Revista Diapasón

Entradas

Para finalizar con esta amplio e interesante artículo que espero que lo estéis disfrutando tanto como yo escribiéndolo, abordo ya los aspectos más actuales y que mas a la mano tenemos hoy en día, y a los cuales podéis recurrir cualquiera que esté interesado en experimentarlos.

Escrito en diapason, 2 septiembre, 2021 

Internet y sociedad.

Internet ha producido la explosión de un fenómeno que ha ido forjándose durante todo el siglo XX: la globalización. La red propicia el acercamiento entre las distintas culturas del planeta debido a la facilidad de intercambio entre ellas, unificando muchas de las tendencias y corrientes culturales de forma global.

Las redes sociales son uno de los elementos más significativos de Internet. Estas plataformas aportan una nueva vía de comunicación e información, cuya principal cualidad es la inmediatez. En pocos segundos, cualquier persona puede saber qué está pasando en el punto opuesto del planeta e incluso acceder a imágenes en directo.

Mediante las redes sociales, se permite el contacto entre personas con inquietudes similares, propiciando un intercambio de información entre ellas. Se encuentran con facilidad vídeos, enlaces, audios, archivos compartidos que pueden ser interesantes para personas que trabajen dentro de una misma área o mantengan aficiones parecidas.

Este hecho se hace aún más relevante mediante el uso de los teléfonos móviles, pudiendo disponer de todo el potencial de un ordenador en cualquier momento y desde un bolsillo. Estos dispositivos se están convirtiendo además en una potente herramienta educativa mediante el desarrollo de aplicaciones destinadas a tal fin (como hemos visto anteriormente).

Internet en la educación musical

Las TIC, y más en concreto Internet, han revolucionado el mundo de la música. Hasta hace pocos años nunca hubiéramos imaginado el desarrollo tan grande que han tenido, transformando intensamente las bases de la creación, interpretación, producción y consumo musical. Evidentemente, este progreso se ha podido observar también en lo que concierne a la educación musical. El avance de Internet ha permitido desarrollar nuevos recursos extraordinarios para el profesorado de música de todos los ámbitos y niveles.

Para los docentes, la utilización de Internet facilita la colaboración con otros docentes, encontrar y compartir material didáctico, encontrar información complementaria para la producción de dicho material y descubrir nuevas oportunidades profesionales. Además, permite superar el esquema tradicional de “el profesor/a enseña y el alumno/a aprende”, ya que de esta forma, los dos elementos partícipes de la educación en el aula, se convierten en evaluadores sobre la cantidad de información que se llega a conseguir sobre cualquier tema consultado.

Recursos que ofrece internet; tipos y utilidades.

Estar “Online” permite localizar gran cantidad de elementos como apoyo para la enseñanza musical. De todas las herramientas pueden abastecerse tanto profesores como alumnos y padres.

  1. Los sitios Web: serían el punto de partida para la búsqueda de información (páginas clave, blogs, revistas digitales, bibliotecas virtuales); acceso a la realización de trámites y gestiones con instituciones; otros servicios de red con mensajería instantánea, acceso a material didáctico en línea y envío de cualquier tipo de documento digital (mail y Facebook); subir y compartir videos (Youtube),
  2. La telefonía móvil con internet: permite conversaciones y video-llamadas en tiempo real entre distintos usuarios; compartir archivos, audios y fotos, así como la creación de grupos para el intercambio de opiniones y conceptos como los chats, foros (Whatssap).
  3. Las telecomunicaciones: encargadas de transmitir la información a distancia por lo que pueden llegar a todos. Acceso a instrumentos educativos que emplean el medio sonoro donde entre los temas musicales se intercalan breves noticias y curiosidades (emisión de programas de radio); y las que establecen una comunicación interactiva entre varios para un mismo fin cuando se transfiere la imagen y la voz (videoconferencias).
  4. Los programas informáticos: son instrumentos de uso didáctico, que tienen una función práctica, experimental y creativa que ofrecen otro tipo de utilidades como crear, editar, almacenar e imprimir partituras (Sibelius, Finale, Encore); reproducción y grabación de las mismas que, mediante secuenciadores, permiten modificarse; conversiones de audio; programas de acompañamiento e improvisación; disponibilidad de afinador de instrumentos, diapasón y metrónomo, etc.

Internet en la formación de cualquier especialidad instrumental.

En la actualidad, el profesorado y el alumnado de cualquier instrumento, tiene a su disposición en Internet una incalculable cantidad de información de todo tipo y procedente de todo el mundo. Como complemento, se cuenta con un amplio despliegue de recursos y materiales didácticos con los que se puede mejorar y enriquecer cualquier proceso formativo.

Algunos de los factores decisivos en dicho proceso giran en torno a la forma, los elementos, etc. que el profesor utiliza para abordar la formación del alumnado. La introducción en el conservatorio de las TIC, representa la actualización de los mensajes educativos tradicionales y supone una renovación en las formas tradicionales de transmitir los conocimientos. Por ello, contar con medios informáticos y audiovisuales adecuados para la práctica docente e integrarlos en el desarrollo de los procesos curriculares ayudaría a mejorar nuestra labor como docentes.

Internet no son sólo páginas webs, mails, apps, etc. es un soporte de acceso en el que se rompen tanto barreras espaciales cómo temporales, nos permite ser receptores de la información y a su vez, creadores de ella

Como medio didáctico proporciona mucha información en formatos muy variados:

  • permite acceder a canales de comunicación e intercambio de ideas, variedad y riqueza de las mismas;
  • proporciona una buena experiencia a la hora de buscar, valorar y seleccionar información;
  • propicia el trabajo individual en función de los conocimientos previos e intereses personales;
  • permite el trabajo en grupo contribuyendo a cultivar las actitudes sociales, intercambio de ideas y cooperación, etc.

Uno de los principales problemas que se nos presenta al navegar por Internet, para documentarse sobre un tema en cuestión, suele ser como clasificamos y seleccionamos la información a la que accedemos, pues bien es sabido que no todo es válido. El incalculable número de portales de acceso, hace perder excesivo tiempo al alumno, que se ve desbordado por el alto volumen de información disponible.

A continuación, abordo algunas de las principales utilidades que tanto alumnado como profesorado, pueden acceder para mejorar su interacción, tanto en el aula y fuera de ella:

Para el alumnado:

  • Usar el correo electrónico (mail) para la comunicación entre el profesorado y ellos/as, padres/madres, estudiantes de otros centros (inclusive de otros países), etc.
  • Intercambiar información entre personas de diferente condición social, cultural, etc. (com, mega.com, etc.)
  • Obtener documentos, programas, contenidos multimedia, partituras, etc., proporcionados por el profesorado o por compañeros.
  • Localizar información necesaria para realizar las tareas de clase y para su formación complementaria (cursos de perfeccionamiento, encuentros, congresos, conferencias, etc.)
  • Desarrollar competencias necesarias en el mundo educativo de hoy en día (pruebas de acceso a centros superiores, pruebas para orquestas jóvenes, etc.).
  • Expresar sus opiniones o destrezas creativas en blogs o plataformas como Youtube, Facebook, etc.

Para el profesorado:

  • Acceder a fuentes de información y recursos actualizados.
  • Buscar información complementaria para la preparación de las clases (vídeos, archivos de audio, animaciones, etc.)
  • Usar el correo electrónico (mail) para la coordinación entre docentes y de éstos al alumnado, para facilitar las actividades a los estudiantes, para una continua comunicación con padres/madres, etc.
  • Participar en foros educativos internos o abiertos y otros espacios de Internet para buscar información, compartirla, debatir cuestiones didácticas, organizativas, metodológicas, etc.
  • Colaborar en blogs o webs, con otros docentes de otras localizaciones geográficas (inclusive de otros países), para la discusión de dudas, intercambio de trabajos, creación de artículos, etc.
  • Alojar documentos en nubes o en espacios virtuales, para acceder a ellos desde cualquier lugar y cumplan su labor didáctica.
  • Preparar actividades extraescolares como, por ejemplo, asistencia a conciertos, intercambios con profesores y alumnos de otros conservatorios,

Por todo ello, la utilización de los recursos en línea, dentro y fuera del aula, ayudan a llevar a cabo el proceso formativo de una manera más innovadora, lúdica e interactiva.

Recursos en línea:

Debido al gran desarrollo de Internet y a su uso masificado, hoy en día existen una gran cantidad de recursos en línea:

  • El blog: es un portal de publicación en línea, para usuarios con mayor o menor experiencia en navegación por la web. Los blogs han alcanzado un lugar muy destacado en la educación musical por su posibilidad de integrar recursos muy diversos tales como videos, audios, imágenes, juegos interactivos, artículos, presentaciones, etc.

Están considerados como una de las herramientas más flexibles para organizar y promover una gran variedad de actividades didácticas como diarios personales y de grupo, actividades y tareas individuales y de grupos, publicaciones periódicas (revistas, artículos), etc.

  • Bibliotecas virtuales: Existen numerosas webs de las que el alumno puede descargar materiales de diverso tipo tales como obras, estudios, partituras de grupo. Algunos ejemplos de estas páginas son:

– IMSLP (Iinternational Music Score Library Project)RebiunBiblioteca NacionalBritish Library, Oxford Music Library,etc.

  • Portales virtuales:

            – Berliner Philharmoniker.

  • Redes Sociales:

            – Facebook.

            – Twiter.

  • Webs Partituras de todos los géneros y estilos:

– Eight notes: Es una página web donde se pueden encontrar arreglos de piezas famosas para diferentes grupos de instrumentos y géneros.

 free cores.com, sweet music scores.com, el atril.com, etc.

 piano files.com, classical midis.com, etc.

  • Webs dedicadas al Instrumento:

Instrumentistas particulares, ensembles, recursos, fábricas, festivales, compra/venta, organizaciones internacionales, ofertas de trabajo.

  • Webs de conservatorios, centros superiores y universidades, etc.

A modo de conclusión quería decir que:

Como se ha visto a lo largo del tema, gracias a las TIC tenemos al alcance de la mano una infinidad de recursos e información de gran calidad educativa, nuestra sociedad, dota de nuevas herramientas e instrumentos tecnológicos sujetos siempre a constantes mejoras y modificaciones. Aun así, es responsabilidad de los docentes ofrecer garantías en la formación musical del alumnado, siendo capaces de prever e intuir estos futuros cambios y formarlos, para ello desde las aulas de los conservatorios de música.

Se debe sacar el máximo rendimiento a los recursos tecnológicos disponibles en los centros, reciclar los conocimientos, sin olvidarse de los lugares tradicionales como las bibliotecas físicas, las salas de concierto, las partituras impresas, etc. dado que aportan el contacto directo con la propia realidad.

Contribuir a la adecuada formación de futuros músicos, y que estos estén al nivel que la sociedad les va a exigir en su carrera artística y profesional en un futuro, es la labor de todo docente, haciendo posible que la esencia de la formación musical sea la de prepararlos para éste siglo XXI.

BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA 

  • Hayes, A. G. (2010). “La composición musical como construcción: Herramientas para la creación y la difusión musical en internet” en Revista Iberoamericana De Educación, (52), 109-125.
  • Majó, J.; Marquès, P. (2002). La revolución educativa en la era de internet. Barcelona: CissPraxis.
  • Serrano, R. L. (2011). “TIC y entornos virtuales en los conservatorios de música: Creación de recursos. software específico.” en Temas Para La Educación. Revista Para Profesionales De La Enseñanza, (12), 1-14.
  • Tejada, J. (2009). “Diseño de un modelo de adiestramiento rítmico mediante programas informáticos en conservatorios de música.” en De Didàctica De l’Expressió Musical, Plàstica i Corporal Universitat De València, 1-20.
  • Balo González, M., Ponce de León Barranco, L.; Lago Castro, P. (2014). “Los alumnos ante el dictado musical. Las TIC como aliadas para mejorar las experiencias.” en Revista Didáctica, Innovación y Multimedia (DIM), (28), 1-14.

Francisco González Hernández.

El pasado 12 de enero se emitía en la edición nº 317 del programa Diapasón, dirigido por la Asociación de Amigos de la Música de Yecla, la entrevista telefónica realizada a José Cano Medina, en los días previos a la Navidad.

La Cartagena de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, con sus múltiples cafés repartidos por las calles de la zona portuaria, convertidos en el centro de reunión de la sociedad cartagenera, debido, entre otras circunstancias, a la gran actividad cultural que estos locales generaban, entre ellas interpretaciones musicales de diversos tipos y estilos, incluidas la de pequeñas bandas de música que animaban las noches con sus melodías.

Escrito en diapason – 22 julio, 2021

Esto, unido al carácter militar que desde siempre ha tenido Cartagena, hizo obvio que uno de los estilos que más se interpretaran por cada rincón de la ciudad fuese el pasodoble.

De esta manera, en la ciudad portuaria vieron la luz tres de los pasodobles más conocidos y populares del momento, y que han llegado a serlo hasta nuestra época, pasando a la historia con el sobrenombre de los tres pasodobles cartageneros, tal como recuerda el monolito colocado en su memoria en la Plaza del Rey, frente al Arsenal Militar de la localidad.

Por orden cronológico destacan estos tres: “La Gracias de Dios” (1880), compuesto por el leridano Ramón Roig y Tomé; “Suspiros de España” (1902), escrito por el jienense Antonio Álvarez Alonso y “El Abanico” (1910), obra del ilicitano Alfredo Javaloyes.

Cartagena principios del Siglo XX.

Hoy vamos a centrarnos en “Suspiros de España”, pasodoble que, entre otras cuestiones, desde hace décadas ha sido identificado con el sentimiento de nostalgia  para muchos españoles que tuvieron que emigrar o exiliarse de nuestro país, tanto por motivos políticos como económicos. Siendo incluso utilizado tras la guerra civil española por la emisora clandestina de ideología comunista “Radio Pirenaica”, que emitía desde ciudades como Praga y Moscú, puesto que este pasodoble simbolizó para algunos la nostalgia del país perdido.

Curiosamente esta obra, una de las grandes partituras de este género de la música española, que ha gozado de gran éxito y popularidad desde el día de su composición, a principios del siglo XX hasta la actualidad, no pudo ser disfrutada por su autor, puesto que murió justo un año después de su estreno, tras una vida breve y llena de sinsabores.

Según indica el músico cartagenero García Segura, el origen del pasodoble pudo ser el siguiente: Antonio Álvarez Alonso, había llegado a Cartagena en el año 1897 al frente de su propia compañía de zarzuela, que representaba sus propias obras. A la vez, y debido a que su economía no era muy boyante, además de componer, impartía clases de música y formaba parte de un sexteto musical que el mismo había fundado.

Por las noches ofrecía conciertos amenizando las veladas del café La Palma Valenciana, situado en la calle Mayor de la ciudad. Una noche, al finalizar su actuación mostró a un grupo de amigos que se encontraban con él una melodía en estilo de pasodoble y que había escrito sobre una mesita del propio café. La misma fue acogida por todos con gran entusiasmo debido a su maravillosa inspiración.

En su recorrido nocturno, a través de las calles del centro histórico de Cartagena, el músico se detuvo delante de la Confitería España, que estaba situada frente al café donde realizaba sus actuaciones, y observó unos pasteles típicos, de almendras caramelizadas y merengues denominados “Suspiros” lo que le inspiró el nombre para su nueva partitura.

Sin embargo esta hipótesis del origen del pasodoble, aunque para la mayoría seguirá siendo la más emotiva y bonita, ha sido descartada por otros historiadores como Fernández García, quien asegura que la obra no pudo ser presentada en el café La Palma Valenciana, puesto que el maestro falleció en el año 1903, y este café no se inauguró en la Calle Mayor hasta el año 1911, apuntando algunos de estos investigadores que fuese en el Café España, situado también en la calle Mayor, donde se produjese dicha inspiración.

Portada “Suspiros de España”

“Suspiros de España” fue estrenado el día del Corpus Christi del año 1902, en la Plaza de San Sebastián de la ciudad departamental, por la Banda de Música del 3º Regimiento de Infantería de Marina, actual Tercio de Levante, dirigida por Ramón Roig y Tomé. Dicho estreno no pudo ser dirigido por el propio Álvarez Alonso, dada su condición de civil, puesto que las ordenanzas militares impedían que el maestro Roig, amigo personal del autor, le cediera la dirección de la Banda Militar.

En el año 1938 se le añadiría la letra escrita por el sobrino del compositor, José Antonio Álvarez Cantos (1897-1964), para ser interpretado por la popular cantante de la época Estrellita Castro en la película “Suspiros de España”, dirigida por Benito Perojo. Ha sido versionado, incluso en ocasiones cambiando la letra original, por importantes figuras de la canción española, entre ellas la gran Concha Piquer, con la versión compuesta por el Maestro Penella “En tierra extraña”.

Además ha sido utilizado en el cine en varias ocasiones: En la película “Suspiros de Triana” (1955) cantado por Paquita Rico; Carlos Saura lo utilizó en “¡Ay, Carmela!” (1990); En “La estanquera de Vallecas” (1982) de Eloy de la Iglesia; Al inicio de “El florido pensil” (2002) de Juan José Porto; En el año 2003 Diego el Cigala realizó una versión para el film “Soldado de Salamina” de David Trueba; “Rec 2” (2009) de Jaume Balagueró y Paco Plaza, incluye en su banda sonora la canción “En tierra extraña” interpretada por Concha Piquer; También es usado, dándole un aire más trágico, en “Buen viaje excelencia” (2003) de Els Joglars; Y más recientemente en la cuarta parte de la serie “La casa de papel” (2020) del Alex Pina.

Además, este pasodoble fue utilizado como parte de la banda sonora de la ceremonia de inauguración de los Juegos del Mediterráneo que se celebraron en Almería en el año 2005.

Antonio Álvarez Alonso.

Antonio Álvarez Alonso.

Nació en Martos (Jaén) en 1867, quedando huérfano a muy temprana edad.

Se trasladó a Madrid para estudiar, junto a su hermano, en la Escuela Nacional de Música donde se formó con  los maestros Dámaso Zabalza y Emilio Arrieta.

Su papel como intérprete de piano fue muy discreto, pero destacó en el mundo de la composición.

Entre sus obras musicales, escribió más de veinte zarzuelas, compuestas con la colaboración de los más reconocidos letristas de la época, como son Antonio Paso Cano, Tomás Rodríguez Alenza, Eugenio Gullón y Fernández de Terán, Enrique García Álvarez, entre otros; destacando como su obra más célebre el pasodoble “Suspiros de España”.

En 1897 llega a Cartagena al frente de una compañía de zarzuela que representaba sus propias obras y de la que Álvarez era a la vez, director de orquesta y empresario, y además de continuar con su faceta compositiva impartió clases de música y fundó un sexteto con el que actuaban en diferentes locales de la ciudad.

Monumento homenaje de la ciudad de Cartagena a Antonio Álvarez Alonso.

Fue considerado como “Cartagenero de Adopción” por toda la labor y cariño que mostró hacía esta ciudad.

Entre sus obras, aparte del pasodoble al que estamos dedicando este artículo, destacan las zarzuelas: “El gran visir”, “Las niñas toreras”, “El traje del alcalde”; el cuarteto para cuerdas con el título de “Las hormigas”; el capricho “Danza negra”; varias marchas lentas e himnos, de los que destacan el dedicado a la “Virgen del Carmen”, patrona del mar y varios pasacalles y pasodobles.

Falleció en Cartagena el 22 de junio de 1903.

Para esta nueva entrega de A dos por cuatro, vamos a escuchar una versión del pasodoble “Suspiros de España” del maestro Antonio Álvarez Alonso, interpretada por la Unidad de Música de la Guardia Real dirigida por Enrique Blasco, durante el concierto con motivo del Día de la Hispanidad, celebrado el 12 de octubre de 2019, en el Teatro Lope de Vega de Madrid.

– Diccionario de la Música Española e Hispanoamérica. Vol. VIII. Emilio Casares Rodicio, J. López, I. Fernández. SGAE. 1999. IBSN 84-8048-311-3.

– Archivo de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla (AAMY).
– En línea: https://datos.bne.es/persona/XX851460.html

http://www.memoriadecartagena.es/

José Miguel Ibáñez Lax.

Escrito en diapason15 julio, 2021

Little Richards / Dorothy LaBostrie / Joe Lubin

…Me despertó un  tremendo estruendo. Llegué a pensar que era un terremoto, pues el suelo sobre mi tumba empezó a temblar. Tuvo que ver con  el grito a pleno pulmón de las palabras… «Womp-bomp-a-loom-op-a-womp-bam-boom». No hubo lugar para la duda. Supe al instante que había venido a visitarme el amigo Richard Wayne Penniman. Sí, en efecto, el mismísimo Little Richard. La verdad es, que ha tardado lo suyo en visitarme, desde que ese 9 de mayo de 2020 se pasara a esta otra dimensión. Es de suponer que algo tuvo que ver en esa demora su miedo a viajar en avión, desde que en una gira por Australia sufriera un percance aéreo. La verdad, si hay alguien que se merecía llegar a donde llegó en la música, ese era Richards.

Fue el tercero de doce hermanos y, por si fuera poco, para tener una infancia algo más cruda, su padre, quien  se dedicaba a destilar whisky de forma ilegal,  lo echó de casa cuando tenía 15 años al descubrir su homosexualidad,  con lo que no le quedó otra que ganarse la vida de lavaplatos de tugurio en tugurio; evidentemente,  una de las pocas salidas que le quedaba a un chico de color en aquellos Estados Unidos de la década de 1940. Afortunadamente para él, la suerte le sonrió, y un matrimonio de raza blanca que regentaban un restaurante, terminaron acogiéndole en su casa y, digo yo, que alguna virtud vieron en el joven Little, para que decidieran pagarle unas clases de piano. Con apenas 16 años, gana un concurso musical, crea su propia banda, The Upsetters y graba sus primeros singles. Ahora bien, sin alejarse mucho todavía de los fregaderos de los bares, pues comer, había que comer.

Sería en 1955 cuando llegaría su verdadera oportunidad. La discográfica Specialty Records, se interesa por una maqueta que Richard les había enviado y le ofrece grabar unos temas en sus estudios. Tras varias sesiones de estudio y cuando todo apuntaba a que no surgía nada interesante, en un receso, el cantante cogió el micro e, imitando con su voz un redoble de tambor, gritó: «Womp-bomp-a-loom-op-a-womp-bam-boom». La intro de “Tutti Frutti”. Un tema con el que solía improvisar en sus actuaciones, cuyo título en argot, hacía referencia a ciertas tendencias en el ambiente “gay”. Los ingenieros de sonido y productores allí congregados, saltaron de sus asientos atraídos por aquella melodía. Rápidamente se pusieron a trabajar en ella y grabaron una primera toma de la ocurrencia. No obstante, hay que tener en cuenta, que si el título de la canción era el que era, el contenido de su letra ya os lo podéis imaginar…. Aunque esa parte de la historia me la contó detenidamente él, sentados con una taza de té delante. Richard me desveló, que  el contenido de los versos de ese primer “Tutti frutti”, tuvieron que ser muy depurados para que aquel tema pudiera incluirse en aquel single en el que Litle Richard cantara ese “Tutti Frutti” junto a  Dorothy LaBostrie. Vamos, que con su primera letra, ni Dorothy se habría atrevido a cantarla, ni cualquier emisora de radio de aquellos días a sintonizarla; fue algo más que censura. Originalmente decía algo así como: “Tutti Frutti, good, booty. If it don’t fit, don’t force it. You can grease it, make it easy”; …y concededme el privilegio de no traducir. Siendo sustituidos por: “Tutti frutti, oh rootie. Tutti frutti, oh rootie.Tutti frutti, oh rootie. Tutti frutti, oh rootie, ….Tutti frutti, oh rootie”.

Sin comerlo ni beberlo, aquella canción se convirtió en todo un himno generacional, que llevaría a su precursor a ser considerado como uno de los padres de ese ritmo que se vino a llamar Rock And Roll y, que aquel que adquirió el título nobiliario de “Rey del Rock”, un tal Elvis Presley, también lo tomaría prestado.

Después, vendría alguna que otra excentricidad del artista, como: el hecho de abandonarlo todo en la música y dedicarse a la teología y vender biblias, al salir indemne de un percance en un avión; a excesos de alcohol y drogas; subidas y bajadas de los escenarios;  y otros éxitos rotundos a su regreso,  como fue el caso de  “Long tall Sally”, “Sliping’ and sliding”, y “I have a dream”, la canción que grabaría junto al otro rey, el “Rey del Pop”, Michael Jackson. Por no hablar de sus giras compartidas con The  Beatles y The Rolling Stones, quienes rotundamente le idolatraban.

Y ahí lo dejamos. Lanzando al aire juntos ese… «Womp-bomp-a-loom-op-a-womp-bam-boom». ¡Ah, por cierto! No lo he contado antes, lo de “Little”. Me desveló que fue un apodo que le pusieron en sus comienzos, dada su escueta altura y gran delgadez y, que ese cariñoso apelativo de “Lil”, le acompañaría el resto de su vida, aunque hay que revelar, que su cabeza llegó a despegarse del suelo con el tiempo hasta  1.77 centímetros.

Ahí queda, yo solo, «Womp-bomp-a-loom-op-a-womp-bam-boom».

Eleanor Rigby.

Roma no se hizo en un día, así es que bueno, aquí llega otro pequeño artículo para ésta sección.

Esta vez hablamos de “El Médico”, basado en la novela de Noah Gordon, del mismo nombre. Nos traslada al Londres del siglo XI, una ciudad oscura, llena de enfermedad, por cuyas calles transita todo tipo de persona. Nos encontramos al niño Rob J. Cole, cuya vida cambia al quedarse huérfano, pero descubre que tiene un gran don, el de predecir la muerte.

Escrito en diapason – 8 julio, 2021

Será un cirujano barbero el que adopte a Rob y juntos recorrerán Inglaterra, descubriendo la vida, la disciplina y la curiosidad por aprender. Ya con diecinueve años un médico judío le hablará de la lejana Persia, lugar donde se encuentra la mejor escuela de medicina de la época con el mejor médico, Avicena.

Rob recorrerá medio mundo dispuesto a convertirse en médico. Mientras viaja en una caravana por el desierto, conocerá a Mery, una chica de Escocia que le hará recordar sus orígenes y que marcará sus planes de futuro.

Llegará a Ipahán, donde no será fácil hacerse pasar por judío para poder estudiar medicina en la mencionada escuela ni su relación con el Sha, que se encaprichará de su amistad.

Conseguirá entrar en la escuela de medicina y pronto será uno de los alumnos más aventajados de Avicena, pero se complicara todo ya que una plaga, la guerra y un rey déspota pondrán a prueba las capacidades y la vida de Rob.

 

El musical se estrenó en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid el 17 de octubre de 2018, después de realizar su versión sinfónica en Sevilla. Dos temporadas repletas de éxito en Madrid y un inicio de gira para luego instalarse en Barcelona paralizados por la pandemia.  En octubre de 2020 iban a realizan funciones en Murcia, una pena que se nos escapara, al menos de momento, porque todo volverá.

Un musical espectacular, de gran formato, compuesto por Iván Macías, letras de Félix Amador y dirigido por José Luís Sixto, con vestuario de Lorenzo Caprile, coreografías de Francesc Abós y escenografía de Alfons Flores. La directora vocal es María José Santos y quien se encarga de los números de magia Jorge Blass.

Cuando lo ves te traslada a otro mundo, viajas y vives con Rob cada momento y cada instante de la historia. Barber, Mary, Avicena, el Sha, son otros de los grandes personajes del musical, además de los amigos de Rob en la escuela de medicina.

“Es un enorme placer para mí compartir el anuncio de la adaptación musical sinfónica española de mi novela, El Médico. A lo largo de los años, los lectores han expresado su permanente conexión con el libro, y estoy encantado de que ahora puedan experimentar las aventuras de Rob J. Cole de una manera nueva y maravillosa.” escribe Noah Gordon en una carta, que participó de manera activa en la creación del musical aportando ideas y apuntes.

En cada función más de 30 actores y 20 músicos en directo, la orquesta más grande del teatro musical español, junto con un equipo de más de 100 personas, ofrecen al espectador una experiencia única, mágica y que hay que vivir en cuanto se retomen las funciones.

Entre los personajes principales encontramos a grandes del teatro musical, como a Daniel Diges y Gerónimo Rauch, que se alternan en el papel de Rob, a José Antonio Moreno como Barber, a Sofía Escobar , Ana San Martín y Talía del Val como Mary, Ricardo Truchado como Avicena, Alain Damas como Sha, etc. Por cierto, no hay que olvidar a las niñas y niños que hacen el papel de Rob niño, grandes, Victoria Galán, Diego Poch y Paula González.

Conclusión: un espectáculo digno de ver y disfrutar, un musical brutal y de música preciosa. Esperemos que pronto podamos volver a verlo.

José Manuel Molina Azorín.

Continuando por donde lo dejamos e hilando con  el artículo anterior, comenzaré en esta ocasión por la importancia de la utilización del Software musical.

Escrito en diapason1 julio, 2021

Como ya expuse en el anterior artículo, las TIC se abren paso en la sociedad del siglo XXI de forma significativa e imparable y, por supuesto, la educación musical no escapa a este cambio, haciéndose notorio en las dotaciones de material tecnológico que reciben los centros y en los innumerables recursos digitales de que disponen los profesores para reforzar el trabajo en el aula. No podemos olvidar que el alumnado del conservatorio no ha tenido que adaptarse a este cambio tecnológico, sino que, generacionalmente, ha nacido con él.

Software, tal y como lo define la RAE, es el “conjunto de programas, instrucciones y reglas para ejecutar ciertas tareas a través de un sistema informático”. De una forma más genérica se llama software educativo a un programa, programas o aplicaciones, cuyas características sirven de apoyo a un proceso formativo. Aplicado a la educación musical, sirven de herramienta para desarrollar en el alumnado aptitudes de difícil consecución con otro tipo de recursos.

Las ventajas de utilizar programas y/o aplicaciones informáticas en la formación de instrumentistas son:

  • Ayuda al alumno a ser más autónomo en el aprendizaje ya que le aporta distintos soportes sobre los que trabajar en casa, tales como la creación de su propia base musical para interpretar una obra sobre ella o la grabación de una clase o de una parte instrumental.
  • Favorece el auto-aprendizaje y el aprendizaje cooperativo.
  • Facilita un continuo “feedback”: la construcción del aprendizaje precisa de un acceso a la información que permita el análisis, la síntesis y el refuerzo oportuno para la elaboración de conclusiones personales.
  • Contribuye a la autoevaluación, entendida ésta como una forma de valoración interna y personal orientada de forma esencial a la mejora del trabajo realizado.
  • Ayuda al desarrollo creativo.
  • Hace más rápido y eficaz el aprendizaje debido a la motivación que crea en el alumnado el trabajo con este tipo de herramientas.
  • Provee de una gran cantidad de recursos educativos.
  • Mejora la capacidad de comunicación.

Siendo tan positivo la utilización de las TIC para el alumnado y su proceso de aprendizaje, así como para facilitar al profesor la labor motivadora, parece lógico pensar que su uso es constante dentro del aula.

Software musical, tipos y utilidades.

Existe una ingente cantidad de programas educativos cuya finalidad es la enseñanza de algún área en concreto. Sin embargo, también nos encontramos con numerosos programas profesionales cuya utilidad didáctica es incuestionable.

¿Qué problemas nos encontramos a la hora de acceder al uso del software musical en el aula? Uno de los primeros problemas que pueden surgir es el coste de este tipo de programas. Sin embargo, dentro del software musical podemos encontrar programas de carácter privativo, llamado software no libre (que suele tener un determinado coste) y programas distribuidos de forma libre o gratuita, conocidos como software libre.

El software libre abarca una gran cantidad de programas que pueden ser usados, copiados, estudiados, modificados y redistribuidos libremente sin otras restricciones que las establecidas en las licencias con las que se distribuyen. Esto garantiza estar cumpliendo las leyes dedicadas a combatir la piratería y a su vez, protegiendo la propiedad intelectual.

Parece lógico deducir que el éxito del software libre es debido a su carácter gratuito o al hecho de que los alumnos puedan utilizar en casa el mismo software que en el aula de forma legal, tomando así conciencia de las posibles alternativas existentes para luchar contra la piratería.

Algunos ejemplos de software musical que podríamos utilizar en el aula y sus utilidades son:

  • Editores de partituras

El editor de partituras permite introducir el texto musical o partitura para trabajarla y corregirla cómodamente, de manera similar al tratamiento que se realizaría con un editor de textos (borrando, cortando, copiando o pegando), e imprimirla después en el formato deseado, en partituras completas o por voces individuales. También permiten escuchar lo que se escribe y manipular algunos parámetros (tonalidad, compás, etc.) de forma automática.

Por ello, estos programas presentan muchas ventajas para el alumnado, ya que permiten elaborar partituras, pero además, al reproducir lo que se escribe, ayuda a que vaya interiorizando el sonido de cada nota y la relación interválica entre ellas.

Los programas más conocidos se pueden dividir en dos grupos:

  • Los privativos de uso profesional (SibeliusFinale o Encore), que permiten realizar ediciones de altísima calidad pudiendo ser utilizados para actividades como las anteriormente descritas.
  • Los libres, donde nos encontramos con los programas Rosegarden o Lilipond entre otros.
  • Secuenciadores y editores de audio

Se pueden definir como un sistema virtual de grabación con posibilidad de trabajar con un gran número de pistas. Estos programas son muy versátiles y están en continuo desarrollo. Sirven como sistema de grabación, editor de partituras y sincronizador de imagen y audio.

La utilización de este sistema hace que el alumnado sea más consciente de lo que toca e interpreta. La facilidad de manejo de estos editores de audio permite que se pueda realizar este trabajo o actividad en casa y no solo en el aula. Además, no sólo permite grabarse a sí mismo, sino modificar y crear con el audio.

Algunos de los secuenciadores y editores de audio más conocidos son:

  • Software privativos de uso profesional: Logic AudioCubase, Sonar, Acid Pro,
  • Software libre: Ardour o ShakeTracker. Es importarte resaltar dentro de estos el programa Audacity, ya que es una buena alternativa gratuita de edición de audio, sencilla y en castellano, a pesar de que su sencillez haga que la edición y procesado de audio se vuelvan un poco incómodos en comparación con otros programas de pago.
  • Asistentes de composición en línea

Son servicios en red gratuitos que permiten trabajar con conexión a internet sin necesidad de bajarse la aplicación. Ofrecen la posibilidad de crear pequeñas piezas con parámetros diferentes. Las ventajas son muchas: son muy fáciles de usar, gratuitos, se aprende muy rápidamente a usarlos y permiten compartir y difundir las composiciones.

Se clasifican en tres grupos:

  • Mezcladores de música: imitan a las mesas de mezcla de manera simplificada. Dan la posibilidad de aplicar efectos a las diferentes pistas y cargar diferentes motivos o loops para la creación de canciones. Ejemplo: Fame Academy.
  • Generadores de patrones rítmicos: Permiten crear estructuras rítmicas: Drum patter programmer.
  • Juegos de creación y composición musical: Permiten nuevas posibilidades en los procesos creativos. Pueden ser de diversas maneras: Composer, Tonetag, Hand Symphony y BBC Music Mixers entre otros.
  • Educación auditiva y lenguaje musical

Este tipo de software tiene una larga tradición, no solamente aplicado a los niveles elementales o profesionales dentro de los conservatorios y/o escuelas de música, sino también dentro de la educación básica (Primaria y/o Secundaria). Sin embargo, no son habituales en la práctica docente de los conservatorios.

Son aplicaciones, programas o servicios en red cuya finalidad es tanto mejorar el reconocimiento e identificación de alturas y notas, como el de los intervalos, acordes y escalas, así como el conocimiento y práctica con los elementos fundamentales del lenguaje musical.

Se trata de programas destinados a una práctica habitual y secuenciada de ejercicios de complejidad creciente, como es el caso de EarMaster o Ear Traning (excelentes aplicaciones de pago que funcionan mediante instalación), GoodEar o EarPower (que funcionan en el navegador y permiten su descarga de forma gratuita) o la página web www.teoría.com (también de uso gratuito en línea).

Además existen colecciones de juegos con una temática mucho más específica o para la creación propia como pueden ser: Digital Counterpoint y Educaplay.

Contamos con tres utilidades distintas en las que podemos usar el sofware musical:

  • Aplicaciones para el conocimiento musical.

Aquí estarían las apps dedicadas al estudio y ampliación de los conocimientos musicales. Hablamos de aplicaciones que ofrecen información sobre Teoría de la Música, Historia, Lenguaje Musical y Géneros Musicales.

Algunas son Note Trainer (leer música), Ear Trainer (profundizar en lenguaje musical), Dorerythm (compases), PlayPad (pentagrama sonoro), Notable (lenguaje musical en inglés), Tap Notes (memoria auditiva), Music TutorA Jazz Day (jazz), Música Clásica y Opera Classissima (ópera).

  • Aplicaciones para la práctica musical.

Aquí encontramos desde metrónomos (Rhythm Training) y afinadores (Intonatio) clásicos como las app dedicadas a la audición musical, tanto la audición activa basada en la experimentación como en la escucha simplemente, para disfrute o conocimiento de los diferentes estilos musicales.

Podemos destacar Discovr (cualquier estilo musical y artista o cantante), Shazam (reconocimiento de música), Tuneln Radio (escucha de emisoras de radio), Música clásica (recopilación de obras clásicas.

  • Aplicaciones para la creación y edición musical

Estarían las apps dedicadas a la creación musical, tanto composición e improvisación, como edición, grabación y experimentación con audio, partituras y vídeo. Son las más adecuadas para fomentar la creatividad musical y suelen ser las más entretenidas, junto con los juegos musicales.

Garage Band es la más conocida y utilizada por los músicos, para tocar, componer, grabar, etc.; Music Studio Lite para crear música con diferentes instrumentos y efectos sonoros; Sound Prism para improvisar y crear música; Sound Cloud para grabación y edición de audio; Shadow Puppet y Fotobabble para añadir grabaciones de voz y sonido a imágenes; etc.

Para la creación y edición de vídeo tenemos, Pinnacle Studio e iStop Motion, además de otras, Make Me Music está recomendada para improvisar con varios ritmos y sonidos cotidianos, así como Sound Brush para crear música dibujando.

Selección de los recursos de Internet.

En los últimos años, la búsqueda y el acceso a la información se han revolucionado con el desarrollo de Internet. La inmediatez y la facilidad de uso de esta red ha provocado la aparición de una avalancha de datos que son utilizados en cualquier faceta de la vida cotidiana. En la educación, esta red está revolucionando los principios tradicionales del aprendizaje, poniendo a disposición de los alumnos numerosas vías de adquisición de conocimientos que complementan los recibidos en el aula.

Dentro de Internet se puede encontrar todo tipo de recursos, convirtiéndose la gran cantidad de estos en el principal problema a la hora de utilizarlos. Seleccionar y evaluar la calidad de estos materiales es la clave para el éxito dentro de un marco educativo.

Según estudios estadísticos recientes realizados en España, todo el alumnado de entre 11 y 17 años ha utilizado alguna vez el ordenador y cerca del 90% lo utiliza semanalmente. Por la capacitación que da el uso del ordenador e Internet, deducimos que la mayoría de los jóvenes están habituados a escuchar música, a enviar y recibir mails, a navegar, a jugar en red, etc. Conocen y se comunican a menudo mediante app. de mensajería instantánea, así como que están capacitados también para buscar y descargar archivos en distintos formatos.

Como hemos visto, las estadísticas demuestran que los jóvenes conocen y utilizan con frecuencia las estrategias habituales en el manejo de Internet.

De todo lo anterior se deduce que para que el uso de las TIC en el aula tenga los resultados deseados, la principal preocupación no debe recaer en cuestiones sobre si los alumnos saben buscar o guardar datos en un buscador, o si saben localizar un archivo en pdf que se han descargado. La tarea del docente debe ir más orientada a guiar adecuadamente, a ofrecer los diferentes recursos disponibles y a mostrar las posibilidades que estos aportan a su formación instrumental.

Continuará……………….

Francisco González Hernández.

La sensibilidad de las personas hacia sus congéneres, el deseo de dejar plasmado el recorrido vital e histórico de grandes seres humanos, reales o nacidos en la literatura, se ha manifestado a lo largo de la historia en las diferentes ramas artísticas.

24 junio, 2021 Escrito en diapason

Lo hallamos en: Retratos de grandes personalidades políticas, religiosas o del ámbito de la cultura o la ciencia, incluso en ocasiones, personajes ficticios o mitológicos que ensalzan potentes características humanas. Relatos escritos o de tradición oral que subrayan los episodios más importantes y trascendentes de la vida denotables figuras, en ocasiones hiperboladas. Narración teatral o cinematográfica que visibiliza de una manera vívida la trayectoria en mayor o menor recorrido temporal de los personajes. La música, a través de la ópera, el ballet o música instrumental de mayor o menor formato, no queda al margen de ese anhelo representativo de historias vividas,mas, siendo un lenguaje abstracto, se antoja más complejo. Sin embargo, las características descriptivas de nuestro arte nos dan las herramientas para retratar con sonidos los relatos más apasionantes de los personajes de la historia.

En ocasiones se produce una simbiosis entre las artes y el hecho narrativo, histórico, pictórico y musical, multiplica su proyección, como es el caso de la obra El entierro del Conde Orgaz, compuesta por Alexander Comitas.

El entierro del Conde Orgaz, Banda Amigos de la Música de Yecla. Dirige Ángel Hernández Azorín.

La ópera ha representado tanto a personajes históricos, mitológicos como a personajes de la literatura como Dido y Eneas de Purcell; Rinaldo inamorato de Francesca Cacini; Jerjes y Julio César de Händel; La Clemencia de Tito, e Idomeneo, rey de Creta de Mozart; Céfalo y Procris de Jacquet de La Guerre; Fidelio de Beethoven; Aida, Macbeth y Otello de Verdi; Moisés en Egipto y Guillermo Tell de Rossini; Carmen de Bizet; Boris Godunov de Mussorgsky; Dafne y  Salomé de Richard Strauss; Tristán e Isolda, Rienzio Parsifal de Wagner; Fausto de Gounod; El príncipe Igor de Borodin; El castillo de Barba azul de Bartók o Fausto y Helena de Lili Boulanger, entre otros.

A pesar de no contener representación escénica, que aporta una perspectiva visual, en oberturas, sinfonías, cantatas y poemas sinfónicos también hallamos el retrato musical. La sinfonía Heroica de Beethoven fue llamada en primera instancia Napoleónica, hasta que el compositor quedó defraudado con el dictador, Tchaikovsky también hace referencia a Napoleón en la obertura 1812.En la obra de Beethoven encontramos las oberturas Egmont, Leonora o Coriolano; Richard Strauss nos ofrece Til Eulenspiegel y Don Juan; Rebeca Clarke a Morpheus. Berlioz escribió las oberturas Los Troyanos, Rob Roy y la cantata Cleopatra. Romeo y Julieta ha sido musicado por Tchaikovsky, Prokofiev, Berlioz o Gounod. Don Quijote por Telemann, Massenet, Richard Strauss, Ravel, Ibert, Guridi o Gerhard. Orfeo por Monteverdi, Gluck, Liszt,Stravinsky o Sofía Gubaidulina. Hamlet por Tchaikovsky, Liszt y Shostakóvich.

El Olimpo de los Dioses. Óscar Navarro. Unión Musical Godelleta. Dirige Jesús Perelló.

Desde un punto de vista técnico, al plantear la representación musical podemos recurrir a sonoridades asociadas a un contexto histórico, ritmos de batalla o fórmulas rítmicas que generan agonía, melancólicas melodías que muestran bien nostalgia, bien amor; armonías consonantes o disonantes que confrontan los estados de ánimo, timbres que asemejan voces o describen paisajes a través del color instrumental, la masa sonora que nos puede transmitir soledad o comunidad… Recordemos el poder de la Retórica, expresado siglos atrás, con la que los músicos barrocos otorgaban a los compositores la responsabilidad de hacer comprensibles las obras para el público. En el traspaso de la teórica narrativa a la musical, las figuras retóricas aportan a determinados elementos musicales una función descriptiva. Por ejemplo:

Anabasis, línea melódica ascendente identificada con la exaltación o felicidad.

Catabasis, línea melódica descendente identificada con la depresión, tristeza o desasosiego.

Abruptio, interrupción súbita que transmite exaltación.

Anáfora, repetición de un fragmento musical al inicio de diferentes pasajes asociado al desprecio, la crueldad o el enfado.

Articulus, Separación de notas de semibreve o breve asociada a la vehemencia.

Exclamatio, amplio salto interválico que en caso de ser ascendente genera felicidad y en caso de ser descendente, genera tristeza.

Hipérbole, polarización de la voz hasta un extremo, generando tensión.

Interrogatio, ascenso al final de la frase.

Multiplicati, la repetición de una célula musical que crea ansiedad.

Pasusduriusculus, movimiento melódico de segunda menor, preferentemente cromático, representa sufrimiento al ser descendente.

Quinta superflua, intervalo de quinta disminuida que transmite tristeza.

Saltusduriusculus, salto mayor de una sexta, habitualmente la séptima disminuida, encarna infelicidad y lamento.

Suspiratio, silencios a modo de suspiros que simbolizan pena o deseo.

A pesar del paso del tiempo, estas figuras retóricas continúan en la memoria colectiva y se perciben constantemente en la música cinematográfica. La música sinfónica o de banda musical hace constantemente eco de las bandas sonoras, consiguiendo que veamos, a través de nuestros oídos, las imágenes y sensibilidades de la pantalla.

La lista de Schindler, John Williams. Unión Musical de Godeleta. Dirige Alexis Calvo. Violín solista Vicente Balaguer. Corno solista Jesús Perelló Fuster.

El repertorio de Banda explota las características tímbricas, las combinatorias en la masa sonora, bucea en la infinitud del lenguaje de la percusión, va más allá del uso tradicional los instrumentos incorporando el ruido de llaves, el aire a través de los instrumentos e incluso la voz humana a modo de susurro, de cántico o de gritos, como un instrumento más.

Dragut el pirata, Ferrer Ferrán Banda Sinfónica AAMY. Dirige Ángel Hernández Azorín.

Nostradamus, Otto M. Schwarz. Banda de música CSM Málaga Dirige Silvia Olivero.

Entre los compositores de música de banda se encuentran frecuentes inspiraciones en la narración de episodios de vidas de personajes concretos o comunidades humanas.Como ejemplo Ferrer Ferrán: Eolo el Rey, Don Quijote, Magallanes, Juana de Arco, Salomón. Otto M. Schwarz: Leonardo, Nostradamus. Óscar Navarro: Don Enrique de Guzmán, El Olimpo de los Dioses. Amparo Edo Biol: Cleopatra. Philiph Sparke: Los Vikingos, Invictos, Los pioneros. Alfred Reed: Othelo, Punchinelo. Bert Appermont: Ivanhoe; Jan Van der Roost: Espartaco, Sinfonía Hungárica: Atila-Árpad-István; Jacob de Haan: Diogenes; Pascual Vilaplana: Jéssica y Crusllan.

Juana de Arco, Ferrer Ferrán. Banda de música CSM Málaga. Dirige Silvia Olivero.

El retrato musical nos ofrece la oportunidad de aprehender el alma de los retratados a través de la abstracción musical y ofrecerla al público narrando, con los elementos de lenguaje de la música, en el desarrollo de la construcción de la estructura de la obra, una fotografía en movimiento que nos permite ver con los ojos cerrados y viajar en el tiempo.

Silvia Olivero.

“La vida sin música sería muy aburrida” esta es una frase muy repetida entre el alumnado de Música y Movimiento, y no pueden llevar más razón.

La asignatura de Música y movimiento se realiza en las instalaciones de la escuela de la Asociación Amigos de la Música de Yecla para niños y niñas de entre los 3 a 7 años de edad. Podríamos enumerar la larga lista de objetivos que cada año el profesorado se propone a principio de curso.

Sin embargo, nuestro principal objetivo es acercar la música a los más pequeños a través de la gamificación, término que se está haciendo muy popular dentro de la escena educativa. La gamificación es una técnica de aprendizaje que traslada la mecánica de los juegos al ámbito educativo-profesional, con el fin de conseguir mejores resultados a la hora de adquirir nuevos conocimientos, potenciar determinadas habilidades o bien recompensar acciones concretas, entre otros muchos objetivos.

En otras palabras, nuestro propósito es despertar entre los alumnos y alumnas la curiosidad, el interés y el amor por la música.

17 junio, 2021 Escrito en diapason

Dadas las circunstancias actuales, nos sentimos muy orgullosos y agradecidos de haber tenido la oportunidad de continuar un año más nuestro compromiso con esta asignatura, y aún más importante, con nuestro alumnado. En esta era digital, las clases presenciales servían de vía de escape para muchos principiantes musicales, que conocían de mano de sus profesores la belleza de la música. Por ello, la pandemia fue un revés tanto para alumnos, como para profesores. Echar la vista atrás no es tarea fácil, pero creemos que es necesario para poder apreciar el esfuerzo que como sociedad hemos realizado.

Todo empezó un 12 de marzo de 2020, cuando a pesar de tener nuestras puertas abiertas, muchos consideraron que debido a la expansión de la pandemia era mejor quedarse en casa. Ese fue el primero de muchos gestos de responsabilidad que padres y madres realizarían, que hoy apreciamos pero que por aquel entonces nos dejó con una sensación de incertidumbre y tristeza. Solo dos días más tarde entraríamos en el estado de alarma que ha durado más de un año. Durante los primeros 15 días de confinamiento la Escuela de Música, como todos los lugares no considerados como actividad esencial, permaneció cerrada. Todos manteníamos la esperanza de que a partir de esas dos primeras semanas se restableciera la normalidad, pero lamentablemente no fue así.

Ante esta situación, el profesorado y la directiva se pusieron manos a la obra para encontrar la manera de hacer llegar la música a los hogares de nuestros estudiantes. Así fue como se establecieron tareas semanales a través de aparatos electrónicos que la mayoría de las familias tienen en casa, y con los que, siendo realistas, los más pequeños se defienden a la perfección. Todas las semanas, el cuerpo educativo se reunía telemáticamente para pensar en actividades que fueran sencillas de llevar a cabo a la par que entretenidas y didácticas. La verdad que no fue una tarea nada fácil ya que, si no recordamos mal, fueron de 2 a 3 actividades durante unas 16 semanas, para cada nivel de alumnado; es decir, un total de 10 a 15 actividades semanales.

Algo que teníamos muy claro era la intención de mantener la esencia de la asignatura de Música y Movimiento. Las actividades no eran obligatorias y los alumnos podían elegir cual hacer. También se hizo así a la hora de las correcciones: los vídeos se enviaban a través del aula virtual y los profesores no podían más que apreciar el esfuerzo de todos y cada uno de sus alumnos. Los mensajes de ánimo y agradecimiento parecían quedarse cortos ante la alta participación, algo que nos dio fuerzas para seguir creyendo en el poder de la música a pesar de la pandemia.

Después de dos meses de encierro y desconcierto, llegó mayo y la esperanza de volver a las clases presenciales se materializó gracias al trabajo y esfuerzo del director de la Escuela, Ángel Hernández. La vuelta al aula se propuso bajo unas condiciones mínimas de seguridad e higiene para todos los integrantes de la escuela. Se decidió así que 6 sería el número máximo de alumnos por aula, entre los cuales habría una distancia de 2 metros. Además, se instalaron pantallas de seguridad y se impuso la mascarilla como prenda obligatoria. Todas estas medidas fueron explicadas al detalle a través de un vídeo en nuestro canal de YouTube de la mano de algunos de nuestros profesores.

Nuestras ganas de retomar las clases eran inmensas, pero también éramos conscientes de que la situación podría impedirnos volver. Para nuestra sorpresa, la aceptación y la participación fueron increíbles y queremos, una vez más, dar las gracias a las familias por el apoyo y la confianza en nosotros, ya que la reacción más normal habría sido no llevar a los niños y niñas por el miedo al contagio. Al fin, el ansiado día llegó, y la ilusión y la emoción nos inundaban. Fue complicado adaptar las actividades, juegos y metodología que usábamos antes a la nueva normalidad, sin poder tocarnos, movernos libremente ni compartir materiales. Pero una vez más la actitud de los niños fue increíble: las clases pasaban volando y la alegría en los rostros de todos se dejaba ver a pesar de la mascarilla.

La Escuela fue retomando las clases presenciales a mitad de junio aproximadamente. Fuimos los primeros en realizar una apuesta tan arriesgada en plena pandemia, no sólo en nuestro municipio, sino a nivel nacional también. Tanto la escuela como institución, como los alumnos y alumnas, fuimos un ejemplo de cómo poder hacer clases presenciales sin riesgo. Todo ello no habría sido posible sin el descomunal esfuerzo del claustro de profesores, la junta directiva y de su director Ángel Hernández Azorín, que como se dice vulgarmente, se dejó los cuernos para que pudiéramos volver a nuestras queridas aulas.

A día de hoy, las clases no han dejado de ser presenciales durante este curso. La reducción de casos y nuestro mayor conocimiento del virus nos permitieron reestructurar algunos grupos en los que se pudo llegar a un máximo de ocho alumnos por aula. El gran cambio vino en la creación de tres niveles en los que agrupar a los alumnos: nivel A, para los más pequeños; nivel B, los medianos; y nivel C, los mayores.

Para finalizar, queríamos volver a agradecer a las familias el tremendo esfuerzo que hicieron durante la pandemia, no solo por la gran participación y aceptación, sino por los continuos mensajes de ánimo que recibíamos, ya que esto a nosotros nos daba la fuerza necesaria para no dejar de trabajar, pues como dijimos al principio, nuestro mayor objetivo es que sus hijos e hijas amen la música tanto como la amamos nosotros. Muchas gracias por todo.

Daniel García Lara e Inmaculada Rubio Ibáñez

Profesores de Música y Movimiento de la Escuela de Música de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla.

Corría el año 1993 cuando, después de cruzar muchas cartas, se reúnen en Altea los responsables de las distintas Federaciones.

Definida en los Estatutos como:

Artículo 4º.-

La Confederación Española de Sociedades Musicales es una Entidad de ámbito estatal, que reúne a las Federaciones de las Comunidades Autónomas, regionales o provinciales, de carácter amateur. Tiene personalidad jurídica propia, gozando de plena capacidad para actuar, contratar y obligarse, de conformidad con la legislación vigente, para el desarrollo de las funciones y cumplimiento de sus fines.

Tiene el carácter de unión entre las federaciones independientes que la integran, y por su naturaleza cultural y prioritariamente musical, no persigue ningún fin lucrativo.”

10 junio, 2021 Escrito en diapason

 

 

 

 

 

 

Pero no fue en este año la primera vez que se hablaba de la creación de una organización nacional de sociedades musicales. Para concretar este hecho nos remontaremos a 1967.

Llíria el municipio escogido para celebrar los Festivales de España. Éstos estaban patrocinados por el Ministerio de Información y Turismo y la Unión Musical de Llíria fue la anfitriona y organizadora del programa de actos.

En este contexto, se estableció una ponencia el 10 de septiembre de 1967 bajo el nombre “Las bandas de música y sus problemas” con el objetivo de tratar las cuestiones que preocupaban a las sociedades musicales en aquel momento.

Una de las conclusiones fue:

“La creación de una Federación Nacional de Sociedades Musicales Amateurs”

De estas reuniones salió la decisión de formalizar la fundación de la Federación Regional Valenciana de Sociedades Musicales en 1968.

Sigamos, 25 años después se consumó la fundación de la Confederación Española de Sociedades Musicales (CESM).

En aquel 1993, durante los días 13 y 14 de noviembre, se reunieron el Presidente de la Federación Castellano Manchega, Don Alfonso Rodríguez; Presidente de la Federación Guipuzcoana, Don Juan Antonio Lecuona; Presidente de la Federación Balear, Don Josep Clement; Presidente de la Federación Catalana, Don Joaquín Urquizu; Presidente de la Federación Andaluza, Don Andrés Valero; Presidente de la Federación Gallega, Don Emilio Vázquez; Presidente de la Banda de Música de Teruel, Don José Martínez; Presidente de la Federación de Murcia, Don Isidoro Jesús Martínez; Presidente de la Federación de Asturias, Don José Antonio González y Presidente de la Federación de Valencia, Don Ángel Asunción.

“Tras varias reuniones maratonianas” según palabras que me confesó Ángel Asunción, se firmó el acta constitucional y redactaron los primeros Estatutos, con las siguientes Federaciones fundadoras:

De estas federaciones se disolvieron:

  • Federación de Bandas Civiles del Principado de Asturias
  • Federación Guipuzcoana de Bandas de Música/Guipuzkuako Banden Biltzarra

Con el paso del tiempo se formarían las Federaciones:

 

 

Los datos se acercan a los que pública el Ministerio de Cultura en su anuario 2019, donde dice que hay 1.485 bandas y que se reparten por comunidades de la siguiente manera:

Esto no quiere decir que todas las Federaciones están en la Confederación, ya que, aparte de las que se disolvieron, algunas la abandonaron, ya sea por motivos económicos, ya sea por otros motivos, aunque no se pierde la esperanza de que algún día estemos todos juntos otra vez.

En los primeros años de andadura de la Confederación, sus esfuerzos se centraron en dar a conocer la organización e intentar tener una línea de ayuda del Ministerio para poder cumplir con mayor facilidad sus fines, objetivo que se cumplió, con el paso de los años esa línea directa pasó a ser una ayuda del INAEM para realizar proyectos.

Y en una frase hecha que he adaptado: “Las Instituciones están por encima de las personas, pero son las personas las que dirigen las instituciones y con sus decisiones hacen que una institución sea buena o mala, esto que parece un trabalenguas, es la cruda realidad.”

Han habido muchos años que la Confederación se ha limitado hacer su Asamblea General, de 3 y 4 días, con sus respectivos Festivales de Bandas y hasta el año que siguiente, con las celebres y buenas frases de “se debería hacer”, “se habría que hacer”, “se tendría que hacer” y así pasaron demasiados años.

Recomendable la lectura del libro “XX Años de Historia” editado por la CESM, para entender de dónde venimos, si es que se quiere entender, claro.

Cuando una organización no ocupa el espacio que le corresponde, ese lugar es ocupado por otros y cuesta tiempo y recursos volver a recuperar el espacio perdido.

En el año 2016 me presenté a Presidente con un programa electoral concreto y con acciones concretas, como la reactivación de relaciones institucionales, crear un gabinete de comunicación, una web operativa, una base de datos nacional de Sociedades Musicales (SSMM), una mejora del marco normativo para SSMM, así hasta 14 puntos, en el primer año se habían cumplido 12 de ellos.

En el 2018 a raíz de una nota de prensa sobre la bajada del IVA a los instrumentos musicales, nos llevó a reunirnos con todos los grupos parlamentarios del Congreso de Diputados en Madrid y en 2020 que se apruebe en el Senado una Moción que Insta al Gobierno que revise el tramo de IVA aplicado a los instrumentos musicales. En el expediente presentado había una declaración institucional de una Diputación y el acuerdo de 10 ayuntamientos, que triste.

Pero la Confederación, ¿para qué sirve?

Para estar asociados y dar representación ante las instituciones estatales, donde se reivindica y pone en valor los tres apartados que más nos identifican al colectivo como son el educativo, el cultural y el social, porque en ocasiones, la respuesta que dan nuestros gobernantes a nuestras demandas es:

Insuficiente, Incorrecta, Injusta o lo que es peor, Inexistente

Frente a estas 4 I nosotros debemos ofrecer  Las 5 C.

  • La C de Confiabilidad: Desarrollo de la cultura del cumplimiento de nuestras obligaciones (pienso que solo quien cumple sus obligaciones está legitimado para exigir a los demás que cumplan las suyas).
  • La C de ser Creativos, explorando las escasas opciones que ofrece el actual marco normativo (Ej. declaración BIC, ley del Voluntariado, convenio colectivo, utilidad pública, ley de Propiedad Intelectual).
  • C de Comunicación: lo que no se comunica no se conoce.
  • La C de No Conformarse, reivindicando que el marco normativo mejore y reconozca nuestra aportación a la sociedad.

Y por encima de todas la C de CONVICCIÓN:

Debemos convencer a los nuestros, a nuestro entorno, al resto de la sociedad y a los políticos de la importancia de tratar como se merece lo que hacemos. Sin que se cree ese estado de opinión favorable no será fácil conseguir ni cambios normativos ni casi nada.

Las 4 I y las 5 C, son de mi amigo Luis Vidal, que se han convertido en una frase mantra de nuestras acciones.

De la 5 C, las que más hay que reforzar son No Conformarnos y estar Convencidos de lo que hacemos. Aquí dos ejemplos.

No Conformarnos

El año y pico de pandemia que estamos viviendo, ha desnudado por completo a muchas organizaciones y sistemas de gobierno, pero también ha puesto en valor otras.

Mientras duró el Estado de Alarma en 2020, solo había una voz, acertada o desacertada no es mi intención juzgarla, pero solo una voz y un solo interlocutor. Cuando empezó la desescalada, pasamos de una sola voz a 20, las 17 Comunidades Autónomas, las 2 Ciudades Autónomas y el Ministerio de turno, esto llevó a que cada Comunidad haya aplicado las mismas normas marcadas por el Ministerio, pero en diferentes tiempos y a diferentes colectivos.

Pero esto también ha ocurrido con las federaciones, donde cada una ha ido a su ritmo y a la voluntad de su Comunidad Autónoma.

Estar Convencidos.

Un ejemplo fue la solicitud que hizo la CESM al Ministerio de Sanidad para que se actualizara la Estrategia de vacunación frente a la covid-19 en España, con la inclusión de un subgrupo adicional (Grupo 6D) para los docentes y personal de las Escuelas de Música y Escuelas de Música y Danza dependientes de corporaciones locales o de entidades privadas sin ánimo de lucro y al mismo tiempo se instaba a las Federaciones que lo hicieran en su propia Comunidad.

Resultado, algunas lo habían hecho antes y no dijeron nada, otras lo hicieron como si fueran ellas las que lo pedian, otras nada y otras en su escrito ponían “como lo ha hecho la CESM al Ministerio”, juzguen ustedes mismos las diferencias de actuación.

La pandemia nos ha enseñado que juntos somos más fuertes y se pueden conseguir más cosas, si no siempre ganan los más famosos o los que más padrinos tienen.

Así y todo es una responsabilidad y un reto, si en los 5 primeros años de la Confederación se pudieron hacer muchas cosas, simplemente aplicando la frase de “Quien no conoce la historia está condenado a repetirla”, en mi presidencia ni chupipandi ni olvidar la historia, con unos pocos menos palos en las ruedas y estar más convencidos, se podrían conseguir los objetivos, ahora que cada cual analice sus acciones.

Si no estuviera la Confederación, se tendría que crear, pues como la tenemos, aprovechémosla.

Yo no me Conformo y estoy Convencido y ¿Tú?

Vicente Cerdá García
Presidente de la CESM

“Summertime and the livin’ is easy, fish are jumpin’ and the cotton is high…”

Tenía unos catorce años la primera vez que escuché la versión que Janis Joplin hizo del Summertime de George Gershwin.

Recuerdo que me invadió una sensación extraña, me suele pasar cuando descubro algo que me emociona, una especie de taquicardia que hace que mi cerebro bulla dentro de mi cráneo y mi corazón palpite.

La voz rasgada y doliente de Janis Joplin cambió mi vida para siempre.

3 junio, 2021 Escrito por diapason

Parece un tópico, pero en mi caso es completamente cierto, la música cambió mi manera de percibir la realidad y se transformó en el hilo conductor que ha guiado mis pasos de una u otra manera a través de los años.

Mi adolescencia estuvo marcada por artistas de los 60s y 70s, que me hicieron conocer la buena música, las letras salvajes y despertaron en mí un amor exacerbado por las guitarras eléctricas del que Jimi Hendrix es el único y exclusivo culpable.

La pasión y el fuego que surgían de la guitarra de Hendrix me transformaron en ferviente devota del rock &roll y comprendí que debía ampliar mis horizontes musicales más allá de los artistas y grupos de mi generación.

Led Zeppelin, Pink Floyd, The Rolling Stones… fueron la banda sonora de mi primera juventud, pero The Beatles se transformaron, desde el primer momento, en mi grupo de cabecera, y de entre ellos, sin duda, yo siempre estuve en el equipo de John.

Sus letras, su espíritu luchador, su amor por Yoko Ono…inclinaron la balanza de mi beatlemanía hacía Lennon, aunque George Harrison tenía casi la mitad de mi corazoncito de fan.

Con el transcurso de los años fui creciendo y transformándome, y allí fue donde me encontré con él, con mi amado poeta James Douglas Morrison, descubrí un lugar donde sus versos se abrieron paso a través de mí y me volaron la tapa de los sesos.

Janis, Jimi, Jim y John, cuatro iconos de la música moderna, cuatro artistas que para mí han sido cuatro pilares indiscutibles en la formación de mi personalidad artística, y que representan la esencia del arte, en la gran amplitud de la palabra. Seres sensibles (tal vez demasiado) que desnudaban su alma y que hacían participe de sus sentimientos a todo aquel que se acercase a su obra.

A lo largo de los años han caído en mis manos algunas biografías de estos artistas cuya lectura me ha demostrado que tenían mucho más en común que su amor por el Johnny Walker.

Todos pertenecían a familias que no se correspondían con el estándar de la época, o habían sufrido problemas de aceptación durante su infancia y adolescencia, vivencias que les marcaron desde el principio y se verían reflejadas en sus letras, en su forma de cantar y de desgranar su dolor sobre un escenario.

Janis Joplin creció en medio de un fervor religioso que no compartía en absoluto, su familia pertenecía a una especie de secta religiosa denominada Iglesia de Cristo, un movimiento religioso que tiene por objeto restaurar la Iglesia tal como se muestra en el Nuevo Testamento de la Biblia.

Su adolescencia fue dura, nació en Port Arthur, Texas, una comunidad en la que la segregación racial tenía profundas raíces. Sufrió las burlas de sus compañeros por no seguir la norma, le gustaba leer, pintaba, tocaba el autoharp y sobre todo no odiaba a los negros.

Fue a la Universidad de Texas, donde las bromas de otros estudiantes sobre su aspecto físico eran continuas (incluso la llegaron a inscribir en el concurso “El hombre más feo de todos los campus”) Viajó a Los Ángeles, comenzó a cantar en bares, y, aunque volvió brevemente a su hogar en busca de una estabilidad que no encontró terminó regresando a California.

Su imagen como cantante comenzó a crecer y a partir de ahí todo es historia de la música

El maltrato psicológico al que se enfrentó, incluso fuera de su comunidad, marcaría la vorágine autodestructiva y adictiva en la que la cantante desarrolló su carrera y su inmensa voz.

Siempre que veo la grabación de alguna de sus actuaciones entreveo la tristeza en sus ojos, como el vaho que empaña una ventana y se me nubla un poco el corazón.

Jimi Hendrix, un negro en mitad de una época convulsa, racista, ultraconservadora y llena de cambios, que nunca conoció un hogar convencional.

Nació en Seattle, hijo de un matrimonio que pasaba más tiempo separado que junto y en el que ambos tenían problemas con el alcohol, fue el primero de cinco hermanos, los tres más pequeños fueron dados en adopción por sus padres.

La familia se mudaba con frecuencia y a veces se quedaban en hoteles baratos o apartamentos de la zona de Seattle. Solían llevar a Hendrix a Vancouver para quedarse con su abuela.

Jimi era un niño sensible y tímido y se vio muy afectado por sus experiencias familiares que marcarían su adolescencia y juventud.

Cuando le arrestaron por segunda vez en un coche robado, le ofrecieron el trato habitual: cárcel o alistarse en el Ejército. Jimi no tenía madera de militar y consiguió salir del Ejército.

Se mudó a Nueva York y allí fusionó el mundo de la cultura negra, del blues Little Richard y Solomon Burke, con sus influencias provenientes de su admiración por Dylan o Eric Clapton, y ahí el mundo de la música cambió tal y como era conocido hasta el momento.

Su adicción a los barbitúricos, y puede que la tristeza infinita, lo llevaron a la muerte.

Jim Morrison también se vio afectado por la vida militar, pero en su caso debido a que su padre George Stephen Morrison fue almirante del primer navío nuclear del ejército de EEUU.

Los continuos cambios de residencia y este tipo de vida sin apego a lugares o personas, caló profundamente en su forma de ser y provocó que gestase un carácter rebelde y desafiante hacia la autoridad, y también un espíritu crítico con el cual se cuestionaba absolutamente todo.

En una ocasión llegó a decir que su familia había muerto en un accidente de tráfico, cosa que no era en absoluto cierta y que puede que fuese una muestra de lo “huérfano” y solo que se sentía

Jim era persona tremendamente culta y un empedernido lector de poesía, un amante de los Poetas Malditos y un excelente escritor, que deseaba ser Rimbaud, y que tuvo que conformarse con ser una rockstar, cosa que detestaba, y que lo empujó hacía los límites en incontable número de ocasiones.

Cambió de aspecto, engordó deliberadamente e intentó acabar con ese “sex simbol” en que los medios lo habían transformado, para que la gente se centrase en sus letras, en sus poemas, pero sus propios fantasmas lo atraparon y se lo llevaron consigo al otro lado en un antro de París.

Lennon, John Winston Lennon, el más fabuloso de los Fab Four, tampoco se queda atrás…

Se crio con su tía Mimi y su marido George Smith, su madre Julia (John llamaría a su primer hijo Julian en honor a ella) lo dejó al cargo de su hermana puesto que su situación tanto personal como económica era bastante precaria.

El padre de Lennon, Alfred, era un marino mercante que tuvo que ejercer como soldado en la II Guerra Mundial. Fue bastante díscolo y estuvo siempre ausente, dejó de enviar dinero a su hijo y a Julia, y esta se vio abocada a dejar a su hijo en manos de Mimi.

Así pues, John Lennon nunca tuvo la sensación de tener una “verdadera” familia y eso hizo de él un joven contestatario e irreverente, en sus propias palabras: “Yo era un alborotador. Sabían que no iba a ser un conformista y que influenciaría a sus hijos, que es lo que luego sucedió realmente. Hice todo lo posible por causar problemas en la casa de los amigos que tuve, en parte por envidia, porque yo no tenía eso que llaman hogar. Aunque en realidad lo tenía…”.

Sus años en el Liverpool College of Art estuvieron llenos de afrentas a los profesores que acabaron con su expulsión antes del último año.

Más tarde, en 1960, comenzó a tocar en Hamburgo con la primera formación de The Beatles (Pete Best en lugar de Ringo y Stuart Sutcliff al bajo) y a partir de ahí dio rienda suelta a su creatividad, contando a través de sus canciones sus traumas, sus anhelos y su compromiso con la paz y la justicia, hasta que en 1980 un loco llamado M.D. Chapman decidió acabar con su vida disparándole cinco tiros, de los cuales cuatro le dieron de lleno.

He tratado de exponer como estos cuatro artistas no lo tuvieron precisamente fácil en la primera etapa de sus vidas, como fueron víctimas de sus circunstancias y más tarde de sí mismos.

He reflexionado muchas veces sobre esto y me he planteado sí tal vez, es el sufrimiento y el dolor lo que hace al artista y de esos sentimientos nace el genio creativo que trata de liberar al monstruo a través de sus letras, de sus versos, de su música o de sus cuadros, y busca una catarsis, o más bien, un fuego expiatorio donde aliviar aunque sea de una forma fugaz, todo aquello lo que atormenta.

Como diría mi admirado Jeff Buckley “Nacemos para vivir, nacemos para comprender, nacemos para llevar un patrón maldito y ser transformados por el dolor».

Así pues, descubrir como la música, el arte en general, tiene ese poder curativo que ayuda tanto al que lo crea como al que lo siente, es algo maravilloso.

Somos animales dotados con la capacidad de hacer perceptibles nuestros sentimientos y de trasladarlos a los demás y, ese don es algo que debemos cuidar y fomentar cada día.

Proteger la cultura, la música, que contiene legados tan maravillosos como los de estos cuatro artistas, es una obligación con la que todas las sociedades que se consideren desarrolladas deberían cumplir.

Para despedirme me gustaría compartir unas palabras del pintor Marcel Proust “Sólo a través del arte podemos emerger de nosotros mismos y saber lo que otros ven”.

Hasta pronto.

Conchi Silvestre

Profesora de Canto de la Escuela de Música de Yecla.