pasodoble taurino fue compuesto por Elvira Checa en el año 1992. Se hizo muy popular a raíz de su utilización durante varias temporadas como la sintonía de la retransmisión de las corridas de toros por TVE.

La compositora conquense definía en una ocasión así su pasodoble: La Puerta Grande : “Está dedicado a todos y cada uno de nosotros, pues todo el mundo en su trabajo quiere salir por la puerta grande. No es, y sí también, la puerta grande de los toreros, como es la nuestra, la de todos”.

“La Puerta Grande” (1992) Elvira Checa.

Pasodoble taurino son todos aquellos que están dedicados a diestros, personajes de la Fiesta, o que hacen referencia directamente a temas relacionados con ella. La puerta grande es la puerta de la plaza por la que sale un torero tras realizar una gran actuación, lo que en el vocabulario taurino se denomina abrir la puerta grande.

La presencia de las bandas de músicas en las plazas de toros se ha convertido en un elemento esencial del espectáculo, siendo sus toques una parte fundamental de la Fiesta, variando su forma de intervención según la Plaza. En la de Madrid la Banda solo acompaña en el paseíllo y en el entreacto, sin embargo, en la mayoría de los otros cosos la música resalta y acompaña la faena del diestro.

Puerta Grande de la Plaza de Toros de Las Ventas de Madrid.

Con el paso del tiempo este pasodoble escrito para ser interpretado principalmente durante los festejos taurinos, ha ido adquiriendo cada vez más popularidad, siendo escuchado en multitud de fiestas populares de toda la geografía española, e incluso su fama ha cruzado nuestras fronteras.

Actualmente forma parte de la banda sonora, ya no de la fiesta de los toros, sino de cualquier otro festejo público (Pasacalles, Moros y Cristianos, Fallas, Hogueras, etc.) estando su melodía muy unida por ejemplo a los desfiles de Moros y Cristianos, sobre todo en las comparsas de tipo Andaluces, Contrabandistas, Bandoleros, etc.

En las fiestas patronales de nuestra localidad, también en uno de los pasodobles más solicitados por las Agrupaciones de Escuadras de Arcabuceros para acompañar su desfile por las calles, sobre todo durante el acto de la Ofrenda de Flores, el día 7 de diciembre por la tarde.

Para finalizar este nuevo artículo de la sección “A dos por cuatro”, les ofrecemos una versión del pasodoble La Puerta Grande de Elvira Checa Agüero, interpretado en esta ocasión por la Banda de Música del Maestro Tejera, agrupación titular de la Plaza de Toros de la Maestranza de Sevilla. La misma forma parte del disco Grada 9 – Pasodobles Taurinos, editado en el año 1998 por Ediciones Senador S. L.


Agradecimientos:

A nuestra colaboradora Silvia Olivero Anarte, compositora, directora y profesora malagueña, por su ayuda para este artículo como cada vez que se lo solicitamos.

Bibliografía:

https://www.elviracheca.com/, consulta en línea el 8 de enero de 2023.

https://www.musicamorosycristianos.com/, consulta en línea el 8 de enero de 2023.

https://cadenaser.com/emisora/2017/10/10/ser_cuenca/1507647349_891381.html, consulta en línea el 8 de enero de 2023.

Archivo Asociación de Amigos de la Música de Yecla.

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Compositoras Andaluzas Contemporáneas

En aquellos tiempos en que era estudiante de composición, había un argumento en el aire que se sentía generalizado.

Una dramática pregunta con una, por demasiado fácil, absurda respuesta: “¿Ha habido compositoras en la historia de la música? Si no se conocen será porque no han existido, por algo no están en los libros de historia”.

Escrito en diapason / 5 mayo, 2022

Hoy en día esto es inasumible, incluso vergonzoso, pero en las generaciones de compositoras ha creado una dura sensación, una pesada mochila que multiplica injustamente los esfuerzos por entrar en un mundo atribuido a los hombres, en el que estaba vetado el acceso a las mujeres. Las consecuencias negativas de esta incompleta historia de la música, de esta falta de referentes, ya fue expresada por Clara Wieck:

Hubo un tiempo en que creía tener talento creativo, pero he renunciado a esa idea; una mujer no debe tener el deseo de componer: si ninguna ha podido hacerlo. ¿Por qué iba a poder yo?[1].

La crítica postmoderna dio un giro en la valoración del hecho artístico, “conceptos como sujeto, razón, clase, género, identidad, arte, verdad, etc. son construidos histórica y socialmente, y que, como tales, no son eternos ni estables”[2]. Este enfoque supuso un radical cambio en la reflexión, la crítica y la redacción de la historia de la música, favoreciendo nuevas vías de análisis de la historia, destituyendo conceptos herméticos que no permitían percibir la realidad más allá de unos arcaicos conceptos estancos, superando las creencias culturales obsoletas. “Para el posmodernismo el conocimiento no es objetivo y neutral como pensaba el positivismo”[3].

Hoy en día se está reescribiendo la historia de la música, Sacando a la luz la presencia de las mujeres en el ámbito de la composición, compositoras que desarrollaron su profesión de uno u otro modo, llegando a codearse, en diferentes épocas, con los grandes compositores de su tiempo. Este rescate de la memoria da constancia de registros de autoras, de sus obras, de sus estrenos, de su presencia en la prensa, y de las circunstancias que favorecieron o complicaron su desarrollo artístico.

La segunda edición del reciente estudio llamado ¿Dónde están las mujeres en la música sinfónica? realizado por las asociaciones Clásicas y modernas y Mujeres en la Música, junto con la SGAE, coordinado por Soraya Sánchez y Pilar Pastor, aporta el lamentable dato de que sólo el 1% de las obras programadas por orquestas sinfónicas españolas es de autoría de mujer, 21 frente a las 1.864 compuestas por hombres. En un tiempo en el que se presupone la igualdad, este tipo de estudios sacan a la luz el desequilibrio que existe entre las leyes en el papel y su ejecución en la sociedad. Es necesario reflexionar sobre las causas que provocan la desigualdad efectiva, dejar atrás el cuestionamiento de la calidad de la producción de las compositoras atribuyéndole una merma creativa por una cuestión de género.  La doble vara de medir la calidad de la obra de compositores y compositoras ya fue denunciada por la compositora Elisabeth Lutyens, 1906-1983: “Si Britten escribía una obra mala, decían: ha tenido un mal día. Si yo escribía una, se debía a que era mujer”[4].

Programadores, gerentes, editores, críticos y medios de comunicación tienen el poder y la responsabilidad de crear un panorama musical en el que, bien sesgadamente, predomine el género masculino, o bien, poner sobre la mesa una realidad justa que equilibre la presencia de artistas masculinos y femeninos.

La editorial Monte Victoria ha creado un proyecto cuyo objetivo es la visibilización de composiciones con firma de mujer, que han quedado ocultas por la desmemoria de una historia de la música contada a medias. https://montevictoria.com/compositoras

El primer libro que conforma este gran proyecto, Grandes Compositoras al piano, incluye diecinueve autoras internacionales nacidas entre 1720 y 1893, como Augusta Holmes, Amy Beach, Clara Wieck, Fanny Mendelssohn y Teresa Carreño, entre otras. El siguiente volumen, de ámbito nacional, Grandes Compositoras al piano con acento español, incorpora catorce autoras españolas o con estrecha vinculación con España. En él podemos encontrar autoras como Pauline Viardot, Soledad Bengoechea, Eloísa Galluzo y Eloisa D´Herbil, entre otras.

La editorial Monte Victoria ha continuado editando obras monográficas como la obra de Eugenia Osterberger y ha dado un paso hacia el presente sacando a la luz obras de compositoras actuales como Fragmentos de génesis, de Ana Teruel.

La consecuencia natural del proyecto Compositoras de la editorial, ha sido ubicarse en el presente, con el añadido de centrarse en el panorama andaluz. De este modo, el libro es testimonio de diferentes sensibilidades conectadas con esta tierra, que está absolutamente ligada al arte, dando valor a la producción musical actual, paradójicamente, tan desconocida como viva en los actuales espacios culturales.

Compositoras Andaluzas Contemporáneas, publicado por la editorial Monte Victoria en septiembre de 2021, recoge dieciséis obras de dieciséis compositoras andaluzas o de fuerte arraigo andaluz. De izquierda a derecha y de arriba abajo, en la imagen: Diana Pérez Custodio, Ana Teruel, Dolores Serrano, Pilar Osado, Reyes Oteo, María José Arenas, Cristina Gallego, Dolores Romero, Isabel Royán, Inmaculada Godoy, Iluminada Pérez, Sara Almendros, Inmaculada Almendral, Elena Morínez, Ana Blanco y la abajo firmante, Silvia Olivero.

El editor, Jorge Díaz, confió en mi persona para coordinar esta obra, lo cual me ha permitido conocer a extraordinarias mujeres cuya valía es, sin duda alguna, merecedora de reconocimiento. Este volumen, enmarcado en un presente que abarca diferentes generaciones de compositoras, es testimonio vivo de la evolución del lenguaje pianístico, invalidando otro de los mitos atribuidos a la producción con firma de mujer: Sólo al pasearse por las páginas del libro se percibe la no existencia del llamado “lenguaje femenino”. Cada obra manifiesta un particular carácter, estética, lenguaje y personalidad individual, no como mujer sino como persona, una diversidad manifiesta en la escritura e incluso en las grafías. En las diferentes obras podemos encontrar elementos contrastantes, ya sean expresionistas, minimalistas, impresionistas, experimentales, orientales, así como caracteres pasionales, intimistas, enérgicos, extrovertidos, pedagógicos, estructurales, y hallamos la relación entre la música y otras manifestaciones artísticas como el teatro, el audiovisual, la poesía o la narrativa del cuento.

A fin de subrayar la presencia de las compositoras en los diferentes ámbitos de la música, y de dejar constancia del trabajo constante desarrollado a través de la experiencia de cada una de las autoras, el libro contiene la fotografía y la biografía artística de cada una de ellas donde describe la trayectoria profesional de cada una en heterogéneos ámbitos, como la música experimental, la música electrónica, el ámbito educativo, la música audiovisual, música de cine y videojuegos, la música sinfónica, camerística, el teatro musical, la búsqueda de sonoridades en culturas asiáticas, la performance, la relación con las artes plásticas e incluso la dirección orquestal. Encontramos en estas biografías la proyección nacional e internacional del panorama musical andaluz, representado a través del recorrido de las diferentes artistas.

Este libro pretende mostrar que las compositoras no son una excepcionalidad, sí son una realidad que ejerce su labor dentro y fuera de nuestras fronteras. El proyecto Compositoras, de la editorial Monte Victoria, está haciendo su aportación a la recuperación de la memoria y está sembrando desde el pasado hasta el presente, a fin de crear un futuro más justo.

Como testimonio auditivo, los siguientes enlaces permiten escuchar alguna de las obras publicadas en Compositoras Andaluzas Contemporáneas. Abramos el telón y disfrutemos de ellas.

Senderos, Cristina Gallego. Pianista: Juan Manuel Rodríguez Écija

https://soundcloud.com/cristinagallegocomposer/senderos?utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing

Carroussel, Inmaculada Almendral

Susúrrame al oído, Dolores Serrano. Pianista: Sofya Melikyan

…Y sin embargo, gira, Ana Teruel. Pianista: Nieves Romero

El erizo y la liebre, Reyes Oteo. Pianista: Cristina López García

Ucronías, Mª José Arenas. Pianista: Sofya Melikyan

Cosmic Delights, Pilar Osado

Efímero, Elena Morínez. Pianista: Amaya Goicoechea

Pandemia, Silvia Olivero. Pianista: Rafael Ruíz Rodríguez.

Bibliografía

Beer, Anna (2919). Armonías y suaves cantos. Barcelona, Acantilado

Ramos, Pilar (2003). Feminismo y música, Introducción Crítica. Madrid, Narcea.

Turina, Joaquín (1914). “El feminismo y la música”. En Revista Musical Hispano-Americana, nº2, febrero, 8-9. (1982). Escritos de Joaquín Turina. Madrid: Ed. Alpuerto.

http://www.fundacionsgae.org/es-ES/SitePages/Programacion_Noticia.aspx?i=669&s=12

Silvia Olivero Anarte.

[1] Beer, Anna (1919:10)

[2] Ramos, Pilar, (2003:34)

[3] Ramos, Pilar, (2003:37)

[4] Beer, Anna (2019: 369-370)

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I Jornadas «El papel de la mujer en las bandas de música»

Presentamos las I Jornadas sobre «el papel de la mujer en las bandas de Música», organizadas por la Federación de Bandas de Música de Andalucia y con la colaboración del Excmo. Ayuntamiento de Canena, Asociación Musical de Canena, Vandelvira y Tierras de Canena.

07/03/2022

PROGRAMA

Ponentes:

  • Silvia Olivero Anarte. Directora de Orquesta
  • Violeta Romero Morales. Joven Compositora Andaluza
  • Serezade Borja Jiménez. Catedrática de Trompa del Conservatorio Superior de Música de Jaén.

Mesa Redonda para tratar la actividad de la mujer dentro del colectivo de las bandas de música.

Invitada a la mesa redonda:
María del Carmen García Godoy. Doctora por la Universidad de Jaén y Vicedirectora del Conservatorio de Linares (Jaén)

Con la actuación del ensemble de trompas “Xauen`s horns”

 

Día: Domingo 13 de marzo de 2022
Lugar: Auditorio “Antigua Estación” de Canena. Jaén
Hora 11:30 h

https://federband.org/

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Marianna Von Martines, komponistin vienesa por Silvia Olivero Anarte

La historia de la música ha invisibilizado la presencia de las compositoras, que han compartido espacio y tiempo con los grandes artistas que conocemos en el presente.

Las mujeres no lo han tenido fácil para poder desarrollar una carrera profesional en la música, y más aún en especialidades como la composición, que se ubica en el ámbito de la creación, reservada en exclusividad para los hombres.

Escrito en diapason – 18 noviembre, 2021

Por ello, la historiografía ha borrado de los libros, o más bien ni siquiera ha escrito, la presencia de las mujeres que, gracias al contexto familiar, personal, geográfico y/o político han tenido la oportunidad y han luchado por hacerse un hueco en el espacio cultural de su existencia.  Este es el caso de la excelente compositora Marianna Von Martinez, reconocida en su época por su talento, su extraordinaria ética y su diligencia, contemporánea de Mozart, Haydn y el poeta Pietro Metastasio, que tuvo la fortuna de crecer y educarse en un ambiente ilustrado que potenció su talento y le dio alas para desarrollar una vida profesional alrededor de la música, rodeada de los artistas más reconocidos de Viena y sus visitantes.

Sonata para teclado nº 3 en La M

Nicolás Martínez, español exiliado en Nápoles tras la guerra de sucesión española se afincó en Viena en 1730, ejerciendo de maestro de ceremonias del nuncio papal. Allí se casó con Maria Theresia, de origen alemán y 24 años menor que él, con quien tuvo trece hijos, de los que seis llegaron a edad adulta y fueron educados en el pensamiento ilustrado. La quinta de estos seis era Marianna Martínez, nacida el 4 de mayo de 1744. Nacer y residir en la culta ciudad de Viena, centro del Imperio, cuna musical de Mozart, Haydn y Beethoven, fue uno de los factores que le propiciaron las posibilidades de vivir por y para la música.

Por otro lado, la residencia de Martínez constituyó una gran oportunidad para el desarrollo artístico de Marianna, pues la antigua casa Michaerlerhaus hizo coincidir en el tiempo y el espacio a Marianna, Metastasio y J. Haydn, contribuyendo al desarrollo y proyección de la compositora. La familia Martínez ocupaba el tercer piso de la Michaelerhaus, en esta misma planta, se alojó el poeta y famoso libretista Metastasio, que había sido nombrado poeta imperial.  La profunda amistad que se creó entre ambos tuvo sus consecuencias en el desarrollo de Mariana, al tomar este la decisión de ejercer el papel de mecenas y mentor de la pequeña, a la que llamaba mi Santa Cecilia. Adoptándola como un proyecto artístico, contactó con Niccolò Porpora para que le impartiera clases de canto y composición e influyó para que también contribuyeran a la educación musical de Mariana Giuseppe Bonno y Johann Adolf Hasse. Este último comentaba que la cantidad de horas que Mariana dedicaba a la composición le perjudicaba la voz en el canto por la posición de la cabeza inclinada hacia la partitura. Mariana era considerada una niña prodigio, que no se conformaba con la interpretación musical, estudiando concienzudamente para convertirse en una gran compositora. Así mismo, el compositor Joseph Haydn, instalado en el último piso de la casa de los Martínez tras ser despedido del Coro de San Esteban, contribuyó a su formación musical impartiendo clases de clave, así como de composición, a cambio de estancia y manutención. Haydn llamaba a Marianna la pequeña española y su amistad duró el resto de sus vidas.

Metastasio estuvo presente en la vida de la compositora hasta su fallecimiento, aconsejándola y apoyándola constantemente. Charles Burney describe a Martínez como el “alter idem” de Metastasio. Así mismo, Charles Burney, a su paso por Viena la describe “recibida por los asistentes con enorme respeto” y, tras pedirle la interpretación de una obra valoró “su actuación superó, en verdad, todas mis expectativas. Cantó dos arias compuestas por ella misma sobre poemas de Metastasio acompañándose al clavecín de manera juiciosa y magistral”, a lo que sigue un aprecio por su técnica al instrumento, la voz y “un dominio extraordinario del contrapunto”.

Desde el punto de vista político, la emperatriz María Teresa de Austria vivió durante los primeros 36 años de vida de Marianna y esto favoreció a la compositora, pues alentó su proyección artística dado que, para la emperatriz, una mujer no dañaba la imagen pública del reinado, lo cual favorecía su aparición en público y la posibilidad de presentar sus composiciones. De este modo, se convirtió en una joven intérprete famosa en su tiempo reconocida por la corte, siendo una de las favoritas de la emperatriz, que la reclamaba frecuentemente para actuar frente a ella. Su manera de tocar el clave fue comparada con la de C. Ph. E. Bach y su interpretación vocal y su composición era apreciada por sus difíciles saltos, su ornamentación, la imaginación melódica y su exquisito uso del contrapunto.

Como Francesca Caccini y Barbara Strozzi, se dedicó paralelamente a la interpretación y la composición.

A los 16 años compuso la Misa en Do para la Misa Mayor en el día de San Miguel, en la que fue reconocida como una de las compositoras más preparadas de su tiempo. En la década de 1760 y 1770 compuso misas, conciertos, sonatas para teclado -de las 31 que compuso sólo se han conservado tres-, arias italianas y cantatas. Destacan la Obertura en Do M, llamada sinfonía al contener tres movimientos, compuesta en 1770, de estilo galante, con algunos elementos expresivos que se pueden ubicar en el empfindsamkeit, la Cantata La Tempesta y el Miserere mei Deus, adaptación musical de salmos para coro, solistas y bajo continuo. Como era costumbre en la época, se dudaba de las capacidades creadoras de las mujeres, por lo que ciertas voces cuestionaban la capacidad de conseguir logros de una persona de esa edad y sexo, planteando que su obra era compuesta realmente por un hombre, lo cual refleja la calidad de su obra.

Obertura/Sinfonía en Do M

Colaboró con el poeta Saverio Mattei, que la buscó tras el fallecimiento de J.A. Hasse sobre 1770. Su colaboración dio de sí obras que fueron interpretadas en Nápoles en Cuaresma, como el Miserere interpretado a inicios de abril de 1772. María Carolina de Austria, reina de Nápoles, quedó encantada con Marianna. Se conservan en Nápoles la Selección de arias compuestas para el deleite de Su Majestad de Marianna Martines. Mattei decía de Martines: “metempsícoris divina nos ha dado en la señora Marianna, si se me permite decirlo de este modo, a la hermana de Moisés”. Marianna fue invitada a viajar Nápoles, mas no acudió a la tierra natal de Mattei, con lo que finalizó la colaboración entre ambos.

Su educación fue, por lo tanto, exquisita, participando de la vida artística vienesa, como las veladas musicales en la casa veraniega de los Ployer, donde compartía con personalidades como Leopold Mozart, W. A. Mozart, Haydn, Albrechtberger y Josef Weigl. Uno de sus grandes reconocimientos fue ser admitida, por unanimidad, como miembro de la Academia Filarmónica de Bolonia como miembro de honor, en 1773, con el título Accademia filarmónica Onorata, siendo citada como “su aliento genial, la nobleza de la expresión y la asombrosa precisión de sus composiciones”. Fue la primera mujer, tras 108 años de existencia de la entidad, en ser admitida, siendo reconocida como un símbolo de la superioridad alemana. La Gaceta di Bolognna escribe: “¡Y qué raro y especial honor se rinde aquí al bello sexo, que ahora cuenta entre sus miembros a una mujer a quien tantas ciudades tienen razón para envidiar!”. Marianna escribió para la Academia la adaptación del Dixit Dominus, salmo 109, ante el que la Academia expresó el asombro de la belleza, ingenio y nobleza de expresión, sin embargo, no se interpretó la obra por la renuncia de Marianna de viajar al estreno de su obra.

Retrato: Anton von Marons (pintor de la emperatriz María Teresa). El pie del cuadro indica: Maria anna Martines. Pupila de Pierto Metastasio, nacida en Viena, el cuatro día antes de las nonas de mayo, 1744, [miembro] de la Sociedad Académica Filarmónica.

Coincide en el tiempo su ingreso en la academia con el ascenso social de sus hermanos, nombrados Caballeros, lo cual la ubicó en aristocracia, pasando a llamarse Marianna Von Martinez. Otro gran reconocimiento que obtuvo fue el haber sido nombrada Doctora honoris causa por la Universidad de Pavia por su contribución al mundo de la música.

La composición, relativamente aceptada en las mujeres, abarcaba plantillas de pequeño formato como sonatas a solo, arias, o pequeñas agrupaciones de cámara, aceptándose el clave, el arpa, o la voz y rechazándose los instrumentos de viento y de la percusión y las agrupaciones de gran formato. En ese momento, el acceso al teatro -ópera- estaba vetado a las mujeres que ejercían la composición, por lo que Marianna, en su afán de escribir obras que exigen de una gran plantilla, abordó otros géneros musicales como oratorios, misas y oberturas.

En marzo de 1782 la Tonkünstler-Societät de Viena ofreció la interpretación del ambicioso Oratorio Isacco figura del Redentore, cuyo texto pertenece a Metastasio, en el Kärtnertotheater, en Viena. La plantilla reunía a una orquesta compuesta por la cuerda, oboes, flautas, fagotes, trompetas, trompas y timbales, más un coro de unas doscientas personas. El estreno estaba acompañado de la interpretación de obras de J. Haydn, W.A. Mozart, L. Beethoven y G. F. Haendl.

Otras obras de gran formato son In exitu Israel para solistas, coro y orquesta, Psalm 112 para coro y orquesta y los Tres Conciertos para clave y orquesta en Do M, en La M y en Sol M.

Tras la muerte de sus padres y el fallecimiento de Metastasio, en 1782 hubo una serie de cambios en su actividad musical. El poeta, que siempre había prestado su ayuda a la familia, contribuyendo a su ascenso social, dejó su herencia a la familia Martínez, incluyendo dinero, su clavecín y sus partituras. Con la comodidad económica que se encontraron, Marianna y su hermana convirtieron su hogar, junto a sus hermanos y ubicado en un núcleo frecuentado por la élite, en lugar de reunión para artistas de la época, con veladas semanales de gran afluencia de personalidades, que se hicieron famosas en Viena. Esto generó para ellas una importante vida social vienesa en las que participaban músicos como Mozart, Haydn y el joven Beethoven. En estas veladas Mariana, dama soltera que contaba ya con 40 años, maestra de ceremonias de los conciertos que organizaba, participaba como intérprete y tocaba frecuentemente a cuatro manos con W. A. Mozart: el tenor Michel J. Kelly, que estaba muy impresionado por la musicalidad vienesa, afirmó haber visto tocar a Mariana junto con Mozart una sonata del compositor al piano a cuatro manos.

En 1790 fundó en su casa una escuela de canto “para su entretenimiento y por amor al arte” de la que salieron grandes voces del momento. El calendario de la vida artística de Viena y Praga de 1796 menciona a Mariana “ha compuesto misas y muchas arias que están muy cerca del estilo musical de Jommelli. Es una gran ayuda para la vida musical de Viena”

Mariana falleció en Viena a los 68 años de edad, el 13 de diciembre de 1812, en su propia casa habiendo sido la compositora más prolífica en Viena, con más de doscientas obras en su haber, pero pagó caro su prudencia y el no haber salido de Viena, en un momento en que los músicos viajaban a Londres, Praga, Milán y París para proyectar y desarrollar su arte, quedando en el olvido. No ayudó su conservadurismo, su respeto por las normas del decoro de la época, y su extrema precaución en aceptar las imposiciones de su contexto social. A pesar del éxito y la calidad de sus veladas musicales, este tipo de encuentros musicales pasaron desapercibidos para la historia de la música, y, con ello, la figura de Marianna Von Martinez. Otro elemento que no pasa desapercibido es que, aunque obtuvo reconocimiento como compositora, ninguna de sus obras fue publicada en vida. Hoy en día las obras que se conservan se hallan en los archivos de Munich, Bolonia, Berlín y Viena.

Dixit Dominus

Bibliografía/Webgrafía

Beer, Anna (2019) Armonías y suaves cantos. Barcelona, Acantilado

Rice, John (2013) La música en el siglo XVIII. Madrid, Akal

Capdepón Verdú, Paulino. Mariana de Martínez https://dbe.rah.es/biografias/31966/mariana-de-martinez

Marianne von Martinez http://www.revistadeartes.com.ar/xiv-mujeres-comp.html

Mariana Martínez, una hispana en el reino de Mozart https://elpais.com/diario/2003/11/01/babelia/1067645180_850215.html

Banco de partituras https://imslp.org/wiki/Category:Martinez,_Marianne

Silvia Olivero Anarte.

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Retratos Musicales por Silvia Olivero

La sensibilidad de las personas hacia sus congéneres, el deseo de dejar plasmado el recorrido vital e histórico de grandes seres humanos, reales o nacidos en la literatura, se ha manifestado a lo largo de la historia en las diferentes ramas artísticas.

24 junio, 2021 Escrito en diapason

Lo hallamos en: Retratos de grandes personalidades políticas, religiosas o del ámbito de la cultura o la ciencia, incluso en ocasiones, personajes ficticios o mitológicos que ensalzan potentes características humanas. Relatos escritos o de tradición oral que subrayan los episodios más importantes y trascendentes de la vida denotables figuras, en ocasiones hiperboladas. Narración teatral o cinematográfica que visibiliza de una manera vívida la trayectoria en mayor o menor recorrido temporal de los personajes. La música, a través de la ópera, el ballet o música instrumental de mayor o menor formato, no queda al margen de ese anhelo representativo de historias vividas,mas, siendo un lenguaje abstracto, se antoja más complejo. Sin embargo, las características descriptivas de nuestro arte nos dan las herramientas para retratar con sonidos los relatos más apasionantes de los personajes de la historia.

En ocasiones se produce una simbiosis entre las artes y el hecho narrativo, histórico, pictórico y musical, multiplica su proyección, como es el caso de la obra El entierro del Conde Orgaz, compuesta por Alexander Comitas.

El entierro del Conde Orgaz, Banda Amigos de la Música de Yecla. Dirige Ángel Hernández Azorín.

La ópera ha representado tanto a personajes históricos, mitológicos como a personajes de la literatura como Dido y Eneas de Purcell; Rinaldo inamorato de Francesca Cacini; Jerjes y Julio César de Händel; La Clemencia de Tito, e Idomeneo, rey de Creta de Mozart; Céfalo y Procris de Jacquet de La Guerre; Fidelio de Beethoven; Aida, Macbeth y Otello de Verdi; Moisés en Egipto y Guillermo Tell de Rossini; Carmen de Bizet; Boris Godunov de Mussorgsky; Dafne y  Salomé de Richard Strauss; Tristán e Isolda, Rienzio Parsifal de Wagner; Fausto de Gounod; El príncipe Igor de Borodin; El castillo de Barba azul de Bartók o Fausto y Helena de Lili Boulanger, entre otros.

A pesar de no contener representación escénica, que aporta una perspectiva visual, en oberturas, sinfonías, cantatas y poemas sinfónicos también hallamos el retrato musical. La sinfonía Heroica de Beethoven fue llamada en primera instancia Napoleónica, hasta que el compositor quedó defraudado con el dictador, Tchaikovsky también hace referencia a Napoleón en la obertura 1812.En la obra de Beethoven encontramos las oberturas Egmont, Leonora o Coriolano; Richard Strauss nos ofrece Til Eulenspiegel y Don Juan; Rebeca Clarke a Morpheus. Berlioz escribió las oberturas Los Troyanos, Rob Roy y la cantata Cleopatra. Romeo y Julieta ha sido musicado por Tchaikovsky, Prokofiev, Berlioz o Gounod. Don Quijote por Telemann, Massenet, Richard Strauss, Ravel, Ibert, Guridi o Gerhard. Orfeo por Monteverdi, Gluck, Liszt,Stravinsky o Sofía Gubaidulina. Hamlet por Tchaikovsky, Liszt y Shostakóvich.

El Olimpo de los Dioses. Óscar Navarro. Unión Musical Godelleta. Dirige Jesús Perelló.

Desde un punto de vista técnico, al plantear la representación musical podemos recurrir a sonoridades asociadas a un contexto histórico, ritmos de batalla o fórmulas rítmicas que generan agonía, melancólicas melodías que muestran bien nostalgia, bien amor; armonías consonantes o disonantes que confrontan los estados de ánimo, timbres que asemejan voces o describen paisajes a través del color instrumental, la masa sonora que nos puede transmitir soledad o comunidad… Recordemos el poder de la Retórica, expresado siglos atrás, con la que los músicos barrocos otorgaban a los compositores la responsabilidad de hacer comprensibles las obras para el público. En el traspaso de la teórica narrativa a la musical, las figuras retóricas aportan a determinados elementos musicales una función descriptiva. Por ejemplo:

Anabasis, línea melódica ascendente identificada con la exaltación o felicidad.

Catabasis, línea melódica descendente identificada con la depresión, tristeza o desasosiego.

Abruptio, interrupción súbita que transmite exaltación.

Anáfora, repetición de un fragmento musical al inicio de diferentes pasajes asociado al desprecio, la crueldad o el enfado.

Articulus, Separación de notas de semibreve o breve asociada a la vehemencia.

Exclamatio, amplio salto interválico que en caso de ser ascendente genera felicidad y en caso de ser descendente, genera tristeza.

Hipérbole, polarización de la voz hasta un extremo, generando tensión.

Interrogatio, ascenso al final de la frase.

Multiplicati, la repetición de una célula musical que crea ansiedad.

Pasusduriusculus, movimiento melódico de segunda menor, preferentemente cromático, representa sufrimiento al ser descendente.

Quinta superflua, intervalo de quinta disminuida que transmite tristeza.

Saltusduriusculus, salto mayor de una sexta, habitualmente la séptima disminuida, encarna infelicidad y lamento.

Suspiratio, silencios a modo de suspiros que simbolizan pena o deseo.

A pesar del paso del tiempo, estas figuras retóricas continúan en la memoria colectiva y se perciben constantemente en la música cinematográfica. La música sinfónica o de banda musical hace constantemente eco de las bandas sonoras, consiguiendo que veamos, a través de nuestros oídos, las imágenes y sensibilidades de la pantalla.

La lista de Schindler, John Williams. Unión Musical de Godeleta. Dirige Alexis Calvo. Violín solista Vicente Balaguer. Corno solista Jesús Perelló Fuster.

El repertorio de Banda explota las características tímbricas, las combinatorias en la masa sonora, bucea en la infinitud del lenguaje de la percusión, va más allá del uso tradicional los instrumentos incorporando el ruido de llaves, el aire a través de los instrumentos e incluso la voz humana a modo de susurro, de cántico o de gritos, como un instrumento más.

Dragut el pirata, Ferrer Ferrán Banda Sinfónica AAMY. Dirige Ángel Hernández Azorín.

Nostradamus, Otto M. Schwarz. Banda de música CSM Málaga Dirige Silvia Olivero.

Entre los compositores de música de banda se encuentran frecuentes inspiraciones en la narración de episodios de vidas de personajes concretos o comunidades humanas.Como ejemplo Ferrer Ferrán: Eolo el Rey, Don Quijote, Magallanes, Juana de Arco, Salomón. Otto M. Schwarz: Leonardo, Nostradamus. Óscar Navarro: Don Enrique de Guzmán, El Olimpo de los Dioses. Amparo Edo Biol: Cleopatra. Philiph Sparke: Los Vikingos, Invictos, Los pioneros. Alfred Reed: Othelo, Punchinelo. Bert Appermont: Ivanhoe; Jan Van der Roost: Espartaco, Sinfonía Hungárica: Atila-Árpad-István; Jacob de Haan: Diogenes; Pascual Vilaplana: Jéssica y Crusllan.

Juana de Arco, Ferrer Ferrán. Banda de música CSM Málaga. Dirige Silvia Olivero.

El retrato musical nos ofrece la oportunidad de aprehender el alma de los retratados a través de la abstracción musical y ofrecerla al público narrando, con los elementos de lenguaje de la música, en el desarrollo de la construcción de la estructura de la obra, una fotografía en movimiento que nos permite ver con los ojos cerrados y viajar en el tiempo.

Silvia Olivero.

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Hablamos con Silvia Olivero Anarte por Cecilia Ortuño

Actualmente, pertenece al Departamento de Fundamentos de Composición del Conservatorio Profesional de Música “Manuel Carra” de Málaga, impartiendo las asignaturas de Armonía y Análisis.

Tres sueños, Otra humanidad es posible, Alrededor, Triálogo o Abisal, componen su catálogo de obras, entre otras, abordando un amplio abanico de plantillas instrumentales. Y en cuanto al ámbito de la dirección, cabe destacar su experiencia como directora invitada en numerosas orquestas en España y Rumanía y bandas sinfónicas de nuestro país.

Con ella conversamos sobre la nueva realidad musical, su actividad profesional y otros aspectos relacionados con el mundo de la Música.

Fuente: https://www.nuestrasbandasdemusica.com/ – 17 Diciembre 2020

Esto es lo que nos ha contado:

P.- Empecemos por el principio, ¿Cómo fueron tus inicios musicales en Málaga y cómo enfocaste finalmente tu profesión hacia la docencia, dirección y composición?

R.- Siempre he pensado que cada paso que damos crea un camino que nunca sabemos dónde nos lleva, pero que los “astros” se combinan para guiarnos allá donde nos grita nuestra esencia.

Comencé con los estudios de piano y en mi desarrollo de estudiante conocí las vías de la composición y la dirección orquestal. Cuando hallas grandes maestros la mente se expande y te abre a nuevos caminos. Reconocí las señales, como mi vinculación a la música orquestal y mi necesidad de analizar cada partitura que caía entre mis manos -motivada por mi gran maestro de armonía, José Raso del Molino-, de modo que tomé ese rumbo inesperado que ha resultado ser mi verdadera vocación. D. Ramón Roldán fue mi maestro en la Composición y D. Octav Calleya mi maestro en la Dirección Orquestal.

Compartir la docencia con la experiencia artística me proporciona la posibilidad de desarrollar mi vocación artística y a la vez, como sólida polifonía, poner mi experiencia al servicio de los jóvenes estudiantes.

P.- Si nos centramos en tu faceta de compositora, ¿Cómo describirías tu recorrido compositivo y, qué plantillas y formaciones instrumentales componen tu catálogo?

R.- Mi repertorio abarca desde obras de pequeño formato hasta música orquestal y obras de banda. Podría realizar un recorrido con algunas obras emblemáticas y su asociación a determinados contextos. Mis primeras obras, de pequeño formato, pertenecen al periodo de estudiante, donde D. Ramón Roldán nos abrió la puerta a estrenar en diferentes ediciones del Ciclo de Música Contemporánea del Conservatorio Superior de Málaga. A ese periodo corresponde también el estreno de Tres Sueños, para orquesta de cuerdas interpretada por la Orquesta de Cámara Ciudad de Málaga y dirigida bajo la batuta de Juan Luis Pérez, como reconocimiento a mi Premio fin de grado del primer ciclo de composición, ubicado en el VIII ciclo de Música Contemporánea organizado por la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía.

Una vez concluido mis estudios, participando en un curso de Dirección orquestal me ofrecieron que compusiera y estrenara una obra orquestal basada en la música de Enescu. Tuve el placer de estrenar Las voces de Enescu yo misma a la batuta, al frente de la Orquesta Filarmónica del Estado de Botosani. Años después estrené Al otro lado en Bucarest, para orquesta de cuerdas y piano, por la Orchestra Simfonica a Filarmonici “Oltenia”, bajo la batuta de Octav Calleya.

Experimentos sonoros he realizado con alRededor, dúo de flauta y clarinete que interpretan en movimiento, y siempre circula alrededor de la nota Re, que he reinstrumentado posteriormente por petición, dadas las necesidades de plantillas concretas, en diferentes conciertos, y con Ambigüedad, dúo para violín y contrabajo, jugando con los extremos tímbricos, estrenado en las IV Jornadas de Música Contemporánea de Alhaurín de la Torre. También he trabajado utilizando poesía de mi padre, destacando una Nana dedicada a mi hijo y Otra humanidad es posible, dúo para cello y soprano VIII Jornada de Música Contemporánea de Alhaurín de la Torre.

He sido invitada en diferentes ocasiones a estrenar en el marco del día de la mujer. He de reconocer que ha crecido mi sentido reivindicativo en cada una de las ocasiones, destacando Ironía en nombre de Mujer, trío para Recitador, Fagot y Trompa, estrenado en el CP Martín Tenllado.

Abisal, para banda sinfónica es, hasta el momento, mi obra más querida, dado que en ella rompí esferas de lenguaje del pasado y significó un cambio en mi visión compositiva, que ya se estaba gestando en obras anteriores. Fue un encargo de la Banda Sinfónica Municipal de Albacete y tuve el placer de estrenarla en el podio en dicha ciudad.

P.- ¿En qué obras te has centrado en estos últimos meses y, cuáles podrán ver la luz y estrenarse muy pronto? Siempre que la situación de la pandemia lo permita.

R.- He terminado recientemente una ambiciosa obra para banda llamada 1460-1960, Arcos sobre el Guadiana, de la cual no tengo cerrado el estreno pero espero que no tarde en ver la luz.

El estreno del dúo para flauta y piano De la ceguera a la Luz estaba previsto para marzo del 2020 y la pandemia supuso la cancelación del mismo. El segundo intento fue el pasado noviembre, mas las medidas de la Junta de Andalucía propiciaron una nueva cancelación. Espero que antes de que acabe esta temporada pueda ser estrenada.

En enero de 2021 está previsto el estreno de El Imposible Olvido, para corno inglés y orquesta, dedicada a mi querido amigo Jesús Perelló, cuya sonoridad al corno es excepcional, que la va a estrenar junto a la Orquesta de la Universidad de Almería, bajo la batuta de Juan José Navarro.

En febrero de 2021 estrenarán una reinstrumentación de mi obra La SinRazón, dentro del marco del concierto de Finalistas de Jóvenes Talentos Musicales a escena, en el Palau de las Arts de Valencia, dirigido por Merche Femenía.

P.- Como directora, ¿Cómo describirías tu forma de trabajar y qué factores influyen y consideras imprescindibles a la hora de programar?

R.- Mi modo de entender la dirección musical implica un trabajo de conjunto donde cada uno tiene su papel y excluye el antiguo concepto de la tiranía sobre el podio me parece caduca, he experimentado una y otra vez cómo, al permitir a los músicos que penetren en mi propia sensibilidad, lo que no es vulnerabilidad sino una posibilidad de multiplicar las sensibilidades del conjunto, el resultado sonoro cobra una vida que trasciende hasta el público. Ello genera el triángulo perfecto, la dirección, la orquesta/banda y el público en la misma sintonía.

Respecto a la programación entran en juego diferentes factores. Por un lado, es gratificante ofrecer al público lo que espera y desea en función a los gustos musicales del contexto del concierto, mas, por otro lado, creo es importante aprovechar para mostrar otros elementos de lenguaje, obras de compositores y compositoras más desconocidos, o de lenguajes menos habituales, a fin de dar a conocer nuevos panoramas musicales.

P.- Aunque el panorama de dirección esté un poco más parado por la situación actual. Como directora invitada ¿sobre la tarima de qué formaciones podríamos verte en un futuro próximo?

R.- Ciertamente es muy difícil valorar el futuro próximo, esta pandemia ha destruido el panorama musical tal y como lo conocemos. En principio tengo acordado retomar el próximo 11 de marzo, el Concierto por el Día de la Mujer al frente de la Banda Municipal de Badajoz, aplazado la temporada anterior. La cancelación del mismo me pilló en el ensayo, batuta en alto.

Sin concretar, pero habiendo entrado en contacto, hay varias bandas municipales y una orquesta de la comunidad andaluza que me han planteado realizar alguna colaboración esta temporada pero por el momento, dada la situación, no se han cerrado los acuerdos. Dicen que desvelar los proyectos antes de que se cierren da mala suerte, de ahí que silencie los nombres. ¡Ojalá los pueda verbalizar prontamente!

P.- Actualmente, también perteneces al Departamento de Fundamentos de Composición y eres profesora de Armonía y Análisis en el Conservatorio Profesional de Música “Manuel Carra” de Málaga. ¿Cuáles son tus objetivos pedagógicos en estas asignaturas que ostentan la base de la música? ¿Y qué consejos sueles dar a tu alumnado frente a una partitura?

R.- Es muy importante que asignaturas que enseñan a descifrar lo que hay más allá de las notas en su grafía, no se conviertan en tediosas asignaturas teóricas, sino que conciencie a los músicos de la importancia de su contenido para comprender qué se tiene entre manos a la hora de interpretar una obra. Por ello, al alumnado que profundiza en estas asignaturas le conciencio de que estudian Música desde la perspectiva de la armonía o del análisis. Trabajamos desde la razón, la emoción y la pérdida del miedo a dudar.

Considero de gran importancia que aprendan a romper los esquemas cerrados con los que generalmente llegan a las clases. La teoría musical es un punto de partida, pero no una meta en sí misma. Es esencial que aprendan a ver con la mirada y la mente abiertas, valorando las pautas teóricas como un punto de partida sobre el que los compositores y compositoras crean sus obras dentro de un contexto, pero sin perder su libertad individual. Es fundamental enseñar al alumnado a comprender la individualidad de cada autor y de cada obra, para lo cual debo entregarles las herramientas necesarias que les permita justificar, bajo criterios coherentes, las decisiones armónicas y analíticas que toman.

Ofrecerles la oportunidad de equivocarse y aprender de los errores, a la vez que aprenden a profundizar en las diferentes dimensiones musicales que interaccionan entre sí, es una tarea que me proporciona mucha felicidad. Cuando acaba el curso, en las encuestas que realizo siempre responden que la asignatura les ha cambiado su perspectiva ante la música, ante la interpretación en su instrumento, lo cual creo es el verdadero éxito pedagógico.

P.- Si no me equivoco, paralelamente también llevas a cabo una profunda investigación y has realizado un estudio sobre las compositoras españolas en la primera mitad del siglo XX. ¿En qué maestras de la composición has centrado especialmente tu atención y qué destacarías de la finalidad e importancia del mismo?

R.- Realicé un Máster en Estudios de Género y, obviamente, dirigí las diferentes investigaciones a aspectos musicales. Mi Trabajo Fin de Máster se titula Compositoras españolas en la primera mitad del siglo XX y al investigar conocí exitosas compositoras que están fuera de los manuales de historia de la música como Luisa Casagemas, María Rodrigo, Emiliana Zubeldía, Rosa García Ascot, Francisca Madriguera, María Pilar Contreras, Narcisa Freixas, Carmen Karr, y tantas otras cuya presencia es urgente sea parte del presente.

Las mujeres, tanto en la composición como en la dirección y en determinadas especialidades instrumentales, hemos crecido sin referentes del pasado, huérfanas de una historia que, sin embargo, sí existía. La finalidad de mi trabajo es dar voz a esas compositoras que enmudecieron pues nadie las colocó en los libros de historia, invisibilizando su existencia, su talento y su influencia.

P.- Si hacemos un pequeño recorrido por el siglo XX y XXI, ¿podrías recordar y citar algunas obras compuestas por mujeres imprescindibles en el repertorio bandístico?

R.- He tenido la fortuna de dirigir grandes obras compuestas por mujeres, y no ha sido fácil hallar repertorio, no creo que por su inexistencia sino por desconocimiento y el difícil acceso a las mismas.

Encontramos grandes compositoras como Ida Gotkovsky y su el Poeme du Feu y Symphonie de Printemps o Brilliante Symphonie; La valenciana Amparo Edo Bidol tiene un bello repertorio de obras de banda como Cleopatra o Flor de Mayo; Sara Galiana La Odisea, Stonage. Zulema de la Cruz La tribu Sagrada; Iluminada Pérez Frutos Romance al Pueblo Extremeño. Muy conocido es el Pasodoble La puerta grande, Elvira Checa. Del continente americano Adriana Isabel Figueroa tiene un amplio repertorio, del que disfruté con el estreno en España de La historia de la Tierra, contando con otras como Los andes o Rhapsodia ciudadana.

El repertorio de Banda accede frecuentemente a las bandas sonoras cinematográficas. Exitosas compositoras de bandas sonoras son: Anne Dudley, con Full Monty o Los Miresables, Wendi Carlos, con La naranja mecánica o El resplandor, Vivian Kubrick, La Chaqueta metálica, Rachel Portman Chocolat, Emma, Deborah Lurie Charlie y la fábrica de chocolate; Lisa Gerard, junto a Hans Zimmer Gladiator.

P.- Teniendo en cuenta la situación extraordinaria que vivimos generada por la pandemia. ¿Qué mensaje de ánimo enviarías para reivindicar la música como bien necesario en nuestra sociedad?

R.- El ser humano necesita sentir a través del arte, alimento para el alma, construyendo sabiamente nuestra esencia y extrayendo lo mejor de nosotros mismos, tanto al realizarlo como al percibirlo. Es un bien absolutamente necesario que las administraciones tendrían que valorar como merece. No sólo es una cuestión de números, no se puede deshumanizar la sociedad bloqueando las manifestaciones artísticas. La vida es impensable sin música, ella nos ha mantenido cuerdos durante el confinamiento, ha fomentado la generosidad, ha sido agradecida por toda la sociedad, y, a pesar de ello, ha sido dejada de lado por parte de las administraciones, causando un profundo perjuicio al sector y al público.

Nietzsche dijo sabiamente “La vida sin música sería un error”.

P.- Por último, ¿te gustaría añadir algo más?

R.- Me gustaría agradecer su amabilidad al contar conmigo y mandar un mensaje de esperanza a todos aquellos que amamos la música. Ella nos hace fuertes, nos levanta el ánimo in crescendo, ella es el oxígeno que nos ayuda a respirar a diferentes ritmos y da color a nuestros días. La música es la banda sonora de nuestra vida y, sin duda alguna, la vida es más bella cuando la música es compartida.

Pues con las palabras de la directora y compositora malagueña finalizamos esta entrevista y también el año 2020. Muchas gracias Silvia y te deseamos lo mejor en el futuro. A todos los lectores de NBM… ¡Feliz Navidad y buena salida y entrada de año nuevo!

Cecilia Ortuño.

Colaboradora NBM.

Un poco más sobre Silvia Olivero Anarte:

Malagueña, realiza sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de Málaga, obteniendo el Título Superior de Solfeo, Título Superior de Composición y Título Superior de Dirección de Orquesta. Estudia Composición con el Catedrático D. Ramón Roldán Samiñán y Dirección de Orquesta con el Catedrático D. Octav Calleya.

Combina su labor Directorial con la docencia. Nombrada en 2005 Funcionaria de Carrera por Fundamentos de Composición. Ha impartido durante doce años dirección de orquesta en el Conservatorio Superior de Música de Málaga. Actualmente pertenece al departamento de Fundamentos de Composición del CPM Manuel Carra, en Málaga.

Realiza conciertos Sinfónicos y Sinfónico-Corales y desarrolla paralelamente su actividad como Compositora.

Colabora como redactora en revistas culturales y ofrece conferencias.

Premios:

  • Mención de Honor. Armonía Analítica (1997)
  • Premio de Honor. Composición (2000)
  • Mención de Honor. Composición (2002)
  • Matrícula de Honor en el Máster en Estudios de Género (2019) Compositoras españolas en la primera mitad del S.XX
  • Premio a la mujer empoderada ACREM 2014. Málaga
  • Premio Estrella Feniké de la Cultura 2020. Málaga

Trayectoria:
Directora de Orquesta:

Orquesta Sinfónica de Melilla; Melilla (2003); Orquesta del CPM de Córdoba; Córdoba (2004); Orquesta de Cámara de la Universidad Complutense; Madrid (2004); Filarmonica de Stat Botosani (Rumanía y España) (2004, 2005); Orquesta de Cámara de la Universidad de Málaga (2005); Orquesta Sinfónica Provincial de Málaga (2006); Orquesta de Cuerdas del CPM de Málaga (2006); Joven Orquesta Provincial de Málaga (2007, 2017); Orquesta Filarmónica de Moldavia; Moldavia y España (2006, 2007); Orquesta Sinfónica del CSM Málaga (2011-2013); Orquesta de mujeres de la JOPMA (2013); Orquesta de Cámara del CSM Málaga (2009, 2013-15); Filarmonica Jean Dumitrescu, Rm Valcea. Rumanía (2015, 2016); Filarmonica Brasov, Brasov. Rumanía (2015, 2016); Filarmonica Pitesti, Rumanía (2013, 2016, 2019); Orquesta Clásica de Granada (2019)

Otras agrupaciones:

Taller de Música Contemporánea ACIM. (2007); Banda de Música Las Flores. Directora Musical Titular (2009-2012); The Cleveland Youth Wind Symphony (2010); Banda de Música de Cabra, Córdoba (2011); Banda Municipal de Fuengirola (2014, 2015, 2016, 2017); Banda Municipal de Música de Granada (2015, 2017, 2018, 2019); Banda Municipal de Música de Málaga (2016); Banda Sinfónica Municipal de Sevilla (2018); Banda Sinfónica Municipal de Albacete (2019).

Compositora – Composiciones, Estrenos absolutos:

  • Solo de clarinete (2000)
  • Molino de Viento, Canto y Piano (2001)
  • Molto Allegro, Orquesta (2001)
  • Pequeña suite para Saxofón Alto y Tenor (2001)
  • La mujer y la música, Canto y Piano (2002)
  • Sonata I para Piano (2002)
  • Tres sueños, Orquesta de Cuerdas (2002)
  • Triálogo, Dos Oboes y Coro Inglés (2002)
  • El archivo, Canto y Piano (2003)
  • La Sinrazón, Ensemble cuerda y vientos (2004)
  • Lo perdido Ensemble cuerda y vientos (2005)
  • Las voces de Enescu, Orquesta (2005)
  • Frío, Orquesta (2006)
  • ¡Silencio! Ensemble cuerda y vientos (2007)
  • AlRededor (2008) Reinstrumentada y revisada (2018)
  • Ciclo, Ensemble cuerda y vientos (2008)
  • Nana, Coro y Orquesta (2009)
  • Al otro Lado, Piano y Orquesta (2009) Bucarest
  • Como ayer, Ensemble cuerda y vientos (2010)
  • Ambigüedad, Violín y Contrabajo (2010)
  • ¿Dónde está el La? (2012)
  • Otra humanidad es posible, Cello y Soprano (2014)
  • Nuevo Amanecer (2016) Reinstrumentada y revisada (2018)
  • Ironía en nombre de Mujer, Fagot, Trompa y Recitador (2017)
  • Mi niño duerme, Coro (2017)
  • Fronteras de Sal, Canto y Piano (2018)
  • Nana, reinstrumentada, Coro (2018)
  • Abisal, Banda (2019)

Conferencias, Seminarios:

  • Picasso y Satie (2004)
  • El Friso de Beethoven (2005)
  • Tres episodios y mucho más, la percusión en los siglos XX y XXI. En colaboración con Fernando García Puya, percusionista. (2007)
  • El humor en la música contemporánea (2008)
  • Sonata para piano preparado de John Cage (2010)
  • La Dirección de Orquesta (2014) CPM Martín Tenllado
  • Mujer y Dirección de Orquesta. Federación Ágora, Málaga (2014)
  • Mujer y Orquesta Sinfónica. Rincón de la Victoria, Málaga (2014)
  • Perspectivas de la dirección musical en la música contemporánea Alhaurín de la Torre, Málaga. IX Jornadas de Música Contemporánea (2015)
  • El Director de Banda, Pasado y Futuro. (2017) Chauchina, Granada. Seminario Directores de banda de música de Andalucía
  • Todos los días son 8 de marzo. Charla Coloquio. IES Politécnico Jesús Marín. Málaga (2018)
  • Ellas abrieron puertas. Charla-Coloquio, mujeres empoderadas. Málaga, ACREM (2018)
  • Ciclo La Música Clásica en Asprojuma, coordinadora, presentadora y ponente. Málaga. Temporadas 2018/19 y 2019/20
  • Presentación de la obra ABISAL, Silvia Olivero. Conferencia y visionado de la obra, a través de Asprojuma, en el Salón de Actos del Rectorado de Málaga (2019)
  • Batutas en femenino. Mesa redonda perteneciente a la XXVI Asamblea de la Confederación Española de Sociedades Musicales. Yecla, Murcia (2019)
  • ¿Por qué la música? Ponente en Amigos de la Tertulia. Málaga (2020)
  • Compositoras españolas, el despertar de la memoria. UNED, Madrid (2020)

Imparte Cursos:

  • Masterclass Dirección Orquestal, Cártama, Málaga (2014)
  • Dirección Musical de Banda, Cabra, Córdoba (2016)
  • Música en acción, Análisis Musical, armonía y orquesta. Aljucén, Mérida (2017, 2018, 2019)
  • Iniciación a la dirección orquestal. CPM M. Carra, Málaga (2018)
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La Fuerza y Temperamento de Ida Gotkovsky Por Silvia Olivero Anarte

Como ratón de biblioteca buceaba en la literatura musical para banda compuesta por mujeres y os puedo asegurar que no me resultaba nada fácil, parecía estar buscando un tesoro escondido por un pirata experto.

Tras horas de exploración, el entusiasmo se reflejó en la comisura de mi boca al descubrir un cofre lleno de joyas, la vida y obra de Ida Gotkovsky.

26 noviembre, 2020 Escrito por diapason

Ida Gotkovsky, compositora francesa nacida el 26 de agosto de 1933 en Calais, Francia, dedicó su vida a la composición y a la docencia. Estudió en el Conservatorio superior de Música de París, bajo la tutela de dos grandes compositores: Oliver Messiaen y Nadia Boulanger. Recibió innumerables premios, como el Premio Lily Boulanger, el Primer premio del referéndum Pasdeloup, el Premio internacional de Divone-les-bains, el Gran premio musical de la ciudad de París, el Premio Blumenthal y la Medalla de la ciudad de París, entre muchos otros…

Su extenso catálogo de obras parte de encargos realizados internacionalmente y se ubica entre los años 1954 y 2005. Incluye obras para orquesta, orquesta y solistas, orquesta de vientos, óperas, música de cámara, ballets, música vocal, obras pedagógicas y música para radio y televisión. Su obra ha sido interpretada internacionalmente, Europa, EEUU, Japón, Rusia, Asia, Australia… siendo reconocida como embajadora de la música francesa.

Junio 1984

Se puede ver su catálogo de obras en: https://www.gotkovsky.com/

La obra de Gotkovsky se identifica por su fuerza creativa, en su concepto compositivo plantea: “Crear un trabajo universal con un lenguaje contemporáneo, con estructuras vigorosas, la unidad de expresión musical en todo momento”. En su temperamental obra se puede escuchar la fortaleza de unas fuertes estructuras, su noción de infinito y el uso de ideas melódicas líricas.

…….

Al enfrentarme a su obra descubrí una inmensa energía que atrapa con rapidez, te rodea en sus texturas y te agita a través del ritmo. A su vez, el uso de los timbres implica tanto un magistral control de los colores individuales como la multiplicidad nacida de las diferentes combinaciones tímbricas. Esta última es capaz de abrumar unas veces con una densidad homogénea que avanza con una fuerza imparable y en otros momentos entretejida en una polifonía en perfecto equilibrio.

Su obra para banda Poema de Fuego, de 1978, me regaló la oportunidad de mimetizarme con el mito sagrado de tradición celta que simboliza el cambio de año. Ceremonia en que una larga procesión transita entre dos grandes hogueras anunciando el nuevo año. En su prólogo Ida describe que el primer fuego, representado en el primer movimiento, ha sido observado y honrado durante todo el año, mas, al concluir su ciclo, éste llega a su fin. El segundo, representado en el segundo movimiento, da luz al nuevo fuego a través del proceso memorial y mágico compuesto por los dos elementos: celestes y terrenales.

Es imposible no sentir la inmensidad entre los brazos, en la palma de las manos, en el aire que se respira mientras se dirige esta imponente obra.

Poema de fuego, Ida Gotkovsky. Silvia Olivero al frente de la Banda Sinfónica municipal de Albacete. Marzo 2019.

Una segunda oportunidad de disfrutar la dirección musical de la obra de Ida Gotkovsky fue con el otoño y el verano de su Symphonie de Printemps. La obra está compuesta por cuatro movimientos que encarnan las cuatro estaciones.

Aún siento la vibración de los dos movimientos que tuve entre mis manos. Automne impresiona por el lirismo en movimiento dentro de la estaticidad del conjunto, la sensación de un tiempo situado en la ingravidez. Eté contrasta con un sentido rítmico ubicado entre columnas sonoras.

Automne et Eté, Symphonie de Printemps, Ida Gotkovsky. Silvia Olivero al frente de la Banda Municipal de Música de Granada.

…….

Ida mantuvo relación con la música de Banda en España. En marzo de 1968 asistió al estreno de su Sinfonía para gran banda en el Concierto extraordinario de la Primitiva de Liria, dirigido por el director francés Desiré Dondeyne. En el recorte de prensa la autora expresa: Mi sinfonía sigue los caminos clásicos, quizá dentro de una línea similar a la de Prokofieff y Béla Bartók. Es una música temperamental. La escribí para el maestro Dondeyne, para dar a las bandas de música una composición de lenguaje moderno.

Marzo 1968

Tras el estreno, la prensa reseñó: la partitura de ida Gotkovsky, reveladora de todo un temperamento, colmaron los entusiasmos… Los aplausos llegaron últimamente al arrebato cuando la dramaticidad de la “Sinfonía para gran banda” crispaba los nervios levantando al público de sus asientos.

19 marzo 1968    16 marzo 1968

Años después, en 1984, regresó a España para asesorar a la banda Primitiva en el Certamen de Valencia. El periódico Noticias del día, el 5 de julio de 1984, indicaba que la obra obligada del certamen era la Sinfonía para grandes bandas de Ida Gotkovsky, para lo cual la banda Primitiva había invitado a la compositora para que les asesorase sobre la interpretación de la obra.

Julio 1984

…….

Aún me resulta incomprensible no haber conocido anteriormente la obra de Ida Gotkovsky, no hallara en los libros de texto de compositores del siglo XX, no haberla escuchado en concierto. De lo que no tengo ninguna duda es de haber hallado un tesoro que debe estar a la vista y oídos del público, de haber hallado una compositora de una fuerza extraordinaria cuyo talento he tenido la fortuna de sentir a través de mi mente, mi corazón y mis brazos.

Silvia Olivero Anarte

/por

Si fuera araña… [A propósito de la música de Johann Sebastian Bach] – Silvia Olivero Anarte

Si fuera araña… [A propósito de la música de Johann Sebastian Bach]

Rodaba camino al conservatorio cuando escuché una frase en la radio que dilató mis pupilas:

“A las arañas les gusta Bach”.

Llegué tarde pues no alcancé a escuchar su contexto, pero fue inevitable. Inmediatamente mi cerebro, prendado por tan ocurrente máxima, urdió dos hilarantes imágenes en primera persona y en mi tonalidad preferida, do menor.

…

En la primera imagen sentí el paralelismo entre el tejido de la meticulosa tela y la red polifónica de la fuga BWV 871 en Do menor:

Motivo: tres milímetros; respuesta: dos milímetros ¡Una tela mutante! Un divertimento interno atraerá a las moscas y las dos puntadas perpendiculares que siguen crearán la exposición perfecta. Pero soy una araña muy sensible, dejaré caer un becuadro a modo de guiño, que igual me sale novio.

Sigo tejiendo… sigo tejiendo… dos vueltas en do y una vuelta en fa, esto va tomando forma. Me empieza a rugir el estómago, merezco una pausa para tomar el té al sol. Pero, ¡raudo! Vuelta al trabajo que aún queda mucho por hacer.

¡Qué estrés! ¡qué estrés! Se me estrechan las ideas y los hilos trenzan en entrópica textura: Del derecho, al doble y del revés, y vuelta a estrechar girando como una noria por el círculo de quintas.

¡No pares, no pares! Me increpo y, mareada, vomito desmesurada la seda, con la voz grave y profunda: TRES MILÍMETROS, DOS MILÍMETROS. Soy una araña sensible, que está a punto de caer de culo sobre una digestiva tónica.

No, no he terminado. Se me enredan las hebras, se trenzan, se enmarañan… ¡Sorpresa! ¡Qué bonito diseño! A la primera, a la quinta, a la cuarta, del derecho y del revés, me deslizo de arriba abajo y me quedo suspendida, disminuida, a las siete…

Necesito terminar… de norte a sur arpegio mis sedosas cuerdas invocando sostenida al astro Sol. Creo que hoy he cumplido mi misión. Me sentaré con mi tónica y decidiré si sentirme menor o mayor, pura picaresca.

…

En la segunda imagen evoqué cómo nuestra amiga teje su tela a ritmo de danza mientras escucha la Partita nº 2 BWV 826, en Do menor:

Calentemos motores, quiero bailar. En un estado grave de concentración, hago mi solemne entrada al salón donde he localizado el lugar ideal para mi nueva tela. Agilizo el paso, mi binario caminar duda entre cuatro pasos rápidos o dos lentos. Al fin y al cabo, en su conjunto las moscas sólo me perciben caminando, aún no tienen miedo, hasta que alcanzo los rayos del sol y salen a la fuga.

*

Johann Sebastian Bach – Partita II c-Moll, BWV 826 – Sinfonia [Glenn Gould, piano – 1959]

*

Comienzo a tejer las progresivas ruedas creando un Todo que es más que la suma de las partes.

Primera rueda: Allemande. Me mantengo firme y decidida, danzo con pasos cortos pero serenos, con la sabiduría de quien trenza armónica polifonía, incluso cuando la presa hace trinar la bella red antes de ser acabada.

*

Johann Sebastian Bach – Partita II c-Moll, BWV 826 – Allemande [Glenn Gould, piano – 1959]

*

Segunda rueda: Courante. Contrasto sonriente en un baile diverso de pisada firme, sinuoso y oscilante entre la agilidad y el sosiego. Un equilibrio que calcula la vibración óptima, muy sensible al titilar que disminuye las penas… Y el hambre.

*

Johann Sebastian Bach – Partita II c-Moll, BWV 826 – Courante [Glenn Gould, piano – 1959]

*

Tercera rueda: Sarabande. Mis patas danzan con rigor y delicadeza, sin prisas, como el calor andaluz. Es sensualmente perfecta para atormentar a las ingenuas presas a la de una, a la de dos y a la de tres.

*

Johann Sebastian Bach – Partita II c-Moll, BWV 826 – Sarabande [Glenn Gould, piano – 1959]

*

Cuarta rueda: Rondeaux. Me siento hedonista girando como una noria, a riesgo de quebrar el peligroso filamento tan necesario para mi subsistencia, saltando arriba y abajo con mis tacones rojos.

*

Johann Sebastian Bach – Partita II c-Moll, BWV 826 – Rondeaux [Glenn Gould, piano – 1959]

*

Quinta y última rueda: Capriccio. Casi he terminado la tela, la adrenalina se refleja en mi rostro que irradia felicidad. Ya no se qué es arriba y qué es abajo, danzo de un lado para otro, bailo de puntillas en ocho cortos pasos en los que en ocasiones reconozco ideas de ruedas pasadas.

*

Johann Sebastian Bach – Partita II c-Moll, BWV 826 – Capriccio [Glenn Gould, piano – 1959]

*

Me siento mareada de tanto girar y girar, con dolor de rodillas de tanto saltar y saltar. Sólo me viene un pensamiento a la cabeza: me merezco otra tónica en el sofá.

…

Ahora comprendo, sin duda alguna, por qué a las arañas les gusta Bach.

***

Silvia Olivero Anarte

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Batutas en Femenino: Hablamos con Silvia Olivero

El 30 de noviembre de 2019, la Confederación Española de Sociedades Musicales llevaba a cabo, en los locales de la Escuela de Música de Yecla,  su XXVI Asamblea General Ordinaria, junto a la colaboración de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla, y las Concejalías de Cultura, Turismo y Mujer del Excmo. Ayuntamiento de Yecla.

La XXVI Asamblea General Ordinaria de la CESM se desarrolló con normalidad, con la presencia de Presidentes y directivos de diferentes Federaciones de Bandas de Música de nuestro país. Y tras ella, se celebró el Encuentro de Mujeres Músicos.

Patricia Soriano Vidal, como Concejal de Política Social, Igualdad y Mujer del Ayuntamiento de Yecla, abrió el segundo bloque y posteriormente se llevaron a cabo dos mesas redondas, una titulada Gobernanza y otra titulada Batutas en Femenino.

En este caso, nos centramos en la segunda, con Rita Mínguez García (Vocal de la Junta de Gobierno de la CESM y Directiva de FRSM de la Comunidad de Madrid) como moderadora de la misma, junto a las ponentes: Raquel Sánchez-Pardo Ramiro (Directora de Castilla La Mancha), Mercedes Femenía Simó (Directora de la Comunidad Valenciana), Silvia Olivero Anarte (Directora de Andalucía) y Pilar Vizcaíno Balsera (Directora de Extremadura).

Desde la Asociación de Amigos de la Música de Yecla, y mediante esta revista digital, hablamos con las cuatro ponentes y directoras de la mesa titulada “Batutas en femenino”. Iremos conversamos con ellas poco a poco, para conocer sus punto de vista sobre la normalización y el papel de la mujer en la Música.

En esta ocasión, nos marchamos a Andalucía para hablar con Silvia Olivero. Esto es lo que nos ha contado:

P.- Comencemos por el principio… ¿cómo fueron tus inicios musicales y qué te llevó a tomar el camino de la dirección?

R.- Mis inicios musicales fueron muy inocentes, mi hermana estudiaba ballet y mi hermano estudiaba piano y decidí estudiar piano como imitación de algo que me gustaba. Fueron el paso del tiempo y grandes profesores que hallé en el camino los que hicieron de una afición a una necesidad vital. El paso del piano a la batuta fue algo natural al reconocer que me atraían más las obras de piano y orquesta que las de piano solo, así como el desarrollo de la necesidad de escuchar música sinfónica siguiendo la partitura y moviendo los brazos, lo cual reconocí como una señal de lo que me gritaba el alma.

P.- ¿Qué profesores y directores han marcado tu formación y qué consejos recuerdas con especial cariño?

R.- José Raso del Molino, profesor de armonía, fue la persona que creó un antes y un después en mi sentir hacia la música, me enseñó a relacionar lo pensado con lo sentido y, desde que él entró en mi vida, la música se fusioné con la sangre de mis venas. Octav Calleya, mi profesor de dirección de orquesta, ha sido otro referente en mi vida, me enseñó a ser Juana de Arco, pero sobreviviendo al fuego. Sin él, no sería la directora de orquesta que soy hoy en día.

P.- Si no me equivoco, desempeñas tu labor profesional en Málaga, ¿qué nos puedes contar de tu día a día y de los proyectos en los que estás inmersa o se avecinan en este año 2020?

R.- Mi día a día es la polífonía entrópica del trabajo en el conservatorio, la maternidad y los diferentes proyectos musicales, componer, dirigir, publicar y conferencias, que llevo dentro y fuera de Málaga. Acceder a la dirección orquestal no es camino fácil, por lo cual, a mis diferentes actividades le sumo la de mi autorrepresentación, pues no sé si es más difícil acceder a un gerente o a un agente musical. El próximo 12 marzo he sido invitada a dirigir la Banda Municipal de Badajoz y tendré el lujo de dirigir obras de Iluminada Pérez, Zulema de la Cruz y un estreno absoluto de Diana Pérez, tres grandes mujeres del mundo de la composición actual. Por otro lado, continúo con la coordinación y presentación/conferenciante de la segunda temporada del II Ciclo la música clásica en Asprojuma, de presencia mensual. En Madrid he sido invitada por la UNED a realizar una conferencia sobre Las compositoras españolas en la primera mitad del s. XX, tema del trabajo final de Máster que finalicé el otoño pasado. En otra línea, continuo con mi colaboración en el espacio que tengo abierto en la revista cultural www.cafemontaigne.com, Sendas Entrópicas y en primavera estrenarán mi última obra, para flauta y piano, De la ceguera a la luz. En este momento estoy a la espera de posibles respuestas a puertas a las que he llamado para dirigir, la esperanza es firme y el trabajo constante. Cuando menos te lo esperas suena el teléfono y nace un nuevo proyecto.

P.- Hace unos meses visitaste Yecla, ¿cómo valorarías la mesa “Batutas en femenino” y la experiencia vivida?

R.- Ante todo, quiero agradecer la invitación pues supuso una experiencia interesantísima. Cuando las mujeres ponemos en común experiencias nos fortalecemos, tanto al percibir las dificultades conjuntas como los éxitos individuales. Fue muy reconfortante conocer a mis compañeras y a Rita, a Pilar ya la conocía, y sentir tanta fuerza reunida alrededor de la Mesa. Rita y la Confederación nos hicieron sentir como en casa. Más allá de la mesa, escuchar de los asistentes que “nunca se habían planteado las circunstancias que expresábamos” creo fue el verdadero éxito, dar visibilidad a una realidad que el entorno musical desconoce. Ello permite un cambio a través de la mirada de los demás.

P.- ¿Qué puntos e ideas destacarías de tu intervención en ella?

R.- Mis palabras iniciales, crecí sintiéndome individuo y la sociedad me obliga a verme como mujer. La música no tiene género, el corazón y la razón pertenecen a la humanidad, más allá de su sexo. Es imprescindible traspasar la puerta de la excepcionalidad y normalizar a las mujeres en cualquier actividad. Mientras seamos una excepción estaremos recluidas en la presencia en el día de la mujer y vetadas más allá, salvo la excepción de la excepción. Seamos personas, individuos, seres humanos.

P.- ¿Crees que está normalizada la situación de género en tu profesión? ¿Cuál es tu opinión al respecto?

R.- En absoluto. Es cierto que el número de directoras de orquesta y banda está aumentando, y que el trabajo bien hecho avala la presencia de las mujeres, pero el acceso, aunque no es imposible, se complica, y más aún a mayor profesionalidad. El techo de cristal existe y, aunque a veces creemos ver grietas en él, es muy grueso.

Yo me considero una persona constructiva y, por ello no dejo de ver y valorar el aumento de la presencia de la mujer en la dirección y cómo, puertas que antes estaban cerradas, ahora se abren, mas la prudencia me abre los ojos. Ser políticamente correcta y no querer decirlo en voz alta no es constructivo. Sin embargo, la fuerza con la que hemos llegado las mujeres es para quedarnos y compartir el espacio privado y público con los hombres, por ello soy incansable y tenaz.

P.- A nivel general y desde tu punto de vista, ¿cómo describirías la situación actual de la música en tu comunidad y qué oportunidades se pueden encontrar en ella?

R.- Andalucía es tierra de artistas y actualmente se potencia la cultura, aunque, desde el punto de vista musical creo que hay mucho por hacer. Las orquestas y bandas tienen muchos problemas económicos que dificultan su mantenimiento y su desarrollo. Ricardo Muti expresó que “una orquesta cuesta menos que un jugador de fútbol”. Creo que esa frase lo explica todo.

P.- ¿Qué iniciativas propondrías para llevar a cabo y mejorar así en el futuro?

R.- Hay que invertir en cultura de calidad. Las orquestas y bandas son reflejo de la salud intelectual y emocional de la ciudadanía. La convivencia de orquestas y bandas profesionales con aquellas conformadas por jóvenes son un síntoma de continuidad que, mal gestionado por las administraciones, puede convertir el desarrollo cultural en sequía.

P.- Como directora, ¿cómo describirías tu forma de trabajar y qué factores influyen y consideras imprescindibles a la hora de programar?

R.- Para mí, dirigir no es un acto de imposición y tiranía, es la posibilidad de ofrecer mi alma a los músicos, recibir las suyas y crear la Gestalt “el todo es más que la suma de las partes”. Los músicos tienen mucho que ofrecer, confiar en ellos, en su sensibilidad, confluyendo en mi imagen sonora, es el ideal para mí. Puedo decir que lo he experimentado una y otra vez y ello convierte a la música en una experiencia que trasciende al individuo.

A la hora de programar creo que es importante pensar en el público, tanto en lo que puede desear como en lo que le puedes mostrar que desconocen. Una especie de pedagogía desde el máximo respeto. He dirigido desde gregoriano con un coro hasta los estrenos más innovadores. Al programar debes pensar la formación que diriges, el público que escuchará deseoso de sentir la eternidad en el instante musical y tu propia sensibilidad, sin olvidar a la gerencia musical (sonrío).

P.- Nos gustaría descubrir recomendaciones musicales interesantes. Si te pregunto por gustos musicales, ¿qué obras y compositor@s son referentes para ti? ¿Por qué? 

R.- Esta pregunta siempre me genera un escalofrío, pues la música es infinita. Si pienso en los clásicos, Beethoven es fuerza que renueva. El réquiem de Mozart, de Verdi, de Fauré, hacen de la tristeza un gozo. Las sinfonías de Haydn tienen un sentido del humor y una emotividad y creatividad apasionantes. Ida Gotkovsky fue un descubrimiento magnífico de composición para banda. Hay tantos compositores y obras que no puedo sintetizar; sí puedo expresar que la música que es capaz de crear una sutil caricia en la piel y, en contraste, aquella que te posee con su fuerza, son los polos en los que me hallo más afín.

P.- Por último y antes de despedirnos, ¿te gustaría añadir algo más?

R.- La música es más bella cuando es compartida. Quiero agradecer a la Confederación española de Sociedades Musicales la creación de foros en los que poder compartir sensibilidades y experiencias.

Cecilia O.

Colaboradora AAM Yecla. 

SILVIA OLIVERO ANARTE

Biografía

Nace en Málaga en 1975, Realiza sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de Málaga, obteniendo el Título Superior de Solfeo, Título Superior de Composición y Título Superior de Dirección de Orquesta. Estudia Composición con el Catedrático D. Ramón Roldán Samiñán y Dirección de Orquesta con el Catedrático D. Octav Calleya.
Combina su labor Directorial con la docencia. Nombrada en 2005 Funcionaria de Carrera por Fundamentos de Composición. Ha impartido durante doce años dirección de orquesta en el Conservatorio Superior de Música de Málaga. Actualmente pertenece al departamento de Fundamentos de Composición del CPM Manuel Carra, en Málaga.
Realiza conciertos Sinfónicos y Sinfónico-Corales y desarrolla paralelamente su actividad como Compositora.
Premios
Mención de Honor. Armonía Analítica (1997)
Premio de Honor. Composición (2000)
Mención de Honor. Composición (2002)
Matrícula de Honor en el Máster en Estudios de Género (2019) Compositoras españolas en la primera mitad del s.XX
Trayectoria
Directora de Orquesta
Orquestas
Orquesta Sinfónica de Melilla; Melilla (2003)
Orquesta del CPM de Córdoba; Córdoba (2004)
Orquesta de Cámara de la Universidad Complutense; Madrid (2004)
Filarmonica de Stat Botosani (Rumanía y España) (2004, 2005)
Orquesta de Cámara de la Universidad de Málaga (2005)
Orquesta Sinfónica Provincial de Málaga (2006)
Orquesta de Cuerdas del CPM de Málaga (2006)
Joven Orquesta Provincial de Málaga (2007, 2017)
Orquesta Filarmónica de Moldavia; Moldavia y España (2006, 2007)
Orquesta Sinfónica del CSM Málaga (2011-2013)
Orquesta de mujeres de la JOPMA (2013)
Orquesta de Cámara del CSM Málaga (2009, 2013-15)
Filarmonica Jean Dumitrescu, Rm Valcea. Rumanía (2015, 2016)
Filarmonica Brasov, Brasov. Rumanía (2015, 2016)
Filarmonica Pitesti, Rumanía (2013, 2016, 2019)
Orquesta Clásica de Granada (2019)
Otras agrupaciones
Taller de Música Contemporánea ACIM. (2007)
Banda de Música Las Flores. Directora Musical Titular (2009-2012)
The Cleveland Youth Wind Symphony (2010)
Banda de Música de Cabra, Córdoba (2011)
Banda Municipal de Fuengirola (2014, 2015, 2016, 2017)
Banda Municipal de Música de Granada (2015, 2017, 2018, 2019)
Banda Municipal de Música de Málaga (2016)
Banda Sinfónica Municipal de Sevilla (2018)
Banda Sinfónica Municipal de Albacete (2019)
Compositora
Composiciones, Estrenos absolutos.
Solo de clarinete (2000)
Molino de Viento (2001)
Molto Allegro (2001)
Pequeña suite para saxofón Alto y Tenor (2001)
La mujer y la música (2002)
Sonata I para piano (2002)
Tres sueños (2002)
Triálogo (2002)
El archivo (2003)
La Sinrazón (2004)
Lo perdido (2005)
Frío (2006)
¡Silencio! (2007)
Alrededor (2008) Reinstrumentada y revisada (2018)
Ciclo (2008)
Nana (2009)
Al otro Lado (2009) Bucarest
Como ayer (2010)
Ambigüedad (2010)
¿Dónde está el La? (2012)
Otra humanidad es posible (2014)
Nuevo Amanecer (2016) Reinstrumentada y revisada (2018)
Ironía en nombre de Mujer (2017)
Mi niño duerme (2017)
Fronteras de Sal (2018)
Nana, reinstrumentada (2018)
Abisal (2019)
Conferencias, Seminarios
Picasso y Satie (2004)
El Friso de Beethoven (2005)
Tres episodios y mucho más, la percusión en los siglos XX y XXI. En colaboración con
Fernando García Puya, percusionista. (2007)
El humor en la música contemporánea (2008)
Sonata para piano preparado de John Cage (2010)
La Dirección de Orquesta (2014) CPM Martín Tenllado
Mujer y Dirección de Orquesta. Federación Ágora, Málaga (2014)
Mujer y Orquesta Sinfónica. Rincón de la Victoria, Málaga (2014)
Perspectivas de la dirección musical en la música contemporánea Alhaurín de la Torre, Málaga.
IX Jornadas de Música Contemporánea (2015)
El Director de Banda, Pasado y Futuro. (2017) Chauchina, Granada. Seminario Directores de banda de música de Andalucía
Todos los días son 8 de marzo. Charla Coloquio. IES Politécnico Jesús Marín. Málaga (2018)
Ellas abrieron puertas. Charla-Coloquio, mujeres empoderadas. Málaga, ACREM (2018)
Ciclo La Música Clásica en Asprojuma Coordinadora, presentadora y ponente. Málaga.
Temporadas 2018/19 y 2019/20
Batutas en femenino. Mesa redonda perteneciente a la XXVI Asamblea de la Confederación
Española de Sociedades Musicales. Yecla, Murcia (2019)
¿Por qué la música? Ponente en Amigos de la Tertulia. Málaga (2020)
Imparte Cursos
Masterclass Dirección Orquestal, Cártama, Málaga (2014)
Dirección Musical de Banda, Cabra, Córdoba (2016)
Música en acción, Análisis Musical, armonía y orquesta. Aljucén, Mérida (2017, 2018, 2019)
Iniciación a la dirección orquestal. CPM M. Carra, Málaga (2018)
Publicaciones
DVD Jóvenes Directores. http://www.fundacionmalaga.com/dvd-jovenes-directores.html
Ambigüedad. IV Jornada de Música Contemporánea. Alhaurín de la Torre. Partitura integrada
en el libro. ISBN: 979-0-69200-581-0. Depósito Legal: MA-616-2010
Integración. Apéndice musical. ISBN: 978-84-15464-07-5. Depósito Legal: GR-1339-2012
Concierto nº1 para viola y orquesta. Silvia Olivero. Revista Intermezzo nº 25, Abril, 2004
El Friso de Beethoven. Gustav Klimt. Revista Intermezzo nº 28, Junio, 2005
Sendas Entrópicas-Silvia Olivero Anarte Ars Musicae. www.cafemontaigne.com ISSN: 2603-6649
María Rodrigo Bellido, Compositora. Artículo integrado en Sur. Revista de literatura. Nº 13,
Verano 2019. ISSN 2341-4804 Sexto año.

27 febrero, 2020 Escrito por diapason

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Directoras y directivas de sociedades musicales reivindican una mayor presencia de la mujer “todo el año” y no solo el 8 de marzo

El Encuentro de mujeres del mundo de la música, organizado por la Confederación Española de Sociedades Musicales (CESM) con la colaboración del INAEM en Yecla, aboga por trabajar en la paridad, inclusión y excelencia

En las conclusiones se constata que la participación de la mujer se sitúa cerca del 40% con respecto a músicos y directivos, este porcentaje muestra un descenso brutal en la dirección que estaría en torno a un 1%

La CESM tiene como objetivo impulsar el protagonismo de la mujer y en próximos debates abordará la escasa presencia de compositoras para buscar respuestas a por qué no se programan y siguen silenciadas

Vicente Cerdá, presidente de la CESM, subraya que “en la actualidad, la financiación que recibe la Confederación (9.000 euros) es absolutamente insuficiente y lucharemos por subvertir esta injusta situación”

Cerdá asegura que “esperamos que la nueva Ley del INAEM impulse el proyecto social, educativo y cultural que desarrollan 1.100 sociedades musicales, con 80.000 músicos, 120.000 alumnos y 1.000.000 de socios”

Madrid, 17 de diciembre de 2019

La Confederación Española de Sociedades Musicales (CESM) ha dado a conocer las conclusiones del Encuentro de mujeres del mundo de la música en el que se abordó la presencia de la mujer en los ámbitos de la dirección y la gobernanza de estas asociaciones. El foro de debate, organizado por la CESM con la colaboración del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, se celebró recientemente en la asamblea general de la entidad en Yecla (Murcia).

La CESM tiene entre sus principales objetivos hacer visible e impulsar el protagonismo en la música de la mujer, que empezó a incorporarse a las sociedades musicales a finales de los años 70, y seguirá con su labor de sensibilización al colectivo, la administración y a las instituciones. En próximos debates abordará también el problema de la escasa presencia de compositoras en el panorama musical así como buscar respuestas, y soluciones, a por qué no se programan y siguen silenciadas grandes autoras.

En el análisis del Encuentro de mujeres del mundo de la música se constata que en las últimas décadas la participación de la mujer en las sociedades musicales ha subido de manera notable, situándose cerca del 40% con respecto a músicos y directivos, pero sin conseguir “la anhelada paridad”. Sin embargo, este porcentaje en el ámbito de la dirección muestra un descenso brutal, ya que la estimación de directoras estaría en torno a un testimonial 1%.

En pleno siglo XXI “todavía es noticia en los medios de comunicación que una mujer dirija una formación musical, por lo infrecuente y lo anecdótico”. Y alertan sobre reducir su presencia a las celebraciones del Día Internacional de la Mujer, el 8 de marzo, “con frecuencia solo se ofrece a las mujeres la posibilidad de dirigir en estos conciertos conmemorativos, ignorándola el resto del año”.

Por ello, desean respeto, normalidad e igualdad en los criterios de selección porque cuando son contratadas “su valía sale a la luz”. Las mujeres tienen el obstáculo de la falta de referentes y visibilidad pero “se preparan a fondo, completan currículos envidiables, tocan puerta tras puerta, sortean opiniones negativas y pruebas”, y aún así sacan fuerzas “para desarrollar su vocación”.

De izquierda a derecha, Pilar Vizcaíno Balsera, directora de Extremadura; Silvia Olivero Anarte, directora de Andalucía: Rita Mínguez García, vocal de la junta directiva de la CESM y de la Federación Regional de Sociedades Musicales de la Comunidad de Madrid; Mercedes Femenía Simó, directora de la Comunidad Valenciana; Raquel Sánchez-Pardo Ramiro, directora de Castilla-La Mancha.

En la mesa redonda moderada por Rita Mínguez, vocal de la junta directiva de la CESM y de la Federación Regional de Sociedades Musicales de la Comunidad de Madrid, estuvieron cuatro directoras de Andalucía, Castilla-La Mancha, Extremadura y Comunidad Valenciana, que expusieron sus experiencias y trayectoria artística al frente de diversas formaciones de España.

Silvia Olivero, directora y compositora malagueña, es también docente, imparte conferencias, cursos y masterclass . Su compromiso es enseñar a pensar y abrir la mente de los educandos, no solo rellenarla. Trata de que sus alumnas rompan con los complejos, “creerse los estereotipos no deja crecer”; y no quiere ser directora de un solo día aunque ello proporciona visibilidad a la mujer. Ha dirigido diversas formaciones y en su trabajo se siente persona pero los obstáculos no dejan de recordarle que es mujer.

Luchar ante la adversidad

Raquel Sánchez-Pardo, directora de la Banda de Música de Brihuega en Guadalajara, habla de la fuerza que hace que la mujer expuesta a situaciones adversas se mantenga en su objetivo, lo tenga presente y luche para conseguirlo. Se enorgullece de que después de 13 años al frente de su banda, ésta se haya convertido en uno de los ejes sobre los que gira la actividad cultural de Brihuega. Su incorporación como directora fue difícil y aquellos que inicialmente no la veían al frente del proyecto son ahora sus principales valedores.

Pilar Vizcaíno, directora de la Joven Orquesta de la Ciudad de Mérida, entre otras formaciones, musicoterapeuta y maestra, ha hecho una apuesta por Extremadura, su tierra, y ante las escasas posibilidades de desarrollar su trabajo se lanzó a la aventura empresarial y a la docencia en la que sus objetivos son utilizar la música como herramienta para fomentar el aprendizaje, la integración y educar en valores. Vizcaíno asegura que «hay que convertir el desierto en un oasis, que florezca la cultura musical”.

Mercedes Femenía, directora del Conservatorio Municipal de Música y de la Escuela Municipal de Música de Pedreguer (Alicante), considera que es la ilusión la que le ha llevado a la música en muy distintas facetas: docencia, cargos directivos, edición de métodos para flauta o trombón y la dirección de diversas agrupaciones desde hace más de 20 años. Ser mujer la ha obligado a un mejor desempeño en las tareas y a tener una mayor formación pero estima que “lo que cuesta conseguir, es más valorado”. Femenía es positiva, “ahora vemos que las cosas están empezando a cambiar”.

Paridad e inclusión Las músicas y directivas llegaron a similares conclusiones en lo que concierne al gobierno de sus asociaciones, consideran que “no se trata de una guerra abierta entre sexos”, y sí de trabajar para “conseguir la paridad”; comprueban que en las escuelas de música hay un incremento en el número de matrículas de niñas y consideran que “la mujer alcanzará la inclusión total cuando la sociedad alcance madurez en este tema”. Asimismo, instan a todas las federaciones, lideradas por hombres o mujeres, a trabajar y obtener resultados óptimos con compromiso e ilusión, coordinación y perseverancia, y cooperación entre sociedades musicales y organismos oficiales.

De izquierda a derecha, Ana Isabel Poleo Mora, secretaria de la Federación Tinerfeña de Bandas de Música; Soraya Sanchis Mogino, vocal de la Junta de Gobierno de la CESM y presidenta de la Unió Musical de Muro (Alicante); Lourdes Gavilà Ana, secretaria general de la Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana; Ginesa Zamora Saura, presidenta de la Federación de Bandas de Música de la Región de Murcia.

El Encuentro de mujeres del mundo de la música , organizado por la CESM con la colaboración del INAEM, contó con la presencia de Ginesa Zamora, presidenta de la Federación de Bandas de Música de la Región de Murcia; Lourdes Gavilà, secretaria general de la Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana (FSMCV); Ana Isabel Poleo, secretaria de la Federación Tinerfeña de Bandas de Música; estuvo moderado por Soraya Sanchis, vocal de la junta directiva de la CESM y presidenta de la Unió Musical de Muro (Alicante); y Patricia Soriano Vidal, concejal de Política Social, Igualdad y Mujer del Ayuntamiento de Yecla asistió al acto de apertura.

Nueva Ley del INAEM

Pleno Consejo Estatal del INAEM 2019

Vicente Cerdá y Luís Vidal, presidente y secretario de la CESM, asistieron al pleno del Consejo Estatal de las Artes Escénicas y de la Música, el más alto órgano colegiado de asesoramiento y participación del INAEM, en el que José Guirao, ministro de Cultura y Deporte en funciones, anunció que “se está ultimando el borrador para la futura Ley del INAEM”.
El Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música plantea la necesidad de hacer una revisión en profundidad del modelo de ayudas vigente, basado en las subvenciones nominativas y las de concurrencia pública, y pondrá en marcha en 2020 una mesa específica de trabajo para realizar un proceso de revisión integral de las ayudas que convoca y otorga con carácter anual.

Cerdá asegura que “esperamos que esta nueva Ley del INAEM sea sensible con nuestro colectivo y sirva para impulsar el proyecto social, educativo y cultural que desarrollan 1.100 sociedades musicales, con 80.000 músicos, 120.000 alumnos de escuelas de música y 1.000.000 de socios; agrupadas en las diversas federaciones autonómicas”. El presidente subraya que “en la actualidad, la financiación que recibe la CESM (9.000 euros) es absolutamente insuficiente y lucharemos por subvertir esta injusta situación”.

Bicentenario de la Primitiva de Llíria

Cerdá también participó, el pasado sábado, en el Ciclo de Conferencias del Bicentenario de la Banda Primitiva de Llíria (1819-2019) en el que abordó los objetivos que persigue la CESM, haciendo especial hincapié en la necesidad de cambiar el marco normativo con propuestas como la reducción del tipo de gravamen del impuesto sobre sociedades aplicable a las asociaciones para que no sea superior al que se aplica a las cooperativas (entre el 10% y el 20%); la puesta en marcha de una Ley de Mecenazgo; y la rebaja del 21% al 10% del IVA para los instrumentos y las representaciones musicales, entre otros asuntos.

De izquierda a derecha, Salvador Oliver, Vicente Cerdá, Mª Dolores Tomás, José Alamá y Jose Luis Pérez, Presidente de la Primitiva de Llíria

En este ciclo también participaron José Alamá, compositor y miembro del consejo asesor para la candidatura Llíria Ciudad Creativa de la Música de la UNESCO, Mª Dolores Tomás, directora del Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo de València, y Salvador Oliver, inspector de Educación.

Federaciones en España

Las federaciones de sociedades musicales en España son: Federación de Bandas de Música de Andalucía, Federación Aragonesa de Sociedades Musicales y Escuelas de Música Amateurs, Federación Balear de Bandas de Música y Asociaciones Musicales, Federación Regional Castellano-Manchega de Sociedades de Música, Federación Castellano-Leonesa de Asociaciones Musicales, Bandas y Escuelas Música, Federación Catalana de Sociedades Musicales, Federación Extremeña de Bandas de Música, Federación Gallega de Bandas de Música Populares, Federación Gran Canaria de Bandas de Música, Federación Regional de Sociedades Musicales de la Comunidad de Madrid, Federación de Bandas de Música de la Región de Murcia, Federación Tinerfeña de Bandas de Música, Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana, Federación Navarra de Bandas de Música.

DOCUMENTACIÓN
Confederación Española de Sociedades Musicales (CESM)

https://coessm.org/

Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM)

http://www.culturaydeporte.gob.es/cultura/artesescenicas/portada.html

Change.org (Firmas para la rebaja del IVA a los instrumentos musicales)

https://www.change.org/p/firmas-por-la-música

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