CESM

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Primera reunión entre la secretaria general de Clásicas y Modernas, Marina Gilabert y Cristina Fornet, directiva responsable de Igualdad en la Confederación Española de Sociedades Musicales (CESM)

Valencia, 08/03/2021

Con el fin de celebrar el día Internacional de la Mujer, se ha llevado a cabo la primera reunión para empezar a trabajar conjuntamente por una parte La Confederación Española de Sociedades Musicales y por la otra parte la Asociación Clásicas y Modernas dentro del marco del Proyecto Bibliotecas en Igualdad con la finalidad de potenciar la presencia de las mujeres y la visibilidad de ellas en la actualidad y a lo largo del tiempo.

Marina Gilabert y Cristina Fornet celebraron esta reunión para potenciar la igualdad entre hombres y mujeres en la Música, visibilizar a célebres compositoras, directoras e intérpretes silenciadas en el pasado, recuperarlas en el presente formando parte de una genealogía que represente a las mujeres en la Música, un acuerdo de colaboración que ayudará a favorecer la igualdad en las artes y en la música.

Así mismo, ambas partes, han acordado una participación conjunta en las actividades que desarrollarán las dos instituciones de forma inmediata. Con esta colaboración queremos sensibilizar a la sociedad y reivindicar la visibilidad de las mujeres como sujetos de la creación artística y cultura musical.

https://clasicasymodernas.org/

La Federación Andaluza de Bandas de Música estrena nuevo presidente.

Tras las elecciones celebradas en Asamblea general de este organismo que tuvieron lugar en Almería el pasado 19 de enero, Félix Ruiz González es el el nuevo Presidente andaluz de Federband.

Ruiz toma así el relevo de José Almécija Molina al frente del máximo organismo de las Bandas de Música andaluzas.

Las primeras palabras del nuevo presidente fueron de agradecimiento hacia la impecable labor de José Almécija durante tantos años dirigiendo la institución.

Félix Ruiz posee una larga trayectoria a sus espaldas; es actualmente Director de la Banda Sinfónica de Huércal de Almería, ha sido presidente del Consejo Asesor de Directores de Federband y Delegado Provincial de la misma en la provincia de Almería. Granadino de nacimiento y almeriense de adopción, este saxofonista, compositor y director de orquesta posee una dilatada carrera en el ámbito de las Bandas de Música, lo que le otorga un perfecto conocimiento del funcionamiento, carencias y precariedades que tienen las formaciones musicales andaluzas.

En sus primeras declaraciones, ha afirmado que “necesitamos poner en valor la labor que realizan las bandas de música en Andalucía en la inmensa mayoría de sus municipios. Somos formadores, educadores, escuela de valores y motores culturales de nuestras localidades. Ya es hora de recibir el reconocimiento que merecemos por parte de las instituciones”.

El nuevo Presidente andaluz ha añadido que promete trabajar duro por conseguir consolidar a las Bandas andaluzas en el lugar que les corresponde.

https://federband.org/

La formación retoma la actividad en grupos muy reducidos para cumplir con las medidas vigentes.

Prepara ya importantes citas que incluyen festivales de carácter internacional.

Arroyo de la Encomienda a 06/03/2021

La Banda Sinfónica de Arroyo vuelve a sonar tras meses de parón, lo hace en su sede y en pequeños grupos, con el objetivo de preparar sus próximos compromisos, que incluyen varios certámenes internacionales; se suma así a la Escuela Municipal de Música de Arroyo, con la que comparte las instalaciones del Centro Cultural y Etnográfico y que también está retomando parte de la actividad de forma progresiva y atendiendo a todos los protocolos sanitarios ahora en vigor.

Entre mascarillas, con aforo reducido y cumpliendo con las medidas y recomendaciones dictadas por las autoridades sanitarias competentes en la materia, además de con un estricto protocolo interno de actuación, esta reducida actividad presencial por secciones se suma así a sus líneas de trabajo online, que han permitido a la banda no perder el contacto ante la inminente llegada de varios compromisos de carácter internacional, entre los que figuran sendos festivales en Benavente y Cullera (Valencia), a los que la formación tiene previsto asistir en la época estival, siempre y cuando las condiciones sanitarias lo permitan. Ambos certámenes fueron cancelados en 2021 y fuentes de la organización de los mismos aseguraban recientemente que las citas, por el momento, siguen adelante.

En cuanto a su actividad en las plataformas digitales, unos canales en los que la sinfónica está siempre activa, cabe destacar que en las próximas semanas verán la luz varias iniciativas relacionadas con el Día Internacional de la Mujer, o con la Semana Santa. La banda pretende así repetir el éxito de proyectos como #SemanaSantaBSA o #BSAyuda, acciones que fueron seguidas por miles de personas durante el confinamiento.

El programa de Turisme Comunitat Valenciana y la plataforma Valencia Early Music (VEM) aportarán beneficios como el apoyo a la difusión y la divulgación en redes internacionales y agrupaciones de festivales

La tercera edición del Festival de Orihuela se celebrará en varios espacios del municipio del 14 al 17 de octubre, lo que permitirá poner en valor la riqueza patrimonial y arquitectónica que atesora

Mariola Rocamora, concejala de Turismo y Festividades, asegura que “la cultura nos hace crecer a todos y nos une; aprovechar nuestro rico acervo para hacer un festival aún más especial es algo que nos encanta”

Rocamora afirma que “las ediciones que se han celebrado han sido un éxito, con grandes artistas. Nuestra ciudad es un referente cultural en España y la llegada del AVE a Orihuela es un hito muy importante para la ciudad”

Carles Magraner, presidente de la Fundació Cultural CdM, estima que “Orihuela reúne todas las condiciones patrimoniales e históricas para albergar un gran festival de música antigua, que estará presente en los circuitos tradicionales y más importantes del panorama internacional”

Orihuela, 5 de marzo de 2021
 

Concierto didáctico Carmesina i Tirant de Mara Aranda & Jota Martínez en la Iglesia del Colegio Diocesano Santo Domingo de Orihuela.

El Festival Renacentista y Barroco de Orihuela ha sido incluido en el programa Medite­rranew Musix de Turisme Comunitat Valenciana, un programa que aportará diversos beneficios al proyecto como poner en valor este acontecimiento cultural mediante el apoyo en la difusión, promoción y representación, así como la posibilidad de participar en las ferias sectoriales y actos promocionales en las que participe la agencia de la Generalitat Valenciana.  

 
También ha pasado a formar parte de la plataforma Valencia Early Music (VEM), una marca paraguas que agrupa a diversos festivales de música antigua de la Comunidad Valenciana en ciudades como Torrent, Valencia, Morella, Orihuela y Xàtiva. VEM promueve la divulgación de estos eventos en redes internacionales, agrupaciones y organizaciones tanto nacionales como extranjeras, convirtiéndose en un gran soporte para el impulso turístico y de difusión del patrimonio musical.
 
El Festival de Orihuela, organizado por la Fundació Cultural Capella de Ministrers (FCCdM), ha celebrado dos ediciones en las que la ciudad ha sido escenario de diversos conciertos que han acercado a la ciudadanía músicas del siglo XVI y XVII, con prestigiosos intérpretes y formaciones de referencia en el panorama internacional. 
 
La tercera edición del Festival de Orihuela se celebrará en varios espacios del municipio del 14 al 17 de octubre, lo que permitirá poner en valor la riqueza patrimonial y arquitectónica que atesora. Mariola Rocamora, concejala de Turismo y Festividades, asegura que “en Orihuela tenemos un patrimonio histórico envidiable y muy bien conservado, porque todos los oriolanos apreciamos su valor. Por supuesto, nos gusta que los visitantes lo vean y lo disfruten. La cultura nos hace crecer a todos como personas y nos une, por lo que aprovechar nuestro rico acervo para hacer del festival un evento aún más especial es algo que nos encanta”.
 
En relación con la inclusión del festival en el programa Mediterranew Musix de Turisme Comunitat Valenciana, Rocamora afirma que “sin duda, es un paso muy importante para este certamen, que está aumentando su popularidad y relevancia. Las ediciones que se han celebrado han sido un éxito, con grandes artistas que han venido hasta Orihuela”. Y subraya que “la música tiene una gran influencia en nuestra ciudad, tenemos instrumentos históricos, como el órgano de la Catedral, que cuidamos y amamos. Nuestra ciudad es un referente cultural de la Comunidad Valenciana y de España”.
 
Oferta turística diferenciada
En este sentido, y sobre la posibilidad de que el festival pueda atraer una oferta turística diferenciada y singular para captar e impulsar un turismo, consumidor de estas experiencias culturales, la regidora considera que “la llegada del AVE a Orihuela es un hito muy importante para la ciudad, que todos debemos valorar. Este equipo de Gobierno ha puesto mucho empeño en ello y estamos de enhorabuena con esta nueva oportunidad que se nos presenta. Ahora, es nuestra responsabilidad hacer de esta gran noticia una herramienta para mejorar nuestra ciudad y el turismo”.
 
Rocamora destaca que “nuestra oferta es amplia y muy variada, tenemos una ciudad con montaña y mar, y sin duda es un lujo que también exista una oferta cultural tan potente con acontecimientos como el Festival Renacentista y Barroco de Orihuela”. Además, indica que “desde la concejalía de Turismo estamos trabajando en diferentes acuerdos, como algunos que ya se han aprobado, para que el AVE impulse el municipio y lleguen más turistas”.
 
Circuito internacional
Carles Magraner, presidente de la FCCdM, estima que “Orihuela reúne todas las condiciones patrimoniales e históricas para albergar un gran festival de música antigua, que ha reivindicado que la cultura es segura celebrándose en plena pandemia con todas las medidas sanitarias”. El director de Capella de Ministrers considera que “formar parte de programas como Medite­rranew Musix y la plataforma VEM es una excelente noticia para estar presente y participar en los circuitos tradicionales y más importantes del panorama internacional, frecuentemente alejados de ciudades medias aunque con una gran historia tras de sí”. 
DOCUMENTACIÓN
– Festival Renacentista y Barroco de Orihuela
– Ayuntamiento de Orihuela

–  Fundació Cultural Capella de Ministrers
https://culturalcdm.eu/

– Capella de Ministrers

Fueron los versos de la canción que me despertó esta mañana. Ya hacía tiempo que nadie me visitaba, y al asomarme afuera para ver quien canturreaba tan alegremente; ahí estaba él, el amigo Ritchhie Valens, quien alcanzaría su fugaz fama gracias a su versión rock del clásico popular mejicano “La Bamba”.

Y ya ves, tras compartir el día con tan grata visita, echo la vista atrás y puedo afirmar que Ritchie es el cantante más joven de todos los que me ha visitado, pues pasó a este otro lado con apenas 17 años.

Escrito por diapason – 3 marzo, 2021

“…Bamba, Bamba. Bamba, Bamba. Para bailar la bamba
Para bailar la bamba se necesita una poca de gracia.
Una poca de gracia pa’ mi pa’ ti ah y arriba y arriba…”

Fueron los versos de la canción que me despertó esta mañana. Ya hacía tiempo que nadie me visitaba, y al asomarme afuera para ver quien canturreaba tan alegremente; ahí estaba él, el amigo Ritchhie Valens, quien alcanzaría su fugaz fama gracias a su versión rock del clásico popular mejicano “La Bamba”. Y ya ves, tras compartir el día con tan grata visita, echo la vista atrás y puedo afirmar que Ritchie es el cantante más joven de todos los que me ha visitado, pues pasó a este otro lado con apenas 17 años. Descubrí que su verdadero nombre era Ricardo Esteban Valenzuela Reyes, y que el pseudónimo artístico en sí, era realmente el  diminutivo de Richard Steven Valenzuela, el primer nombre que eligió para darse a conocer. Lo cierto es, que su carrera musical fue un tanto efímera, y su figura se encumbró  dado el azar de su trágica muerte un 3 de febrero de 1959. Y dije bien, el “azar”, puesto que fue en ese día, cuando se estrelló la avioneta en la que viajaban Buddy Holliday, The Big Bopper, y Ritchie valens. Se dirigían a la localidad de Fargo, en Dakota del Norte (USA), para dar su próximo concierto, en lo que era su gira The Winter Dance Party. Por lo visto BuddyHolliday, cansado de ir de ciudad en ciudad pasando frío en un autobús destartalado, optó por rascarse el bolsillo y contratar para él y su banda,  los servicios del piloto Roger Peterson, y con ello viajar más cómodamente. Es ahí donde entró la variable de lo que es a veces el destino: el bajista Waylon Jennings, decidió ceder su puesto a  Bopper, quien andaba un tanto resfriado, y por otro lado, el guitarrista Tomy Allsup, se jugaría a cara o cruz con Valens el volar en aquella avioneta que acabó precipitándose sobre  el suelo nevado de un campo de maíz de Clear Lake, en el estado de Iowa;…lo que son las cosas. Aquello pasó a denominarse “El día que murió el Rock”, que dejaría reflejado años después Don McLean en su canción “American pie”.

Al igual que siempre, me gusta escarbar en esos motivos que lleva a los artistas que se pasan por aquí, a escribir algunas de sus composiciones más emblemáticas, y en este caso no podía ser menos, y no podía ser otra que “La Bamba”; la canción que me hizo saltar de la cama. Según me confesó Ritchie, conoció la canción de la mano de Andrés Huesca, un cantante mejicano que la grabó por primera vez en la década de 1940. El tema realmente en su origen es de autor desconocido, y está dentro del estilo que se denomina “son jarocho”. Por lo visto, allá por el siglo XVII, surgió como un himno popular que satirizaba la persona del virrey de Méjico por su manera de solucionar los problemas. Concretamente los hechos acontecidos en el Puerto de Veracruz  tras sufrir la villa un ataque de  Piratas, ya que cuando las autoridades pretendieron poner solución al asedio era demasiado tarde. Por aquel entonces el término “Bambarria” se usaba precisamente para definir a alguien que llegaba siempre a destiempo, a los que se definía como «bambarrias». Seguramente la expresión surgió en referencia a los esclavos negros que trabajaban en las minas del lugar, procedentes de las tribus Bamba de África. Nunca hubiese imaginado que la frase “Para subir al cielo se necesita una escalera larga”, tuviera que ver con aquel ataque bucanero a  Veracruz. Por lo visto, la gente, como única manera de escapar de sus captores, era lanzarse desesperadamente al vacío desde lo alto del campanario de la Iglesia en donde los tenían presos, al que únicamente podían ascender subiendo por una escalera larga.

Resulta increíble lo que puede llegar a esconder la letra de una canción. Y mira que la habré escuchado infinidad de veces. Especialmente, porque los mismísimos The Beatles, hicieron una versión del “Twist and shout” de Phil Medley y Bert Russell que era en sí, un guiño evidente a la canción en cuestión.

Volviendo a la versión de Valens, me desveló que en realidad el tema principal que se lanzó como primer sencillo de su  disco, contenía en su -Cara A-, “Donna”, una canción dedicado a su novia, y para su cara –B-, la discográfica decidió incluir “La Bamba”; una canción particularmente graciosa, que se había incluido finalmente  en su álbum a modo de relleno. Mira por dónde, sería ese antiguo “Son Jarocho” el que terminaría rellenando su breve, y a la vez larga leyenda, que quedaría reflejada en el film “La Bamba”, con la banda sonora a cargo de la banda californiana de Los Lobos.

Y como vino se fue, con esa primera guitarra eléctrica que se fabricó él mismo en sus manos y cantando al viento…”Para subir al cielo, para subir al cielo  se necesita  una escalera larga….”

Sin duda, este tipo de visitas “me dan la vida”.

Eleanor Rigby.

La Bamba:

Para bailar La Bamba
Para bailar La Bamba
Se necesita una poca de gracia
Una poca de gracia
Pa’ mí, pa’ ti, ay arriba, ay arriba
Y arriba, y arriba
Por ti seré, por ti seré, por ti seré

Yo no soy marinero
Yo no soy marinero, soy capitán
Soy capitán, soy capitán
Bamba, bamba
Bamba, bamba
Bamba, bamba, bam

Para bailar La Bamba
Para bailar La Bamba
Se necesita una poca de gracia
Una poca de gracia
Pa’ mí, pa’ ti, ay arriba, ay arriba

Para bailar La Bamba
Para bailar…

Este próximo lunes 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer, se va a desarrollar para conmemorar esta fecha.

Un concierto de voz y piano a cargo de alumnas de la Asignatura de Canto de la Escuela de Música que imparte el profesor José Antonio Cecilia Bernal.

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Este acto está organizado por la Concejalía de Política Social, Igualdad y Mujer del Excmo. Ayuntamiento de Yecla, con la colaboración de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla, y enmarcado dentro de las actividades programadas para celebrar este Día Internacional de la Mujer en nuestra ciudad, y bajo el lema “Diferentes pero juntas”.

El recital se llevará a cabo dicho lunes 8 de marzo, a las 20:00 horas desde la Sala de Audiciones de la Escuela de Música, siendo emitido Live Streaming a través del Canal YouTube de la Asociación.

Será interpretado por las alumnas de canto de nuestro centro: Alicia Soriano, Raquel Palomino, Cristina Mira, Conchi Silvestre y la colaboración especial de Valeria García, acompañadas al piano por el profesor Javier Soriano.

A este concierto NO se podrá asistir de forma presencial, siendo emitido en Live Streaming a partir de las 20:00 horas a través del Canal de YouTube de la AAMY, invitándoles una vez más a suscribirse en el canal oficial de YouTube de la Asociación:

https://www.youtube.com/channel/UCKtttm7ckVnlm2vkHMl4-aw

        Cartel del Concierto

La editorial publica Conversaciones en Nueva York, sobre arte sonoro, música experimental e identidad latina del musicólogo madrileño Isaac Diego García; Cementerio atávico del poeta salvadoreño André Cruchaga; y Recorrido del profesor de performance valenciano Bartolomé Ferrando

En teatro han visto la luz Solo se pierde lo que se guarda, homenaje a Antonio Machado de las escritoras valencianas Inma Garín y Rosa Sanmartín; e ¿Y ahora qué?, tragicomedia con dos personajes, del dramaturgo y periodista Eduardo Viladés

EdictOràlia, un proyecto dirigido por Josep Lluís Galiana, tiene como objetivo servir de tribuna a reflexiones y debates en torno a la creatividad y a sus nuevas formas de manifestarse, poniendo especial atención en la nueva creación literaria

Valencia, 3 de marzo de 2021

EdictOràlia ha iniciado con fuerza el año 2021 publicando cinco novedades en sus secciones de música, poesía y teatro con las obras Conversaciones en Nueva York, sobre arte sonoro, música experimental e identidad latina del musicólogo madrileño Isaac Diego García Fernández; Cementerio atávico del poeta salvadoreño André Cruchaga; y Recorrido del profesor de performance valenciano Bartolomé Ferrando. En teatro, han visto la luz Solo se pierde lo que se guarda, un homenaje a Antonio Machado de las escritoras valencianas Inma Garín y Rosa Sanmartín; e ¿Y ahora qué?, tragicomedia con dos personajes, del dramaturgo y periodista Eduardo Viladés.

La editorial, un proyecto dirigido por el músico y escritor Josep Lluís Galiana y vinculado a los procesos creativos contemporáneos, surgió de la necesidad de repensar la creación, sus procesos y herramientas, aportaciones e implicaciones con la vida cotidiana, así como sus logros en un momento de gran entusiasmo global por nuevas ideas estéticas y una enorme agitación artística. Tiene como objetivo servir de tribuna a cuantas reflexiones y debates se susciten en torno a la creatividad y a sus nuevas formas de manifestarse, poniendo especial atención en la nueva creación literaria, especialmente en la música, la poesía y el teatro, aunque cuenta también con otras dos divisiones: ArtsLab y Narrativa.

García Fernández (Madrid, 1978) aborda en Conversaciones en Nueva York, con prólogo de Antoni Pizà, el panorama de la música experimental contemporánea a través de cuatro entrevistas en las que queda reflejada la mirada y perspectiva de cuatro músicos y artistas sonoros de origen español e hispanoamericano que actualmente desempeñan su labor creativa en Nueva York: Richard Garet, Cecilia López, Jaime Oliver La Rosa y Merche Blasco.

En esta edición bilingüe, traducida al inglés por Daniel Luces, el doctor en Musicología, compositor y artista sonoro introduce interesantes temas de reflexión, como la articulación de una posible identidad latina en el contexto de la música experimental estadounidense, el papel de la tecnología y su relación con las dinámicas económicas y de poder, la naturaleza interdisciplinar de las actuales prácticas creativas englobadas en la etiqueta de arte sonoro o el concepto del éxito, entre muchas otras. El carácter coloquial de las entrevistas trata de aportar una visión novedosa, cercana y desenfadada acerca del complejo campo de la música experimental neoyorquina.

El autor ha sido profesor en la Universidad Europea de Madrid e investigador invitado en la Universidad de la Ciudad de Nueva York; actualmente es profesor-investigador en la Universidad Internacional de La Rioja. Su compromiso con el arte y la música contemporánea se materializa en una intensa labor reflexiva difundida a través de multitud de artículos académicos y divulgativos, capítulos de libros, textos para catálogos, reseñas y conferencias en congresos nacionales e internacionales.

Poesía distópica y escéptica

Portada del libro Cementerio atávico.

Cementerio atávico es un poemario de André Cruchaga (Nueva Concepción, El Salvador 1957) escrito en prosa poética breve, en el cual el autor aborda diversos tópicos de la existencia humana haciendo uso de una estética propia del superrealismo. Es también poesía distópica y escéptica en cuanto a su temporalidad y contenido, además de los diferentes matices circulares y metafóricos en los que transita. Cruchaga considera que el texto «facilita una gestión diferente de la percepción del mundo y eso, en sí mismo, creo que transgrede el ámbito poético». El libro contiene cincuenta y nueve poemas de un escritor considerado una de las voces líricas más importantes del actual panorama literario en Hispanoamérica.

La obra ha sido publicada en edición bilingüe (castellano y valenciano) a cargo del poeta Pere Bessó, que ya ha traducido diversos poemarios del escritor salvadoreño a lo largo de la última década. Bessó (València, 1951) es licenciado en Filología Moderna y catedrático de Lengua y Literatura Española y ha ganado numerosos premios como el Ausiàs March (Gandia, 1987), el Vicent Andrés Estellés en los XXIX Premis Octubre (València, 2000) o el Josep Maria Ribelles (Puçol, 2009).

Música, poesía y arte de acción

Portada del libro Recorrido.

Recorrido es un libro de poesía que Bartolomé Ferrando (Valencia, 1951) define como «una travesía de luz repleta de sonidos, de escrituras y de silencios. Es una ruta por la que el lenguaje se dirige al borde del poema. Es una trayectoria que se descompone y deshace lentamente». En la obra, mediante un cierto desorden del lenguaje, «las palabras quieren generar realidades desconocidas sin adornos ni realces, mostrando las imágenes al desnudo, reduciendo la escritura al límite y creando una distancia temporal entre las frases, de forma paralela a su propio latido. De ese modo, el espacio de silencio entre dos versos marca la cadencia irregular del poema».

Ferrando, profesor titular de performance de la Facultad de Bellas Artes de Valencia, ha publicado diversos libros de poesía y ensayos, participa en encuentros y festivales en Europa, América y Asia, y coordina a su vez festivales internacionales de performance en el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y en el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC). Expone poesía visual, objetos e instalaciones poéticas en varios países. Fue miembro formaciones como Flatus Vocis Trío, Rojo y Taller de música mundana, y ahora lo es de Bregues de moixos, JOP, Cuarteto dadá, Trío poesía-acción y Dosentredos, dedicados al desarrollo de prácticas creativas situadas a medio camino entre la música, la poesía y el arte de acción.

Antonio Machado

Portada del libro Solo se pierde lo que se guarda.

En teatro, EdictOràlia ha publicado Solo se pierde lo que se guarda, una obra de Inma Garín y Rosa Sanmartín en la que se ficcionan unos hechos que ocurrieron, en su mayor parte, durante la estancia de Antonio Machado en Valencia. Las autoras se permiten algunas licencias para imprimir más dramatismo a las escenas y aseguran que quieren homenajear al poeta “y a tantos y tantos republicanos que tuvieron que huir por sus ideas políticas. Y a aquellos que, luchando por la libertad, perdieron su vida”.

Garín (Valencia, 1952), directora, escritora, investigadora y pedagoga, ha traducido entre otros a Harold Pinter, Caryl Churchill y David Mamet, y escrito y dirigido varios espectáculos. Sanmartín (Valencia, 1974), doctora en Filología Hispánica, ha publicado tres ensayos, dos de ellos con textos teatrales inéditos de Manuel y Antonio Machado, tema de su tesis doctoral; así como otros relatos, novelas y textos dramáticos.
EdictOràlia publica Solo se pierde lo que se guarda en edición bilingüe, traducida al valenciano por las mismas autoras. La obra, estrenada en Rocafort (Valencia) en febrero de 2018, está prologada por el dramaturgo y guionista Rodolf Sirera que expone que «da vida a un espacio —Villa Amparo— ofreciendo el testimonio de su recuperación como un espacio de la memoria», y sitúa en él a la figura de Antonio Machado, y a través de él «se nos vuelve a hacer presente una de las páginas más dolorosas de nuestra historia reciente».

Dramatismo y diálogo ácido

Portada del libro ¿Y ahora qué?

¿Y ahora qué? es la más reciente tragicomedia del reconocido dramaturgo y director de escena, Eduardo Viladés. El texto pone sobre el escenario a dos íntimos amigos, Javier y Pablo, que se reencuentran en la calle después de 15 años sin verse. Analizarán lo que han hecho en el ecuador de sus vidas y cómo la mayoría de sus sueños de juventud se han quedado en agua de borrajas. El autor resume con una frase su obra: «te queda la mitad de la vida para resignarte o para hacer aquello que te propusiste en la anterior mitad».

La obra, publicada también en edición bilingüe (castellano y valenciano) y traducida por Francesc Fenollosa i Ten, se caracteriza por su dramatismo y un diálogo ácido, duro y, al mismo tiempo, lúcido y con generosas dosis de humor. Viladés, escritor y periodista con más de 25 años de carrera, ha ganado prestigiosos premios internacionales de teatro y literatura; cultiva el teatro largo, de medio formato y de corta duración, ha publicado dos novelas y prepara la tercera. Sus obras teatrales se representan en España, México, Colombia, Perú, República Dominicana y Estados Unidos, donde es un asiduo de los escenarios de Miami. Habitualmente colabora con sus ensayos, relatos y obras de narrativa con diversas editoriales y compagina su labor con el periodismo cultural y documentales de sensibilización social.

Diego García, autor de Conversaciones en Nueva York.

Eduardo Viladés, autor de ¿Y ahora qué?

Bartolomé Ferrando, autor de Recorrido.

André Cruchaga, autor de Cementerio atávico.

DOCUMENTACIÓN

– EdictOràlia

 
– Conversaciones en Nueva York
 
– Cementerio atávico 
 
– Recorrido
 
– Solo se pierde lo que se guarda 
 
– ¿Y ahora qué? 
 
– Josep Lluís Galiana

La Escuela de Música de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla inicia un Curso Online de Iniciación a la Técnica de Dirección

Por Cecilia – 2 marzo, 2021

Este curso, denominado “El gesto como ayuda en el trabajo con grupos instrumentales”, será impartido por Ángel Hernández Azorín, actual director de la Banda y Escuela de Música de nuestra Asociación, de la Banda de la Asociación Jumillana de Amigos de la Música de Jumilla y Presidente de la Asociación Nacional de Directores de Banda.

Está dividido en cuatro videos tutoriales, con los que, según el mismo indica en la presentación del curso, solo pretende ayudar y aportar un poco de lo aprendido durante su experiencia personal con la dirección, sobre todo para aquellos que quieran iniciarse en este maravilloso mundo de la dirección.

Estos vídeos tutoriales son los siguientes:

– Tutorial 1: Figuras Básicas.

– Tutorial 2: Tempi. Accelerando e ritardando.

– Tutorial 3: Dinámica y articulación.

– Tutorial 4: Ejercicios específicos. Actividad y pasividad. Dinámicas.

El objetivo final de este curso online es que cuando la situación sanitaria lo permita, se pueda realizar de forma presencial, en horario de 10:00 a 13:30 horas los siguientes sábados: 10 de abril, 15 de mayo, 12 de junio y 3 de julio, contando durante estos encuentros con prácticas con un grupo instrumental.

El precio del curso, cuando se pueda realizar de forma presencial, es el siguiente:

– Matrícula 20 €

– Por cada clase 25 €.

Para más información e inscripciones deben dirigirse a la oficina de la Escuela de Música, de lunes a viernes en horario de 16:30 a 20:30 horas, a través del teléfono 968752485 o el correo electrónico: amigosmusica54@hotmail.com

Bajo el lema ‘Lleva a una niña al teatro. Lleva a un niño al teatro’ se pone en valor el derecho de todos los niños y niñas a acceder al arte.

Se anima a todas las salas, teatros y otros espacios a programar espectáculos infantiles durante el fin de semana del 19 al 21 de marzo coincidiendo con la celebración del Día Mundial y a difundir los mensajes oficiales.

Hacemos un llamamiento a todo el sector a visibilizar de manera conjunta la importancia de las artes escénicas para la infancia y la juventud a través de las redes sociales con los hashtags #llevaunniñoalteatro #llevaaunaniñasalteatro #ASSITEJdiaMundial

El 20 de marzo se celebra internacionalmente el Día Mundial de las Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud. Un día en el que apoyar globalmente el derecho de todos los niños y niñas al acceso al arte de manera igualitaria, especialmente, a las artes escénicas. Con motivo de este día, ASSITEJ, la Red Internacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud, lanza un mensaje internacional en el que mostrar la importancia del teatro, la danza, el circo o los títeres en la formación de los más pequeños.

‘Lleva a una niña al teatro. Lleva a un niño al teatro’ es el lema de la campaña internacional. Con ella se anima a todo el mundo a celebrar el Día Mundial llevando a un niño o niña a disfrutar de un espectáculo.

Se ha creado una página web (diamundialdelasartesescencias.es) donde centralizar todos los materiales de comunicación y donde se puede encontrar una agenda para el mes de marzo, en la que todas aquellas compañías, salas, teatros, colectivos y resto de profesionales pueden subir su programación del mes de marzo y visibilizar así la riqueza y diversidad de las artes escénicas dirigidas a niños, niñas y jóvenes. Esta debe ser una celebración conjunta donde los protagonistas sean los niños, niñas y jóvenes. Un público presente, capaz que necesita ser reivindicado.

Hacemos un llamamiento a celebrar este día de la manera más creativa e imaginativa y compartir el mensaje a través de las redes con los hashtags #llevaaunaniñaalteatro #llevaaunniñoalteatro #takeachildtotheatre

Se realizarán distintos vídeos de profesionales destacados de las artes escénicas donde dar muestra de la importancia de que niños y niñas experimenten la magia de las artes escénicas para la infancia y la juventud.

Además, se ha lanzado a la comunidad educativa un concurso de carteles en el que los estudiantes de primaria y secundaria podrán participar haciendo llegar su visión de lo que significa ir al teatro. La participación es también a través de las redes sociales bajo el hashtag #yovoyalteatro

Todos los materiales de comunicación y comunicados se traducirán a las lenguas cooficiales para compartir y difundir y se podrán encontrar en diamundialdelasartesescencias.es

Invitamos a teatros, salas, y otros espacios con programación a ofrecer “entradas suspendidas” para que durante el mes de marzo todos los espectadores que acudan a espectáculos puedan comprar entradas que se destinen el día 20 de marzo a niños y niñas en riesgo de inclusión.

Para colaborar en la difusión del Día Mundial de las Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud sugerimos la posibilidad de realizar entrevistas o recoger testimonios de:

  • Companyia de Comediants La Baldufa, Premio Nacional de las Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud 2020. (Compañía miembro de la Junta Directica de ASSITEJ España)
  • Eulàlia Ribera, presidenta de ASSITEJ España, Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud
  • Yvette Hardie, presidenta de ASSITEJ.
  • Itziar Pascual, Premio Nacional de las Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud 2019
  • Marie de Jongh. Premio Nacional de las Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud 2018

El Día Mundial de las Artes Escénicas para la Infancia y a Juventud es una iniciativa creada en 2001 de la mano de ASSITEJ Internacional que se celebra al mismo tiempo en los más de 90 países de todo el mundo.

Un concierto que profundiza en el conocimiento y en el respeto hacia otras culturas ajenas a la propia, que enriquecen y diversifican nuestra existencia

Valencia, 2 de marzo de 2021

El próximo sábado 6 de marzo el Monasterio de la Valldigna abre sus puertas para recibir a Los músicos de Urueña. Una cita con la música de las tres culturas que conformaron el abanico cultural medieval comenzará a las 19:30 horas. La entrada es gratuita hasta completar el aforo, pero hay que llamar previamente para reservar plaza debido a la restricción de aforo al teléfono 962 812 535.

Bajo el título ‘Las gentes del Libro’, Luis Delgado, César Carazo y Jaime Muñoz llevarán al público a disfrutar en este encuentro de las músicas de las tres culturas que compartieron espacio, tiempo e instrumentos desde el respeto hacia otras culturas ajenas a la propia, enriqueciéndolas y diversificándolas. Entre este logrado repertorio habitan las canciones sefardíes recogidas en la tradición Mediterránea, las canciones de trovadores y troveros, la música Andalusí-Magrebí, las Cantigas de Alfonso X el Sabio o el Romancero hispano. Para hacer posible el repertorio hay una extensa labor de investigación de manuscritos de la época, además de la tradición oral como medio para hacer llegar al público de hoy composiciones con varios siglos de antigüedad.

En la selección de los instrumentos, Los músicos de Urueña aplican el máximo rigor para buscar el timbre más aproximado desde las fuentes de información, que parten de las representaciones iconográficas de Alfonso X El Sabio y de los pórticos de la época con los que se consiguen rescatar para este directo cítolas, laudes, sinfonías, violas de brazo, gaitas, o adufes, entre otros instrumentos de la época que resonarán en el Monasterio de la Valldigna, que ya se ha convertido en un referente de las músicas medievales después de celebrar el primer aniversario de actividades ininterrumpidas con un éxito notable de convocatoria en todas sus actividades, tanto lúdicas como también formativas.

Las músicas de las tres culturas

Aunque existen numerosas fases de encuentros y desencuentros en la dilatada historia de la convivencia medieval en España, no existe duda histórica de la imbricada sociedad que se desarrolla entre judíos, musulmanes y cristianos. En muchos pueblos y ciudades de la Península, la llamada a la oración del almuédano desde su alminar dejaba paso al tañer de los campanarios cristianos, en unas calles en las que los sefardíes celebraban su fiesta de Purim. Hablamos de un periodo de nuestra tradición protagonizado y compartido por tres religiones, que frecuentemente es tomado por historiadores y sociólogos como ejemplo de convivencia.

Los músicos de Urueña ofrecen la oportunidad de disfrutar de unos instrumentos únicos, de un paseo por estas melodías centenarias. Un espectáculo en el que los sentidos se empapan de las sensaciones transmitidas por esta música, que antaño resonara en las calles de nuestras ciudades y pueblos, acompañando la cotidianidad y las celebraciones de nuestros antepasados.

Los músicos de Urueña

Los músicos de Urueña son un trío compuesto por Luis Delgado, César Carazo y Jaime Muñoz

Los músicos de Urueña son un trío compuesto por Luis Delgado, César Carazo y Jaime Muñoz. Luis Delgado es intérprete y autor con gran experiencia en numerosos grupos. Desde 1970 se dedica a la música antigua, primero con la Orquesta Gaspar Sanz, luego con el grupo Atrium Musicae, posteriormente con el Ensemble Cálamus, con La Musgaña, con el Ensemble Hispano-Marroqui Ibn Baya, con el Ensemble francés “Le Tre Fontane”, dedicado a la música medieval occitana y con el Grupo de Música Antigua de Eduardo Paniagua. César Carazo, natural de Badajoz, inicia sus estudios musicales, y de violín en el Conservatorio de su ciudad. En 1983 realiza estudios de Canto en la Escuela Superior de Madrid, y en el Conservatorio de San Lorenzo del Escorial, de contrapunto y fuga. Desde 1993 colabora con el grupo “Música Antigua” de Eduardo Paniagua, con el que se ha especializado en la interpretación de la música medieval española en sus tres facetas, cristiana, andalusí y sefardí. Por su parte, Jaime muñoz, de origen madrileño, comenzó solfeo y flauta entre los años 1987-1991 en el Conservatorio Municipal de Madrid. Posteriormente estudió clarinete y saxo soprano en La Escuela de Música Creativa y en el Taller de Músicos de Madrid teniendo como profesores entre otros a Wade Matthews, Tom Hornsby y Willie Urrea. A principios de 1998 compone música con La Musgaña para “Divinas Palabras” de Valle-Inclán por encargo del grupo de teatro de Sevilla “Atalaya”. Paralelamente a su trabajo con La Musgaña en la actualidad colabora asiduamente, tanto en grabaciones como en conciertos, con el músico y compositor Luis Delgado, con el grupo de Música Antigua de Eduardo Paniagua, y. con el grupo Alfonso X el Sabio.