Estudios realizados sobre la Música y en especial sobre las Bandas de Música y Tesis sobre lo mismo

¿Qué tengo que hacer como director/a para motivar y satisfacer a los músicos de mi agrupación?

¿Y cómo puedo conseguir que todo esté en consonancia con mis propios motivos y objetivos?

Antes de comenzar, hay que tener en cuenta algunos aspectos.

El primero, ser consciente de que todos somos diferentes. Cada cerebro es distinto y único. Aunque veamos o pensemos lo mismo, siempre habrá alguna variable, que viene dada por nuestra biología, contexto, entorno, experiencias… Sería complicado que millones de conexiones neuronales coincidieran en una sinapsis idéntica, ¿no?

Eso nos lleva a la famosa frase en PNL: “El mapa no es el territorio”. Es decir, un territorio, diferentes mapas. O lo que es lo mismo, una realidad y diferentes interpretaciones. Ese territorio no cambia, es el que es. Lo que sí cambia es nuestra visión de ese territorio (nuestro mapa) debido a la plasticidad del cerebro y a las experiencias y aprendizajes que vivimos.

¿Cómo provocar la motivación en los músicos de la agrupación?

Atacando directamente a su sistema de toma de decisiones.

El proceso de la información recibida pasa por nuestro centro de mando, la corteza prefrontal. Es ahí donde interactúan los cuatro sistemas cerebrales de la motivación que indicaré a continuación.

Es, entonces, cuando pensamos, decidimos y actuamos.

El sistema de toma de decisiones, a través de la ínsula, valora si algo nos produce dolor o bienestar. Si el dolor es menor que el bienestar, actuamos. Es decir, si pienso que la satisfacción de tocar junto a mis compañeros es mayor que tener que desplazarme al lugar de ensayo, o ir sin cenar, o acostarme tarde para madrugar al día siguiente… si merece la pena, entonces tomaré la decisión de ir.

Como decía, el resto de sistemas pueden ayudar a provocar esa decisión en los músicos.

El sistema de recompensa es el origen del rendimiento y actúa en la corteza prefrontal y el área tegmental ventral a través de un circuito neuronal muy potente gracias a la retroalimentación de determinados neurotransmisores.

Atención:

  1. Si pensamos algo que sentimos placentero, se inyecta un chute de dopamina en nuestro cerebro.
  2. Esa dopamina actúa en la sinapsis de la corteza prefrontal y surge la expectativa de felicidad, por lo que nos lleva a la acción.
  3. Si finalmente obtenemos una experiencia positiva, se libera otro neurotransmisor, la serotonina, ¡el químico de la felicidad!
  4. Esa sensación le encanta al cerebro, así que quiere repetir.

Pero… ¡Cuidado! Demasiadas repeticiones reducirá el efecto y no obtendremos los resultados deseados.

Por cierto, cuando hablamos de recompensas, no hablamos de premios económicos, sino de palabras o frases positivas, sorpresas, reconocimientos en público… Como dice el médico y profesor alemán Joachim Bauer: “Nada nos estimula tanto como el deseo de ser visto por los demás, la perspectiva del reconocimiento social, la experiencia del afecto positivo y la experiencia del amor.”

Por otro lado, está el sistema emocional. Nuestros sentidos captan los diferentes estímulos y se convierten en procesos químicos del sistema nervioso, siendo la amígdala quien procesa las emociones.

Uno de los estímulos más potentes para el ser humano es adquirir o mantener relaciones interpersonales. Por eso, la cooperación y la construcción de relaciones entre personas es esencial para nuestra motivación. A ello se le suman las recompensas que comentaba en el sistema anterior y ¡boom! Obtendremos un equipo muy potente.

Pero hay más.

El 4º sistema del cerebro tiene que ver con la memoria y las expectativas. La memoria guía nuestros pensamientos y acciones. Es la suma de experiencias que vivimos. Cuanto más fuerte, tanto positiva como negativa, la experiencia será mejor recordada. Y, por supuesto, el sistema de recompensa ayuda mucho.

Este es el motivo de nuestra posible inseguridad y rechazo ante las nuevas experiencias. Aquello que nos resulta familiar nos provoca mayor seguridad y confianza para volverlo a repetir. Por ello, si queremos introducir algo nuevo en el grupo, es recomendable combinarlo con algo familiar.

Resumiendo, para mantener un grupo sólido y motivado es importante cuidar estos 4 sistemas.

  • Fomentar esas pequeñas acciones que potencian la aparición de neurotransmisores en nuestro sistema de recompensa.
  • Provocar el trabajo cooperativo y las relaciones entre compañeros/as.
  • Anclar experiencias positivas y gratificantes en el grupo.
  • Todo ello favorecerá diferentes tomas de decisiones que beneficiarán al grupo y lo harán crecer de forma holística.

¡Recomendación!

  • Haz una lista de pequeñas acciones.
  • Utiliza una tabla con los días del mes.
  • Comprométete y chequea los días que realizas esas acciones.
  • Crea el hábito y reflexiona sobre los resultados obtenidos.

José Vicente Vivo
Director de banda
Maestro en Educación Musical,
y Coach Educativo.
www.josevivo.es
@josevi.vivo

Fuentes: Temario del Máster de Neurocoaching Educativo de la Escuela Internacional de Neuroeducación y Coaching EINEC.

El trabajo “Les dones i la música; una relació dissonant?” nace con la voluntad de poner en el centro las protagonistas olvidadas de la historia de la música.

Por definición, en música, la disonancia es el conjunto de sonidos que el oído percibe con tensión, y que por ello tiende a rechazarlos. Algo parecido ocurre cuando hablamos de la mujer a lo largo de la historia, hablamos de personas rodeadas de convenciones sociales por el poder del patriarcado, por tradiciones y legislaciones que las dejan siempre en una posición vulnerable. Y en el mudo de la música no ha sido distinto.

Este trabajo va por ellas, por las músicas que se enfrentaron a la sociedad de sus épocas para poder desarrollar su talento musical.

Y a las que lo siguen haciendo.

Instrucción del trabajo 

Cuando hablamos de la mujer a lo largo de la historia hablamos de personas encerradas por la convención social, por el poder patrimonial de patriarcado, por tradiciones y legislaciones que las dejan siempre en una posición vulnerable. Y en el mundo de la música no ha sido distinto.

¿Por qué no existe una tradición musical femenina? ¿Por qué no existió ninguna mujer con el talento de Mozart? ¿O sí que las hubo y han quedado, tanto ellas como su obra, relegadas al olvido? La búsqueda en la respuesta de este abanico de preguntas silenciadas, constituyen el estímulo para realizar mi trabajo de investigación, un trabajo que tiene como objetivo conocer, estudiar y sacar de las sombras de la inferioridad al colectivo femenino que va apostar por la música.

Siempre he considerado la discriminación de la mujer un tema especialmente interesante, por cómo ha ido evolucionando su historia y por cómo hemos conseguido pasar de una posición totalmente subordinada en todos los aspectos de su vida, a la igualdad (al menos legal) con el hombre, su gran dominador histórico. La música por otra parte siempre ha sido un pilar muy importante en mi vida, actualmente estoy cursando el último curso de grado profesional en el Conservatorio de Música de Tortosa, al tiempo que formo parte de la Banda Municipal de Música de Alcanar . Por eso, desde el principio decidí que quería que mi trabajo girara alrededor de la mujer, pero también de la música, y así, empecé a estudiar la relación entre estos dos mundos, que siempre me han atraído . Pero este campo es increíblemente amplio para poder ser estudiado, puesto que se nos presenta como una fuente inacabable de misterio. Por esa razón, tuve que marcar unos límites en mi investigación y definirla dentro de un ámbito que me era familiar y cercano, las bandas de música. Sin embargo, las bandas de música también son un ámbito muy extenso, por lo que tuve que delimitar aún más mi investigación y establecerla dentro de mi comarca, la comarca del Montsià, centrándola aún más en la banda a la cual pertenezco, la Banda Municipal de Música de Alcanar.

El desconocimiento o, incluso, la carencia incomprensible de interés de la mayor parte de nuestra sociedad por conocer la obra musical de muchas compositoras e intérpretes de diferentes épocas de la historia me hizo plantear la oportunidad que tenía de hacer un estudio del conocimiento de estas mujeres aprovechando el ámbito musical que ya tenía establecido, las bandas.

Por otra parte, partiendo de la realidad que en pleno siglo XX e incluso XXI siguen existiendo una serie de obstáculos e impedimentos que dificultan la presencia de la mujer en un panorama cultural y musical, decidí recoger las experiencias de las primeras músicas de las bandas de la comarca, especialmente las que formaron parte de la Banda Municipal de Música de Alcanar; y dedicar un espacio a sus voces que se encontraron entre prejuicios y normas establecidas. Así como, realizar un estudio de la inserción de la mujer en estas.

La falta de tiempo y la falta de documentos escritos relacionados con las mujeres en las bandas de la comarca, me obligaron a realizar un estudio, un trabajo de campo, basado en las voces de las propias protagonistas: las entrevistas y los resultados de las encuestas.

El documento que tiene en sus manos se divide en dos bloques: un marco teórico y un marco práctico. En el primero se explica de forma breve y general la situación de las mujeres compositoras, directoras e instrumentistas durante la historia, así como los hechos más remarcables de éstas, fundamento para realizar la otra parte. Por otra parte, en el marco práctico se realiza un análisis de las bandas de la comarca y de la inserción de la mujer en éstas, además, consta de un estudio sobre el conocimiento de mujeres músicas reconocidas.

Este trabajo me ha permitido descubrir, conocer y estudiar la vida de unas mujeres que han dejado un legado importante para nuestra y las próximas generaciones, no sólo en el terreno musical sino en el de la igualdad profesional en general, puesto que algunas de ellas lucharon incansablemente por sus derechos, allanando el difícil camino hacia la igualdad.

Yo les invito a hacer un pequeño viaje para adentrarte dentro de una parte de la historia de la música de la mano de unas protagonistas que hasta hace poco habían sido olvidadas.

Ariadna Alonso Sancho

Trabajo de investigación, en pdf

Las asociaciones Clásicas y Modernas y Mujeres en la Música, en colaboración con la Fundación SGAE, ha presentado  la segunda edición del estudio ¿Dónde están las mujeres en la música sinfónica? Composición. Dirección. Solistasen el que se analiza el papel de la mujer dentro de esta disciplina. Los datos ponen de manifiesto que la participación de la mujer en este campo está aún muy lejos de lo que sería deseable en términos de paridad e igualdad. El análisis ha tomado como referencia los conciertos ofrecidos por las orquestas españolas en la temporada 2018-2019.

La presentación ha contado con la participación de Juan José Solana, presidente de la Fundación SGAE; Fátima Anllo, presidenta de la Asociación Clásicas y Modernas; Pilar Rius, presidenta de la Asociación Mujeres en la Música, y Pilar Pastor, coordinadora del estudio darán a conocer las conclusiones principales del estudio y las medidas a tomar para subsanar este claro desequilibrio.

“Este estudio refleja la discriminación y la injusticia que sufren las mujeres en la música y deja constancia de la poca mejora en los últimos años: la música sinfónica es el campo más desigual de todas las disciplinas artísticas”, ha sentenciado Fátima Anllo de Clásicas y Modernas.

Para ello han analizado los conciertos de abono de cada orquesta. En total, han sido analizadas 23 orquestas, 643 conciertos, 1890 obras, 305 compositores y compositoras, 154 directores y directoras y 215 solistas. De los resultados obtenidos se desprende que el mundo de la música clásica es uno de los territorios masculinos por excelencia en el sector cultura y, en comparación con el análisis de la temporada 2016-2017, no se muestran cambios en esta tendencia: solo el 1% de las obras programadas por las orquestas sinfónicas españolas tienen autoría femenina: 26 obras seleccionadas de mujeres frente a las 1864 de hombres.

Asimismo, solo el 8% de los directores de orquesta son mujeres, alcanzando la cifra de 13 directoras frente a 141 directores, mientras que en el resto de campos culturales la dirección de mujeres alcanza casi el 30%. Estas 13 directoras han dirigido en total el 5% de los conciertos programados (32 conciertos en total de 643 analizados). Frente al estudio anterior, la dirección de conciertos por mujeres ha subido un punto y el número de directoras se ha incrementado en tres puntos.

“Es el porcentaje más bajo de presencia femenina en cualquier ámbito musical y me atrevería a decir que en cualquier profesión (es más bajo que en las Fuerzas Armadas, que entre la comunidad científica…)”, afirma Pilar Pastor, coordinadora del estudio.

-Del estudio se desprende que solo el 5% de los conciertos programados están dirigidos por mujeres y solo el 23% de los conciertos de solistas fueron interpretados por una mujer y se demuestra que hay sesgo de género en función del instrumento

Por último, solo el 23% de los conciertos de solistas fueron interpretados por una mujer. Las féminas solistas representan solo el 28% del total de todos los intérpretes. En cuanto a los instrumentos, solo en arpa y viola son mayoría ellas (100% y 60% de los intérpretes, respectivamente) y en flauta (40%, cifra que podría considerarse igualitaria). Si bien, la suma de conciertos con estos tres instrumentos representa solo el 3% de todos los conciertos de solistas. Además, hay 13 instrumentos que no cuentan con ninguna mujer intérprete.

Estudio completo

Los datos que presenta en este estudio evidencian que las leyes para la igualdad en este campo no son efectivas.  El reconocimiento institucional llega asimismo con lentitud: solo cuatro compositoras han recibido el Premio Nacional de Música en la categoría de composición, denuncia el prólogo del estudio. Por su parte, el Premio Nacional de Interpretación se ha concedido a mujeres en una proporción de un 27%, entre ellas, varias sopranos. El premio de composición que otorgan desde el año 2000 la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS) y la Fundación BBVA solo se ha concedido a una mujer en sus 10 ediciones.

“Debe haber una programación real en igualdad. Desde aquí lanzamos un SOS a las instituciones públicas. Consideramos que una vez realizados estos estudios se debe llevar a cabo una tarea de corrección”, reclama Pilar Rius, presidenta de Mujeres en la Música.

Compromiso SGAE por la Igualdad   
Esta jornada de análisis sobre el papel de la mujer en la música clásica ha inaugurado una serie de actividades que la Sociedad General de Autores ha organizado con motivo del Día Internacional de la Mujer. A la presentación del estudio, le ha seguido la mesa redonda Compositoras, directoras y solistas. ¿Por qué no se aplica la legislación vigente para combatir la desigualdad estructural?, que puede seguirse a través del canal de YouTube de la Asociación Mujeres en la Música. A las 12.30 horas tendrá lugar la inauguración de la exposición ¡Pionera tenías que ser! para homenajear a todas aquellas mujeres que a principios del siglo XX abrieron el camino y que han sido referentes para sus contemporáneas como María Rodrigo, María Lejárraga o Emilia Pardo Bazán y que podrá disfrutarse hasta el 16 de marzo en la sede de la SGAE en Madrid. El acto concluirá con la lectura de un manifiesto y la actuación musical de Virginia Maestro.

Estudio completo disponible en la página web de Fundación SGAE

Fuente: fundacionsgae.org

La flauta es un instrumento de tubo cilíndrico de metal abierto. Se compone de tres piezas.

La cabeza acoge la embocadura del instrumento, está mide 22cm de longitud y posee un diámetro que oscila entre los 17mm, y los 19mm, es fácil apreciar esa diferencia cuando el instrumento está en nuestras manos ya que en la parte superior va instalado el tapón  de cierre superior, normalmente en esta pieza lleva un cilindro de corcho donde ejerce la presión y la optimización del diámetro correspondiente a distancia que debe poseer para obtener la afinación correcta, además de esta apertura también dependerá la apertura de las llaves, su altura será fundamental para establecer una ergonomía correcta para el flautista y también en la afinación general.

El cuerpo o parte central es el de mayor tamaño su longitud  es de 35,5 cm por norma general podría variar un poco con respecto a marcas de gama alta dónde se realiza un trabajo artesanal y unas variaciones que dan un sello personal e identificativo, aunque es muy importante saber que al final su distancia total debe ser cuidadosamente unificada para obtener una afinación correcta.

La pata de do o parte final de este instrumento posee una longitud de 13 cm y tiene un aro final que realiza una función de refuerzo importante y también como neutralizador de vibraciones.

Las características técnicas de este instrumento es muy especial ya que su nombre flauta travesera, hace referencia a la forma en que el instrumentista sostiene el instrumento, realizando un apoyo transversal . Posee una extensión de tres octavas, tiene 16 orificios que se encuentra en el tubo, debiendo el intérprete accionar 16 llaves para la emisión de los sonidos que este bello instrumento nos aporta con un sonido dulce y suave, con grandes matices.

Las flautas son mayoritariamente fabricadas en alpaca con un recubrimiento en cobre y un último baño electrolítico de plata, aquí otra curiosidad, el mínimo que debe poseer para poseer una calidad especial es de 25 micras de plata, lo que dará una optimización acústica.

El material elegido por la gran mayoría de constructores es la alpaca y por supuesto los metales nobles como el oro y la plata, con sus correspondientes medidas de cobre que dará dureza a los materiales fabricados.

Es importante y también como curiosidad saber que una flauta fabricada en alpaca pesa 560 gramos, una fabricada en plata 680 gramos, y una fabricada en oro 980 gramos, todo esto es aproximado.

Es por este caso que las flautas fabricadas con metales nobles tienen una calidad excelente, y claro es que su precio también es muchísimo más elevado.

Una curiosidad muy importante es que tanto el oro y la plata son metales susceptibles de subidas y bajadas de precios, con lo que en algún momento a la hora de realizar una compra de una gran magnitud, es importante saber que como en el sector de la joyería el regateo es recomendable dado que un material que ha bajado por gramo puedes solicitar una reducción económica si se tiene este conocimiento.

Aunque aquí hay una respuesta muy importante el trabajo manual que se realiza en toda su fabricación hace de este instrumento y sus elementos hacen que su precio lleve a esos precios de mercado.

De todas formas este ha sido un artículo dedicado a curiosidades para dar información y argumentación a los amantes de este maravilloso instrumento, sin más comentario que caso de duda o aclaración recurrir siempre a vuestro servicio técnico de confianza que os dará detalles precisos que os ayudarán a comprender el mantenimiento y mecánico que este instrumento posee.

Muchas gracias.

Manuel Martín Ventura

Euharmary Martinez Macia

Bienvenido a Viena, 22 de diciembre de 1808. Estamos en el Theater an der Wien; la sala de conciertos está helada y ya llevas dos horas en una función que durará cuatro, escuchando música que la orquesta no está interpretando bien.

Documental Da da da DAAAAA! * – BBC Radio 3 – 24 julio 2021

Los músicos se preparan para ejecutar una pieza nueva que sólo han ensayado una vez bajo la batuta de un compositor que no les simpatiza mucho.

Pero lo que el público está a punto de escuchar va a cambiar la manera en la que se piensa en la música para siempre.

¡SOL SOL SOL MIIII!

O, en otras palabras, ¡TA TA TA TAAAA!

4 notas, que son como una bofetada en la cara, seguidas por otro ta ta ta Taaaa igual de poderoso.

Tras ese golpe inicial, continúa un asalto total, martillando esas cuatro notas sin tregua.

Y cuando llega lo que se parece a una melodía (el segundo movimiento), comenzando con los violines, vuelven a entrar inmediatamente, deslizándose en el fondo.

De hecho, toda la Sinfonía No. 5 en Do menor de Ludwig van Beethoven, op. 67, está infectada con esas cuatro notas, que regresan de una forma u otra en los otros movimientos.

Beethoven rodeado de rayos

El concierto de esa noche en Viena no fue, según se reportó, muy bueno, y un periódico escribió que “la ejecución podría considerarse carente en todos los aspectos”.

Quizás había que darle tiempo. Después de todo, la música del compositor alemán “era muy escandalosa, hizo cosas que nadie más se había atrevido a hacer antes”, le dijo a Rachel Parris de BBC Radio 3 la trompista de la Filarmónica de Berlín y presentadora de programas de música clásica Sarah Willis.

Pero si en la noche de su estreno no tuvo mucho impacto, lo ha compensado con creces desde entonces: el inicio de la 5ª Sinfonía es el fragmento sinfónico más conocido del mundo y esas primeras cuatro notas han desafiado a los músicos, inspirado a los artistas y hasta logrado que los críticos cambiaran de opinión.

Dos años más tarde, el crítico (y otras cosas) alemán E. T. A. Hoffmann elogió a Beethoven diciendo que era una pieza que “abre el reino de lo colosal e inconmensurable… evoca terror, espanto, horror y dolor, y despierta ese anhelo interminable que es la esencia del romanticismo“.

¡Escuchen!

“Generalmente las sinfonías empiezan con una sección lenta, un adagio agradable, que se mueve en una sección más rápida en el primer movimiento, pero Beethoven no se puso en esas sino que nos dijo exactamente lo que tenía que decirnos: ¡ta ta ta Taaa!”

Un retrato autografiado del compositor alemán Ludwig van Beethoven (1770-1827).

GETTY IMAGES – Un retrato autografiado de Beethoven (1770-1827).

¿Será que el secreto de su encanto radica en que realmente está tratando de decir algo?

“No soy músico, así que lo interpreto de una manera diferente”, adivirtió el director de cine Ken Loach, para quien esa apertura “es como un desafío o advertencia y hay una sensación de que esto es serio, es una amenaza existencial o peligro o interrogante o contradicción y el resultado no está asegurado”.

Es dramática, y el mejor drama te atrae porque estás desesperado por descubrir cómo termina.

¡Revolución!

Beethoven ciertamente vivió en tiempos dramáticos y el prominente director de orquesta John Eliot Gardiner dice que no sólo puedes escuchar el frenesí de la época en su música, sino además las ideas del compositor.

“Creo que realmente estaba tratando de transmitir sus creencias políticas profundamente arraigadas.

“Sus opiniones cambiaban pero el momento particular en que escribió la Sinfonía, a principios de 1800, estaba completamente bajo el hechizo de la Revolución Francesa e incluso contempló mudarse de Bonn y Viena a París”.

Beethoven era un gran creyente en los ideales de la Revolución Francesa, la libertad, la igualdad y la fraternidad. En 1804 le dedicó su 3ª Sinfonía a Napoleón, pero retiró esa dedicación después de que Napoleón se declarara emperador de Francia, pues no era acorde con sus ideales.

Luigi Cherubini y la musa de la poesía lírica, 1842. Museo del Louvre, París.

GETTY IMAGES – Hay frases en la 5ª Sinfonía que suenan como parte del “Himno del Panteón” de Cherubini (Luigi Cherubini y la musa de la poesía lírica, 1842).

Hay una teoría, que John Elliott Gardiner respalda, de que se pueden escuchar pistas de las intenciones revolucionarias de la 5ª sinfonía desde el principio.

“No hay duda en mi mente de que en la 5ª Sinfonía Beethoven está citando directamente el ‘Hymne du Panthéon‘ de Luigi Cherubini, a quien Beethoven admiraba mucho.

“‘Nous jurons tour, le fer en main, de mourir pour la Republique, et pours les droits du genre humain‘; ‘Juramos, espada en mano, morir por la República y por los derechos del hombre‘.

“¡Imagínate el revuelo que habría provocado en Viena si hubiera sido decodificado!”

¡Lucha!

No todo el mundo concuerda con la interpretación de John Elliot Gardiner, pero es difícil descartar la idea de que Beethoven tenía su mente en algo más que la música cuando compuso esta sinfonía… es grande, es audaz y esa es una de las razones por las que se queda con uno, y podría ser una pista de por qué entró en nuestra psique.

Paraguas de gente que pasa cerca de un grafiti de Beethoven en su ciudad natal de Bonn.

GETTY IMAGES – Paraguas de transeúntes al lado de grafiti de Beethoven en su ciudad natal de Bonn.

“Coincide con nuestra experiencia”, señala Ken Loach.

“Todo el mundo experimenta una lucha y particularmente cuanto más abajo en la escala social estés. Está implícita en nuestra vida y si te involucras en un esfuerzo por el cambio social y político ¡dios! te golpea como una ola… como las olas en el primer movimiento y te tiran abajo una y otra vez.

“Es por eso que esta música es tan poderosa”.

No hay mucha evidencia de que Beethoven estuviera involucrado en luchas políticas, no impulsó activamente una agenda, pero partes de la sinfonía, como el cierre del primer movimiento, son una expresión musical de momentos de oscuridad y duda.

Silencio

El principio básico de cualquier intérprete de esta pieza es pararte en seco, hacerte escuchar, pensar, relacionarlo con las dificultades que enfrentas personalmente o en el mundo que te rodea.

Y hay un problema, por encima de todos los demás, que estaba en la mente del compositor mientras escribía esta obra.

Si prestas atención puedes escucharlo.

Beethoven pintado por el artista vienés Julius Schmid (1854-1934).

GETTY IMAGES – Beethoven pintado por el artista vienés Julius Schmid (1854-1934).

Paseando un día con su amigo y compositor Ferdinand Ries, Ries señaló a un pastor tocando su flauta. Lo único que Beethoven pudo escuchar fue silencio.

Fue el momento que temía. Se había definido como compositor, había labrado una carrera en la música y ahora se estaba quedando sordo.

“Como músico, la audición es vital”, le dijo a BBC Radio 3 la contrabajista Chi-chi Nwanoku.

“Oír es automático, pero escuchar requiere de una habilidad especial y es una de las principales que se nos enseñan cuando aprendemos música. Para Ludwig estar perdiendo ese elemento importante de sus sentidos a los veintitantos tuvo que haber sido la forma más cruel de tortura“.

Gritos

Desde que tenía memoria, Beethoven había estado tocando música y se podría pensar que para hacerlo uno tiene que ser capaz de escucharla. Sin ese sentido, estaba en peligro de perder su identidad.

¿Será que el secreto está en que podemos escuchar el dolor y la frustración de Beethoven, que está gritando por medio de la música, como un cantante de heavy metal o una estrella de rock?

“Yo me imagino a Beethoven más como alguien que llega en una moto que como alguien con sombrero de copa caminando tranquilamente por la calle. Para mí, Beethoven realmente era una estrella de rock”, opina Sarah Willis.

Beethoven Superstar gráfico

“Sólo tienes que escuchar el comienzo de la 5ª Sinfonía y preguntarte si es el primer riff de rock escrito jamás. Los riffs de rock usualmente son 4 notas que se repiten a lo largo de las canciones”.

Obviamente, Beethoven no pretendía que fuera un riff de rock, pero sabía que estaba escribiendo una frase pegadiza y, aunque puede sonar un poco simplista, la capacidad de cualquier músico en cualquier área para crear un éxito siempre va a ser central para alcanzar la gloria.

Y, como tantos clásicos de la música popular, se han hecho muchas versiones de la 5ª Sinfonía, desde la disco-funk de Walter Murphy de 1976 (“A Fifth of Beethoven”)el mashup electro-clásico de DJ de Mars y el mashup acústico de la Quinta con salsa, por mencionar apenas algunas.

Si estamos en busca de pistas sobre por qué esta pieza musical sigue tan vigente, vale la pena escuchar a quienes la tocan.

Sol sol sol miii

¿Será que el secreto está en la interpretación?

Un semáforo verde con el retrato de Beethoven en Bonn, durante la celebración del 250 aniversario de su nacimiento.

GETTY IMAGES – Beethoven la compuso pero todos tienen luz verde para interpretarla.

Ese ritmo de apertura es más complejo de lo que piensas; en realidad, no es ¡ta ta ta Taaa! sino ¡[*]-ta-ta-ta Taaa! donde el tiempo principal (acentuado) está en negrita y el asterisco es un descanso (o, para los músicos en la orquesta, un “respiro” rápido). Eso hace que sea una pieza notoriamente difícil para conductores inexpertos.

“Muchos directores me han dicho que el comienzo de la 5ª Sinfonía de Beethoven es una de las cosas más difíciles de dirigir”, dice Sarah Willis.

“Todo el mundo sabe que tienen que empezar juntos, la orquesta debe tocar unida, con esa pasión, ese impulso en él no puede simplemente ser ta ta ta ta porque eso no es lo que Beethoven quería, sino ¡ta ta ta Taaa!”.

Willis, quien debe esperar a que le llegue el turno a la sección de trompas para tocar esas cuatro notas, cuenta que, sentada en la orquesta, “siempre es un momento angustioso: el director da algún tipo de downbeat y las cuerdas tienen que tocar ese ta ta ta Taaa, y me aterroriza que alguien comience demasiado pronto o tarde y arruine ese maravilloso efecto al unísono.

“Pero también siempre me asombra cómo lo logran”.

Y no es cuestión sólo de tocar, se trata de interpretar.

“¿Cómo superamos la familiaridad de la música?”, pregunta John Elliott Gardiner. “Los músicos somos capaces de dar vida en el instante, en un marco de tiempo específico, en un nuevo contexto a la música que parece muerta en la página, para que se convierta en un tejido vivo.

“Para mí, esta música de Beethoven es tan urgente ahora como lo ha sido siempre”.

Grafiti de Beethoven en Bonn, Alemania

GETTY IMAGES – Es música que se entromete, te interrumpe, te agarra y te sacude.

“Las notas están escritas pero evidentemente no es simplemente una pieza musical que tomas y tocas”, según el director James Judd. “Es algo que se registró en un pedazo de papel, pues tenía que hacerse de alguna manera, pero realmente vive en la mente del compositor y tiene que estar vivo en la del intérprete”.

Esta música parece inspirar solamente pensamientos muy profundos, y exige un gran compromiso de los músicos, del creador y de la persona en la frente de la orquesta.

“Es muy difícil e increíblemente gratificante de tocar, si tú y tus colegas están 100% comprometido con ella”, apunta el compositor Lloyd Coleman. “Exige una atención hipersensible, hipermotivada e hiperconsciente del ejecutante y del oyente”.

La 5ª Sinfonía no es música de ascensor, es música de sentarse derecho y prestar atención; de dejar lo que estás haciendo inmediatamente entregarte.

Cuatro notas que, desde el principio, te agarran, te sacuden y te lanzan en un viaje de descubrimiento.

Y es por eso que es tan importante para tocarlas bien, una gran manzana de discordia en el mundo de la dirección de orquesta… ¿debe ser ta-ta-ta-Taaa-ta-ta-ta-Taa o ta-ta-ta-Taaa ( ) ta-ta-ta-Taa?

Sombra

Mis oídos siguen timbrando y siseando día y noche. Vivo una vida miserable; durante dos años he evitado casi toda la compañía ya que es imposible para mí decirle a la gente que soy sordo“, escribió Beethoven.

Imagen de Ludwig van Beethoven encontrada en la Colección de la Filarmónica de París.

GETTY IMAGES – Ludwig van Beethoven. Imagen de la Colección de la Filarmónica de París.

Cuando empezó a componer su 5ª Sinfonía, ya no había dudas respecto a su sordera.

En 1802 se retiró a un pequeño pueblo a las afueras de Viena llamado Heiligenstadt. Tras meses de angustia suicida, era hora de poner sus frustraciones en la página… un hombre desesperado en el momento más desesperado de su vida.

Habría terminado con mi vida. Sólo mi arte me detuvo; me parecía imposible dejar el mundo antes de producir todo lo que sentía que estaba dentro de mí“.

Este podría haber sido el final para Beethoven. El destino le había asestado un duro golpe y quién puede discutir con el destino.

El asistente y primer biógrafo de Beethoven, Anton Schindler, afirmó que las primeras cuatro notas representaban “el destino llamando a la puerta“. Pero Carl Czerny, alumno y amigo de Beethoven, aseguró provenía de un pájaro cantor, el martillo amarillo, al que escuchó mientras caminaba por un parque, así que quién sabe.

Lo cierto es que hay una fatalidad y una melancolía al principio de la obra que quizás refleja la frustración de Beethoven al tener que aceptar su nueva realidad.

Las famosas cuatro notas resuenan en los movimientos que siguen y no hay momento más conmovedor que el final del tercer movimiento, cuando la oscuridad se ha instalado y toda esperanza parece perdida.

Luz

El testamento de Heiligenstadt, aquel documento que Beethoven escribió en su momento de desesperación, podría leerse como una nota de suicidio, pero no lo es pues al final decidió que no iba a dejar que su discapacidad se apoderara de él.

Él era Ludwig Van Beethoven, era un compositor por encima de todo y, por lo tanto, compondría… y triunfaría.

Retrato de Beethoven tocando el piano en su casa de Viena de autor desconocido.

GETTY IMAGES – “Agarraré el destino por el cuello. Nunca me someterá por completo”.

En la Sinfonía, después de esa transición sombría, llega el centellante final que acelera el pulso, produce escalofríos y hace que se te hinche el pecho con la enormidad del sentimiento que te invade.

“Ese momento absolutamente impresionante al comienzo del 4° movimiento, cuando de repente la luz está allí… ¡cómo no sentirse fortalecido, empoderado!”, exclama Ken Loach.

“De repente puedes ver el camino a seguir… si estás en un lugar oscuro ¡uff, cuánto ayuda!“, dice

¿Será que ese es el secreto? ¿Que resuena con nuestra historia individual?

Al entreverar sus propias luchas internas en la música, Beethoven creó algo que se siente universal. Durante 250 años, ha estado allí para que nos levantarnos el ánimo cuando está bajo, inspirarnos y darnos esperanzas.

“Esta, de alguna manera, es la clave del misterio de un gran artista: que por razones desconocidas para él o para cualquier otra persona, regala su vida y sus energías sólo para asegurarse de que una nota sigue a otra inevitablemente, pero al hacerlo nos hace sentir al final que algo cuadra, algo que sigue sus propias leyes consistentemente, algo en lo que podemos confiar, que nunca nos defraudará“, dijo el legendario director de orquesta Leonard Bernstein.

* Este artículo es una adaptación del documental “Da da da DAAAAA!” de BBC Radio 3.

Fuente Artículo: https://www.bbc.com/

Presentació

 Com a ésser humà, músic amateur i “Degustador de Música”, vull destacar la importància de Pau Casals i Defilló en aquesta aventura paremiològica atès què, ha sigut ell, amb la seua humanitat i la seua saviesa el qui ens a guiat a recopilar tot aquest especial món de les parèmies, terme genèric que es manté viu i que ens convida a conèixer aquest meravellós univers de la MÚSICA i de les NOSTRES TRADICIONS.

Ressenyar que aquest Acord roman en el Museu Català de les Arts i Tradicions Populars, Casa Pairal situat en el Castellet de Perpinyà  en la comarca del Rosselló.

Música, Festa i Parèmia

Pau Casals i Defilló

Aquest títol sintetitza tot el contingut d’aquesta compilació paremiològica, en el que vull recalcar que l’idioma és la forma d’expressió pròpia d’un país o d’una comarca, amb unes característiques que permeten el seu cultiu cultural i social i amb el qual, un poble manifesta la seua mentalitat i manera de ser.

 En efecte, sabem que les persones parlen i escriuen d’acord amb la seua formació lingüística i al lloc geogràfic en el que viuen, al sector social al que pertanyen i a unes peculiaritats definides i caracteritzades per una educació generacional relacionada amb el seu període vital. Igualment no identifiquen ni manifesten clarament totes les qualitats i els defectes del seu entorn, però són utilitzades com un signe d’identitat social, per la qual cosa, aquestes vivències mitjançant les parèmies (terme que estudia aquest tipus de frases), es difonen travessant fronteres, on podem trobant-les amb idèntic contingut en indrets separats, o expressades amb diferents paraules, en llocs pròxims.

Mapa mateixa llengua

Vull incidir que el títol d’aquesta compilació, descrita pel seu nom Música, Festa i Parèmia ens guia a marcar el seu contingut, i els subtítols, Recull de Parèmies musicals i de festes que des del Rosselló i les Illes Balears, al Baix Segura i el Carxe ens apropen amb la nostra llengua, ens duu a l’assoliment d’aquest objectiu i a les comarques d’on procedeixen, atès què el lligam que hem utilitzat, han sigut i són les llengües que compartim, incloent l’aranès, l’alguerès, la lengua churra i algunes pinzellades d’italià i d’anglès, riquesa que emprem per parlar dels músics, de la música, dels instruments, dels cants, dels balls, de les festes, de les endevinalles ….

I amb aquesta riquesa cal recordar que dins de les parèmies trobem alguns tòpics descrits com a petites narracions, que argumentades en to burlesc, fan referència a veïns d’alguns pobles expressant simpaties i rivalitats.

Moltes d’aquestes parèmies apareixen amb un clar significat, en altres trobem una definició afegida, i la resta, és el lector el qui ha d’endevinar la seua relació.

A més, accentuem també el caràcter descriptiu de diverses frases o el sentit positiu o negatiu que il·lustren algunes altres, per finalment, justifiquem la disposició retòrica, despectiva, imperativa i fins i tot contradictòria de les demés.

Tot i que moltes parèmies que trobem en aquest recull estan redactades amb el model de gramàtica normativa amb les seues peculiaritats de morfologia, lèxic, rima i sintaxi, en gran quantitat d’altres i quan la pronunciació o escriptura ho ha requerit, hem respectat els costums de la literatura col·loquial en funció a les variants o varietats de les comarques de procedència.

És important remarcar que la llengua i la música així com les diverses festes que commemorem (populars i religioses), són molt més que instruments de comunicació, atès que són patrimonis vius, dinàmics i estimats no només pel fet de ser béns culturals i simbòlics, per això, totes elles mereixen ser preservades, conservades i admirades.

RODALÉS CHURRAS

Les característiques pròpies i la naturalesa dels continguts d’aquest repertori, són les que ens han impulsat a estructurar-lo com un Programa de mà, tan freqüent en les programacions dels Concerts de Música.

Clicant tan des d’ací com des del PROGRAMA DE MÀ, enllaçarem amb totes les entrades i tots els Moviments d’aquest recull, els quals estan classificats en dos parts:

La 1ª part, està dedicada musicalment a Els MestresEls Músics, i La Música per a continuar amb els Instruments MusicalsCordaVent metall 1tVent fusta 2tVent fusta 3tPercussióTeclatPlectre i un moviment dedicat a les Expressions amb música i paraules

En la 2ª part, dedicada a Les Nostres Tradicions, gaudirem amb les parèmies que parlen de: El CantarEl BallarLes Festes, (Laiques i Religioses). Pasqües, Nadal, l’Ascensió, …, Sants, Misses i Processons i Déu i la Setmana Santa.

Utilitzant lògicament un terme musical, per a encapçalar cada Pàgina o/i Moviment que és cadascun dels capítols en què es divideix aquest recull, hem triat, bé un fragment de música o bé, una frase o reflexió, o un vídeo o una fotografia, i assenyalar que totes les parèmies estan desplegades alfabèticament.

Matisar que dins dels Moviments 12é Versos i Cançons i 14é Repertori d’endevinalles, descobrim un variat i divertit repertori de col·loquialismes, i a més, hem arreplegat un especial manoll de frases dedicades als Animals que emeten cants (Mov. 13).

Amb l’Himne de Vespres de la Festa de Sant Joan Baptista, rememorem els versos en els quals es van basar per donar nom a les notes musicals i repassem diversos apunts de la Història de la Música.

Amb l’objectiu de recordar el nostre llegat cultural, dintre d’aquest recull trobem una important quantitat d’enllaços on coneixerem la singular obra transmesa per diversos compositors, músics, escriptors, poetes, etc., tots ells nascuts o vinculats a les nostres terres, a més hem inclòs, un xicotet repertori de Cites, Adagis i Epitafis.

Tanmateix per a fer “embocadura”, incorporem un passatemps amb paraules entrecreuades, apaïsades, verticals, etc. formant una Graella Musical i entre tot el contingut del recull, reviurem diversos embarbussament o jocs de paraules.

Volem agrair de tot cor a tots als autors de la inestimable i extensa Bibliografia i Cibergrafia consultada i ressenyar que totes les paraules en lletra cursiva que apareixen en les parèmies, tenen la seua definició en el Glossari (Diccionari resumit) i amb Jo mateix, coneixerem diverses dades sobre la meua trajectòria musical i personal.

Donat que a l’emprar un format digital (com he dit adés), hem pogut incrementar la informació del recull al inserir diversos enllaços i vídeos per donar-li aixina, un camp més complet, (òbviament, en el format paper, aquest augment informatiu no hi hauria sigut possible); i reiterar, què aquesta compilació paremiològica, sempre en contínua evolució, NO ha tingut cap fi lucratiu, sinó que només hem volgut transmetre la nostra estima per les nostres arrels.

Com a síntesi, podem destacar que aquesta compilació constitueix una obra concreta i extensa però al mateix temps escassa, inacabada i inacabable i fins i tot, perfectament imperfecta tan per les parèmies reflectides (pragmàtiques, ideològiques, imaginàries, utòpiques, etc.) com pel seu origen poblacional, així mateix cal afegir que a causa de l’extensa i diversa bibliografia consultada, com també de la col·laboració recollida a viva veu, ens ha estat impossible citar a tots els autors i a tots els personatges d’aquest recull. En definitiva, dediquem el llibre a l’amic i a l’amant de les nostres arrels, sense cap diferència geogràfica i social.

Agregar que per a consultar el recull en altres llengües, trobem un traductor a la part superior esquerra d’aquesta compilació. Recordar que la traducció al canviar d’idioma, possiblement perdrà part de la seua essència paremiològica.

Finalment, agrair a tots els lectors l’interès mostrat en aquesta compilació i comunicar-vos que a hores d’ara escric diversos treballs sobre el món musical, compaginant-los amb altres textos relacionats amb el meu poble Alcoi i qualsevol tema que crega interessant, treballs que estan inserits en el bloc Degustador de Música al que podeu accedir des d’ací o clicant en la fotografia de la part d’amunt dreta d’aquest bloc.

Salut, Música i Parèmia.

Vicent Agulló Pérez

 

La libertad es algo 

que sólo en tus entrañas 

bate como el relámpago

Cancionero y Romancero de Ausencias 

Miguel Hernández Gilabert

Fuente: https://musicafestaiparemia-vicentagullo.blogspot.com/