Asociación de Amigos de la Música de Yecla

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El próximo sábado 16 de julio de 2022, se realizará el último de los conciertos incluidos en la programación del XX Ciclo “Aula de Conciertos “ organizado por la Escuela de Música de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla y la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de nuestra ciudad.

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Esta vigésima edición cuenta con la colaboración de Dúo-Graph, Familia Castaño, Dígicol, Iberpiano, Juan Palao Peña, Autobuses Pelotón, Daemon 4, YeclaGrafic, Davó, Frutas y verduras Hermanos Juan Ortuño, Suministros Lomar, Spumaytel, Xti y Audiotec, y como en otras ediciones anteriores también cuenta con el apoyo de los medios de comunicación locales: Onda Regional de Murcia, elperiodicodeyecla.com, TeleYecla, Onda Cero Yecla, Cope Yecla, Siete Días Yecla y Ser Arco Norte.

Este decimosegundo concierto del Ciclo se efectuará en la Sala de Audiciones de la Escuela de Música, a las 19:30 h., con aforo limitado para 80 personas y previa reserva de sillas contactando con la Escuela de Música. Consistirá en un recital interpretado por los músicos yeclanos: Ignacio Muñoz, fagot y Francisco Martí, piano.

El mismo será emitido en directo a través del Canal YouTube de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla.


Un poco más sobre ellos:

Ignacio Muñoz Francés, nace en Yecla (Murcia) en 1995. Inicia sus estudios musicales de Fagot en la Escuela de Música de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla. Accede al Conservatorio Profesional de Música Jerónimo Meseguer de Almansa y finaliza sus estudios profesionales obteniendo la calificación de “Matrícula de Honor”. Continúa sus estudios superiores de fagot en la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMUC) donde obtiene el Título Superior de Música en 2017 con Matrícula de Honor. En 2019 termina los estudios de Master Solista en la Universidad de la Música de Detmold “HochschulefürMusik Detmold” (Alemania) con las más altas calificaciones.

Desde 2007 realiza cursos de perfeccionamiento con los profesores Juan Sapiña, Higinio Arrué, Amrei Liebold, Guillermo Salcedo, Juan Pedro Fuentes, Francisco A. Serena, Santiago Ríos, Ramón Aragall, Peter Whelan, Vicente Moros, Antonio Lozano, Salvador Alberola, Javier Aragó, Mor Biron, Tobias Pelkner y Gernot Friedrich entre otros.

Ha sido miembro de The World Orchestra, Joven Orquesta del País Vasco (EGO), Joven Orquesta de Holanda (NJO), Joven Orquesta Nacional de Cataluña (JONC), Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM), Joven Orquesta Sinfónica de Cantabria (JOSCAN), es titular en la orquesta del Schleswig-Holstein Musik Festival 2017 y ha colaborado además con la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia (OSRM), Orquesta Sinfónica de Barcelona (OBC), Orquesta Sinfónica de San Cugat, Orquesta Sinfónica Camera Musicae, Orquesta Ciudad de Elche, Detmolder Kammerorchester, Nordwestdeutsche Philharmonie, Mendener Kammerphilharmonie y Orchesterzentrum NRW Orchester entre otras.

Ha tocado bajo la batuta de directores como Christoph Eschenbach, Juanjo Mena, Michael Sanderling, François-Xavier Roth, Salvador Brotons, Dmitrij Kitajenko, Peter Eötvös, Jaime Martin, Antoni Ros Marbà o Pablo Gonzalez.

Ha realizado conciertos y giras por España, Italia, Francia, Suiza, Alemania, Holanda, Polonia y Dinamarca.

Durante 2019 es practicante en la Orquesta Filarmónica de Renania del Norte “Nordwestdeutsche Philharmonie”  y este mismo año, consigue la única plaza de Academista en la Orquesta Filarmónica de Colonia “Gürzenich-OrchesterKöln” para la temporada 2019-2021, después de superar una reñida selección entre más de 80 fagotistas de toda Europa.

Francisco Martí Hernández ejerce actualmente como pianista repertorista en el Koninklijk Conservatorium Brussel (Conservatorio Superior de Música de Bruselas, Bélgica) combinando esta actividad con proyectos de música de cámara y ensemble por toda Europa. Actualmente cursa un máster en música electrónica en el Conservatorium van Amsterdam, en Países Bajos.

Nacido en Yecla, Murcia, en 1996En el año 2014 empieza el Grado Superior en la Escola Superior de Música de Catalunya como alumno de Jean-François Dichamp, con quien se gradúa en el año 2018, recibiendo a la vez clases del pianista y musicólogo italiano Luca Chiantore.

En el año 2016 obtiene el segundo premio en el concurso realizado por la Escola Superior de Música de Catalunya. En el año 2016/2017 realiza sus estudios superiores en Stuttgart, Alemania, en el marco de una beca Erasmus con el profesor Nicolas Hodges. Participó también en otoño de 2017 en una gira con la Junge Deutsche Philarmonie (Orquesta Filarmónica de jóvenes de Alemania) por varias ciudades de Alemania y Eslovaquia, bajo la batuta del director de orquesta Jukka Pekka Saraste.

Ha participado en cuatro ocasiones en la International Summer Academy of Contemporary Music (Academia internacional de música contemporánea) organizada por el Ensemble Linea en Estrasburgo, Francia, siendo escogido en el año 2018 como artista invitado.

Durante el curso académico 2019/2020 trabajó en el Conservatori Superior de música de les Illes Balears como pianista repertorista del aula de saxofones.

En el año 2019 lanza su primer trabajo discográfico con obras a piano solo y piano a cuatro manos -junto a Carolina Santiago- titulado ‘El piano, reflejo del alma’ y editado por la AAMY.

Ha participado en diversas academias y concursos internacionales como por ejemplo la Adolphe Sax International Competition en Bélgica, la Première Académie Internationale de Saxophone d’Argenton-sur-Creuse 2021 en Francia o la Academia On Alti en Países Bajos.

Junto con la pianista Carolina Santiago conforma la agrupación Syntagma Piano Duo, la cual es invitada regularmente a festivales y ciclos de música contemporánea tales como el Barcelona Modern International Composition Course y el OUT·SIDE en Barcelona, el festival Gaudeamus Muziekweek en Países Bajos, Orpheus Instituut en Gante, Bélgica o la Universidade de Aveiro en Portugal entre otros.

También ha participado en diferentes proyectos de teatro musical como El fantasma de la Ópera Jesucristo Superstar, así como el estreno para banda sinfónica y banda metal de la obra Carmen del guitarrista y compositor Juan Saurín.


Para poder realizar estos conciertos vamos a seguir todas las pautas que nos indican las autoridades sanitarias:

1º. Aforo limitado a 80 personas.

2º. Reserva de localidad con cita previa.

3º. Itinerario diferente de entrada y de salida.

4º. Se dispondrá de material de higiene y protección tanto a la entrada del edificio como en la propia Sala de Audiciones.

5º. Uso recomendado de mascarilla durante toda la estancia en las instalaciones de la Escuela de Música, incluido en dicha sala durante el desarrollo del concierto.

Debido a la limitación  de 80 personas de la ocupación de la sala, que como ya hemos dicho, estará sujeta a las indicaciones de las autoridades sanitarias, se deberá de reservar, hasta completar el aforo, en la Conserjería de la Escuela de Música, llamando al teléfono 968752485 o a través del correo: administracion@amigosmusica.com; en horario de lunes a viernes de 16:30 a 20:30 h.

El día del concierto, si quedan sillas libres, se asignarán por riguroso orden de llegada hasta completar la capacidad  permitida.

Continuamos con las actividades incluidas para esta semana dentro de la segunda edición del Ciclo “Música al Fresco” organizado por la Asociación de Amigos de la Música de Yecla, con la colaboración de la Concejalía de Cultura del Excmo. Ayuntamiento de Yecla y el apoyo de las firmas: IBERCAM e IBERPIANO.

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Con esta actividad, desde la Asociación pretendemos, por un lado llenar de música las tardes-noches y alguna mañana de julio con audiciones al aire libre, ofreciendo la posibilidad de disfrutar de un concierto o recital al “fresco”, y por otra parte mostrar a toda la sociedad yeclana el trabajo que se desarrolla desde la Escuela de Música.

Para esta semana tenemos las siguientes actividades:

– Miércoles 13: Audición asignatura de Clarinete. Parque de la Constitución. 20:30 h.

– Miércoles 13: Audición asignatura de Trombón. Placeta Ortega. 20:30 h.

– Jueves 14: Asignatura de Lenguaje Musical. Parque de la Constitución. 20:30 h.

– Viernes 15: Asignatura de Banda. Plaza Mayor. 20:30 h. Donativo 3 €.

– Sábado 16: Pianos en la calle. Parque de la Constitución y Calle Martínez Corbalán (Placeta Ripoll). 10:30 h.

– Domingo 17: Combo de Música Moderna. Profesora: Conchi Chinchilla. Parque de la Constitución. 20.00 h.

Para poder asistir a la audición de la Asignatura de Banda, deberán de hacer sus reservas (con un donativo de 3€) en la Escuela de Música, de lunes a viernes en horario de 16:30 a 20:30 h.

Empiezo escribiendo este artículo sentado en un tren en Países Bajos dirección a la Haya, cayendo en cuenta de que dentro de una semana -como diría mi madre, si Dios quiere- habré completado otra participación en el ciclo del Aula de Conciertos de la Escuela de Música de Yecla.

Y es que el Aula de Conciertos está de celebración al alcanzar su vigésima edición, yo también lo estoy por alcanzar, con la de este año, mi undécima participación en la misma.

Escrito en diapason / 30 junio, 2022

La última vez que escribí un artículo sobre el Aula fue en el 2018. Han pasado solo cuatro años y el mundo del 2018 ha cambiado radicalmente así como mi vida en este tiempo: hace cuatro años vivía en Barcelona y no sabía a dónde me llevaría la música, ¡mientras escribo este artículo ya cumplo mi cuarto año viviendo en Países Bajos! Sin embargo hay una constante que siempre está ahí y que, a pesar del tiempo y la distancia, sirve para que me reúna cada cierto tiempo con viejos conocidos en un sitio tan importante para mí como es la Escuela de Música y con gente que me ha visto crecer a nivel musical desde mis inicios.

Desde entonces, y a pesar de la pandemia, el Aula de Conciertos ha seguido adelante y, como digo, estoy realmente ansioso por volver a ella por todos los reencuentros y momentos que me esperan.

Desde su inicio hace veinte ediciones he tenido la oportunidad de participar en ella de muy diversas formas: tanto como solista, como con diferentes dúos entre los que destacan Syntagma Piano Duo Susú & Franky, como otro tipo de combinaciones más numerosas como por ejemplo un sexteto o un combo de música moderna.

Es curioso porque si hago un recorrido por los conciertos que he realizado en el Aula se puede trazar un camino también en cuanto a mi evolución como músico: dónde empecé, como ha ido variando mi gusto y habilidades musicales, y dónde estoy ahora.

Desde luego es una cita ineludible de la oferta cultural de nuestra ciudad: cada año con más fuerza, energías renovadas y un panel de conciertos con una gran variedad de estilos y niveles que en cualquier caso ofrecen conciertos de calidad.

Como no podía ser de otra manera, una mención especial se merecen aquellos que cada año se ocupan de dar forma y vida al Aula de Conciertos y a planificar todo el ciclo. Me refiero, por supuesto, a José Miguel Ibáñez y a Cecilia Ortuño, dos buenos amigos y grandes profesionales sin los que, sin duda, este ciclo no sería posible.

Francisco Martí.

Hace ahora aproximadamente un año, Juan Saurín recibía el encargo de la Confederación Española de Sociedades Musicales (CESM) para crear una obra sinfónica con banda de rock.

Fuente: rocksesion.com / Publicado por   / JUN 27

El guitarrista, que lleva una década ‘de dulce’ haciéndose un sitio entre los ‘hachas’ más reputados de la escena instrumental, tardó tan solo cuatro meses en dar forma a Carmen, una composición de más de media hora dividida en tres movimientos, dos instrumentales y uno central cantado. Para la parte ‘rockera’ contó con sus habituales de confianza Matt de Vallejo (Batería), Iván Martínez (Bajo), Fran Martí (Piano), José Antonio Cecilia (Voz) y con Fernando Varela como letrista. Para la parte sinfónica, el yeclano tiró de casa, pero no por un acto de chovinismo, ya que la Banda Sinfónica de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla, bajo la dirección del maestro Ángel Hernández, encargado aquí de hacer la adaptación de los arreglos que estaban escritos, fue galardonada en 2017 con la Medalla de Oro del Certamen de Kerkrade (Países Bajos), para muchos el ‘Mundial de los Certámenes de Banda Sinfónica’, apuntan. Con estos mimbres, a finales de septiembre de 2021 comenzaron los primeros ensayos que desembocaron en el gran estreno de la obra el pasado 29 de diciembre, en el salón de audiciones de la Escuela de Música de Yecla. Aquel audio, tomado por Rafa Monllor de Audioart ha sido mezclado y masterizado por Rubén Cecilia y ve ahora la luz en forma de disco, que viene con portada de su ilustrador habitual, Ángel Polo. Una obra directa y poderosa que, en su rudeza de la toma en directo, se deja querer con facilidad.

Juan Saurín plasma en Carmen conocimientos adquiridos en sus tres trabajos en solitario previos (Supremacy?, Human Génesis), especialmente el segundo, donde ya incluía dos temas sinfónicos, pero también como guitarrista solista en musicales tan cercanos al rock como Jesucristo Superstar y El Fantasma de la Ópera, o como guitarra de la gira Renaissance de Mónica Naranjo que, como sabéis, lleva tiempo jugando con el heavy metal sinfónico de mano de Pepe Herrero (Stravaganzza, etcétera).

El sentimiento abstracto del amor a una hija, por cierto nacida apenas dos semanas antes del inicio del Estado de Alarma de marzo de 2020, se plasma en este intenso trabajo en el que Saurín, acostumbrado a trabajar con muchas capas en sus discos, para conferir a sus piezas de dibujos, arreglos, contramelodías, más guitarras y adornos, empieza desarrollando un motivo principal para la obra con el que empezar a construir un edificio. Las emociones fueron tan intensas que finalmente decidió que lo que iba a ser el primer movimiento acabe siendo el tercero, ya que la cosa empezaba muy arriba, lo que venía a complicar la dinámica del conjunto. Y en la primera escucha es más que notoria esa percepción.

Una vez creado el elemento conclusivo y, por tanto su desarrollo inicial en tonalidad entre la menor y mi menor, Saurín apuesta por hacer un movimiento central de refresco distinto. Y qué mejor, para que lo sea, que tirar de vocalista, más allá del cambio de tonalidad. Para ello, más que con cantantes de rock o heavy como los que ya ha trabajado en otras ocasiones (Leo Jiménez, Neus Ferri, Alberto Scarlatta o Ilu Pérez), escoge al barítono José Antonio Cecilia, que dará un punto lírico y teatral mucho mayor, más clasicista, bordando un texto en el que ‘el padre’ dialoga con su hija en un crescendo de amor, iniciado con guitarra y voz y terminado de la misma manera, que engarzará con las teclas que abren la tercera parte.

Una tercera parte en la que, además de volver a la épica de la melodía principal de la primera, no solo se destapará el tarro de esencias de los solos sino que se despliega una tormenta de distorsión, batería y bajo muy metalera y estruendosa, último cénit antes de la armonización final del motivo principal y corolario de la composición.

Como bien apunta el director Ángel Hernández, la labor de la banda sinfónica es la de ‘guardaespaldas’ del papel solista que viene a ejercer el grupo de rock por sí solo, pero lo que ocurre es que, en su traslación al directo, el carácter bombástico de las percusiones, especialmente las trompas y toda la sección de viento madera le da un aire apocalíptico acusadísimo, más allá de la épica. La transcripción de la obra, para que pueda ser interpretada por una banda tipo, de las muchas que existen en nuestro país y especialmente cuantiosas en todo el Mediterráneo, es para dos flautas, dos oboes, fagot, cuatro clarinetes, 4 saxofones (alto, tenor y barítono), dos trompas, tres trompetas, tres trombones (tenor y bajo), dos bombardinos, tuba, contrabajo, timbales, parche sinfónico y todo el equipo de percusión, más sección de láminas, vibráfono, xilófono, marimba…

La magia que tiene esta obra es que, como nos viene dada a conocer a partir de una grabación en directo, su potencia es mucho más artesanal, directa y, por qué no decirlo, a veces desmedida, que si hubiese sido procesada desde un estudio de grabación, provocando finalmente unas emociones que, a buen seguro, serán mucho más cercanas si cabe a las que sentía el autor con ese leit motiv paterno filial que hemos comentado ya más arriba.

El álbum se cierra, como bonus track, con una revisión sinfónica del tema ‘Pure Love’, publicado originariamente en el álbum Supremacy?, lanzado en 2019, al igual que en este caso de la mano del sello discográfico Maldito Records. Una pieza en la que el director de la banda ha contado con mayor libertad para entrar, salir y aportar otras atmósferas y arreglos más efectistas.

En definitiva, una obra que gana mucho más en la forma que se ha presentado y que tiene el mérito enorme de conseguir esa fusión que tanto nos gusta siempre ver en grupos más grandes, de unión de la música clásica y el rock y el heavy metal. Felicidades.

Lista de temas – tracklist:

  1. Part I
  2. Part II
  3. Part III
  4. Pure Love (Versión sinfónica)

El pasado año, “Grease”, cumplió 50 años de su estreno que tuvo lugar en 1971 en Chicago en el teatro Kingston Mines.

Escrito en diapason / 23 junio, 2022

Al año siguiente pasó al off-Broadway, al teatro Eden, y su rotundo éxito hizo que pocos meses después en ese mismo año pasase a formar parte de la cartelera principal de Broadway. Las funciones tuvieron lugar en el teatro Broadhurst, donde se representó hasta abril de 1980 con un total de más de 3.400 representaciones.

A pesar de lo que muchos puedan pensar por lo conocida que fue y que ha sido la película “Grease”, lo que antes nació fue el propio musical en teatro y dado el éxito se propuso la producción de una película que fue estrenada en 1978.

Como ya conocemos, los actores principales fueron John Travolta y Olivia Newton-John, entre otros. Como curiosidad apuntaremos que el propio John Travolta formó parte del elenco de una de las primeras producciones en teatro.

En el año 1973, el musical llegó al West End de Londres, siendo protagonista en esta ocasión nada más y nada menos que Richard Gere.

La trama nos sitúa a finales de los años 50 en el instituto Rydell High y narra las diferentes situaciones de un grupo de adolescentes de clase obrera, las presiones de grupo, los valores personales, la amistad y evidentemente el amor.

A España llega por primera vez al teatro Lope de Vega en marzo de 1999 y desde octubre del pasado año 2021, la productora SOM Produce, nos permite disfrutar de este musical de puro rock and roll con temas que todos conocemos, en manos del mismo equipo creativo y de esta productora que ya hicieron un gran trabajo con Billy Elliot.

Actualmente se puede ver en el Teatro Nuevo Alcalá, aunque ya está en sus últimas semanas de funciones, así que si queréis disfrutar de este clásico habrá que darse prisa, sobre todo si no estáis en Madrid y tenéis que organizar un viaje, que nunca viene mal y sobre todo si es para ver musicales.

José Manuel Molina Azorín.

El pasado 29 de diciembre del 2021 se llevo a cabo el estreno de “Carmen” de Juan Saurin, obra para Banda Sinfónica y Grupo de Rock/Metal

Interpretada por la Banda Sinfónica de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla junto al grupo de Rock/Metal formado por Matt de Vallejo (Batería), Iván Martínez (Bajo), Fran Martí (Piano) y José Antonio Cecilia (Voz) además del propio Juan Saurín a la Guitarra Eléctrica, todos bajo la dirección de Ángel Hernández.

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Durante este 2022 se ha ido tratando el audio de las tomas que se recogieron en el estreno del pasado 29 de Diciembre de 2021.

La grabación fue recogida por Rafael Monllor (AudioArt) para más tarde ser recopiladas, mezcladas y masterizadas por Rubén Cecilia, el cual ha hecho una magnífica labor dejando una calidad de audio excelente que refleja a la perfección lo que fue aquel estreno.

Este lanzamiento, a través de Maldito Records, la mayor discográfica de Rock/Metal independiente del país, será totalmente de forma digital para las principales plataformas, como son YouTube, Spotify, Apple Music, Amazon Music, Deezer, etc.

El próximo miércoles 22 de Junio podréis disfrutar de esta obra, la primera Obra Original compuesta para Grupo de Rock/Metal y Banda Sinfónica en España y con una excelente calidad de audio.

Este lanzamiento forma parte del proyecto nacido desde la Confederación Española de Sociedades Musicales y que fue encargado al compositor Juan Saurín en Mayo del pasado año 2021 con la colaboración especial de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla, del Excmo. Ayuntamiento de Yecla, Sanimusic, Radio3 y Maldito Records.

Un proyecto financiado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM)

La primera actuación de la Banda Municipal de Música de Villena se realizó el día 5 de septiembre de 1922 bajo la dirección de D. Francisco Bravo Gracia.

Durante todo este año 2022 la Banda está celebrando el centenario de su fundación y con este motivo se vienen realizando diferentes actos.

Dimos comienzo a la celebración el día 28 de enero en un acto sencillo en el que se dieron a conocer las actividades previstas, de ellas, ya se han realizado algunas.

Escrito en diapason / 16 junio, 2022

 

El día 26 de febrero dentro de los actos del Ecuador Festero que organiza cada año la Junta Central de Fiestas, la Banda Municipal ofreció  el tradicional concierto, tal y como viene sucediendo año tras año, pero con un carácter especial por ser el año del Centenario. En la segunda parte del mismo se realizó un homenaje a los ex directores de la Banda que fueron invitados a dirigir nuevamente a la misma. Todos manifestaron su gratitud por haber tenido la posibilidad de ponerse de nuevo al frente de la Banda. Antes del  concierto nos ofrecieron una charla contando sus vivencias al frente de la Banda Municipal de Villena y firmaron en el libro de Honor de la Ciudad y el de la Banda Municipal.

El Conservatorio Profesional Municipal de nuestra ciudad nació por iniciativa de la Banda Municipal, como una escuela de música que vio la necesidad de crearla para nutrir sus filas. Por este motivo también quiso sumarse a la celebración del Centenario de la Banda y por ello este año la semana cultural la dedicó a la Banda. Se realizaron diferentes actividades organizadas por el Conservatorio y la Banda Municipal con la colaboración del AMPA del centro.  El viernes 8 de abril Andrés Valero Castells ofreció una conferencia bajo el título «Mi música sinfónica para banda». El lunes 11 continuaron las actividades con un coloquio, «El papel del Conservatorio en cien años de historia de la Banda» En él intervinieron José Maestre Saborí, Antonio Milán Juan, Pedro Ángel López Sánchez, Eloy Lorente Muñoz, Gaspar Ángel Tortosa Urrea y actuó como  moderador Francisco Serra Martínez. Al día siguiente, martes 12 de abril disfrutamos con la conferencia «Cien años de anécdotas en la Banda Municipal» a cargo de Eleuterio Gandía Hernández. Finalizaron estas actividades con la conferencia «La producción musical en orquesta» a cargo de José de Eusebio.

Tras el paréntesis de la Semana Santa y Pascua retomamos las actividades con una actividad que hemos denominado La Banda Educa. La Banda Juvenil de la Banda Municipal ofreció el día 4 de mayo en el Teatro Chapí, un concierto teatralizado a los escolares de cuarto, quinto y sexto de primaria. Y en este mismo mes de mayo se ha celebrado una jornada de convivencia de la Banda Municipal y Banda Juvenil, en la que también han participado tanto familiares de los componentes de ambas formaciones, como antiguos componentes de la Banda Municipal.

A la hora de redactar este artículo todavía no se han completado todas las actividades previstas para la celebración del centenario. El día 18 de junio, que se celebra el VEM (Villena es Música) en nuestra ciudad, está previsto realizar un desfile en el que nos acompañarán diferentes bandas de poblaciones cercanas.

En el plano musical el plato fuerte tendrá lugar el mes de julio con una semana en la que se celebrarán diferentes conciertos y masterclass con un programa muy interesante que se desarrollará durante los siguientes días:

1 DE JULIO

22:00 H. CONCIERTO BANDA MUNICIPAL DE MADRID

12 DE JULIO

10:00 H. MASTER CLASS DE SPANISH BRASS

23:00 H. CONCIERTO SPANISH BRASS

13 DE JULIO

19:00 H. CONCIERTO DE LA BANDA SINFÓNICA MUNICIPAL DE ALICANTE

23:00 H. CONCIERTO BARCELONA CLARINET PLAYERS  CON JOAN VIDAL (BATERÍA) Y  MARCO MEZQUIDA (PIANO)

14 DE JULIO

10:00 H. MASTER CLASS DE BARCELONA CLARINET PLAYERS

10:00 H MASTER CLASS AMORES PERCUSSION GRUP

19:00 H. CONCIERTO BANDA MUNICIPAL DE BARCELONA

23:00 H. CONCIERTO AMORES PERCUSSION GRUP

15 DE JULIO

23:00 H. CONCIERTO CLAUSURA

BANDA MUNICIPAL DE MÚSICA DE VILLENA- UNIÓN MUSICAL CIUDAD DE ASÍS (ALICANTE)

Concierto para orquesta y grupo de Rock de JON LORD

En agosto está previsto inaugurar una exposición en la Casa de Cultura, en la que se reflejarán los cien años de existencia de la Banda Municipal de Música de Villena. La exposición permanecerá durante dos meses para que pueda ser visitada por los villeneros y todos aquellos visitantes que acudan a Villena por diferentes motivos. También bendeciremos una nueva bandera que nos representará desde ese momento y que sea la que nos acompañe en todos los desfiles y conciertos.

Y llegará septiembre y tendremos una doble celebración ya que el día 5 se cumplirán también cien años del estreno del pasodoble La Entrada. Obra de nuestro paisano Quintín Esquembre Sáez, compuesto para que fuera interpretado por la Banda Municipal en su primera intervención en el desfile del mismo nombre, por encargo del director de aquella joven Banda, Francisco Bravo Gracia.

Y en noviembre, el mes de la música por excelencia realizaremos como todos los años, las actividades propias de Santa Cecilia, finalizando este año con la presentación de un libro en el que quedarán plasmados los cien años de historia de nuestra Banda. Un libro que promete ser muy interesante ya que contamos con la colaboración de personas muy competentes en las diferentes materias que se tratan.

Os invitamos a que compartáis con nosotros las actividades con las que celebramos cien años de la Banda Municipal de Música de Villena.

Maricruz Rojas Tomás

Cronista BMMV

El próximo sábado 18 de junio de 2022, se va a llevar a cabo el décimo de los conciertos, incluidos este año en la programación de la XX edición del Ciclo “Aula de Conciertos”, organizada por la Escuela de Música de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla y la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de nuestra ciudad.

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Esta vigésima edición cuenta con la colaboración de Dúo-Graph, Familia Castaño, Dígicol, Iberpiano, Juan Palao Peña, Autobuses Pelotón, Daemon 4, YeclaGrafic, Davó, Frutas y verduras Hermanos Juan Ortuño, Suministros Lomar, Spumaytel, Xti y Audiotec, y como en otras ediciones anteriores también cuenta con el apoyo de los medios de comunicación locales: Onda Regional de Murcia, elperiodicodeyecla.com, TeleYecla, Onda Cero Yecla, Cope Yecla, Siete Días Yecla y Ser Arco Norte.

Este nuevo concierto del Ciclo se efectuará en la Sala de Audiciones de la Escuela de Música, a las 19:30 h., con aforo limitado para 80 personas y previa reserva de sillas contactando con la Escuela de Música. Consistirá en un concierto a cago de la banda “Cruce de Caminos” formada por los alumnos de la Escuela: Brian García, bajo eléctrico; Iván Lojano, voz, guitarra y ukelele; Wilson Panamá, voz y bajo eléctrico; Michael Rivera, guitarra; Andrés D. Ortiz, violín; Mauricio Lojano, batería y Ramiro M-Quintanilla, voz, guitarra y bajo eléctrico.

El mismo será emitido en directo a través del Canal YouTube de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla.

https://www.youtube.com/channel/UCKtttm7ckVnlm2vkHMl4-aw/videos

Un poco más sobre Cruce de Caminos:

Cruce de Caminos se formó con la idea de hacer una serie de reflexiones en torno al fenómeno de las “músicas de ida” y vuelta entre España, África y América, pero con la visión actual del siglo XXI: el Rock, el Blues, el Latin y la Música Moderna, desde sus orígenes. Un viaje a través de las composiciones y arreglos, todos originales, realizados por sus componentes en torno a la figura de Iván Lojano, principal compositor de la formación, en la voz y producción de Wilson Panamá.

En esta ocasión se unen de nuevo para celebrar el 20 aniversario tanto del Aula de Conciertos como de la fundación del Aula de Música Moderna de la AAMY, concierto que no se pudo celebrar en su día debido a las restricciones que hemos vivido recientemente. Tanto el aula de música moderna como Cruce de Caminos nacieron no como una visión hacia la interpretación de covers de música rock sino como una idea de fundir la música de distintas culturas mediante la creación y la composición.

Para poder realizar estos conciertos vamos a seguir todas las pautas que nos indican las autoridades sanitarias:

1º. Aforo limitado a 80 personas.

2º. Reserva de localidad con cita previa.

3º. Itinerario diferente de entrada y de salida.

4º. Se dispondrá de material de higiene y protección tanto a la entrada del edificio como en la propia Sala de Audiciones.

5º. Uso recomendado de mascarilla durante toda la estancia en las instalaciones de la Escuela de Música, incluido en dicha sala durante el desarrollo del concierto.

Debido a la limitación  de 80 personas de la ocupación de la sala, que como ya hemos dicho, estará sujeta a las indicaciones de las autoridades sanitarias, se deberá de reservar, hasta completar el aforo, en la Conserjería de la Escuela de Música, llamando al teléfono 968752485 o a través del correo: administracion@amigosmusica.com; en horario de lunes a viernes de 16:30 a 20:30 h.

El día del concierto, si quedan sillas libres, se asignarán por riguroso orden de llegada hasta completar la capacidad  permitida.

«El trabajo del músico es enviar luz a las profundidades del alma humana». Robert Schumann.

Todavía puedo verme, con aquel libro de teoría, con aquella definición de música como el arte de combinar sonidos con silencio. Estaba en primer curso de solfeo, aprendiendo las primeras nociones de ese, para mí, lenguaje nuevo….

Arte, sonidos, silencio…

Escrito en diapason / 8 junio, 2022

Recuerdo como en mi percepción infantil de estas tres palabras, esta última me resultaba en aquel entonces totalmente irrelevante. Hoy puedo constatarlo con mis alumnos: el silencio no cuenta, es aburrido, el estudiante inicial rara vez tiene en cuenta las pausas en la partitura; o bien las ignora o las hace más cortas. Ahora sin embargo, en mi madurez como artista, docente y por supuesto también en mi camino vital como persona, me doy cuenta de que esta palabra, este elemento musical, no sólo es primordial, sino que me atrevería a decir que es, sin duda, el más importante.

Si observamos y escuchamos con atención una melodía, interpretada incluso sin pausas y lo más legato posible, es decir lo más unido posible, podremos apreciar que cada nota que suena emerge del silencio y que, después de un siempre efímero recorrido, regresa de nuevo a él. Si observamos con detalle podemos apreciar que cada nota que nace es una curva sonora que surge tímida desde la nada, que después crece y se expande para a continuación y finalmente, volver a desaparecer. El silencio es pues para la música -por supuesto también para la vida, lo veremos más adelante- como el mar para el pez; es el hogar, la fuente, ese gran vacío o la gran madre de la que todo sonido nace.

Desde este enfoque, cuando como intérpretes cuidamos con esmero, con total delicadeza esta constante entrada y salida del sonido, como si fuera un pez que salta por instantes a la superficie del agua; cuando centramos nuestra atención ya no sólo en lo que ha de sonar sino en ese silencio del que todo nace y todo lo envuelve, es cuando el fraseo musical cobra, para mí, su más bella e íntima expresión.

Vemos pues que el silencio en la música no es únicamente ese elemento musical en el que no se interpreta o escucha ninguna nota, sino que es mucho más que eso, es la gran madre de todas las notas. Tocar por tanto no centrada en la búsqueda de perfección de esas notas, no en la necesidad de controlar esas notas sino entregándose a ese gran silencio del que todas las notas que toquemos nacerán, es lo que yo llamo meditación musical.

Lamentablemente no estamos educados para esta manera de tocar y soltarnos a esta aventura nos puede parecer extremadamente extraño. Todo lo aprendido intelectualmente nos domina de tal manera que nos cuesta trabajo cambiar de rumbo. Aprendemos con tal cantidad de expectativas, con tal cantidad de exigencias, con tal cantidad de comparaciones, juicios, ese „tu vales para la música, tu no…“ tan frecuente en mis tiempos de estudio y me temo que todavía vigente en los días de hoy, que es verdaderamente atroz. El resultado de esta educación es una necesidad de control, una constante tensión, una constante insatisfacción que fácilmente puede convertirse en nuestro mayor enemigo, bloqueando gravemente nuestro talento creativo.

Autor foto: Paul Eckert

No se trata de dejar de lado la mente. Por supuesto que nos ayuda a aprender muchos conceptos que sin ellos no sería posible tocar ningún instrumento. Si no conozco el lenguaje musical, si no sé qué son las notas, una tonalidad, un acorde…; si no he practicado miles de horas; si no he analizado y estudiado las grandes obras de la literatura musical, por dar unos ejemplos, difícilmente podré hacer música.

Un buen profesor me dijo un día: «Primero apréndelo todo, después olvídalo. Ahí empiezas en verdad, a tocar». Nunca llegué a entender del todo, hasta hace unos pocos años, esta frase.

La mente nos ayuda a aprender símbolos, sean letras o notas. Después, una vez aprendidos, es hora de “hablar“ y utilizar todo eso que ya está integrado.

En mi tiempo de estudio, yo era una niña tímida, con sensibilidad para la música, con muchas ganas de aprender, pero como tantos, víctima de esta educación, a su vez, con mucho miedo a equivocarme, con mucho miedo al error, con mucho miedo a no poder tocar tal como los demás (y por supuesto yo de mi misma), esperaban.

Toca muy bien, solían decir los demás, pero yo me sentía temerosa. Pocas veces o casi nunca satisfecha conmigo misma. Mis músculos estaban tensos. Mis manos estaban tensas. Mi cabeza, también.

Tocar un instrumento concentrada (en muchos casos obsesionada) en la perfección de la ejecución de sus notas tenía y tiene desagradables consecuencias. Vivir concentrados en las cosas que tenemos o las cosas que queremos tener o las que no queremos tener, tiene consecuencias desagradables.

No se trata de que no valoremos las notas, de que no valoremos las cosas, de que no cuidemos de ellas; por supuesto que sí. Además, aprender a tocar un instrumento no ocurre de un día para otro. Es necesario practicar y practicar y practicar… Es la exigencia, el control, esa necesidad de que esas notas o esas cosas (o esas personas, si vamos un paso mas allá) sean como yo quiera, lo que bloquea la creatividad. Lo que bloquea nuestra vida.

El arte, por mi propia experiencia y la de tantos otros artistas que así también lo expresan y definen, nace cuando le permites que sea, cuando te sueltas, cuando dejas que tu yo se aparte para darle paso a él. Dicho de otra forma, es ese desnudarte de tu yo, de sus interminables deseos, lo que te lleva a dar paso a que la música y su gran belleza irrumpa en escena. De esta manera puedes estar durante horas practicando, que no hay tensión, no hay aburrimiento; todo lo contrario. Es una intensa aventura en la que estás profundamente inmerso.

No es difícil imaginar que esta es una gran metáfora en nuestra vida, pues sin dudas comprobamos que allí ocurre exactamente igual.

Autor foto: Juan Jesús Cantó Palao

En definitiva, tocar desde el control, dominados por el miedo al error y esa necesidad enferma de perfección, nos lleva al juicio constante, nos lleva a la comparación, a no valorarnos, a sufrir, a tensarnos. A no disfrutar con lo que hacemos. A no «estar» con lo que hacemos.

En cambio, tocar desde el silencio, desde esa confianza que surge cuando lo hacemos, desde la plena aceptación del proceso, desde ese darte cuenta de que tu no haces la música sino que la música se hace a sí misma, no es de tu propiedad, tan sólo se manifiesta a través de ti… Todo esto te lleva a relajarte, te lleva a rendirte, a admirarte con lo que ocurre, a dar las gracias por lo que ocurre. Tocar desde el silencio, te lleva a «estar» plenamente en lo que haces y esto es meditar, cuando tus manos y tu mente están en el mismo lugar.

Tocar desde el silencio pues, eso que yo llamo meditación musical, te lleva a disfrutar plenamente lo que haces. Te lleva a amar lo que haces. Y es en ese amor verdadero, no condicionado, donde no sólo surge esa música que nos emociona; es donde ocurre la verdadera sanación y transformación de nuestro camino vital.

“Sólo hay que pararse, callar, escuchar y mirar; aunque pararse, callar, escuchar y mirar -y eso es meditar- se nos haga hoy tan difícil y hayamos tenido que inventar un método para algo tan elemental. Meditar no es difícil; lo difícil es querer meditar». Biografía del Silencio, Pablo d’Ors

Meditar no es pues, como muchas personas creen, algo extraño y esotérico. No es algo difícil. No es tan sólo sentarse en el suelo con las piernas cruzadas tratando de no pensar. No, meditar no es no pensar. Meditar es ser consciente de lo que piensas. Meditar es cuando tus manos, tu cuerpo y tu mente están unidas. Cuando caminan a la par. Es la práctica de aprender a utilizar la mente en lugar de dejar que tu mente te utilice a ti.

Meditar es entregarse al ahora, concentrarse en ese gran silencio del que la música surge, pero no sólo la música, sino la vida entera. Meditar es decir Sí a esa vida. Decir Sí a esa música. Un Sí incondicional, es decir sin deseo alguno de querer cambiarla. Meditar es encontrar el sentido a esa vida. Es aprender hasta el último de nuestros días -este aprendizaje no termina nunca- a confiar.

Volviendo a las definiciones y ya para terminar…

Hemos visto que la música es el arte de combinar sonidos con silencio, que meditar es el arte del silencio y que el silencio es la madre de la música.

Música. Silencio. Meditación. Tres maravillas juntas.

Hay muchas maneras de meditar igual que hay muchas maneras de entender la música y de tocar. Pero para mí, meditar es la manera más bella de hacer música. Tocar el piano es la manera más bella de meditar.

Pero no sólo hacer música desde esta consciencia es meditar. Escuchar música desde esta consciencia, también es meditar.

Vivir conscientes de cada uno de los segundos -sean del color que sea, agradables o no- que nos regala la vida y dando las gracias por ello, es meditar.

Ponte pues a hacer música. Ponte a escuchar música. Ponte ahora mismo a meditar.

El mundo nos necesita.

Un abrazo fuerte,

Conchi Muna.

En el origen de toda cultura se encuentran los mitos. En la nuestra especialmente los de Grecia y Roma, posteriormente enriquecidos por la tradición bíblica.

En la música la influencia de la mitología ha producido obras extraordinarias, sobre todo en las óperas; no en vano una de las primeras es el “Orfeo” de Claudio Monteverdi (1607).

Escrito en diapason / 2 junio, 2022

Orfeo, de cuyo nombre deriva la palabra “orfeón”, era un joven que personificaba la música y su poder de seducción. Tan maravillosamente cantaba acompañado de su inseparable lira que todos se enternecían al escucharlo y no solo los hombres, sino también las aves y aun las fieras se conmovían con su voz. Por eso cuando su esposa, la bella Eurídice, muere al ser mordida por una serpiente, Orfeo con el poder de su canto consigue lo que estaba vedado al resto de  los seres vivos, que las puertas del inframundo se le abran para poder rescatarla. Allí los dioses que gobernaban aquellas tenebrosas regiones tampoco pueden resistirse a su llanto, convertido en dulce música, y acceden a su ruego. Eurídice puede volver a la vida, pero con una condición, que Orfeo no la mire hasta que abandonen el inframundo.

El desenlace es bien conocido. Orfeo camina ligero hacia la luz seguido por Eurídice, pero es tan fuerte su deseo de volver a verla que antes de tiempo se gira para mirarla, y entonces… la pierde para siempre.

Por razones evidentes este mito ha sido muy tratado por los compositores, especialmente por los barrocos. Seguramente, aparte de la ya citada de Monteverdi, la opera más conocida sea la de Gluck “Orfeo y Eurídice” de 1762, de la que es muy famosa el aria “Che faró senza Euridice”, en donde el protagonista expresa su desolación por la pérdida de su amada.

Si habéis conseguido leer hasta aquí, no quisiera que dejarais de escuchar –y ver, porque esas oportunidades nos ofrece la tecnología- dos momentos de estas óperas. En You Tube podéis encontrar muchos vídeos, peo yo os voy a recomendar dos fragmentos. El primero es el comienzo de la opera de Monteverdi dirigida por Jordi Savall en el Liceo de Barcelona, cuando el director aparece en escena vestido de época y atraviesa todo el patio de butacas mientras suena la obertura.

La segunda es una recomendación muy especial, porque tiene que ver con la figura tan fascinante de los “castrati”. Como seguramente sabéis, se trataba de niños a los que se les extirpaban los testículos para que no perdieran su voz aguda tras el cambio hormonal de la adolescencia. Desde nuestra perspectiva actual, una verdadera salvajada. Pero gracias a esto en la Italia del XVIII muchos niños de familias pobres pudieron recibir una sólida formación musical y a la vez encontrar un modo de ganarse el sustento; incluso algunos se enriquecieron enormemente y alcanzaron gran fama como cantantes extraordinarios, pues en la madurez conservaban la pureza de su voz infantil, pero con la potencia pulmonar y la sabiduría musical de un hombre adulto.

Gluck compuso su obra para ser cantada por un “castrato”. Pero como esta práctica desapareció por fortuna hace más de un siglo, actualmente es cantada por una soprano o por un contratenor, esto es, un hombre que ha educado su voz con una técnica muy precisa para cantar en una tesitura propia de una soprano. Para quien no ha escuchado nunca a un contratenor su voz puede resultar muy sorprendente. Aún me acuerdo, con algo de vergüenza ajena, de un contratenor que actuó en Yecla hace unos treinta años. Era un joven bastante fornido que, cuando empezó a cantar con aquella voz tan femenina, provocó en el auditorio ciertas carcajadas y comentarios soeces que prefiero no recordar.

Como despedida os aconsejo encarecidamente que escuchéis esta aria deliciosa de Gluck cantada por la voz extraordinaria del más famoso contratenor actual, Philippe Jaroussky, todo un prodigio de técnica y sensibilidad en su particular evocación de Orfeo, el mito que mejor representa el poder milagroso de la música para acceder a los rincones más secretos del ser humano.

Francisco Martí Hernández.