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El saxofonista y el pianista valencianos sacan a la luz un espontáneo trabajo, editado por el sello Liquen Records, con 14 temas que son un punto de encuentro sonoro que transita entre la música contemporánea y experimental y el jazz 

Galiana desarrolla una intensa actividad en la escena internacional de la libre improvisación; y De Solaun, único español que ha ganado el Premio Iturbi y el George Enescu de Bucarest, es uno de los pianistas con más proyección internacional 

El resultado es el ensamblaje de dos perfiles musicales a través de la complicidad estética: Galiana con los saxofones que le acompañan desde hace más de cuatro décadas y De Solaun con una carrera asociada fundamentalmente al repertorio clásico 

Galiana asegura que «First times es una muestra de absoluta libertad creativa entre dos músicos que empatizan y son cómplices tanto en lo sonoro como en lo personal desde hace muchos años» 

De Solaun destaca que «tocar con Josep Lluís ha sido un divertimento imprevisible, una aventura catártica que ha conectado el principio de mi trayectoria artística con mi presente como músico» 

El crítico musical Paco Yáñez expone en el libreto que los dos músicos tienen «un vasto campo de intereses compartidos, que comprenden la filosofía, el arte, la poesía y la propia música», y ello, provoca «una intersección de bagajes personales» 

Valencia, 13 de julio de 2022

Portada del disco First Times. Autor: Omar Daf

Josep Lluís Galiana y Josu de Solaun han lanzado internacionalmente First times [Primeras veces], un disco en el que reivindican la improvisación libre como expresión artística y musical. El saxofonista y el pianista valencianos sacan a la luz un madurado y espontáneo trabajo discográfico, editado por el sello Liquen Records, con 14 temas que son un punto de encuentro sonoro que transita entre la música contemporánea y experimental y el jazz.

Galiana, compositor, escritor, editor y gestor cultural, viene desarrollando una intensa actividad en la escena internacional de la libre improvisación, la creación electroacústica, el avant-garde jazz, y la investigación musicológica desde hace más de tres décadas; y De Solaun, compositor, escritor y único español que ha ganado el Concurso Internacional de Piano de Valencia Premio Iturbi y el Concurso de Piano George Enescu de Bucarest, entre otros importantes premios; es uno de los pianistas con más proyección internacional y actúa en numerosos países de América, Asia y Europa como recitalista y solista junto a prestigiosas formaciones y directores. Ambos vienen cosechando los elogios y reconocimiento de la prensa especializada por sus trabajos discográficos y los conciertos que realizan.

Los músicos, que se conocen desde hace más de 25 años cuando Galiana programó varios conciertos de un joven De Solaun en el Club Diario Levante de Valencia, han labrado una gran amistad a lo largo de este tiempo y una complicidad musical, pese a proceder de universos muy diferentes, que ha cristalizado en un álbum al que aportan sinergias y la dilatada experiencia de sus respectivas trayectorias artísticas para compartir su personal paleta sonora en un acto de comunicación sincera, horizontal y sorprendente.

El resultado es el ensamblaje de dos perfiles musicales a través de la complicidad estética: Galiana con los saxofones que le acompañan desde hace más de cuatro décadas y con los que viene explorando, desde la improvisación libre, sus inabarcables posibilidades tímbricas y una amplia gama de colores y texturas que ha recogido en más de cincuenta discos como Tenor Saxophone Solos, Soprano Saxophone Solos y Electroacoustic Pieces 1999-2019; y De Solaun con una carrera asociada fundamentalmente al repertorio clásico que ha fijado en 8 trabajos, aunque con incursiones en la improvisación y el jazz como en panDEMiCity, un disco «compuesto en acto» con el que rinde homenaje a Keith Jarret y nominado en los prestigiosos Premios Interna­cionales de Música Clásica (ICMA).

Complicidad musical 

Galiana asegura que «First times es una muestra de absoluta libertad creativa entre dos músicos que empatizan y son cómplices tanto en lo sonoro como en lo personal desde hace muchos años». El saxofonista subraya que «ha habido muchas primeras veces con Josu desde que nos conocemos (la primera vez que actuó en el Club Diario Levante, cuando se marcho a EE UU, cuando ofreció su primer concierto en el Palau de la Música, nuestros primeros poemarios, el primer disco conjunto…), y esta parece que cierra un círculo pero, en realidad, abre horizontes».

De Solaun destaca que «tocar con Josep Lluís ha sido un divertimento imprevisible, una aventura catártica que ha conectado el principio de mi trayectoria artística con mi presente como músico». El pianista indica que «mi carrera está centrada en la música clásica y en el intenso calendario de actuaciones y proyectos que realizo (muchos ven la luz ahora tras ser aplazados por el Covid-19), pero reivindico los conciertos, los discos y los momentos que me ofrece la improvisación; me hacen mejor músico».

Intersección de bagajes personales
El crítico musical y escritor, Paco Yáñez, recoge en un artículo en el libreto, que lleva por título La improvisación libre, como punto de encuentro, una afirmación de Galiana: «la improvisación ha sido desde hace muchos siglos la manifestación más importante de la música»; aunque indica que «es a partir de la década de 1960 cuando numerosos intérpretes de jazz, rock y música contemporánea recuperan esta práctica de libre y espontánea expresión sonora».

Yáñez pone de manifiesto que los dos músicos tienen «un vasto campo de intereses compartidos, que comprenden la filosofía, el arte, la poesía y la propia música», y ello, provoca «una intersección de bagajes personales, ejemplo de lo que Galiana denomina «improvisación positiva». 

En relación con la grabación, realizada en el Teatre Auditori de Catarroja (Valencia) el 20 de junio de 2021, el crítico apunta que fue «una sesión de casi dos horas que dio como resultado 23 improvisaciones originales, cambiando en algunos casos su orden y buscando un discurso» para alcanzar una propuesta que «refleja fielmente lo que es un concierto de improvisación libre de una hora de exigente escucha; una escucha que piensa, convertida en juego exploratorio del yo en el otro».

Yáñez, que describe y analiza en el artículo los temas del disco, expone que «los títulos de las piezas fueron puestos a posteriori cual pinceladas poéticas. De este modo, no conforman una base programática que haya informado a la improvisación, sino al contrario: es la música, primigenia y original, la que ha dado pie al verbo». 

JOSEP LLUÍS GALIANA

Josep Lluís Galiana en un concierto.

Josep Lluís Galiana (València, 1961) es Diplomado en Estudios Avanzados por la Universitat Politècnica de València y Titulado superior por el Conservatorio Superior de València, sus trabajos musicales y literarios del autor han sido presentados en importantes festivales de Portugal, Francia, Grecia, Italia, Polonia, Suecia, EE UU, China, Brasil, Argentina, México, Cuba y España. Ha formado parte de diversos ensembles instrumentales contemporáneos, colectivos de jazz y agrupaciones de música popular valenciana. 

A lo largo de su dilatada trayectoria artística, ha fundado formaciones junto a músicos de talla internacional como Chaosophy, Deriva Ensemble, Bregues de Moixos, Errante Ensemble, Transitions, Quaramba!, cuencosOSX quartet, M4cchina Ensemble, Quartet de la Deriva y Mediterranean Electroacoustic Quartet, entre otras. 

Ha realizado colaboraciones con Agustí Fernández, Josep Manuel Berenguer y l’Orquestra del Caos, Grup Instrumental de València, La Orquesta Mundana, Wade Matthews, Avelino Saavedra, Ferran Besalduch, Chefa Alonso, Carlos D. Perales, Thomas Bjelkeborn, Íñigo Ibaibarriaga, El Pricto, Bartolomé Ferrando, Pierre Bastien, Mike Cooper, Josep-Maria Balanyà, Mathias Müller, Ramón López, Joan Gómez Alemany, Lucía Martínez, Adolf Murillo… Asimismo, ha grabado para Canal Clásico-RTVE-Vía Digital, RNE-Radio Clásica, RTVV, RNE-Radio 3… 

El músico dirige Liquen Records, un sello discográfico que publica trabajos de músicas improvisadas y experimentales fruto de procesos creativos contemporáneos de los artistas de vanguardia de la creación musical más relevantes que difunde en formato físico y a través de numerosas plataformas; y EdictOràlia, en la que tienen cabida obras de música, poesía, teatro y narrativa.  

En su faceta como escritor es autor del ensayo Improvisación Libre. El gran juego de la deriva sonora (2012) y de los poemarios Sons compartits (2018) y Haikus d’estiu (2021), así como de tres volúmenes de escritos musicales: Emociones sonoras (2014), Escritos desde la intimidad (2016) y Pianos y pianistas (2020) en los que hace un recorrido por el panorama musical del que fue testigo de excepción, a lo largo de más dos décadas, como músico y como coordinador y organizador de centenares de conciertos en el foro cultural Club Diario Levante; así como numerosos artículos, críticas, ponencias y estudios musicológicos publicados en libros, revistas especializadas y prensa escrita. 

A nivel asociativo, funda y preside desde el año 2014 el Laboratorio para la Investigación de Procesos Creativos Contemporáneos AD LAB y, entre 2006 y 2014, es secretario de la Asociación de Música Electroacústica de España (AMEE), entidad perteneciente a la International Confederation of Electroacoustic Music (ICEM/Unesco) y es miembro de diversas entidades culturales y artísticas.  

JOSU DE SOLAUN

Josu de Solaun en un concierto en León. Autora: María Diez

Josu de Solaun (Valencia, 1981) es un pianista y compositor extraordinariamente prolífico, con una gran proyección internacional y que actúa en muchos de los auditorios más famosos del mundo como solista de concierto, músico de cámara, recitalista de piano solo e improvisador y compositor solista. Su trabajo ha sido aclamado por la prensa internacional por su “sentido poético del sonido, visión artística y brillantes habilidades virtuosas, enteramente al servicio de las obras que se representan”- Nikolaus Frey, Fuldaer Zeitung. 

El pianista es el único español que ha ganado el Concurso Internacional de Piano de Valencia Premio Iturbi en 2006 y el Concurso de Piano George Enescu de Bucarest en 2014, entre otros importantes premios como el Concurso de piano de la Unión Europea 2009. Fue invitado a una recepción privada con los Reyes de España en el Palacio Real tras ganar el codiciado Premio Bucarest. El presidente de Rumania, Klaus Iohannis, le condecoró en 2019 como Oficial de Mérito Cultural, uno de los galardones más importantes que otorga el Gobierno rumano a personas que se distinguen por realizar una extraordinaria labor cultural. 

Ha actuado en numerosos países de Europa, América y Asia y colaborado con prestigiosos directores y formaciones. Sus actuaciones han sido retransmitidas en la radio y televisión nacional española, taiwanesa y checa, así como en la WQXR de Nueva York, la WPRB de Princeton y la WFMT de Chicago. 

De Solaun Haydn piano sonatas es el último trabajo discográfico del pianista tras la trilogía Enescu: Obras completas para piano solo; Stravinsky, I. Suite del cuento del soldado / Octeto / Les Noces, con varios artistas; dos junto a la violinista alemana Franziska Pietsch: Sonatas para violín de Shostakovich & Strauss y Fantasque, álbum con el que ganaron en los prestigiosos Premios Interna­cionales de Música Clásica 2021 (ICMA en sus siglas en inglés); Digressions con obras de Schumann y Brahms; panDEMiCity un disco “compuesto en acto” con el que rinde homenaje a Keith Jarret y nominado en los ICMA 2022; George Enescu, Piano quartet nº 1 – Piano trio junto con el violinista alemán Stefan Tarara, la violista estadounidense Molly Carr y el violonchelista coreano Eun-Sun Hon; y Loss & Love, junto con el violonchelista Adolfo Gutiérrez Arenas, con obras de música de cámara de Schumann. 

El músico, con una intensa agenda y proyectos que cristalizan en este año tras su cancelación por la pandemia, ha cosechado los elogios y reconocimiento de la prensa especializada por estos trabajos y por los conciertos y recitales que realiza. Su repertorio incluye originales conciertos de piano como la Sinfonía nº 2 de Leonard Bernstein, “The Age of Anxiety”, 2º Concierto para piano de Giuseppe Martucci, Diversions de Britten, Concierto para piano en la menor de Hummel, Concierto para piano de Constantinescu, así como los conciertos completos de Liszt, Rachmáninov, Prokófiev y Bartók. También es un ávido improvisador y con frecuencia toca recitales de piano totalmente improvisados. De Solaun también ha publicado un poemario, Las Grietas, con el sello EdictOràlia.

El reconocido guitarrista y profesor de jazz Ximo Tebar es el responsable del departamento de la Escuela Superior de Música de Alto Rendimiento, y el saxofonista Josvi Muñoz y el músico y productor Nacho Mañó los coordinadores 

Ofrecerá ámbitos como Canto Moderno, Clarinete Jazz, Bajo Eléctrico, Guitarra Eléctrica Rock y Fussion, Percusión Latina y Étnica, Música Moderna, World Music, y Producción 

El claustro de profesores de la especialidad lo completan, el trompetista David Pastor, los pianistas Eduard Marquina, Alex Conde, Albert Sanz y Ricardo Belda, y el reputado coach de canto moderno José Mañó

También el contrabajista titular de la Orquesta Sinfónica del Palau de les Arts, Matt Baker, el bajista cubano Abel Sanabria, el baterista argentino Pepi Taveira, el percusionista cubano José Molina, el guitarrista Charlie Rodríguez, y el ingeniero de sonido y tecnologías musicales Jorge Pérez

ESMAR, ubicada en el Iale School de L’Eliana (Valencia), cuenta con un innovador plan de estudios que prima la carga lectiva práctica sobre la teórica, experiencias en entornos profesionales y vinculación con el mercado laboral

Valencia, 4 de julio de 2022
La Escuela Superior de Música de Alto Rendimiento (ESMAR) ofrecerá el Título de Grado en Enseñanzas Artísticas Superiores de Música, de 240 créditos ECTS, en la especialidad de Interpretación, Itinerario de Jazz y Música Moderna a partir del próximo curso. Esta titulación oficial, impartida por prestigiosos músicos y profesores, está reconocida dentro del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES), equivalente a todos los efectos al título universitario de grado. 

El responsable del nuevo Departamento de Jazz y Música Moderna de ESMAR es el guitarrista y profesor de jazz, Ximo Tebar. El saxofonista Josvi Muñoz y el músico y productor Nacho Mañó serán los coordinadores de los planes de estudios de jazz y música moderna respectivamente. Como novedad, ESMAR ofrecerá ámbitos como Canto Moderno, Clarinete Jazz, Bajo Eléctrico, Guitarra Eléctrica, Rock y Fussion, Percusión Latina y Étnica, Música Moderna, World Music, y Producción, para el próximo curso lectivo.  

Nacho Mañó, coordinador de los planes de estudios de jazz y música moderna de ESMAR.

El claustro de profesores de la especialidad lo completan, el trompetista David Pastor, los pianistas Eduard Marquina, Alex Conde, Albert Sanz y Ricardo Belda; el reputado coach de canto moderno José Mañó, el músico estadounidense y contrabajista titular de la Orquesta Sinfónica del Palau de les Arts Reina Sofía, Matt Baker; el bajista cubano y cofundador del grupo Vocal Sampling, Abel Sanabria, que también impartirá clases de percusión vocal; el baterista argentino Pepi Taveira, el percusionista cubano José Molina, el guitarrista Charlie Rodríguez, y el ingeniero de sonido y tecnologías musicales, Jorge Pérez. 

Todos ellos son profesionales de la pedagogía especialistas en Jazz y Música Moderna, que están en el primer nivel como artistas en activo con una prestigiosa trayectoria internacional como solistas e intérpretes, lo que aporta al proyecto innovación, exclusividad y un alto nivel de rigor, calidad, y excelencia educativa.

Primar la práctica 

ESMAR, ubicada en las instalaciones del Iale School de L’Eliana (Valencia), es una Escuela Superior de Música de Alto Rendimiento que imparte las enseñanzas a través de un innovador modelo de educación musical basado en un plan de estudios que prima la carga lectiva práctica sobre la teórica, experiencias en entornos profesionales reales y vinculación con el mercado laboral del sector.

Asimismo, ofrece una formación integral para ejercer la profesión musical en la actualidad en sus diferentes especialidades: Interpretación Clásica, Antigua y Jazz, Pedagogía, Gestión e Investigación. Cuenta ya con más de 250 alumnos que estudian una amplia oferta académica de titulaciones superiores, másteres, y cursos de formación musical de nivel avanzado, y se ha consolidado como una alternativa real y muy atractiva para el alumnado que apuesta por una formación musical especializada y de alto nivel. La página web, www.esmarmusic.com, ofrece más información y documentación de las pruebas de acceso del curso 2022/2023, a las que los interesados ya se pueden inscribir. 

Tebar, un referente

Ximo Tebar, director del Departamento de Jazz y Música Moderna de ESMAR.

Ximo Tebar (Valencia 1963) es un músico experimental, progresista y revolucionario que le ha permitido ser distinguido como el creador del Son Mediterráneo (fusión de jazz y flamenco con sabor mediterráneo), ha sido reconocido por prestigiosas revistas, prensa especializada y artistas que han destacado que es “un improvisador de altos vuelos” así como su poderosa técnica, magia, sofisticación y lo sorprendente de su propuesta musical.

Es un referente internacional, ha sido avalado por destacados maestros como Benny Golson y George Benson y ha tocado con gigantes del jazz como Johnny Griffin, Benny Golson, Lou Donaldson, Joey DeFrancesco, Dr. Lonnie Smith, Joe Lovano, Arturo O’Farrill, Tom Harrel, Dave Schnitter, Idris Muhammad… El gran organista Lou Bennett lo presentó en Francia como un “nuevo talento de la guitarra”, Benson definió su estilo como una nueva voz de la guitarra y Golson destacó “su asombrosa maestría guitarrística”.

En el ámbito docente, es un reputado profesor reconocido internacionalmente por su metodología práctica basada en la simplificación, el conocimiento y respeto al lenguaje y la tradición. Ha sido profesor en prestigiosas universidades y conservatorios y como: UCLA Global Jazz Studies (Universidad de California), New York Afro Latin Jazz Alliance, Columbia University, City College New York y el Conservatorio Superior de Música Joaquín Rodrigo de Valencia.

Su extensa discografía con 17 álbumes como líder, los numerosos premios que ha recibido: dos veces consecutivas Premio Nacional de Jazz del Ministerio de Cultura (1989 y 1990); Dos premios Dexter Gordon’s Award por RTVE Jazz Entre Amigos 1991; Jazz Award 2007 IAJE (Asociación Internacional de Educadores de Jazz), New York Education Academy… los elogios y excelentes críticas cosechadas y la modernidad y eclecticismo de su música lo han llevado a ocupar un lugar preeminente en el mundo del jazz contemporáneo.

Del 23 de junio al 29 de octubre se celebrarán dieciséis conciertos en Gestalgar, Losa del Obispo, Villar del Arzobispo, Benagéber, La Yesa, Alcublas, Andilla, Villar de Tejas, Calles, Alpuente, Bugarra, Chelva, Pedralba, Sot de Chera, Higueruelas y Tuéjar.

La Serranía, 16 de junio de 2022.

El Festival Jazz a la Serranía vuelve un año más  con una propuesta  ecléctica   a través de los dieciséis conciertos en el que toman parte más de ochenta músicos.  El cartel del Festival ofrece tanto intérpretes consagrados  de la escena nacional e internacional como formaciones emergentes  de  singular calidad.

Jazz a la Serranía es un festival itinerante que recorre un gran número de poblaciones de la comarca de Los Serranos. Entre junio y octubre  el jazz y las músicas creativas inundan las noches estivales de las plazas, parques y auditorios con propuestas que van desde los repertorios clásicos a la vanguardia del género, con una cada vez mayor presencia de composiciones originales de los músicos y formaciones  participantes.

El festival, organizado por el Colectivo Sedajazz en sus dos últimas ediciones, cuenta en la de  2022 con nombres importantes e internacionales que hacen de cabeza de cartel como el cuarteto que lidera el trombonista inglés Mark Nightingale junto a latino Blanco al saxo barítono, el trompetista David Pator, la cantante brasileña Thaïs Morell, los saxofonistas Dani Torres y Enrique Oliver, el proyecto del saxofonista y flauta Alexey Leon y la pianista Antia Couto, el grupo vocal Dómisol Sisters y la cantante Eva Romero.

También están programados conciertos con proyectos de músicos emergentes de la comarca como es el caso de la guitarrista, contrabajista y compositora Martina Sabariego y el saxofonista José Cervera.

Otros  grupos  que nos ofrecerán  sus trabajos más originales y recientes  son el aclamado y laureado grupo Valmuz, Rosana Diaz Quartet, The Om Experience, David Cases, Organ Grinder Trio y las jóvenes formaciones Teen Jazz Ensemble y la Jove Big Band colectivo Sedajazz.

La propuesta musical cuenta con la colaboración y patrocinio de los 16 ayuntamientos de la comarca, el Instituto Valenciano de la Música, la Diputación de Valencia a través del SARC y la Mancomunidad de La Serranía.

El concierto estará dedicado al periodista musical José Miguel López, (Premio Santa Cecilia 2020).

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Después de un año de ausencia, debido a la crisis sanitaria que originó el Covid-19 en el año 2020, el Yecla Jazz Festival regresa en su XXI edición, a celebrar entre los días 21 al 25 de septiembre. La Concejalía de Cultura del Excmo. Ayuntamiento de Yecla retoma de esta manera, una de las citas musicales más destacadas del calendario anual en Yecla, en la que, por primera vez, la Banda Sinfónica formará parte del cartel poniendo el cierre a esta nueva edición el sábado 25 de septiembre con un concierto y un repertorio muy especial, contando a su vez con la colaboración del cantante Enrique Soto.

HOMENAJE Y ENTREGA DEL PREMIO SANTA CECILIA 2020 A JOSÉ MIGUEL LÓPEZ

El concierto que la BSAAMY ofrecerá en el Antiguo Solar del Cuartel de la Guardia Civil (debido al reducido aforo de escenario en el Teatro Concha Segura para la colocación de los componentes de la banda según las normativas sanitarias vigentes), estará dedicado a José Miguel López, periodista musical, presentador y propulsor del festival cuando estaba al frente del programa “Discópolis” en RNE3 y Premio Santa Cecilia 2020, distinción que la AAMY entrega cada año en el Concierto Extraordinario de Santa Cecilia, el cual no se pudo celebrar el pasado año debido a la situación de la pandemia. La presencia en Yecla durante el desarrollo del Festival de José Miguel López (de nuevo será presentado por el periodista musical) hará posible la entrega del premio en el transcurso del concierto, el cual rendirá a su vez tributo como homenaje a la extensa y dilatada carrera del periodista de Haro agradeciendo todo el apoyo que durante tantos años ha prestado a la escena musical.

CARTEL DE LA XXI EDICIÓN YECLA JAZZ FESTIVAL

El festival será inaugurado en el Teatro Concha Segura (lugar donde se llevarán a cabo todos los conciertos a excepción del que ofrecerá la BSAAMY por las razones anteriormente mencionadas), el martes 21, con la actuación del pianista gallego (en formato trío) ABE RÁBADE TRIO, el miércoles 22 CECILIA KRULL presentará en Yecla algunas de las composiciones que le han supuesto el nº1 en varias listas de venta de países europeos, como la banda sonora de la aclamada serie en Netflix “La Casa de Papel”. El jueves 23 regresan a Yecla, también dentro del programa del festival (lo hicieron en el año 2015), la banda de swing sevillana O SISTER! y el viernes 24 será el turno de la música cubana con el concierto de MICHAEL OLIVERA & THE CUBAN JAZZ SYNDICATE. El festival será clausurado el sábado 25 con el concierto mencionado anteriormente a cargo de la BANDA SINFÓNICA AAMY.

VENTA DE ENTRADAS Y HORARIOS DE LOS CONCIERTOS

Los conciertos programados en el Teatro comenzarán a las 21.30h, por otro lado, el concierto de clausura a cargo de la BSAAMY comenzará a las 20.00h. Las entradas para asistir a los conciertos (incluido el de la BSAAMY) pueden adquirirse de manera anticipada al precio único de 3€ en las taquillas del Teatro Concha Segura los días 10, 16, 17 de septiembre de 19.30h a 21.30h, y en instanticket. también durante los días 21,22, 23 y 24, en pleno desarrollo del festival. En caso de que las entradas para la actuación de la Banda el sábado 25 no estén agotadas, se podrán adquirir el mismo día del concierto, en el Solar del antiguo cuartel de la Guardia Civil.

17 septiembre, 2020 Escrito por diapason

Sección: Tirando del Hilo

Autor: Justo Soriano Aliaga

Se atribuye como principal iniciador de la trata esclavista con destino al Nuevo Mundo a un navegante inglés, llamado John Hawkins, quién desde 1582 estableció las bases de este comercio humano comprando a cambio de telas y armas a prisioneros de las guerras tribales en las costas africanas, llevándolos a América para trabajar en plantaciones, minas, construcción de casas y barcos, o cómo sirvientes. Con el dinero obtenido en su venta compraba productos apreciados  (café, tabaco, azúcar, pieles, etc.) para venderlos a su regreso en Europa, obteniendo enormes beneficios económicos. Fue ascendido a la nobleza inglesa por la reina que además le dio patente de corso. El resto de su vida se dedicó al tráfico esclavista y al pillaje marino. En su escudo de armas luce un esclavo encadenado.

Este tráfico de seres humanos se extendió desde el S.XVI hasta el S.XIX (1860). Durante ese periodo fueron llevados al Continente Americano millones de africanos por traficantes europeos de diversos países.

En el sur de Estados Unidos, fue surgiendo el jazz a finales del S.XIX. Desde las raíces africanas que guardaban  en la memoria las generaciones de estos esclavos, llamados “afro-americanos”, fueron conformándose los work-songs (cantos de trabajo), el góspel (cantos religiosos) y el blues (lamentaciones en soledad).

Curiosamente se asocia la prehistoria del Jazz a un espectáculo itinerante llamado genéricamente Black Minstrels, interpretado por artistas blancos que se embadurnaban la cara de betún, parodiando a los negros como vagos y torpes. Con el tiempo los actores fueron siendo los afro-americanos que con destrezas y malabarismos supieron ganarse el reconocimiento del público.

También estaban las bandas de música, formadas igualmente por afro-americanos que tocaban marchas fúnebres en los entierros y al regreso interpretaban ritmos alegres y sincopados para los acompañantes del duelo.

Otro factor fue el Ragtime, estilo musical realizado por pianistas criollos de educación musical europea, que imprimían un tiempo cortado a sus composiciones.

De las bandas de música se formaron conjuntos menores para alegrar fiestas y locales de baile y diversión, dando lugar a un estilo llamado Dixieland. Los pianistas animaban las salas de cine mudo y los burdeles (controlados por las mafias).

En el Sur de EE.UU, principalmente en Nueva Orleans, ciudad multicultural, es donde da sus primeros pasos el Jazz; un género musical capaz de integrar influencias, evolucionar con la sociedad y ser vehículo de expresión de poderosos talentos musicales.

Aunque el Jazz tiene su origen en la música vocal, sus comienzos son instrumentales. El canto se incorpora más tarde, y lo hace imitando el fraseo de algunos instrumentos como el saxofón y la trompeta.

En los tugurios del barrio de Storyville en Nueva Orleans, abundaban los pianistas animando el ambiente como solistas o con pequeños grupos de músicos, interpretando canciones jocosas o picantes.

Entre todos destacó FAST WALLER (1904-1943), virtuoso pianista, prolífico compositor (más de 300 temas), cantante irónico y alegre que ha dejado una huella imborrable en la historia de la música, a pesar de morir con menos de 40 años. Tenemos la suerte de escuchar su Jazz y piano además de verlo en imagen. Un espectáculo.

Quién cambió el estilo inicial en el Jazz primitivo fue LOUIS ARMSTRONG (1901-1971), incrustando en el sonido grupal sus solos de corneta primero y trompeta años después, abriendo el camino del virtuosismo y la imaginación inagotable en las melodías. Sus primeros cantos concretaron el modelo a seguir. Eran la imitación de la trompeta con acentuaciones vocales o sonidos onomatopéyicos (canto en “Scat”).

ELLA FITZGERALD (1917-1996). Es la voz femenina más conocida. Poseedora de un registro que abarcaba tres octavas y una capacidad enorme de adaptación, desde los temas clásicos a los más innovadores, pasando por el “Scat” y la “Bossa Nova”. Su voz trasladó muchos momentos de felicidad a cuantos la escucharon. Es en consecuencia una de las voces que más ha contribuid o a popularizar el Jazz.

Los “locos años 20” significan un crecimiento económico desmesurado en EE.UU para algunos segmentos sociales, rápidamente enriquecidos y ávidos de conductas disipadas. En las grandes ciudades como N. York, aparecieron grandes salas de diversión, una de ellas fue  “Cotton Club”.

Allí contrataban a los músicos del Jazz, como nuevo estilo bailable, complementado con grandes espectáculos. Uno de los artistas que actuaban allí era CAB CALLOWAY (1907-1994), director de orquesta, bailarín y comediante, además de cantante de “Scat”, que incluía grandes instrumentistas en su formación.

En los finales de los años 30´s y la década de los 40´s, el Jazz sigue siendo  bailable; es la era del SWING. Grandes orquestas dirigidas por excelentes conductores y repletas de talentosos instrumentistas, llenan este género musical de grandes temas. Los cuales son seguidos, bailados y cantados por gran número de público. Algunos músicos se comienzan a sentir encorsetados por una música que sienten repetitiva y buscan caminos nuevos con las “Jam-Sessions”, dando origen al Jazz Moderno, llamado BE-BOP ó BOP.

La emblemática voz femenina del Jazz Moderno es SARAH VAUGHAN (1924-1990). Dueña de una técnica excepcional con gran inventiva armónica, sentido de la improvisación y poseedora de un gran registro vocal. También domina la técnica del “Scat”, cantando impecablemente las baladas clásicas aportándoles un amaneramiento malicioso.

BILLIE HOLIDAY (1915-1959). Hija artística de Louis Armstrong, de quién capta la idea de la voz como instrumento y de BESSIE SMITH (La Emperatriz del Blues), porque hereda el espíritu de su música. Fue apodada por un maestro del Saxofón moderno, LESTER YOUNG como “Lady Day”. Sin duda fue el afecto que le tenía, porque hubiese sido más realista llamarle “Lady Pain”, por el trágico dolor que transmiten sus interpretaciones. Reflejan sus dramas personales y los causados por su condición racial. Nadie a través de sus interpretaciones ha plasmado mejor la esencia del Blues en el Jazz moderno.

FRANK SINATRA (1915-1998). Su estilo fue mezcla de música ligera comercial (easy listening) y de Jazz. Se rodeó de solistas y Orquestas de Jazz, sabiendo mantener siempre un “swing” y una perfecta ejecución jazzística de las baladas. Fue fichado por la discográfica Capitol, en la que fue el primer cantante que dio unidad temática a sus LP’S. El romántico contenido de sus baladas encandiló a muchísimas parejas de enamorados, pero también arrastró multitudes como otras muchas estrellas del pop y del rock.

En el Jazz Moderno (Be-bop) hay dos formas de vocalización características: por un lado el “Scat”, donde las palabras son sustituidas por onomatopeyas (frases sin sentido o sílabas) Uno de sus principales exponentes fue el trompetista y ocasional vocalista Dizzy Gillespie. Por otro lado, la adaptación de textos inéditos a temas instrumentales; o letras escritas sobre improvisaciones de los solistas, cuidadosamente transcritas nota a nota: se llama estilo “vocalese”. Muchos cantantes combinaban ambas formas. Uno de sus principales iniciadores fue BABS GONZALES. En épocas  recientes ha conseguido gran reconocimiento JOHN HENDRICKS, procedente del trio LAMBERT-HENDRICKS-ROSS. Es el referente de grandes figuras del Jazz actual como BOBBY McFERRIN, AL JARREAU y el grupo MANHATTAN TRANSFER.

El grupo francés DOUBLE SIX OF PARIS (1959-1965), es uno de los conjuntos de Jazz “vocalese” precursores y más innovadores. Emprendieron la tarea de dar forma vocalizada a temas instrumentales de Jazz Moderno, incluyendo los solos y todas las voces de una orquestación de Big-Band. Sus seis componentes reprodujeron en estudio las doce voces clásicas para la orquestación de una gran orquesta de Jazz. Después de hacer media docena escasa de grabaciones, desaparecieron en 1965.

Llíria y siete Ciudades Creativas de diferentes países se unen para interpretar “Work Song”

Llíria a 30/04/2020

La música más universal ha servido para unir pueblos y culturas en el Día Internacional de Jazz, y homenajear a todos los trabajadores y trabajadoras que están cuidando del planeta durante esta crisis sanitaria. Músicos de primer nivel de Ciudades Creativas de la UNESCO de diferentes países, entre las que se encuentra Llíria, se han unido “virtualmente” para interpretar la mítica “Work Song” (canción del trabajo) de Nat Adderley. Con ella se quiere reconocer el valioso esfuerzo de sanitarios, fuerzas de seguridad, trabajadores del sector de la alimentación, transportistas… y todos aquellos que han cuidado de los demás en los peores momentos de la pandemia. El lanzamiento de este vídeo coincide además con la víspera del ‘Día Internacional del Trabajador’.

La UNESCO invitó recientemente a los miembros de la Red de Ciudades Creativas a usar el poder de la música del jazz para unir personas de todos los rincones del mundo: “la situación actual no nos permite reunirnos físicamente para celebrar el día, pero creemos que la innovación y la creatividad pueden ayudarnos a superar este desafío y continuar nuestra celebración a través de medios virtuales”.

De este modo, desde Llíria City of Music se gestó la idea de hilvanar una interpretación internacional usando las actuales posibilidades tecnológicas, para rendir un merecido homenaje a los trabajadores. Desde el primer momento, la iniciativa contó con el respaldo de la dirección de la Red de Ciudades Creativas: “La música servirá para difundir el mensaje de amor y gratitud a todos los trabajadores que trabajan constantemente en medio de la pandemia en curso para mantener a todos a salvo. La iniciativa no solo difunde el mensaje de esperanza y gratitud, sino que también destaca el poder de la cultura y la creatividad a través de la música para unir a las personas, al superar los límites físicos para fortalecer la solidaridad y la unidad”.

Tras crear la base musical, desde Llíria se invitó a diferentes ciudades de varios países a que aportaran sus mejores solistas. Los profesionales de “Terrasa City of Film” se han encargado de la producción audiovisual, cuyo fantástico resultado se puede apreciar en un vídeo que ya circula con éxito en las redes digitales de las ciudades participantes.

Además de España, representada por Llíria y Sevilla, Ciudades Creativas de la Música, y Terrassa, Ciudad Creativa del Cine, otros cinco países de tres continentes se han unido a la iniciativa: Estados Unidos, Jamaica, Cabo Verde, República Checa y Portugal. De este modo, la interpretación final combina sones de Europa del Sur, Europa Central, Caribe, América del Norte y África.

El cuarteto que representa a Llíria está integrado por Alfred Montesinos (guitarrista), Pau Viguer (pianista), Jaume López (bajista) y Edu Olmedo (baterista). Están acompañados por un coro formado por la vocalista Sarah Raabe y el pianista Fran Acàmer. El trombonista Joan Humet representa a Terrassa, mientras que el saxofonista Javier Ortí y el trombonista Rafa M. Guillén ponen la música desde Sevilla. La representación internacional está formada por el trompetista Clint Ashlock (Kansas, Estados Unidos), el bajista Alvis Reid (Kingston, Jamaica), el vibrafonista Tomás Longo (Idanha-a-Nova, Portugal), el saxofonista Radim Hanousek (Brno, República Checa), el pianista Carlos Matos y el guitarrista Hernani Almeida (ambos de Praia, Cabo Verde).

La UNESCO designó el 30 de abril como Día Internacional del Jazz, con el objetivo sensibilizar al público en general sobre las virtudes de la música jazz como herramienta educativa y como motor para la paz, la unidad, el diálogo y el refuerzo de la cooperación entre pueblos.

 
 

Se celebra: 30 de abril de 2020

Proclama: UNESCO

Desde cuando se celebra: 2011

El 30 de abril se celebra en todo el mundo el Día Internacional del Jazz. Se pretende concienciar sobre la importancia del jazz como herramienta educativa y de promoción de la paz, el dialogo y la cooperación entre pueblos de todo el mundo. 

Fue decretada por la UNESCO con el objetivo de dar a conocer un movimiento musical de gran valor educativo, así como un recurso que puede contribuir al intercambio cultural, al diálogo y la cooperación entre los pueblos a nivel mundial.

¿Qué es el jazz?

El jazz es un género musical cuya raíz proviene de la cultura afroamericana. Tuvo sus inicios en el siglo XIX en los Estados Unidos y  hoy, se encuentra expandida  alrededor del mundo. Su principal característica, es que es un tipo de música donde la improvisación a la hora de interpretar marca la diferencia y no se adapta de manera estricta al uso de partituras.

El rol de la persona que ejecuta esta clase de música es más creativo y participativo. El músico es capaz de plasmar todas sus habilidades y talentos musicales para crear una verdadera obra maestra.

Principales ventajas del jazz

Se considera al jazz como una música que permite la libertad de expresión
Se considera al jazz como una música que permite la libertad de expresión

La música siempre ha representado para los seres humanos un importante medio de comunicación, que aporta grandes beneficios. En este sentido y de acuerdo establecido por la ONU, el jazz es una forma expresiva y auténtica de que los pueblos del mundo conozcan y compartan sus culturas, así como otras valiosas ventajas, que se detallan a continuación:

  • Es un importante medio de comunicación de las masas, que está estrechamente vinculado a la igualdad de género, la unidad y la paz.
  • El jazz es una herramienta para la juventud y un gran aporte para generar cambios sociales.
  • El jazz rompe barreras, creando oportunidades para el debate, el diálogo y la tolerancia.
  • Es una manera idónea para establecer el diálogo intercultural.
  • El jazz permite crear nuevas ideas orientadas al mundo de las artes, ya que es un género que facilita la interpretación y la innovación para que nazcan nuevos estilos musicales.
  • Es una música muy rica y versátil que permite la libertad de expresión.
  • Fomenta la relación entre las comunidades y los hombres en general.
  • El jazz facilita la integración entre los jóvenes y la población más marginada.

Los grandes músicos de jazz a través de la historia

El jazz rompe barreras, creando oportunidades para el diálogo
El jazz rompe barreras, creando oportunidades para el diálogo

A través de los años, han existido grandes músicos de jazz que ha dejado un importante legado para las nuevas generaciones. Es un estilo musical muy peculiar, que cada vez gana más adeptos en todo el mundo. Aquí te mostramos tan sólo una pequeña lista de aquellos que han pasado a la historia por sus bellas canciones y composiciones inolvidables.

Charlie Parker

Uno de los más grandes saxofonistas y compositores de jazz. Perteneciente a la generación de los años 50, este gran músico dejó muchos temas, que en la actualidad son interpretados por otros músicos reconocidos a nivel internacional.

DukeEllington

Gran director de orquesta y afamado pianista. Dejó un vasto repertorio de canciones y llegó a producir un gran número de álbumes.

Thelonious Monk

Gran pianista y compositor. Considerado como uno de los grandes representantes del jazz.

Billie Holiday

Una gran cantante de jazz norteamericana, que todavía sigue teniendo una gran influencia en todo el mundo. Con una voz y un estilo único, que la convirtió, según los entendidos en una de las grandes cantantes  de jazz de todos los tiempos. 

Ella Fitzgeral

La mejor cantante femenina de este género. Comenzó su carrera muy joven y tuvo la oportunidad de compartir  escenario con grandes cantantes como Louis Armstrong y Duke Ellington.

Películas con las cuales aprenderás todo sobre el fascinante mundo del jazz

Si quieres ser un verdadero amante del jazz, entonces aquí te compartimos un listado de las más emblemáticas que han sido llevadas a la pantalla grande.

  • Ray (EEUU, 2004): Una magistral película, que narra la vida y obra de una de los más grandes músicos de jazz y de soul como fue el conocido Ray Charles.
  • Jazz on a Summer´Day. (EEUU, 1960): La película ha sido catalogada como un film de gran valor histórico y cultural en todo el mundo.
  • Amy (Reino Unido, 2015): Narra la triste y conmovedora historia de una de las cantantes de jazz y blue de la época actual, Amy Winehouse. Murió muy joven, pero dejó un gran legado de temas escritos con su puño y letra, que le merecieron muchos reconocimientos y premios internacionales.

¿Cómo celebrar el Día Internacional del Jazz?

Aunque lo más probable es que este 2020 no se lleven a cabo encuentros o presentaciones en vivo para celebrar el Día Internacional del Jazz debido a la pandemia del coronavirus, que azota al mundo, existen otras maneras de no dejar pasar esta importante fecha.

A través de las distintas redes sociales, se puede compartir información sobre este interesante tema, ya sea publicando algún video, imagen o información de eventos que se hayan realizado en años anteriores, para que las personas, de una manera simbólica, puedan disfrutarlo desde la comodidad de su hogar con sus familiares. No te olvides de incluir la etiqueta #DíaInternacionaldelJazz.

El festival celebrará su 44ª edición del 13 al 18 de julio

El Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz ya tiene su cartel para 2020. No, el de los artistas participantes no. El ilustrativo. La organización ha desvelado este viernes el diseño final de esta edición, elaborado por el ilustrador italiano Ale Giorgini.

Esta es la 44ª edición del festival gasteiztarra, que se celebrará del 13 al 18 de julio. Próximamente anunciará su programación.

El cartel presenta una “explosión de colores y formas, alejada de la etiqueta del jazz como un geénero sombrío y melancólico”, explican desde la organización. Con él, el artista quiere representar la energía y la armonía del jazz.

“He querido plasmar el eclecticismo y la energía de esta música. Formas, elementos y colores que, en un primer momento, aparecen en contraste y que se funden hasta convertirse en un cuerpo único y armónico. Exactamente como sucede en una jam session”, relata el autor. Además, contaba con la ventaja de tener al jazz como uno de sus géneros musicales más escuchados. 

  • Ale Giorgini

Giorgini cuenta con una amplia experiencia en el mundo del diseño y la ilustración. Ha trabajado para multinacionales como Disney, Warner Bross o MTV. También para firmas de moda como Armani, Puma o Adidas, y marcas como Jeep, Bacardi, Emirates o Foot Locker.

Sus ilustraciones han aparecido publicadas en The Boston Globe, The Hollywood Reporter, Il Corriere della Sera o Il Sole 24 ore. Ha participado en numerosas exposiciones de distintas capitales del mundo y cuenta entre sus galardones con el premio al mejor diseño del Museo de Diseño de Chicago. También ha estado seleccionado por la Sociedad de Ilustradores de Nueva York para los anuarios de 2015 y 2017. Su método de trabajo es completamente digital.

Cartel Festival Jazz Vitoria 2020

Durante décadas, el jazz ha sido una parte importante de la identidad cultural de Graz. Esta animada escena musical (y en muchos aspectos cambiante), junto con el Instituto de Jazz de la Universidad de Música y Artes Escénicas, ha convertido a Graz en uno de los lugares de jazz de Austria.

Como uno de los primeros programas de jazz de Europa a nivel universitario (establecido en 1965), el Jazz Institute ganó su impresionante reputación internacional a través de sus excelentes alumnos y profesores.

Con la competencia trienal de composición de jazz JAZZ COMP GRAZ, el Instituto de Jazz de la Universidad de Música y Artes Escénicas pudo establecer otro punto culminante en la vibrante escena de jazz de Graz.

Los principales compositores jóvenes de toda Europa están invitados a participar en este concurso.

Podrán presentar sus trabajos a un jurado internacional. Lo único de esta competencia es que la selección de los ganadores se realizará durante una presentación en vivo con la KUG Jazz Orchestra el 13 de noviembre de 2020.

Se grabará el concierto final y se lanzará un CD con las composiciones ganadoras en 2021.

El plazo finaliza el 23 de marzo 2020

Toda la información: https://jazz.kug.ac.at/en/jazz-comp-graz/

Madeleine Peyroux, Bobby McFerryn, Kenny Barron, Paquito D´ Rivera y, por primera vez Kyle Eastwood, Gregory Portrer, Amadou & Mariam and Blind Boys of Alabama entre las estrellas internacionales en el cartel, junto a Pepe Rivero, Perico Sambeat, Nes y Melisa Aldana actuarán en el certamen que organiza el Palau de la Música.

Concierto fusión de Martirio y la Banda Municipal con Raúl Rodríguez en los Jardines del Palau.

Valencia, 1 de junio de 2019

La XXXIII edición del Festival de Jazz del Palau de la Música tendrá lugar del 26 de junio al 7 de septiembre, el cartel reúne desde grandes figuras del panorama internacional y español, junto a nombres emergentes y proyectos de jazz valenciano.

Los conciertos se sucederán durante todo el verano y no solo en las instalaciones del Palau. En total se han previsto 30 actuaciones que se producirán en hasta 15 escenarios diferentes ─Jardines del Palau, las Salas Rodrigo e Iturbi, Sala García Navarro, Conservatorio Municipal José Iturbi, Claustro Universidad (Serenatas), Playa de La Malvarosa y en 8 barrios y pueblos─.

Entre las figuras internacionales que vuelven al certamen jazzístico del Palau están Madeleine Payroux (2 de julio), Bobby McFerryn (10 de julio) y Kenny Barron (7 de julio), y por primera vez actuarán Kyle Eastwood (13 de julio), Amadou & Mariam and Blind Boys of Alabama (9 de julio) y el crooner Gregory Porter (9 de julio).

El jazz latino tendrá como máximo representante al cubano Paquito D´Rivera (3 de julio).

El jazz contemporáneo de Melisa Aldana (5 de julio) y el Mediterráneo de Nes (4 de julio) el proyecto franco-argelino-valenciano que está consiguiendo con su primer álbum, “Ahlam” (2018) un gran éxito.

El Centre Cultual La Nau en el marco del Festival Serenates la Orquesta de València actuará dirigida por Beatriz Fernández con los solistas Rubén Siméo (trompeta) y Óscar Oliver (piano). En el mismo lugar, Abe Rábade en trío presentarán el proyecto “Tránsitos”.

Valencianos

Perico Sambeat’s Electric Bath Ensemble, con un tributo a Don Ellis (6 de julio); y Albert Palau’s Flight Mode Quintet / Vicente Espí Quartet Espiral (11 de julio).

Jardines del Palau

Los Jardines del Palau acogerán dos noches de conciertos gratuitos, las dos primeras de la edición de 2019. Primero la actuación de Pepe Rivero Yoruba Latin Project (26 de junio). Y al día siguiente, será para la Banda Municipal de València (27 de junio) con un programa de fusión junto a Martirio, con Raúl Rodríguez.

Nuevamente el coordinador del festival es Enrique Monfort, y el cartel de este año es una obra del diseñador Boke Bazán.