Artículos externos de la Confederación

“Los últimos días de Troya» por David Rivas Domínguez

Fuente: 7 enero, 2021 Escrito por diapason

Lo primero que deseo, es mostrar mi agradecimiento a José Miguel y Cecilia, responsables de esta revista, por contar conmigo para realizar este artículo con el que trataré de captar su atención por unos minutos.

Dándole algunas vueltas al tema que podría tratar, consideré que podía ser interesante explicarles “lo que no se ve” de una partitura creada por uno mismo. Es decir, todo aquello que ronda por la cabeza de un compositor una vez elegido un tema y que, después de ordenar las ideas, tratará de describir con música. En mi caso, esta empresa me parece muy interesante, pues reconozco que el de la música descriptiva es un campo que me apasiona y en el que me encuentro muy cómodo. De hecho, un porcentaje muy elevado de la producción de música para banda con la que cuento en mi catálogo es música descriptiva. Cuenta una historia, describe unos personajes, trata de situarnos en una época concreta y, sobre todo, está escrita con la idea de emocionar al espectador y de trasladarlo a otro lugar por unos minutos.

De toda mi producción, he elegido “Los últimos días de Troya”, obra que me está dando muchas satisfacciones y que se ha convertido, durante los últimos años, en una de las piezas más interpretadas de mi catálogo. De cara a situar al lector, voy a encuadrar la obra en una especie de introducción a la misma, hablando sobre cómo y para qué fue escrita y qué recorrido ha tenido hasta la fecha, para pasar después a desgranar cada una de las ocho secciones en las que se divide la misma:

“Los últimos días de Troya” es un poema sinfónico para banda de música, encargo de la Unió Musical de La Pobla de Farnals para su participación el 42 Certamen Provincial de Bandas de Música de Valencia en el año 2018 bajo la dirección de D. Juan José Catalá Borrás. La obra, muy descriptiva, de algo más de trece minutos de duración, trata de narrar en música algunos de los momentos más significativos de la Guerra de Troya. Aunque unitaria y en un solo movimiento, bien es cierto que podemos destacar ocho secciones que se corresponden con cada uno de los subtítulos que nos encontramos a lo largo de la partitura.

También me gustaría contarles algunos datos de posible interés que han hecho que esta composición se haya convertido en uno de mis buques insignia y que me han reportado grandes alegrías. Sin duda, un antes y un después en mi carrera se produjo cuando la citada pieza fue elegida como obra obligada en la tercera sección del Certamen Internacional de Bandas de Música de Valencia en el año 2019. Ese mismo año, la organización del Certamen Nacional de Bandas de Murcia la eligió como obligada también en su tercera sección. Además de la gran cantidad de bandas que la han incluido en sus repertorios, en noviembre del mismo año me concedieron el premio “Thirdbest score in a free creation” en los prestigiosos Jerry Gold Smith Awards. Esperando que la situación provocada por el COVID mejore, está previsto el estreno de la pieza en Grecia, país protagonista del mito en el que está basada la misma, y también será obra obligada en el CIBM Ciudad de Benavente en 2021.

A continuación, y metiéndome ya en la parte central de lo que nos ocupa, trataré de explicar lo que he tratado de representar con la música en cada una de las ocho secciones de la obra, diferenciadas entre sí por un subtítulo muy representativo:

1- Llamada a la batalla: una fanfarria de metales anuncia que la batalla entre troyanos y griegos está a punto de comenzar.

2- Talón de Aquiles: sección enérgica que describe el caos y lo sangriento de la batalla. Una lucha sin límites en la que uno de nuestros protagonistas, Aquiles, es herido de muerte por un flecha lanzada por Paris que acierta en su talón,  la única parte débil del guerrero griego.

3- Canto de las Sacerdotisas: Aquiles ha muerto. Es por lo que las sacerdotisas del templo de Apolo entonarán un himno en su honor.

4-Eterno Aquiles: la pira funeraria del héroe griego está preparada en la playa. Una sección lenta y melancólica, pero con cierto aire de solemnidad, describe la despedida del ejército griego a su líder, arrojado al mar, momento en el que pasará a la eternidad.

5- Caballo de Troya: los troyanos, al ver alejarse al ejército griego, y después de comprobar que un gigantesco caballo de madera a manera de obsequio se encuentra en la playa, piensan que han ganado la guerra. Algunos ciudadanos salen a recoger el caballo e introducirlo dentro de la ciudad. Una majestuosa marcha triunfal será la protagonista de esta sección.

6- Cae la noche: la noche inunda la ciudad de Troya. El caballo preside el ágora. La tranquilidad y la paz se respiran en la ciudad, pero cuando todos duermen, soldados griegos que estaban escondidos dentro del caballo salen del mismo y abren las murallas de Troya para permitir que el ejército griego, escondido con sus naves detrás de un cabo en el mar, arrase la ciudad.

7- Destrucción: sección muy enérgica e inestable que describe el momento en que el ejército griego entra dentro de la ciudad de Troya. Los soldados asesinan a los habitantes, además de arrasar con lo que se encuentran en su camino.

8- Aquiles inmortal: un majestuoso final nos conduce al epílogo de la obra, representando la victoria griega y la inmortalidad del héroe Aquiles que, aunque muerto en la batalla, pasará a la Historia.

Para poder comprender mejor la obra, y tratar de dejarse “convencer” por lo expuesto anteriormente, recomiendo seguir la explicación programática a la vez que escuchamos la pieza, y así poder decidir si mi trabajo refleja o no los diferentes episodios de esta famosa leyenda griega. Si me lo permiten, les dejo varios enlaces a diferentes versiones, siendo la primera la que corresponde a la grabación realizada por la Banda Municipal de Bilbao bajo la batuta del Maestro José Rafael Pascual-Vilaplana para ser incorporada en mi CD “Miradas”:

Para terminar, me gustaría agradecer de nuevo la oportunidad de poder realizar este artículo, deseando que haya sido de su interés. Les agradezco su atención y espero que, más pronto que tarde, podamos regresar a nuestra rutina y a nuestro día a día de una forma normal, y que esta situación tan horrible pase de una vez por todas. Mientras tanto, deseo que tengan mucha salud y que pongan mucha música en su vida.

¡Muchas gracias!

David Rivas Domínguez.

Más información:

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Hablamos con Silvia Olivero Anarte por Cecilia Ortuño

Actualmente, pertenece al Departamento de Fundamentos de Composición del Conservatorio Profesional de Música “Manuel Carra” de Málaga, impartiendo las asignaturas de Armonía y Análisis.

Tres sueños, Otra humanidad es posible, Alrededor, Triálogo o Abisal, componen su catálogo de obras, entre otras, abordando un amplio abanico de plantillas instrumentales. Y en cuanto al ámbito de la dirección, cabe destacar su experiencia como directora invitada en numerosas orquestas en España y Rumanía y bandas sinfónicas de nuestro país.

Con ella conversamos sobre la nueva realidad musical, su actividad profesional y otros aspectos relacionados con el mundo de la Música.

Fuente: https://www.nuestrasbandasdemusica.com/ – 17 Diciembre 2020

Esto es lo que nos ha contado:

P.- Empecemos por el principio, ¿Cómo fueron tus inicios musicales en Málaga y cómo enfocaste finalmente tu profesión hacia la docencia, dirección y composición?

R.- Siempre he pensado que cada paso que damos crea un camino que nunca sabemos dónde nos lleva, pero que los “astros” se combinan para guiarnos allá donde nos grita nuestra esencia.

Comencé con los estudios de piano y en mi desarrollo de estudiante conocí las vías de la composición y la dirección orquestal. Cuando hallas grandes maestros la mente se expande y te abre a nuevos caminos. Reconocí las señales, como mi vinculación a la música orquestal y mi necesidad de analizar cada partitura que caía entre mis manos -motivada por mi gran maestro de armonía, José Raso del Molino-, de modo que tomé ese rumbo inesperado que ha resultado ser mi verdadera vocación. D. Ramón Roldán fue mi maestro en la Composición y D. Octav Calleya mi maestro en la Dirección Orquestal.

Compartir la docencia con la experiencia artística me proporciona la posibilidad de desarrollar mi vocación artística y a la vez, como sólida polifonía, poner mi experiencia al servicio de los jóvenes estudiantes.

P.- Si nos centramos en tu faceta de compositora, ¿Cómo describirías tu recorrido compositivo y, qué plantillas y formaciones instrumentales componen tu catálogo?

R.- Mi repertorio abarca desde obras de pequeño formato hasta música orquestal y obras de banda. Podría realizar un recorrido con algunas obras emblemáticas y su asociación a determinados contextos. Mis primeras obras, de pequeño formato, pertenecen al periodo de estudiante, donde D. Ramón Roldán nos abrió la puerta a estrenar en diferentes ediciones del Ciclo de Música Contemporánea del Conservatorio Superior de Málaga. A ese periodo corresponde también el estreno de Tres Sueños, para orquesta de cuerdas interpretada por la Orquesta de Cámara Ciudad de Málaga y dirigida bajo la batuta de Juan Luis Pérez, como reconocimiento a mi Premio fin de grado del primer ciclo de composición, ubicado en el VIII ciclo de Música Contemporánea organizado por la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía.

Una vez concluido mis estudios, participando en un curso de Dirección orquestal me ofrecieron que compusiera y estrenara una obra orquestal basada en la música de Enescu. Tuve el placer de estrenar Las voces de Enescu yo misma a la batuta, al frente de la Orquesta Filarmónica del Estado de Botosani. Años después estrené Al otro lado en Bucarest, para orquesta de cuerdas y piano, por la Orchestra Simfonica a Filarmonici “Oltenia”, bajo la batuta de Octav Calleya.

Experimentos sonoros he realizado con alRededor, dúo de flauta y clarinete que interpretan en movimiento, y siempre circula alrededor de la nota Re, que he reinstrumentado posteriormente por petición, dadas las necesidades de plantillas concretas, en diferentes conciertos, y con Ambigüedad, dúo para violín y contrabajo, jugando con los extremos tímbricos, estrenado en las IV Jornadas de Música Contemporánea de Alhaurín de la Torre. También he trabajado utilizando poesía de mi padre, destacando una Nana dedicada a mi hijo y Otra humanidad es posible, dúo para cello y soprano VIII Jornada de Música Contemporánea de Alhaurín de la Torre.

He sido invitada en diferentes ocasiones a estrenar en el marco del día de la mujer. He de reconocer que ha crecido mi sentido reivindicativo en cada una de las ocasiones, destacando Ironía en nombre de Mujer, trío para Recitador, Fagot y Trompa, estrenado en el CP Martín Tenllado.

Abisal, para banda sinfónica es, hasta el momento, mi obra más querida, dado que en ella rompí esferas de lenguaje del pasado y significó un cambio en mi visión compositiva, que ya se estaba gestando en obras anteriores. Fue un encargo de la Banda Sinfónica Municipal de Albacete y tuve el placer de estrenarla en el podio en dicha ciudad.

P.- ¿En qué obras te has centrado en estos últimos meses y, cuáles podrán ver la luz y estrenarse muy pronto? Siempre que la situación de la pandemia lo permita.

R.- He terminado recientemente una ambiciosa obra para banda llamada 1460-1960, Arcos sobre el Guadiana, de la cual no tengo cerrado el estreno pero espero que no tarde en ver la luz.

El estreno del dúo para flauta y piano De la ceguera a la Luz estaba previsto para marzo del 2020 y la pandemia supuso la cancelación del mismo. El segundo intento fue el pasado noviembre, mas las medidas de la Junta de Andalucía propiciaron una nueva cancelación. Espero que antes de que acabe esta temporada pueda ser estrenada.

En enero de 2021 está previsto el estreno de El Imposible Olvido, para corno inglés y orquesta, dedicada a mi querido amigo Jesús Perelló, cuya sonoridad al corno es excepcional, que la va a estrenar junto a la Orquesta de la Universidad de Almería, bajo la batuta de Juan José Navarro.

En febrero de 2021 estrenarán una reinstrumentación de mi obra La SinRazón, dentro del marco del concierto de Finalistas de Jóvenes Talentos Musicales a escena, en el Palau de las Arts de Valencia, dirigido por Merche Femenía.

P.- Como directora, ¿Cómo describirías tu forma de trabajar y qué factores influyen y consideras imprescindibles a la hora de programar?

R.- Mi modo de entender la dirección musical implica un trabajo de conjunto donde cada uno tiene su papel y excluye el antiguo concepto de la tiranía sobre el podio me parece caduca, he experimentado una y otra vez cómo, al permitir a los músicos que penetren en mi propia sensibilidad, lo que no es vulnerabilidad sino una posibilidad de multiplicar las sensibilidades del conjunto, el resultado sonoro cobra una vida que trasciende hasta el público. Ello genera el triángulo perfecto, la dirección, la orquesta/banda y el público en la misma sintonía.

Respecto a la programación entran en juego diferentes factores. Por un lado, es gratificante ofrecer al público lo que espera y desea en función a los gustos musicales del contexto del concierto, mas, por otro lado, creo es importante aprovechar para mostrar otros elementos de lenguaje, obras de compositores y compositoras más desconocidos, o de lenguajes menos habituales, a fin de dar a conocer nuevos panoramas musicales.

P.- Aunque el panorama de dirección esté un poco más parado por la situación actual. Como directora invitada ¿sobre la tarima de qué formaciones podríamos verte en un futuro próximo?

R.- Ciertamente es muy difícil valorar el futuro próximo, esta pandemia ha destruido el panorama musical tal y como lo conocemos. En principio tengo acordado retomar el próximo 11 de marzo, el Concierto por el Día de la Mujer al frente de la Banda Municipal de Badajoz, aplazado la temporada anterior. La cancelación del mismo me pilló en el ensayo, batuta en alto.

Sin concretar, pero habiendo entrado en contacto, hay varias bandas municipales y una orquesta de la comunidad andaluza que me han planteado realizar alguna colaboración esta temporada pero por el momento, dada la situación, no se han cerrado los acuerdos. Dicen que desvelar los proyectos antes de que se cierren da mala suerte, de ahí que silencie los nombres. ¡Ojalá los pueda verbalizar prontamente!

P.- Actualmente, también perteneces al Departamento de Fundamentos de Composición y eres profesora de Armonía y Análisis en el Conservatorio Profesional de Música “Manuel Carra” de Málaga. ¿Cuáles son tus objetivos pedagógicos en estas asignaturas que ostentan la base de la música? ¿Y qué consejos sueles dar a tu alumnado frente a una partitura?

R.- Es muy importante que asignaturas que enseñan a descifrar lo que hay más allá de las notas en su grafía, no se conviertan en tediosas asignaturas teóricas, sino que conciencie a los músicos de la importancia de su contenido para comprender qué se tiene entre manos a la hora de interpretar una obra. Por ello, al alumnado que profundiza en estas asignaturas le conciencio de que estudian Música desde la perspectiva de la armonía o del análisis. Trabajamos desde la razón, la emoción y la pérdida del miedo a dudar.

Considero de gran importancia que aprendan a romper los esquemas cerrados con los que generalmente llegan a las clases. La teoría musical es un punto de partida, pero no una meta en sí misma. Es esencial que aprendan a ver con la mirada y la mente abiertas, valorando las pautas teóricas como un punto de partida sobre el que los compositores y compositoras crean sus obras dentro de un contexto, pero sin perder su libertad individual. Es fundamental enseñar al alumnado a comprender la individualidad de cada autor y de cada obra, para lo cual debo entregarles las herramientas necesarias que les permita justificar, bajo criterios coherentes, las decisiones armónicas y analíticas que toman.

Ofrecerles la oportunidad de equivocarse y aprender de los errores, a la vez que aprenden a profundizar en las diferentes dimensiones musicales que interaccionan entre sí, es una tarea que me proporciona mucha felicidad. Cuando acaba el curso, en las encuestas que realizo siempre responden que la asignatura les ha cambiado su perspectiva ante la música, ante la interpretación en su instrumento, lo cual creo es el verdadero éxito pedagógico.

P.- Si no me equivoco, paralelamente también llevas a cabo una profunda investigación y has realizado un estudio sobre las compositoras españolas en la primera mitad del siglo XX. ¿En qué maestras de la composición has centrado especialmente tu atención y qué destacarías de la finalidad e importancia del mismo?

R.- Realicé un Máster en Estudios de Género y, obviamente, dirigí las diferentes investigaciones a aspectos musicales. Mi Trabajo Fin de Máster se titula Compositoras españolas en la primera mitad del siglo XX y al investigar conocí exitosas compositoras que están fuera de los manuales de historia de la música como Luisa Casagemas, María Rodrigo, Emiliana Zubeldía, Rosa García Ascot, Francisca Madriguera, María Pilar Contreras, Narcisa Freixas, Carmen Karr, y tantas otras cuya presencia es urgente sea parte del presente.

Las mujeres, tanto en la composición como en la dirección y en determinadas especialidades instrumentales, hemos crecido sin referentes del pasado, huérfanas de una historia que, sin embargo, sí existía. La finalidad de mi trabajo es dar voz a esas compositoras que enmudecieron pues nadie las colocó en los libros de historia, invisibilizando su existencia, su talento y su influencia.

P.- Si hacemos un pequeño recorrido por el siglo XX y XXI, ¿podrías recordar y citar algunas obras compuestas por mujeres imprescindibles en el repertorio bandístico?

R.- He tenido la fortuna de dirigir grandes obras compuestas por mujeres, y no ha sido fácil hallar repertorio, no creo que por su inexistencia sino por desconocimiento y el difícil acceso a las mismas.

Encontramos grandes compositoras como Ida Gotkovsky y su el Poeme du Feu y Symphonie de Printemps o Brilliante Symphonie; La valenciana Amparo Edo Bidol tiene un bello repertorio de obras de banda como Cleopatra o Flor de Mayo; Sara Galiana La Odisea, Stonage. Zulema de la Cruz La tribu Sagrada; Iluminada Pérez Frutos Romance al Pueblo Extremeño. Muy conocido es el Pasodoble La puerta grande, Elvira Checa. Del continente americano Adriana Isabel Figueroa tiene un amplio repertorio, del que disfruté con el estreno en España de La historia de la Tierra, contando con otras como Los andes o Rhapsodia ciudadana.

El repertorio de Banda accede frecuentemente a las bandas sonoras cinematográficas. Exitosas compositoras de bandas sonoras son: Anne Dudley, con Full Monty o Los Miresables, Wendi Carlos, con La naranja mecánica o El resplandor, Vivian Kubrick, La Chaqueta metálica, Rachel Portman Chocolat, Emma, Deborah Lurie Charlie y la fábrica de chocolate; Lisa Gerard, junto a Hans Zimmer Gladiator.

P.- Teniendo en cuenta la situación extraordinaria que vivimos generada por la pandemia. ¿Qué mensaje de ánimo enviarías para reivindicar la música como bien necesario en nuestra sociedad?

R.- El ser humano necesita sentir a través del arte, alimento para el alma, construyendo sabiamente nuestra esencia y extrayendo lo mejor de nosotros mismos, tanto al realizarlo como al percibirlo. Es un bien absolutamente necesario que las administraciones tendrían que valorar como merece. No sólo es una cuestión de números, no se puede deshumanizar la sociedad bloqueando las manifestaciones artísticas. La vida es impensable sin música, ella nos ha mantenido cuerdos durante el confinamiento, ha fomentado la generosidad, ha sido agradecida por toda la sociedad, y, a pesar de ello, ha sido dejada de lado por parte de las administraciones, causando un profundo perjuicio al sector y al público.

Nietzsche dijo sabiamente “La vida sin música sería un error”.

P.- Por último, ¿te gustaría añadir algo más?

R.- Me gustaría agradecer su amabilidad al contar conmigo y mandar un mensaje de esperanza a todos aquellos que amamos la música. Ella nos hace fuertes, nos levanta el ánimo in crescendo, ella es el oxígeno que nos ayuda a respirar a diferentes ritmos y da color a nuestros días. La música es la banda sonora de nuestra vida y, sin duda alguna, la vida es más bella cuando la música es compartida.

Pues con las palabras de la directora y compositora malagueña finalizamos esta entrevista y también el año 2020. Muchas gracias Silvia y te deseamos lo mejor en el futuro. A todos los lectores de NBM… ¡Feliz Navidad y buena salida y entrada de año nuevo!

Cecilia Ortuño.

Colaboradora NBM.

Un poco más sobre Silvia Olivero Anarte:

Malagueña, realiza sus estudios en el Conservatorio Superior de Música de Málaga, obteniendo el Título Superior de Solfeo, Título Superior de Composición y Título Superior de Dirección de Orquesta. Estudia Composición con el Catedrático D. Ramón Roldán Samiñán y Dirección de Orquesta con el Catedrático D. Octav Calleya.

Combina su labor Directorial con la docencia. Nombrada en 2005 Funcionaria de Carrera por Fundamentos de Composición. Ha impartido durante doce años dirección de orquesta en el Conservatorio Superior de Música de Málaga. Actualmente pertenece al departamento de Fundamentos de Composición del CPM Manuel Carra, en Málaga.

Realiza conciertos Sinfónicos y Sinfónico-Corales y desarrolla paralelamente su actividad como Compositora.

Colabora como redactora en revistas culturales y ofrece conferencias.

Premios:

  • Mención de Honor. Armonía Analítica (1997)
  • Premio de Honor. Composición (2000)
  • Mención de Honor. Composición (2002)
  • Matrícula de Honor en el Máster en Estudios de Género (2019) Compositoras españolas en la primera mitad del S.XX
  • Premio a la mujer empoderada ACREM 2014. Málaga
  • Premio Estrella Feniké de la Cultura 2020. Málaga

Trayectoria:
Directora de Orquesta:

Orquesta Sinfónica de Melilla; Melilla (2003); Orquesta del CPM de Córdoba; Córdoba (2004); Orquesta de Cámara de la Universidad Complutense; Madrid (2004); Filarmonica de Stat Botosani (Rumanía y España) (2004, 2005); Orquesta de Cámara de la Universidad de Málaga (2005); Orquesta Sinfónica Provincial de Málaga (2006); Orquesta de Cuerdas del CPM de Málaga (2006); Joven Orquesta Provincial de Málaga (2007, 2017); Orquesta Filarmónica de Moldavia; Moldavia y España (2006, 2007); Orquesta Sinfónica del CSM Málaga (2011-2013); Orquesta de mujeres de la JOPMA (2013); Orquesta de Cámara del CSM Málaga (2009, 2013-15); Filarmonica Jean Dumitrescu, Rm Valcea. Rumanía (2015, 2016); Filarmonica Brasov, Brasov. Rumanía (2015, 2016); Filarmonica Pitesti, Rumanía (2013, 2016, 2019); Orquesta Clásica de Granada (2019)

Otras agrupaciones:

Taller de Música Contemporánea ACIM. (2007); Banda de Música Las Flores. Directora Musical Titular (2009-2012); The Cleveland Youth Wind Symphony (2010); Banda de Música de Cabra, Córdoba (2011); Banda Municipal de Fuengirola (2014, 2015, 2016, 2017); Banda Municipal de Música de Granada (2015, 2017, 2018, 2019); Banda Municipal de Música de Málaga (2016); Banda Sinfónica Municipal de Sevilla (2018); Banda Sinfónica Municipal de Albacete (2019).

Compositora – Composiciones, Estrenos absolutos:

  • Solo de clarinete (2000)
  • Molino de Viento, Canto y Piano (2001)
  • Molto Allegro, Orquesta (2001)
  • Pequeña suite para Saxofón Alto y Tenor (2001)
  • La mujer y la música, Canto y Piano (2002)
  • Sonata I para Piano (2002)
  • Tres sueños, Orquesta de Cuerdas (2002)
  • Triálogo, Dos Oboes y Coro Inglés (2002)
  • El archivo, Canto y Piano (2003)
  • La Sinrazón, Ensemble cuerda y vientos (2004)
  • Lo perdido Ensemble cuerda y vientos (2005)
  • Las voces de Enescu, Orquesta (2005)
  • Frío, Orquesta (2006)
  • ¡Silencio! Ensemble cuerda y vientos (2007)
  • AlRededor (2008) Reinstrumentada y revisada (2018)
  • Ciclo, Ensemble cuerda y vientos (2008)
  • Nana, Coro y Orquesta (2009)
  • Al otro Lado, Piano y Orquesta (2009) Bucarest
  • Como ayer, Ensemble cuerda y vientos (2010)
  • Ambigüedad, Violín y Contrabajo (2010)
  • ¿Dónde está el La? (2012)
  • Otra humanidad es posible, Cello y Soprano (2014)
  • Nuevo Amanecer (2016) Reinstrumentada y revisada (2018)
  • Ironía en nombre de Mujer, Fagot, Trompa y Recitador (2017)
  • Mi niño duerme, Coro (2017)
  • Fronteras de Sal, Canto y Piano (2018)
  • Nana, reinstrumentada, Coro (2018)
  • Abisal, Banda (2019)

Conferencias, Seminarios:

  • Picasso y Satie (2004)
  • El Friso de Beethoven (2005)
  • Tres episodios y mucho más, la percusión en los siglos XX y XXI. En colaboración con Fernando García Puya, percusionista. (2007)
  • El humor en la música contemporánea (2008)
  • Sonata para piano preparado de John Cage (2010)
  • La Dirección de Orquesta (2014) CPM Martín Tenllado
  • Mujer y Dirección de Orquesta. Federación Ágora, Málaga (2014)
  • Mujer y Orquesta Sinfónica. Rincón de la Victoria, Málaga (2014)
  • Perspectivas de la dirección musical en la música contemporánea Alhaurín de la Torre, Málaga. IX Jornadas de Música Contemporánea (2015)
  • El Director de Banda, Pasado y Futuro. (2017) Chauchina, Granada. Seminario Directores de banda de música de Andalucía
  • Todos los días son 8 de marzo. Charla Coloquio. IES Politécnico Jesús Marín. Málaga (2018)
  • Ellas abrieron puertas. Charla-Coloquio, mujeres empoderadas. Málaga, ACREM (2018)
  • Ciclo La Música Clásica en Asprojuma, coordinadora, presentadora y ponente. Málaga. Temporadas 2018/19 y 2019/20
  • Presentación de la obra ABISAL, Silvia Olivero. Conferencia y visionado de la obra, a través de Asprojuma, en el Salón de Actos del Rectorado de Málaga (2019)
  • Batutas en femenino. Mesa redonda perteneciente a la XXVI Asamblea de la Confederación Española de Sociedades Musicales. Yecla, Murcia (2019)
  • ¿Por qué la música? Ponente en Amigos de la Tertulia. Málaga (2020)
  • Compositoras españolas, el despertar de la memoria. UNED, Madrid (2020)

Imparte Cursos:

  • Masterclass Dirección Orquestal, Cártama, Málaga (2014)
  • Dirección Musical de Banda, Cabra, Córdoba (2016)
  • Música en acción, Análisis Musical, armonía y orquesta. Aljucén, Mérida (2017, 2018, 2019)
  • Iniciación a la dirección orquestal. CPM M. Carra, Málaga (2018)
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Puente de Triana por Alfredo Pérez

Si ponéis la palabra movida en la web, os saldrá mucha información de ésta etapa concreta de la cultura de la España de finales de los 70, que ahora con la perspectiva del tiempo pasado, es más fácil comprender y analizar, y es que, en definitiva, al finalizar el régimen Franquista, en el que la libertad de expresión era muy limitada, todo esa necesidad que tiene el artista de expresarse, de conmover o incluso de incomodar, exploto de golpe siendo Madrid el epicentro y la música el vehículo más rápido de propagación, pero dicha explosión afectó a todas las Artes y salpicó a todos los rincones de la geografía.

16 diciembre, 2020 – Escrito por diapason

Cuando hablamos de movida enseguida aparecen asociados unos nombres: Los Secretos, Nacha Pop, Alaska, McNamara, Radio Futura, Tino Casal, etc.,  grandes padres del POP que quizás miraban a ese Mayo del 68 del país vecino, o a los mismísimos Beatles quizás, de todos se ha hablado mucho, pero yo que no soy ningún erudito, no puedo aportar gran cosa a todo lo que se ha escrito sobre esto.

Así que hoy intentaré buscar a esos otros que siendo coetáneos de los primeros y compartiendo esa necesidad de expresar cosas distintas, de experimentar, se contagiaron de corrientes más lejanas,  quizás también me mueve el deseo de homenajear a grupos que por diversas circunstancias dejaron de existir pero crearon un estilo propio, luchando contra lo establecido, contra discográficas y el mayor exponente que se me viene a la cabeza es…. TRIANA.

Contagiados quizás por los discos que llegaban a sus manos desde la cercana base americana de Rota, absorbiendo la sonoridad del Rock Progresivo de Pink Floyd, King Crimson o Led Zepellin y mezclándolo con el flamenco de su Sevilla natal crearon una fórmula magistral llamada Rock Andaluz, órganos Hammond, guitarra española, eléctrica distorsionada y pianos se mezclaban en una exitosa receta desconocida hasta la fecha en todo el mundo.

Sus cimientos eran básicamente flamenco puro, de hecho Dolores Montoya y Manuel Molina (Lole y Manuel) formaron parte de grupo inicial, pero como todos los grupos sufren idas y venidas y en una de esas fases entra el genio Jesús de la Rosa, que viene ya impregnado de esas corrientes que sonaban al otro lado del Atlántico, se hace cargo de los teclados, de la voz y de la composición, no solo llevando el flamenco a la psicodelia, que ya es difícil, Enrique Morente tiempo después también se atrevió, y más reciente El Niño de Elche, a eso se sumaban unas letras que  gritaban en ese tono desgarrador de Jesús, frases que por aquel entonces los jóvenes deseaban escuchar, Hijos del Agobio, Tu Frialdad, Abre la puerta , En el Lago , Sr. Troncoso y así una larga lista de éxitos durante los 8 años que estuvieron en activo.

El desgraciado accidente mortal de su líder, Jesús De La Rosa en el 83, truncó el destino de la banda y aunque otros grupos siguieron esa senda, Medina Azahara por ejemplo, siempre fue Triana la luz que los guiaba y hasta nuestros días.

Pero a nacido un grupo sevillano que tuve el placer de ver en directo el mes pasado y coge el testigo de ese rock psicodélico, diferente, de armonías imposibles, salen al escenario sin complejos, dándolo todo, se trata de Deby Motoreta Burrito Kachimba.

También de Sevilla, aúnan ese espíritu y lo llevan quizás a un terreno más gamberro, más punk o más divertido si queréis, desde el nombre, al manillar que lleva el Micro del cantante, muy activos en el escenario, a veces como en trance, a lo Jim Morrison, pero creerme que saben en cada momento lo que hacen, y si no al tiempo.

Ahora ya podréis construir ese puente de ida y vuelta que os llevará a TRIANA , escucharlos, es difícil, no es una melodía facilona, no son 4 acordes y un estribillo, ni siquiera pegadiza, pero experimentaron, abrieron camino, fueron valientes y por eso mi pequeño homenaje.

Un saludo y hasta la próxima.

Alfredo Pérez.

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Un sueño me envolvió por Inma Rico

El amor tiene innumerables formas de manifestarse… tantas como al universo le gusta jugar a inventar milagros;  lo sentía profundamente en el momento mismo que ella salió a escena, le invadió la voz como si fuera la primera vez que hubiese acudido a la ópera.

Un sueño estaba a punto de nacer.

Escrito por diapason – 9 diciembre, 2020

Freddie estaba enamorado de la ópera, siempre le sorprendía, siempre era una experiencia transcendental, su mente y corazón se armonizaban para dar paso a las musas; esa noche pasaría a la historia en su historia; ópera y rock dos corazones que confluirían en una misma emoción: la amistad

Esa noche de 1983 tenía la intención de disfrutar de la actuación de Lucciano Pavarotti  en la ópera “Un ballo in maschera”  en el Royal Opera House de Londres; en un segundo plano estaba ella y en el momento que escuchó su voz se enamoró, se obsesionó, “hasta tal punto de querer ser como ella”¸ una obsesión que se convirtió en anhelo y acabó siendo realidad.

«I LOVE MUSIC AND SHE’S THE MUSIC»

«Cuando entramos en la habitación, tenía las manos muy frías. Las mías también. Pero cuando vi que las tenía frías, pensé: Las tiene más frías que yo. Él también está nervioso, eso es bueno. Cuando la gente está nerviosa significa que esperan algo de la otra persona».

M. Caballé.

Montserrat Caballé y Freddie Mercury se citaron por primera vez en febrero de 1987 en el Hotel Ritz de Barcelona. Él estaba nervioso, muy nervioso y los minutos de retraso de la súper diva le parecieron horas. Sus manos frías fueron presagio para ella de una de las historias más bellas de amistad en la música. En ese primer encuentro, Freddie le regaló un cassette con una grabación que había hecho para ella, sin dejar de mostrarle su admiración y la intención emocionada de lo que podían hacer juntos.

«Sólo una persona muy musical podía acercarse a ella…«

“Exercises in free love”:

– ¿Puedo cantarla el próximo domingo en el recital que tengo en Londres?

M. Caballé.

Y el hielo se rompió

Ese domingo Montserrat Caballé estuvo en Londres promocionando su ciudad con motivo de los juegos olímpicos, con lo que se sentía muy comprometida. Al terminar el recital Caballé dijo que allí se encontraba un gran admirador suyo y lo hizo salir al escenario de la ópera londinense. Esa misma noche se encontraron, luego del recital, en Garden Lodge, nombre de la mansión de Freddie; el lugar donde  Montserrat Caballé escucharía por primera vez la melodía de la canción que representaría a los juegos olímpicos de su ciudad.

Freddie Mercury siempre había sentido debilidad por el Bel Canto y en sus últimos años, cuando supo que tenía SIDA estaba inmerso en este proyecto con Montserrat Caballé. Lo dejó todo para dedicarse de lleno a ello.

El primer disco en solitario de Mercury en el año 1985 incluye una canción en la que imita la voz de Montserrat Caballé.

MÁS QUE UNA CIUDAD, UNA PERSONA. 

Cuando el sueño se hace realidad

 – ¡La tengo! ¡Ya podía salir corriendo que la tenía!

F. Mercury.

Montserrat Caballé fue la última inspiración de Freddie Mercury.

La canción Barcelona fue escrita por Mercury y Mike Moran con Freddy Mercury como cantante principal y Montserrat Caballé de soporte operístico.

Fue presentada extra oficialmente el 30 de Mayo de 1987 en Ibiza y de manera oficial en el Festival “La Nit de Barcelona” a la llegada de la bandera de Seúl. Esta fue la última actuación de Freddie Mercury en directo.

Mundos tan distintos unidos por la música. El mundo de la ópera es muy cerrado en sí mismo pero juntos consiguieron que se distribuyese a través de los canales pop, con lo que gente que nunca había apreciado la ópera comenzó a hacerlo.

¿Qué tenían en común Montserrat Caballé y Freddie Mercury? 

Los dos eran excelentes artistas en lo suyo y los dos eran personas muy disciplinadas.

Los dos eran personas que querían estar felices y esta felicidad se traspasa en su música que es sentida y verdadera.

En palabras de Montserrat Caballé:

“A mí me parece que la creación de Freddie es de una música muy especial, que nace del corazón, para el corazón. Yo creo que por eso llegó a mi corazón”

Montsi y Freddy fueron, como dice la canción, “Amigos hasta el final”.

Por Inma Rico.

Alumna de coro de la Escuela de Música de Yecla.

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Corazón Yeclano por José Miguel Ibáñez Lax

Vamos a dedicar nuestra tercera entrega a un pasodoble que ya solo con su nombre nos indica qué inspiró a su autor a componerlo, qué motivó su escritura ya quién va dedicado.

Nos referimos a una obra que, para todos los yeclanos, con tan solo escuchar su primer compás, nos recuerda a nuestra tierra y, desde hace ya algunas décadas, a nuestras Fiestas Patronales, las cuales este año, debido a la pandemia del COVID-19, no se van a poder celebrar. Nos referimos al pasodoble “Corazón Yeclano”, compuesto por nuestro paisano Octavio Juan Palao.

Fuente: 2 diciembre, 2020 – Escrito por diapason

Como ya comentamos en el primer artículo de esta sección, existen diversos tipos de pasodobles: de concierto, taurinos, marchas, festivos, regionales, canción, etc.). Entre los pasodobles considerados regionales, por supuesto, hay tanta variedad como regiones: gallego, asturiano, andaluz, vasco, valenciano, catalán, aragonés… Ejemplos de ello son «Aires gallegos», «Viva la jota» y «Sabiñán» de Pascual Marquina, «Los de Aragón» de José Serrano, «Islas Canarias» de José María Tarridas, «Iscar en Fiestas» de Eugenio Gómez, «La Kermés de las Vistillas» de José María Martín Domingo, «Puenteareas» de Reveriano Soutullo, «Santander» de Ernesto Rosillo,…

Por su abundancia merecen un capítulo aparte los pasodobles andaluces y los falleros o valencianos. Entre los primeros se encuentran, entre otros, «Al son de mi pasodoble» y «Cuna cañí» de Bolaños y Ángel Ortiz de Villajos, «En er Mundo» y «Talento» de Juan Quintero, «Recuerdos» de Eugenio Gómez, por citar algunos. Y entre los valencianos «L’entra de la murta» de Salvador Giner, «El Fallero» de José Serrano, «El Socarrat» de José Terol Gandía, «La Entrada» de Quintín Esquembre, o «Les fogueres de San Chuan» de Luis Torregrosa García.

Este tipo de pasodobles se caracterizan o porque se inspiran en el folclore típico de cada una de las regiones de nuestro país o bien por estar dedicados a alguna ciudad, comarca, fiesta o simplemente a los habitantes de una zona determinada, resaltando el carácter que los identifica como sociedad.

“Corazón Yeclano”, aunque sería difícil de encuadrar dentro de un estilo o de otro, quizás al estar dedicado por el autor a nuestro pueblo, al carácter que nos identifica como yeclanos, entraría dentro de la categoría de pasodobles de concierto. Pero, a la vez, se podría incluir dentro de los denominados regionales o, incluso con más certeza, a los locales u obras dedicadas específicamente a una ciudad concreta, en esta ocasión a Yecla.

Sea como fuere y tras su utilización como sintonía por las diferentes emisoras de radio locales, sobre todo a partir del año 1979 durante los programas emitidos por Radio Yecla y dirigidos por Francisco Ortin “Koki”, con motivo de la conmemoración del 25 Aniversario de la Coronación de la Purísima Concepción, patrona de Yecla, este pasodoble se convirtió en una melodía que nada más empezar a sonar las primeras notas todos los yeclanos lo relacionamos con dichas fiestas decembrinas de nuestra ciudad.

Este año no vamos a poder celebrar dichas fiestas debido a la crisis sanitaria motivada por el COVID-19, por lo que desde la revista Diapasón,  y concretamente desde esta sección dedicada al género del pasodoble, queremos aportar nuestro pequeño grano de arena para que esta situación sea más llevadera.

 

Fiestas de la Virgen de Yecla. Declaradas de Interés Turístico Nacional.

Octavio Juan Palao:

Nació en Yecla el 2 de julio de 1911. Fue hijo del eldense Luis Juan Fernando y la yeclana Josefa Palao Muñoz. Los primeros estudios musicales los recibió de su madre y de su tía materna Pilar Muñoz. Su primer profesor fue D. Marcos Ros, director de una de las bandas de música coexistentes en nuestra ciudad en aquella época, concretamente de la Banda de Música “La Primitiva”, donde ingresó a la edad de seis años como flautistay y ocupó en poco tiempo el puesto de flauta primera.

Cuando tenía 11 años, su familia se trasladó a Elda, donde continuó su formación musical con el profesor Enrique Albiñana, director de la Banda “Santa Cecilia” de esa ciudad. Octavio formó parte también de esta banda y actuó como flauta solista desde su incorporación a la misma.

En 1929 viajó a Madrid para continuar con sus estudios en el entonces denominado Real Conservatorio de Música y Declamación, lugar en el que cursó las especialidades de Flauta y Armonía con los profesores Francisco González y Benito García de la Parra (finalizando con las máximas calificaciones) y Composición con Conrado del Campo.

Durante su estancia en la capital de España ingresó como voluntario en el ejército. En un primer momento formó parte de la Banda de Música del Regimiento de Infantería “WAD-RAS”, dirigida por Pablo Cambronero, y dos años después obtuvo plaza en la banda más prestigiosa de la época tanto del ejército como en el resto del panorama bandístico español: la Banda del Segundo Regimiento de Zapadores Minadores de Ingenieros, conocida también popularmente por “la Banda de Ingenieros”, que estaba dirigida por el afamado director y compositor Pascual Marquina.  Bajo su dirección actuó como solista en multitud de conciertos no solo en Madrid, sino también en otras capitales y ciudades españolas. Durante un concierto realizado en Madrid al que asistieron Joaquín Turina y Gerardo Diego, el compositor y crítico Julio Gómez comentó en un artículo que “el flauta solista de la Banda de Ingenieros alcanzó en su instrumento las más altas cimas del virtuosismo”.

Octavio Juan Palao, año 1936

En el año 1935 se trasladó a Alicante al haber obtenido por oposición la plaza solista de la Banda Municipal, dirigida por el también flautista Luis Torregrosa García, trabajo que compaginó con la dirección de la Banda Filarmónica Alteanense, el puesto de solista en las Orquestas de Cámara y Sinfónica de Alicante y el puesto de profesor del Claustro de Profesores del Conservatorio del Casino de la capital alicantina. Todas estas labores profesionales las reanudaría en 1939, tras finalizar la Guerra Civil.

En 1940 ganó por oposición la plaza de flauta de primera en la Banda de la Escuela Naval Militar, desde donde pasó posteriormente al Tercio Sur de San Fernando, lo que compaginó con su actuación como solista en la Orquesta de Cámara de Jerez de la Frontera, dirigida en aquella época por Germán Beigdeber.

El año 1948 se presenta a las oposiciones al Cuerpo Técnico de Bandas de Músicas Civiles, donde obtiene el puesto número tres. El número uno de dicha promoción la obtuvo Moisés Davia, director de la Banda Municipal de Madrid.

En 1954 ingresa en la Banda del Tercio de Levante de Cartagena, puesto en el que permaneció hasta su jubilación el año 1969.

Tras su jubilación y tras rechazar varias ofertas para dirigir importantes bandas de fuera de la Región de Murcia, decidió permanecer en ella e incorporarse como flauta solista a la Banda de Música de la Diputación Provincial de Murcia, dirigida por Francisco Cebrián, donde permaneció hasta dar por finalizada su actividad musical en el año 1984.

Octavio Juan Palao (Yecla 1911-Murcia 1999)

Además del pasodoble “Corazón Yeclano”, Octavio Juan Palao es autor de un gran número de composiciones tales como un ciclo de canciones sobre textos de poetas españoles y un buen número de partituras de música para banda, entre las que destacan los pasodobles “Músicos de Marina”, “Solera Jumillana” o “Semblanza Cartagenera” y las marchas lentas de procesión “Profundo Recuerdo” y “Eres tú Bendita”.

En el año 1990, durante la segunda parte del acto del Pregón de Fiestas de Yecla, la Asociación de Mayordomos de la Purísima Concepción de Yecla rindió un justo y merecido homenaje a Octavio Juan Palao, interpretándose por la Banda de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla en primer lugar “SUMY”, del maestro D. José Ortuño, y posteriormente “Corazón Yeclano” dirigido por el propio autor.

El músico director y compositor yeclano falleció en Murcia el 25 de febrero de 1999 a la edad de 87 años.

Guión partitura “Corazón Yeclano” (1952)

Corazón Yeclano:

Es un pasodoble de los denominados “de concierto” compuesto el año 1951 y que fue revisado con posterioridad en Cartagena en 1979.  Fue escrito durante la estancia del autor en la ciudad de San Fernando porque sentía añoranza de su patria chica.

Según palabras del propio del autor: “comienza el pasodoble con unos compases de introducción al primer tema que intenta reflejar el porte tenaz y vibrante del alma yeclana, tras el cual se escucha el diseño de unos cantos infantiles que dan paso, de nuevo, a la primera idea. Una breve preparación lleva al “trío”, construido sobre un canto de vagas reminiscencias árabes, que quieres ser noble generoso como todo CORAZÓN YECLANO”.

El día 2 de febrero de 1952 Octavio Juan escribe una carta a D. Ricardo Tomás y Soriano, alcalde de Yecla, en la que le informa de que, debido al cariño que procesa a su querido pueblo, ha compuesto un pasodoble titulado “Corazón Yeclano” que ofrece a la Excelentísima Corporación Municipal de la ciudad de Yecla con el deseo de que sea aceptado. Además, comunica que, adjunto, envía el material para banda de música del mencionado pasodoble.

En pleno del Ayuntamiento de Yecla, en sesión permanente celebrada el día 5 de febrero de 1952,  en el apartado cuatro del orden del día, se da a conocer por el señor alcalde la carta dirigida al músico Octavio Juan Palao que textualmente decía: “Enterados los señores componentes de esta Comisión, acuerdan complacidos aceptar la producción del músico yeclano, el señor Juan Palao, con el mayor agrado, expresando la gratitud de este Ayuntamiento hacia el mismo por la dedicatoria y envío del pasodoble, acordándose que se toque por vez primera el próximo 1 de abril con motivo del Día de la Victoria e invitando a su autor para que venga a esta dicho día a presenciar el estreno”.

Y así fue. “Corazón Yeclano” sonó por primera vez dicho día 1 de abril de 1952 en el templete del Parque de la Constitución por la Banda Municipal de Música de Yecla.

Seguidamente les ofrecemos la versión interpretada por la Banda de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla, y que forma parte del disco compacto “La Música en las fiestas” editado en la década de los años 90 del pasado siglo, por la Asociación de Mayordomos de la Purísima Concepción de Yecla.

– HERNÁNDEZ CUTILLAS ALFONSO. “Música y músicos yeclanos”. Pag 368 y a la 372. Depósito Legal: -MU-2874-2008. Edición Asociación de Amigos de la Música de Yecla 2008.
– En línea: http://www.elrincondelpasodoble.com/historia.html
– Archivo Asociación de Amigos de la Música de Yecla, sección pasodobles, números 6 y 7 “Corazón Yeclano).
– En línea: https://revistadiapason.com/octavio-j-palao-flautista-de-honor-de-la-banda/

José Miguel Ibáñez Lax.

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La Fuerza y Temperamento de Ida Gotkovsky Por Silvia Olivero Anarte

Como ratón de biblioteca buceaba en la literatura musical para banda compuesta por mujeres y os puedo asegurar que no me resultaba nada fácil, parecía estar buscando un tesoro escondido por un pirata experto.

Tras horas de exploración, el entusiasmo se reflejó en la comisura de mi boca al descubrir un cofre lleno de joyas, la vida y obra de Ida Gotkovsky.

26 noviembre, 2020 Escrito por diapason

Ida Gotkovsky, compositora francesa nacida el 26 de agosto de 1933 en Calais, Francia, dedicó su vida a la composición y a la docencia. Estudió en el Conservatorio superior de Música de París, bajo la tutela de dos grandes compositores: Oliver Messiaen y Nadia Boulanger. Recibió innumerables premios, como el Premio Lily Boulanger, el Primer premio del referéndum Pasdeloup, el Premio internacional de Divone-les-bains, el Gran premio musical de la ciudad de París, el Premio Blumenthal y la Medalla de la ciudad de París, entre muchos otros…

Su extenso catálogo de obras parte de encargos realizados internacionalmente y se ubica entre los años 1954 y 2005. Incluye obras para orquesta, orquesta y solistas, orquesta de vientos, óperas, música de cámara, ballets, música vocal, obras pedagógicas y música para radio y televisión. Su obra ha sido interpretada internacionalmente, Europa, EEUU, Japón, Rusia, Asia, Australia… siendo reconocida como embajadora de la música francesa.

Junio 1984

Se puede ver su catálogo de obras en: https://www.gotkovsky.com/

La obra de Gotkovsky se identifica por su fuerza creativa, en su concepto compositivo plantea: “Crear un trabajo universal con un lenguaje contemporáneo, con estructuras vigorosas, la unidad de expresión musical en todo momento”. En su temperamental obra se puede escuchar la fortaleza de unas fuertes estructuras, su noción de infinito y el uso de ideas melódicas líricas.

…….

Al enfrentarme a su obra descubrí una inmensa energía que atrapa con rapidez, te rodea en sus texturas y te agita a través del ritmo. A su vez, el uso de los timbres implica tanto un magistral control de los colores individuales como la multiplicidad nacida de las diferentes combinaciones tímbricas. Esta última es capaz de abrumar unas veces con una densidad homogénea que avanza con una fuerza imparable y en otros momentos entretejida en una polifonía en perfecto equilibrio.

Su obra para banda Poema de Fuego, de 1978, me regaló la oportunidad de mimetizarme con el mito sagrado de tradición celta que simboliza el cambio de año. Ceremonia en que una larga procesión transita entre dos grandes hogueras anunciando el nuevo año. En su prólogo Ida describe que el primer fuego, representado en el primer movimiento, ha sido observado y honrado durante todo el año, mas, al concluir su ciclo, éste llega a su fin. El segundo, representado en el segundo movimiento, da luz al nuevo fuego a través del proceso memorial y mágico compuesto por los dos elementos: celestes y terrenales.

Es imposible no sentir la inmensidad entre los brazos, en la palma de las manos, en el aire que se respira mientras se dirige esta imponente obra.

Poema de fuego, Ida Gotkovsky. Silvia Olivero al frente de la Banda Sinfónica municipal de Albacete. Marzo 2019.

Una segunda oportunidad de disfrutar la dirección musical de la obra de Ida Gotkovsky fue con el otoño y el verano de su Symphonie de Printemps. La obra está compuesta por cuatro movimientos que encarnan las cuatro estaciones.

Aún siento la vibración de los dos movimientos que tuve entre mis manos. Automne impresiona por el lirismo en movimiento dentro de la estaticidad del conjunto, la sensación de un tiempo situado en la ingravidez. Eté contrasta con un sentido rítmico ubicado entre columnas sonoras.

Automne et Eté, Symphonie de Printemps, Ida Gotkovsky. Silvia Olivero al frente de la Banda Municipal de Música de Granada.

…….

Ida mantuvo relación con la música de Banda en España. En marzo de 1968 asistió al estreno de su Sinfonía para gran banda en el Concierto extraordinario de la Primitiva de Liria, dirigido por el director francés Desiré Dondeyne. En el recorte de prensa la autora expresa: Mi sinfonía sigue los caminos clásicos, quizá dentro de una línea similar a la de Prokofieff y Béla Bartók. Es una música temperamental. La escribí para el maestro Dondeyne, para dar a las bandas de música una composición de lenguaje moderno.

Marzo 1968

Tras el estreno, la prensa reseñó: la partitura de ida Gotkovsky, reveladora de todo un temperamento, colmaron los entusiasmos… Los aplausos llegaron últimamente al arrebato cuando la dramaticidad de la “Sinfonía para gran banda” crispaba los nervios levantando al público de sus asientos.

19 marzo 1968    16 marzo 1968

Años después, en 1984, regresó a España para asesorar a la banda Primitiva en el Certamen de Valencia. El periódico Noticias del día, el 5 de julio de 1984, indicaba que la obra obligada del certamen era la Sinfonía para grandes bandas de Ida Gotkovsky, para lo cual la banda Primitiva había invitado a la compositora para que les asesorase sobre la interpretación de la obra.

Julio 1984

…….

Aún me resulta incomprensible no haber conocido anteriormente la obra de Ida Gotkovsky, no hallara en los libros de texto de compositores del siglo XX, no haberla escuchado en concierto. De lo que no tengo ninguna duda es de haber hallado un tesoro que debe estar a la vista y oídos del público, de haber hallado una compositora de una fuerza extraordinaria cuyo talento he tenido la fortuna de sentir a través de mi mente, mi corazón y mis brazos.

Silvia Olivero Anarte

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STEAM, un modelo educativo integrador para un mundo sin fronteras

El modelo educativo STEAM es una respuesta al mundo actual: cambiante, abierto, diverso y en el que el estudiante es el verdadero protagonista de su aprendizaje.

¿Quieres saber en qué consiste y por qué el intercambio cultural es un complemento ideal para este tipo de educación? ¡Sigue leyendo!

Fuente: dothegap Team, 13 noviembre, 2020

Orígenes del modelo STEAM: del STEM a la importancia de la creatividad en la innovación

STEAM es el acrónimo de Science, Technology, Engineering, Arts y Mathematics. Su origen está en el modelo STEM, que surgió en Estados Unidos en los años 1990s y agrupaba estas áreas del conocimiento «técnico» para desarrollar una modalidad de enseñanza capaz de cubrir las necesidades que demandaba la incipiente revolución digital.

STEM funcionó tan bien en las formaciones profesionales que dio el salto a otros centros escolares e incluso a la educación no formal. Además, su versatilidad permitió que los educadores lo combinaran con otras temáticas y asignaturas.

STEAM, un modelo educativo integrador para un mundo sin fronteras - Científica

La introducción de las artes en el modelo STEM se institucionalizó en 2011 en Corea del Sur. ¿El objetivo? Potenciar la creatividad de los alumnos, un elemento que siempre ha tenido gran importancia en el país.

De esta manera, STEAM es un nuevo paso capaz de integrar arte, ciencia y tecnología. Esto no solo es un motor para la innovación, sino que aúna disciplinas diferentes de forma natural, impulsa el pensamiento lógico y facilita la asimilación de los conceptos científicos a través de situaciones cotidianas, demostrando que tienen aplicaciones reales fuera de la escuela.

STEAM, un modelo educativo integrador para un mundo sin fronteras - Be creative

Entre los objetivos de los modelos STEM y STEAM, destaca la búsqueda de una formación científica al alcance de todos, interdisciplinar y capaz de romper las fronteras entre la educación formal, no formal e informal.

Además, esta modalidad pedagógica tiene una mirada global sobre la sociedad, ya que aspira a conectar lo local, lo regional, lo estatal y lo internacional a través de proyectos que beneficien al conjunto de la población. ¡Se trata de un trabajo en equipo sin fronteras!

Aplicación, beneficios y el papel del intercambio cultural

La aplicación del modelo STEAM en un centro educativo no debería hacerse de manera aislada: lo ideal es que se interrelacionen diferentes materias y se trabaje en proyectos que involucren a todos los alumnos para trabajar unidos con unos objetivos fijados.

Se recomienda también incluir elementos de otras metodologías con filosofías similares, como el aprendizaje colaborativo, learning by doing y dinámicas de gamificación, entre otras.

STEAM, un modelo educativo integrador para un mundo sin fronteras - Adolescentes

Los centros educativos más avanzados en la aplicación de STEAM han creado sus «laboratorios de proyectos», en los cuales tanto alumnos como docentes potencian el aprendizaje científico-tecnológico con una gran dosis de creatividad. Entre las disciplinas que más se trabajan en estos laboratorios se encuentran la programación, la robótica o la comunicación digital.

STEAM es un modelo de aprendizaje experiencial y totalmente colaborativo, ya que los alumnos necesitan trabajar juntos en un proyecto para alcanzar los objetivos y aprenden en el proceso, siempre bajo la guía del profesor. Esto resulta altamente motivador y estimulante, lo que impulsa la creatividad.

STEAM, un modelo educativo integrador para un mundo sin fronteras - Proyecto

Conceptos que a nivel teórico resultan muy complejos, en la práctica toman cuerpo y resultan más fáciles de comprender. Los alumnos aprenden ciencia de una manera directa y ganan en pensamiento científico y crítico, ¡pero no solo se limitan a este ámbito!

Una de las grandes ventajas del modelo STEAM es su gran versatilidad y capacidad de combinarse con otras disciplinas o experiencias complementarias. Y, en este sentido, el intercambio cultural es una actividad ideal, ya que abre nuevos campos de aprendizaje experiencial y empírico para estos proyectos.

Un intercambio cultural entre centros que aplican la metodología STEAM, con una educación no necesariamente formal, ofrece una gran oportunidad: la creación de proyectos conjuntos entre alumnos y docentes de orígenes y pensamientos diversos.

STEAM, un modelo educativo integrador para un mundo sin fronteras - Manos

De esta manera, todas las personas que viven la experiencia no solo se benefician del aprendizaje científico, técnico y creativo, sino que reciben una inmersión irrepetible en valores culturales, humanos, lingüísticos… ¡En todos los beneficios que ofrece un intercambio!

Si tienes interés en realizar un intercambio cultural, ya puedes formar parte de la comunidad que te permite conectar con otros centros o particulares a nivel internacional para organizar esta experiencia cuándo, dónde y con quien decidas y a mínimo coste: ¡regístrate ya en dothegap!

¡Te esperamos!

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150 años de la Banda Municipal de Música de Ontur (1868-2018) – (II) Ontur por la Música

Fuente: diapason – 12 noviembre, 2020

Fructuoso Esquez Ibarra (1832-1888)

Puede ser que fuera un caluroso 14 de agosto de 1868 cuando sonaron las primeras notas musicales en Ontur, aquellas notas que romperían con lo angosto del momento y que darían paso a todo un mundo musical.

Fructuoso Esquez Ibarra, mostraría a sus alumnos de Ontur el sentir y la belleza de la música a través de su enseñanza y el dulce sonido de la citarina construida por él. Formaría con gran esfuerzo la Agrupación Musical de Ontur.

Más tarde allá por 1869 tomaría el relevo Enrique Torres Cebrián, aventajado alumno de D. Fructuoso y quien batuta en mano, un carro y unos cuantos compañeros se aventuraron a participar en la inauguración de la Basílica de la Purísima de Yecla.

Enrique Torres Cebrián (1846-1908)

Tras un breve periodo de ausencia, el 1 de mayo de 1904 es nombrado oficialmente, y por sesión plenaria, Director de la Banda de Música iniciándose con él un largo camino musical dentro de la familia Cebrián.

La música corría por las calles, en cada esquina se podía escuchar una nota musical saliendo de un instrumento, la música había llegado a Ontur sin intención de partida.

Segismundo Cebrián Martínez “El Maestro Mundo” fue quien sustituyo a su primo hermano, Enrique Torres, durante su ausencia. Aunque su paso musical fue breve, dejó una gran huella con la composición del pasodoble “Mundo”.

Tras el fallecimiento de Enrique Torres, se inicia un periodo de crisis musical que revivió de la mano de Robustiano Cebrián Ramírez “El Maestro Viejo” quien formaría una nueva cantera de jóvenes entusiastas por la música entre los años 1920 al 1937.

Robustiano Cebrián Ramírez “El maestro viejo” (1859-1937)

Tras años de batuta en mano y la retirada de una pequeña asignación económica, le hace dejar, a su pesar, la Dirección de la Banda de Música, cayendo esta en otro periodo de crisis.

Otro gran músico, Andrés Cebrián Higuera, sobrino de “El Maestro Viejo” se hace cargo de la Banda de Música hasta 1971 y con gran ilusión resurge de nuevo el pasodoble, la música en las fiestas y la alegría vuelve a las calles.

Benito Martínez Alcaráz, natural de Ontur y formado por los maestros Robustiano y Enrique Torres, entra a formar parte de la Orquesta Azul, y gracias a su gran formación musical se hace cargo de 1971 a 1986 de la Banda de Música.

Benito Martínez Alcaráz (1916-1995)

Les seguirían otros Maestros al frente de la dirección de la Banda, Javier Artés Beltrán, Juan Muñoz Martínez, María José García López, fundadora junto a otros compañeros de la charanga “si tu quieres…”, María Virginia Romero Gómez, con quien se graba por primera vez el disco “Del pasodoble al concierto” y se funda la Minibanda,… Javier Artés Arlandis.

Actualmente y desde 2015 la Banda de Música se encuentra bajo la batuta de Ramón Calabuig Garrigós, quien inició su andadura como profesor de la misma en el año 2004 y a quien se le debe la creación del Coro Municipal de Ontur.

Ramón Calabuig Garrigós

El tesón, la constancia y la pasión por la música ha llevado a Ontur a contar con dos Bandas, Municipal y Juvenil, esta última a cargo de un jovencísimo,  pero no menos experto, José María Cantos Gómez.

“Ontur es el más bello pueblo de España”… así proclama su Himno el sentir de los Ontureños, compuesto en el año 1993 por D. Miguel Asins Arbó y letra adaptada por su esposa Dña. Josefa Cebrián Collado, natal de Ontur y parte de una saga musical, con poemas de distintos artistas locales.

Música y ensueño que corre por las venas de todos los componentes que han formado parte de la historia de la Banda de Música de Ontur,  150 años que en muchos casos ha pasado de generación en generación.

Familias enteras unidas por la música, innumerables todos y a cada cual con mayor implicación, capaces de transmitir el orgullo de formar parte de esa gran familia que ha ido consolidándose durante 150 años.

Himno a Ontur (1993) Música: Miguel Asins Arbó.

Letra: Josefa Cebrián Collado

Ontur no concibe su existencia sin música, sin pasacalles, ni dianas, ni sus conciertos, Ontur no concibe su existencia sin su Banda.

Ontur, pueblo lleno de sentimientos musicales y sutiles acordes. De melodiosas raíces que han llevado durante todos estos 150 años la música por sus calles al son de pasodobles y marchas.

Orgullo y emoción, decisión, tesón, arraigo y tradición son adjetivos que caracterizan a la música en Ontur, y a sus gentes.

Un viaje musical cada vez que su Banda pasea por las calles recorriendo cada rincón, llegando a cada hogar, y haciendo vibrar a sus vecinos a cada paso.

Acompañando a su patrón San José, a sus imágenes en procesiones, a sus Damas y Reina que con gran garbo suben hacia los toros al son de “Amparito Roca”.

Este es Ontur, esta es su historia forjada al son de acordes musicales, sus componentes, sus vidas, sus esfuerzos han hecho que la música forme parte de su día a día, que perdure en el tiempo, que los sueños de cada uno de ellos se cumplan acompañados de suaves melodías.

Ontur musical…un sueño… una realidad.

 

Manuel Molina.

Músico veterano de la Banda Municipal de Música de Ontur.

 

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Juan Manuel Palao Pérez obtiene el Segundo Premio del III Concurso “Jóvenes compositores de la Región de Murcia”

La Asociación de Amigos de la Música de Yecla, informa que Juan Manuel Palao Pérez, percusionista de nuestra Banda de Música, ha obtenido el Segundo Premio del III Concurso “Jóvenes compositores de la Región de Murcia” con su obra «Impresiones sobre una vida pasada».

El III Concurso de composición «Jóvenes compositores de la Región de Murcia», fue convocado por el Departamento de Composición del Conservatorio Profesional de Música de Murcia, y estaba destinado a todos los estudiantes de Grado Profesional de Música de la Comunidad Autónoma de la Región de Murcia interesados en el mundo de la composición.

En esta tercera edición el Certamen ha contado con una alta participación y con un jurado formado por tres profesores del Conservatorio Superior de Música de Murcia: Francisco Javier Pérez Albaladejo, Francisco José Rico Becerra y Brian Santiago Martínez Rodríguez.

En el mes de mayo se dieron a conocer las 4 obras finalistas y el día 31 de octubre se publicó el fallo del jurado. Siendo la obra de nuestro compañero: «Impresiones sobre una vida pasada» para saxofón alto y piano, la ganadora del Segundo Premio.

Yecla, 11 de noviembre de 2020

El propio Juan Manuel ha tenido la deferencia de describirnos su composición:

“Esta composición describe la historia de una persona que se despierta en otra vida anterior: El primer movimiento tiene un carácter misterioso y lento, mostrando los sentimientos de esa persona que se siente confundida, perdida y curiosa; el segundo movimiento es una balada que transmite mucha paz, con un discurso entre el saxo y el piano muy fluido y ligero. En esta parte, el protagonista se da cuenta que esa vida en la que está sumergido es mejor que la que tiene en el presente. Para finalizar, el tercer movimiento tiene un carácter mucho más rítmico, con un tempo rápido y con una armonía que nos envuelven en un estilo jazzístico. La persona está obligada a volver a su vida presente, teniendo que aceptar la realidad”.

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Música y Covid-19 por Jesús Rodríguez Azorín

La epidemia del coronavirus que ha asolado el mundo entero y que ha tenido una especial virulencia en nuestro país, además de una tragedia, ha supuesto un cambio radical en la sociedad y, por supuesto, en la música.

Los músicos, tanto docentes como intérpretes, han tenido que adaptarse a la nueva situación.

La primera consecuencia que ha tenido para los profesores de música ha sido la proliferación de las clases online. No cabe duda de que hay una grandísima diferencia entre dar clases de forma presencial y online.

Fuente: Escrito por diapason – 5 noviembre, 2020

En las clases por vídeollamada el alumno no puede apreciar la calidad de sonido del profesor, cuestión ésta muy importante para el aprendizaje de un instrumento puesto que la imitación del sonido nos permitirá desarrollar una sonoridad relajada, flexible y musical, y esto es muy difícil de apreciar a través de una clase no presencial, ya que la calidad del audio no tiene nada que ver con la de una clase real.

Otro inconveniente que surge en las clases online es la dificultad para interactuar con el alumno. El profesor no puede tocar un dúo con él ni, incluso, ponerle el metrónomo, puesto que el retardo que se produce en el sonido dificulta el sincronizar la interpretación musical en conjunto. Además, a la hora de mostrar algún ejemplo de ejercicio técnico o musical a los alumnos se pierde mucho tiempo mientras tienes que mostrar alguna partitura en Pdf a través de la pantalla. El solo hecho de realizar alguna anotación en la partitura, que antes era un proceso rápido e intuitivo, se convierte en una odisea al tener que dar instrucciones a través de la pantalla.

Para intentar paliar estos inconvenientes, los profesores recurren a un esquema más estático de enseñanza: primero toca el alumno y, a continuación, el profesor explica las correcciones pertinentes o toca los pasajes él mismo. Este proceso se repite varias veces hasta que la interpretación de la pieza va mejorando, aunque las interactuaciones entre profesor y alumno se ven reducidas al máximo.

Por supuesto, el impartir clases online es mucho más difícil para los niños más pequeños y también para los grupos de alumnos. Mantener la atención de todo un grupo, sobre todo en edades tempranas, es una tarea muy difícil a través de la pantalla del ordenador o la Tablet. Además, es bastante difícil recurrir a la interpretación conjunta de todo el grupo por el tema ya mencionado del retardo en el sonido.

En el caso de las clases de instrumento a los alumnos más mayores, las clases no presenciales pueden ser más provechosas, especialmente cuando la materia a trabajar es muy específica. Por ejemplo, para mostrar una rutina de ejercicios a los alumnos, para explicar cómo trabajar una obra, etc. De hecho, con esta pandemia, un gran número de profesionales (pertenecientes a orquestas profesionales, sobre todo), han realizado numerosas aportaciones a través de YouTube o de otros canales, sobre diferentes prácticas instrumentales o grabaciones musicales, así como la realización de clases online.

A pesar de todos estos inconvenientes, no cabe duda de que las clases online han permitido a las escuelas de música y conservatorios continuar con su actividad, cosa que no se ha podido hacer en muchos otros trabajos. Dependiendo del número y la edad de los alumnos, así como del tipo de enseñanza musical de la que estemos hablando, las clases se han podido seguir con mayor o menor éxito, pero han permitido al alumnado continuar con sus estudios y a los centros educativos mantener una actividad con la que han podido mantener su función educativa y social.

Mientras el mundo de la docencia musical ha podido de alguna manera capear el temporal que ha supuesto la epidemia de coronavirus, para los músicos dedicados a la interpretación, ha supuesto una autentica hecatombe. Desde los grandes concertistas e intérpretes de todo tipo de música, hasta las orquestas y bandas profesionales o las agrupaciones musicales de todo tipo (bandas, coros, orquestas de música ligera, etc.), todos han sufrido una parálisis total de su actividad a nivel de ensayos y conciertos, ya que sin el público la música no puede existir.

Los músicos de las orquestas y bandas profesionales están aprendiendo a utilizar la mascarilla, a tocar separados de sus compañeros e incorporar todas las precauciones a su trabajo habitual de tocar música de conjunto. Estos músicos han tenido que adaptarse e incorporar otras actividades de manera online, como clases particulares, realización de arreglos musicales, agrupaciones virtuales, autopromoción en redes sociales o, en el caso de algunas orquestas profesionales, conciertos en streaming tanto de pago como en abierto.

También para las bandas no profesionales, ha supuesto un parón total en su actividad musical y una merma importante en los ingresos generados por las actuaciones y conciertos, con el consiguiente perjuicio para el mantenimiento de sus actividades de formación de músicos y de dinamización de la cultura de tantos pueblos y ciudades.

Además, y al igual que en otras muchas profesiones, la vuelta a la actividad se prevé muy lenta y volver a alcanzar un nivel similar al anterior a la pandemia, en lo que se refiere a conciertos y actividades musicales, se ve ahora mismo como algo muy lejano.

Durante todo el período de confinamiento, una de las cosas que nos ayudó a sobrellevar este difícil período fue la Cultura. Los conciertos desde los balcones, el cine, las series, la música de todo tipo, etc. Ahora, esos mismos artistas necesitan de todos nosotros para volver a realizar lo que mejor saben hacer.

Al igual que en muchos otros campos de nuestra vida cotidiana, necesitamos recuperar, con precaución, pero con determinación, la vida social y cultural que tan importante es para las relaciones humanas y el enriquecimiento personal.

Jesús Rodríguez Azorín

Catedrático de Trompeta del Conservatorio Superior de Música Rafael Orozco de Córdoba.

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