CoESsM Confederación Española de Sociedades Musicales

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Por Manuel Martín Ventura.

Cuando pretendemos realizar una soldadura por aportación de metales, es importante tener un elemento que en este caso será un soplete, capaz de fundir el metal por aportación, a este proceso se le denomina soldadura. En instrumentos musicales de viento metal principalmente, así como con elementos metálicos de instrumentos musicales de viento madera, empleamos los sopletes de gas, aunque ya existen en la actualidad soldadores eléctricos, que consiguen una capacidad calórica muy elevada con la que también podemos realizar trabajos de aportación o unión de metales. Este proceso se suele utilizar dónde existe trabajo seriado, principalmente en fábricas con un porcentaje elevado de trabajo de unión de metales.

El soldador oxidativo o el llamado en el argot técnico TIC, son los elementos avanzados con los que podemos conseguir unir metal con metal sin aportación, o también con aportación de metales. Unos novedosos aparatos que ayudan a los técnicos de reparación en la mejora de los acabados finales en la reparación o restauración de instrumentos musicales.

El soplete más utilizado por los técnicos en nuestros talleres, son un dispositivo que obtiene las mezclas en proporciones adecuadas de gas combustible, ( acetileno, gas ciudad, propano, hidrógeno), con un gas que favorezca la combustión de otras sustancias a estos gases denominado comburente ( aire, oxígeno), son sus principales elementos. Yo utilizo personalmente el soplete Orca.

La mezcla pasará a través de nuestro soplete y produce el quemado , ocasionando la llama deseada y poder realizar la elevación térmica para realizar la unificación de las soldaduras o unificación de metales ( fundición). La temperatura y potencia con relación a los volúmenes combustible/comburente, este es un importante aporte técnico que debemos conocer.

Por supuesto que en cada tipo de unificación de soldaduras, la elevación térmica es diferente.

Con este tipo de sopletes, podemos conseguir u obtener temperaturas de llama azulada de 1000 grados. Con este tipo de sopletes funciona con casi todos los tipos de gases inflamables,( gas natural, gas butano).

Hoy los sopletes han mejorado notablemente y estás mejoras técnicas de los equipos de trabajo hacen que los técnicos consigamos una mejora notable en nuestros acabados de reparaciones de los instrumentos musicales, todo ello debido gracias al llamado Tirril, que es un soplete que realiza soldaduras dónde el aire y el gas se pueden regular con gran eficacia.

Empleando o incorporando oxigeno a presión, podemos conseguir soldaduras o uniones de metales que requieren temperaturas de hasta 1830 grados, esta es una excelente temperatura para realizar piezas que requieren de gran sujeción o unión entre metales.

Por último con estos sopletes realizamos las llamadas soldaduras blandas de estaño/ plata y soldaduras duras de plata.

Para acabar dar las gracias por poder dejar estás aportaciones técnicas a través de la Confederación y decir que en caso de duda recurrir siempre a vuestro técnico de confianza.

Se está ultimando el borrador para la futura ley del organismo

El apoyo al sector de danza en coordinación con las comunidades autónomas y entidades locales, la creación de un nuevo circuito estatal de circo, un proyecto conjunto para la promoción internacional de las músicas actuales y la revisión en profundidad del sistemas de ayudas del INAEM, entre las iniciativas claves del INAEM para el próximo año

Madrid, 12/12/2019

El ministro de Cultura y Deporte en funciones, José Guirao, y la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Amaya de Miguel, han presidido este jueves el pleno del Consejo Estatal de las Artes Escénicas y de la Música, el más alto órgano colegiado de asesoramiento y participación del INAEM, que ha contado con la presencia de más de 95 participantes miembros de asociaciones, federaciones y organismos del sector. En el encuentro se ha hecho balance del 2019 y se han presentado las líneas de actuación para el próximo año 2020. Entre las medidas que se abordarán, el objetivo prioritario es la activación de la nueva Ley del INAEM.

El ministro de Cultura ha anunciado que actualmente “se está ultimando el borrador para la futura Ley del nuevo INAEM que, en los próximos meses, una vez se active el nuevo Gobierno, podrá presentarse en el Consejo de Ministros para su aprobación y posterior tramitación en el Parlamento”. La reforma en profundidad del organismo para adaptarse a las necesidades del siglo XXI es la máxima prioridad del INAEM para la próxima legislatura. Se trata de un requisito necesario para poder implementar una gestión administrativa más ágil y autónoma y mejorar las unidades estatales, con nuevas posibilidades para la gestión artística y los recursos humanos.

Asimismo, el ministro ha querido agradecer al sector su compromiso con la cultura y “el profundo amor que sentís por aquello que hacéis”. Para Guirao “el Ministerio no tiene más misión que ser útil a todos los sectores. La cultura no la hace la administración, la hacéis vosotros: los creadores, los productores, los directores, los gestores… Nosotros estamos para daros los cauces, los caminos, las ayudas, la normativa, el aliento”, como “compañeros de viaje”, ya que “sin vosotros nuestro trabajo no tiene ningún sentido”.

Por otra parte, Amaya de Miguel, que defendió “la cultura como un derecho constitucional irrenunciable y un servicio público innegociable”, ha anunciado la puesta en marcha de un estudio en profundidad del sistema de ayudas que anualmente convoca y otorga el INAEM y la realización de un análisis centrado en la mejora de los apoyos a la creación y a la difusión de las compañías de danza en España. Además, la creación de un nuevo circuito estatal de circo y la apuesta por la promoción internacional de las músicas actuales se suman al listado de los proyectos principales para este próximo año.

Un estudio en profundidad del sistema de ayudas del INAEM

Desde el INAEM también se ha planteado la necesidad de hacer una revisión en profundidad del modelo de ayudas vigente, basado en las subvenciones nominativas, vinculadas a la aprobación anual de los presupuestos generales del Estado, y las de concurrencia pública.

Para ello, se ha anunciado la puesta en marcha en 2020 de una mesa específica de trabajo para realizar un proceso de revisión integral de las ayudas que convoca y otorga el INAEM con carácter anual. Esta revisión se realizará con detenimiento, analizando todas las posibilidades, contando con la participación y el consenso de los distintos sectores artísticos implicados y en paralelo a la reforma del Instituto.

De la misma forma, de acuerdo con la Federación de Municipios y Provincias y las asociaciones más representativas de los sectores artísticos, el Programa Platea se revisará con objeto de que en 2021 el programa profundice en una dimensión más cualitativa, de cara a la promoción y fomento de las artes escénicas.

Un apoyo decidido a la danza

La preocupación del INAEM por la situación de la danza en nuestro país y su firme decisión de apoyar a este sector se ha remarcado a lo largo de la reunión del Consejo. En palabras de Amaya de Miguel: “En la actualidad, en el INAEM no existe un mecanismo para la acción directa del Estado a favor de la danza, aparte de la excelente labor que realizan las compañías de danza estatales, y las ayudas de convocatoria pública o las nominativas que otorgamos anualmente al sector privado. Queremos ampliar nuestro marco de acción en colaboración con otras administraciones públicas y con los protagonistas del sector.”

Por ello, entre los anuncios inminentes para el próximo año, destaca la convocatoria de una reunión de trabajo de carácter técnico con los responsables de artes escénicas de las comunidades autónomas y las entidades locales, que se fijará en los primeros meses de 2020, con el fin de abordar posibles iniciativas conjuntas o nuevos sistemas de coordinación para mejorar los apoyos a la creación y a la difusión de las compañías de danza en España.

Está previsto también que a lo largo del próximo año se retomen la iniciativa para la creación del Centro Nacional de Difusión de la Danza, así como del futuro Teatro Nacional de la Danza, que han tenido que ralentizarse y aplazarse por la falta de un nuevo presupuesto, al estar el Gobierno en funciones varios meses de este ejercicio.

Un circuito específico para el circo

Entre los proyectos que que se iniciarán en 2020 destaca uno dedicado al sector del circo. En colaboración con la Red de Teatros se está ultimando un nuevo circuito estatal dedicado a esta disciplina: Circo Escena, cuya puesta en marcha se anunciará en los próximos meses.

Promoción internacional de las músicas actuales

El INAEM, en colaboración con ICEX, AC/E, AECID, el Instituto Cervantes y las principales asociaciones del sector, va a emprender acciones concretas en 2020 para actualizar y definir todavía más el proyecto conjunto de promoción internacional de las músicas actuales.

El proyecto deberá servir de plataforma para promover jóvenes músicos españoles fuera de España y para ello queremos contar también con la experiencia adquirida a través del programa Girando por Salas (GPS), centrado en las giras por el territorio nacional.

En Pleno de Consejo Estatal también se han presentado los resultados de las dos mesas de trabajo centradas en el análisis y la propuesta de mejoras en torno al Tercer Sector de las Artes Escénicas y de la Música y al Teatro Amateur.

Nuevos miembros del Consejo Estatal

Además de algunos vocales representantes de las comunidades autónomas, los nuevos vocales expertos que se incorporan al Consejo Estatal a partir de 2020 son: Anna María Giribet (circo), directora artística de FiraTàrrega; Javier Marín López (música), director del Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza; Montserrat Faura Salvador (música), directora del Festival de Torroella de Montgrí; el bailarín, coreógrafo y Premio Nacional de Danza 2018, Antonio Ruz Jiménez (danza); la gestora cultural Paz Santa Cecilia Aristu (danza); Maral Kekejian Hernando (teatro), directora artística de Veranos de la Villa desde 2016 hasta 2019 y Marta Oliveres Tortosa (teatro), gestora cultural y directora de El Álamo creative management & International development. También se ha incorporado por primera vez al Consejo Estatal la asociación FMA-Festivales de Música Actual, representada por su vicepresidente, José Morán. Más adelante lo hará también la Asociación de Profesionales de Arte de Calle–PATEA, representada por su vicepresidente Tomás Ibáñez Fernández, actualmente a la espera de oficializarse en el BOE.

Origen del Consejo Estatal

Creado en 2010, el Consejo Estatal de las Artes Escénicas y de la Música tiene como cometido principal en sus distintas configuraciones (Pleno, Comisión Ejecutiva y Consejos Artísticos sectoriales) favorecer la comunicación, cooperación e intercambio de opiniones en el ámbito de las artes escénicas y musicales y canalizar las peticiones y propuestas del sector en sus relaciones con la Administración General del Estado, permitiendo recoger las recomendaciones de los principales agentes y destinatarios de las políticas culturales, y facilitando la definición participativa de las prioridades en estos ámbitos artísticos.

Entre sus miembros se encuentran representantes de asociaciones y organizaciones del sector de ámbito estatal, representantes de la administración estatal, autonómica y local y una serie de vocales nombrados directamente por el Ministerio, a propuesta del INAEM, entre personas de reconocido prestigio, experiencia o especiales conocimientos técnicos.

Vicente Cerdá, Presidente de la CESM y Luis Vidal, Vocal del Consejo Estatal y Secretario General de la CESM

Fuente y publicado en

Que las sociedades musicales valencianas son también un motor de desarrollo económico en la Comunitat Valenciana es algo totalmente aceptado, sobre todo a partir de los trabajos e investigaciones del profesor Pau Rausell, que ha analizado con rigor y acierto este fenómeno. A los increíbles beneficios educativos, culturales y sociales que aportan estas entidades tan singulares, añadamos otro más: la prosperidad económica y la empleabilidad de los músicos valencianos.

La realidad se muestra ante nuestros ojos meridianamente clara. El primer elemento de profesionalidad que nuestras sociedades musicales incorporaron fue la figura del maestro/director. Las referencias a la remuneración de estos profesionales aparecen desde el mismo momento en que surgieron las sociedades musicales allá por el siglo XIX. O bien un músico más aventajado o bien recurriendo a la contratación de alguien externo, se ha  remunerado siempre, más o menos, a un director. El hecho es que, en la actualidad, tenemos más de 500 profesionales obteniendo ingresos importantes por su labor al frente de la dirección artística de las sociedades musicales. Es difícil encontrar un territorio donde las oportunidades para estos profesionales sean tan grandes. Y estos ingresos no proceden directamente de las arcas públicas.

Siguiendo con este análisis, las sociedades musicales buscan la excelencia y la calidad de sus directores musicales conscientes de lo mucho que hay en juego. Son mano de obra altamente cualificada que tienen importantes responsabilidades. Se acepta que deben tener una importante remuneración, algo que no han conseguido, por ejemplo, los directores de las escuelas de música. Pero esto es otra historia.

Durante bastante tiempo, la mayoría de estos directores no han tenido una formación específica, muy pocos han cursado y obtenido la titulación de Dirección. Su formación había sido autodidacta, comenzaron dirigiendo bandas modestas, adquiriendo experiencia, prestigio y obteniendo sobre todo resultados. Los triunfos en los certámenes competitivos eran la credencial más importante para seguir mejorando el estatus. A todo ello ayudó y ayuda la categorización de nuestras sociedades musicales en función de la cantidad de plazas de músicos y la asignación a las diferentes categorías de los certámenes. Una estratificación que visualiza claramente una carrera vertical para nuestros magníficos directores. Así, un director de la Sección de Honor (o sea Llíria, Cullera, Buñol y algunas más) será de una gran categoría, por norma general. Los directores que empiezan deberán dirigir bandas de música de categorías inferiores. ¡Qué sistema más natural, espontáneo y tremendamente efectivo hemos creado, casi sin darnos cuenta! Los milagros siempre aparecen cuando se trata de nuestras sociedades musicales.

Muchos de los grandes directores valencianos se iniciaron profesionalmente trencant la mà con nuestras bandas. Nombres como los directores de la Banda Municipal de Valencia Pablo Sánchez Torrella, Rafael Sanz Espert y afamados directores de orquesta como Manuel Galduf, García Navarro, Cristóbal Soler, Álvaro Albiach, etc. tuvieron en nuestras bandas magníficas plataformas para el aprendizaje práctico de su profesión. Empezaron por las bandas más modestas, continuaron con las más “importantes” para posteriormente dar el salto a la profesionalización. Esto lo hacen en Alemania o en Venezuela y todavía no habríamos parado de aplaudirles, pero lo hacemos aquí y todo parece muy natural, como si no costara nada. ¡Ya sabemos cómo somos!

Durante mucho tiempo, estos directores eran a su vez profesionales de bandas, orquestas y conservatorios que, pluriempleados, obtenían unos ingresos extra. Otros, por el contrario, dirigían varias bandas más modestas lo que les permitía vivir con cierta solvencia. En definitiva, todo un nicho de empleabilidad muy importante.

Pero jamás hicimos nada para formar adecuadamente a estos profesionales ni siquiera ajustar sus competencias a las necesidades de los empleadores (los responsables de las sociedades musicales). Incomprensiblemente, nuestros conservatorios públicos jamás han incorporado estudios reglados de dirección de banda. Ni nadie hemos diseñado itinerarios formativos que enseñen a estos directores, no solo la técnica general de dirección, sino también a sacar el máximo rendimiento trabajando con voluntarios, a dirigir y coordinar una escuela de música, a entender el funcionamiento de una sociedad musical. En resumen, a ejercer con excelencia y éxito la dirección musical de nuestras sociedades musicales.

Y la verdad es que nos hemos regulado bastante bien, aunque el modelo admite importantes mejoras. Nos encontramos ante otra historia clara de éxito: la formación de magníficos profesionales de la dirección que tuvieron en nuestras modestas sociedades musicales una oportunidad de prepararse de manera intuitiva pero tremendamente práctica.

Ha llegado la hora de que mejoremos esta situación, de que articulemos importantes acciones de formación colaborando todos juntos y potenciando el modelo. Si formamos mejor a estos directores, los auténticos líderes de nuestras sociedades, mejorarán nuestros proyectos, la calidad artística de nuestras agrupaciones, el clima organizativo, etc. Y también evitaremos conflictos. No nos engañemos, cuando el maestro no actúa bien, la fricción de poder con la junta directiva o con los mismos músicos origina la crisis del proyecto y la división. Por ello, hay mucho en juego.

En definitiva, los músicos valencianos tienen, en el ámbito de la dirección, una magnífica oportunidad para desarrollar una carrera profesional sostenible, bien remunerada y con importantes alicientes de prestigio y de promoción personal. El carisma de muchos ellos les acaba convirtiendo en auténticos mitos en algunos casos. Pregunten en Llíria por los maestros Malato y Varela, o en Benaguasil por el maestro Peñarrocha, o en Manises por el maestro Micó. La lista es interminable.

Formemos a estos profesionales de manera adecuada y tomemos conciencia todos de la oportunidad de desarrollo y de empleabilidad que esto representa en nuestra Comunitat y  en toda España. ¿No es maravilloso?

Manuel Tomás Ludeña

El concierto tendrá lugar este sábado 28 de diciembre en el auditorio de la sociedad musical de la localidad de Catarroja

El Ciclo de conciertos está organizado por Bankia con la colaboración de la Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana (FSMCV) y el Institut Valencià de Cultura (IVC)

Valencia, 26/12/2019.  El segundo ‘Ciclo de conciertos Bankia de Orquestas de la Comunidad Valenciana’, organizado por Bankia, con la colaboración de la Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana (FSMCV) y el Institut Valencià de Cultura (IVC), se cerrará este sábado 28 de diciembre en el auditorio de la Sociedad Musical L’Artesana de Catarroja. El concierto supone el broche final a este ciclo anual que ha contado con un total de doce recitales de orquesta a lo largo de toda la Comunidad Valenciana.

El ‘Ciclo de conciertos Bankia de Orquestas’ ha conseguido acercar el potencial orquestal de las sociedades musicales a los municipios de la Comunidad Valenciana, fomentando el crecimiento y la difusión de las formaciones orquestales.

Además, este ciclo constituye un fuerte apoyo financiero para todas las orquestas participantes. Cada una ha recibido una ayuda económica de 1.500 euros para la organización de sus conciertos. En total, el ciclo ha supuesto una inversión de 21.000 euros por parte de Bankia, enmarcados en el programa ‘Bankia Escolta València’, que la entidad financiera impulsa en la Comunidad Valenciana para apoyar el movimiento asociativo musical en las tres provincias.

El ‘Segundo ciclo Bankia de Orquestas’ se complementa además con el ‘II Festival Bankia de Orquestas de la Comunidad Valenciana’, que celebró recientemente sus conciertos en Llíria y Altea, y con el ‘IV Concurso Bankia de Orquestas’. La próxima edición de este concurso tendrá lugar los días 1 y 2 de febrero de 2020 en Palau de les Arts de Valencia.

El director corporativo de la Territorial de Bankia en Valencia y Castellón, Jaime Casas, ha destacado que “una de las líneas de actuación de la entidad pasa por impulsar la música en la Comunidad Valenciana y darle ese empuje que necesitan las sociedades musicales, porque somos conscientes de la importancia que tiene en la región como motor de desarrollo personal y social y, sobre todo, como nexo de unión entre provincias”.

“El movimiento orquestal en la Comunidad Valenciana tiene cada vez más fuerza, en gran parte gracias a este ciclo de conciertos y todas las iniciativas impulsadas desde el programa ‘Bankia Escolta València’ para fomentar el tejido orquestal en esta tierra. Los resultados en cuanto a calidad artística y cantidad de formaciones orquestales son palpables, y ello nos impulsa a seguir trabajando en esta línea en futuras ediciones”, ha explicado Daniela González, presidenta de la FSMCV.

Una Comunidad Valenciana a ritmo de orquesta

El concierto de este sábado, con la actuación de la Orquesta de la sociedad musical L’Artesana de Catarroja, será el duodécimo y el encargado de cerrar el ciclo de una programación anual repleta de recitales de primer nivel.

El ciclo fue inaugurado por la Sociedad Musical de Segorbe y la Orquesta del Casino Musical de Godella el pasado 12 de mayo y le siguió, el 18 y 25 de mayo respectivamente, la Orquesta del Ateneo Musical de Cullera y la Orquesta de la Sociedad Musical Instructiva Santa Cecilia de Cullera.

En junio actuaron la Orquesta de la Sociedad Musical ‘La Paz’ de San Juan de Alicante, la Orquesta del Ateneo Musical y de Enseñanza ‘Banda Primitiva’ (Llíria).

En el mes de julio fue el turno de la Orquesta de la Societat Musical ‘La Primitiva Setabense’ y la Orquesta de la Sociedad Musical ‘La Primitiva’ de Rafelbunyol. En octubre, el de la Orquesta del Ateneo Musical Schola Cantorum (La Vall d’Uixó); en noviembre, la Orquesta de la Societat Musical d’Alboraia, y en diciembre el ciclo ha finalizado con los conciertos de la Orquesta de la Unió Musical d’Alaquàs y el de este sábado con la Orquesta de la Societat Musical L’Artesana (Catarroja).

Fuente: docenotas.com Artículo de: Alicia Avilés Valero – 22/12/2019

En este artículo encontraremos información acerca de una afección neurológica que recibe el nombre de distonía focal. Me pareció interesante investigar sobre las posibles causas y soluciones, así como síntomas.

En el primer apartado, hablaremos un poco sobre el sistema nervioso y la relación con la música, para poder, más adelante, comprender varios de los conceptos que puedan aparecer.

La distonía puede afectar a toda la población, pero me centraré en los músicos en este caso, dado que es mi profesión.

II.  Cerebro y Música

El sistema nervioso central (SNC) es el encargado de recibir y procesar las sensaciones recogidas por los diferentes sentidos y de transmitir las órdenes de respuesta de forma precisa a los distintos efectores. Está constituido por: Encéfalo y médula espinal, que están protegidos por tres membranas: duramadre, que es la membrana externa; aracnoides, que es la membrana intermedia, y pirámide, que es la membrana interna.

Las cavidades de estos órganos están llenos de un líquido llamado encefalorraquídeo y sirve como medio de intercambio de determinadas sustancias, como sistema de eliminación de productos residuales, para mantener el equilibrio iónico adecuado y como sistema amortiguador mecánico.

El tejido nervioso es el que forma los órganos del sistema nervioso. Está constituido por los cuerpos de las células nerviosas (neuronas) y sus prolongaciones y por las células gliales.

Se reconocen tres tipos de neuronas: las sensitivas, encargadas de recibir el impulso de las células receptoras; Las motoras, que transmiten el impulso recibido al órgano efector, y las neuronas conectivas o de asociación, que vinculan la actividad de las neuronas sensitivas y las motoras.

Las células gliales se dividen en: glia central, que se encuentra en el sistema nervioso central (encéfalo y médula); glia periférica, que se encuentra en el sistema nervioso periférico (ganglios nerviosos, nervios y terminaciones nerviosas).

Las células que forman el sistema nervioso central se disponen de tal manera que dan lugar a dos formaciones muy características: la sustancia gris, constituida por los cuerpos neuronales y la sustancia blanca que está formada principalmente por las prolongaciones nerviosas (dentistas y axones).

El encéfalo es la parte superior y de mayor masa del sistema nervioso. Tiene los siguientes componentes estructurales: el cerebro, que se compone de telencéfalo con sus dos hemisferios y el diencéfalo; el tronco cerebral que a su vez, se divide en mesencéfalo, protuberancia anular y bulbo raquídeo; y cerebelo. El cerebro se divide en dos mitades, aparentemente iguales (hemisferio derecho e izquierdo).

La diferenciación entre los hemisferios cerebrales tiene una gran importancia para el desarrollo de las habilidades musicales, según han demostrados varios estudios de neurología. El hemisferio izquierdo está implicado en la regulación precisa de las acciones motoras y en el establecimiento de un orden serial de secuencias motoras repetitivas. El hemisferio izquierdo participa en el análisis temporal de las secuencias auditivas no verbales y desde hace tiempo es conocida su implicación fundamental en el procesamiento, comprensión y producción del lenguaje. El hemisferio derecho controla el lenguaje y la entonación en el canto.

En la experiencia musical esta lateralización es muy evidente. También cabría destacar la importancia del axón, ya que es la prolongación de la neurona que conduce los impulsos a partir del cuerpo celular con posible liberación de sustancias transmisoras por lo que conduce matemáticamente las conductas aprendidas por repetición, como es el caso de el aprendizaje de la ejecución de un instrumento.

Para el neurólogo Mark Jude Tramo la música jugó un rol significativo en la evolución de la humanidad.

Robert Zatorre, investigador del Instituto Neurológico de Montreal, realizó un estudio con las universidades de Harvard y McGill de Montreal, en el que, tras diversas investigaciones con voluntarios a los que expuso a exámenes radiológicos mientras escuchaban la música que más les agradaba, descubrió que con diferentes tipos de música se activan diferentes partes del cerebro, por lo que deducimos que la música nos provoca diferentes sentimientos y sensaciones. Esto podría explicar por  qué, a veces, nos trae recuerdos y emociones.

III.  Distonía

Trastorno del movimiento, debido al cual, las contracciones de los músculos son origen de movimientos involuntarios o posturas anormales; es un movimiento o espasmo prolongado de un grupo de músculos o alteración de la tensión o tonicidad de un músculo u órgano. Parece ser que la obsesión de Robert Schumann con tener una mayor independencia de sus dedos, le provocó una extraña enfermedad que después se pudo casi certificar que fuera una distonía focal a la que le llamó el cáncer del músico, por su difícil cura.

Gary Graffman y Leon Freiser, dos de los pianistas más importantes de la década de los ochenta, hicieron público que padecían distonía focal. Tuvieron que abandonar el piano, debido al desconocimiento que existía sobre esta afección. Estas declaraciones motivaron que se instaurara lo que posteriormente se llamó medicina del Arte, afectando positivamente al diagnóstico en pacientes y músicos, bailarines, cantantes o actores.

Síntomas

Los primeros síntomas que sabemos de la distonía percibidos en los músicos, son el descontrol de los movimientos voluntarios manuales sobre el instrumento, dificultad digital, tensión o rigidez en ella mano o brazo, debilidad de la mano, temblor o dolor en los dedos, dolor intenso debido a las contracciones musculares.

Posibles causas

Estas dificultades no escogen momentos de aparecer durante la ejecución, es decir, que en pacientes aparece al comenzar la ejecución con las primeras notas, en otros al estar dentro del desarrollo de la ejecución, y otros en cuanto van a iniciar la ejecución. Al igual que se han podido catalogar con intensidades estas afecciones, llamando intensidad alta a aquel que resulta imposible tocar su instrumento; intensidad media, al que puede llegar a tocar, pero con un tratamiento severo para paliarlo y como intensidad baja al que no le afecta a la hora de tocar el instrumento, aunque ninguna de estas debería dejar de ser tratada.

La mayoría de casos de distonía aparecen en personas mayores que tocan más horas o durante muchos años, de manera, que la parte psicomotriz se puede ver afectada, al fin y al cabo, no es lo mismo un joven realizando horas de esfuerzo físico y mental, como una persona de avanzada edad que realiza el mismo esfuerzo durante años, sin rebajar la cantidad de horas del mismo, por lo que se puede ver saturado y en definitiva, bloqueado temporalmente (distonía parcial) o incluso irreversible en algunos casos de distonía focal.

Aunque no se pueden esclarecer las causas concretas por las que aparece la distonía, se podría decir que algunos factores que intervienen en la aparición de dicha lesión, son psicológicos también y en algunos casos, por predisposición a tenerla. Otro factor de riesgo puede ser el sexo, es decir, se ha concluido que la mayoría de casos tratados de distonía, eran varones.

Otro dato importante e interesante es el del predominio de los pianistas y guitarristas entre los distónicos tratados, aunque se podría decir que los más afectados por estadística serían en este caso los guitarristas, ya que en proporción, ciertamente hay más pianistas que guitarristas.

También encontramos otros factores derivados, como por ejemplo, la forma de tocar el instrumento. A veces, no nos tomamos en serio la manera de tocar y nos colocamos con la postura que más cómodo nos haga sentir el día concreto de estudio, pero nuestro cuerpo necesita un hábito. Ha habido casos de autores que han realizado estudios sobre las diferentes distonías, teniendo en cuenta los diferentes instrumentistas al igual que diferentes dedos afectados en cada caso, ya que en ocasiones, los dedos pueden extenderse por esta parología, mientras que otros se flexionan y viceversa.

Es un dato curioso el hecho de que a los afectados por la distonía a la hora de tocar su instrumento, no les condicione para tocar cualquier otro instrumento.

Tratamientos

A lo largo de los años, y tras grandes fracasos al intentar paliar la afección, se intentó utilizar otros medios como la acupuntura, relajación, hipnosis, homeopatía, intervenciones quirúrgicas incluidas, pero ninguno de estos métodos ha proporcionado un efecto consistente o duradero. También se utilizó la toxina butolínica, que es un medicamento que introduce de forma intramuscular, que ha sido de hecho bastante útil en otro tipo de distonías, como la distonía del escritor, también conocida como calambre del escritor, pero en músicos resulta poco eficaz.

En Francia se consiguieron grandes logros con un mínimo de casos, intentando reprogramar el cerebro distónico. Es un tratamiento muy largo y no asegura una cura segura.

Se trata de intentar crear otros movimientos para conseguir el mismo resultado, intentando que el recorrido hecho por los axones y saturado por la sobrecarga, realizando otro recorrido mandando una orden diferente para llegar al mismo sitio.

La Universidad de Konstanz (Alemania) buscó nuevas alternativas y llegaron a la conclusión de que una de las mejores formas de combatir esta afección por alta energía neuronal debería paliarse de la misma forma que se ocasionó, de forma repetitiva y constante, incluso crearon unos programas de trabajo sobre el propio instrumentos en los que limitaban el movimiento de alguno de los dedos de manera que el cerebro obligara al dedo afectado a suplir lo que otros dedos no podían por impedimento de los mismos. Este tratamiento daba resultado pero solo en un 40 por ciento, aunque eran cifras bastante alentadoras.

Estudios

Tras un estudio realizado en el Servicio de Neurología Fundaçió Manresa, (Barcelona) y siendo como objetivo describir las características clínicas de la distonía focal en los músico se utilizan los siguientes métodos y se obtienen los siguientes resultados:

Se analizan 658 músicos en un centro especializado en la atención de artistas escénicos durante cuatro años. De éstos, 86 fueron diagnosticados de distonía focal (13 por ciento). Como factores de riesgo para la distonía, se intensifican el hecho de tocar la guitarra (representa el 42 por ciento de los casos, seguido de los pianistas con un 21 por ciento y de los violinistas con un 6 por ciento), ser varón (proporción de 7 entre 1) y haber acumulado una cantidad de horas de ensayo superior a la media. La distonía aparece en músicos de 33,1 años de edad media que tocan 4,8 horas diarias, mientras que en otras patologías se presentan a los 26,5 años de edad en músicos que tocan 3,5 horas al día.

Otro estudio realizado por el Instituto de Fisiología y Medicina de Tarrasa (Barcelona) se determina que la distonía focal en el músico parece la consecuencia de un trabajo manual repetitivo, intenso y refinado durante muchos años sobre el instrumento musical a lo que se añaden otros factores como por ejemplo el sexo.

Esta afección no tiene una causa esclarecida, pero parte de su aparición la debemos a la predisposición personal, a la práctica instrumental intensiva o estresante. A veces aparece como una pérdida gradual de coordinación a la hora de tocar el instrumento al que se dedica en cuestión el afectado, por otro lado, después de aparecer otro tipo de síntomas como pueden ser tensión en los dedos, agarrotamientos, falta de disciplina a la hora de mandar una orden y no ser realizada por nuestro cuerpo, e incluso en el antebrazo o labio, dependiendo del instrumento que se toca.

El Instituto de Fisiología y Medicina de L’Art de Tarrasa es uno de los pocos centros especializados en la atención de artistas escénicos existentes en el sur de Europa. Ellos revisaron todos los casos de distonía que se habían registrado desde 1999 y de los 658 pacientes, 86 padecían una distonía focal. 34 fueron tratados con la técnica de neurorehabilitación, conocida como Sensory Motor Retuning (SMR), basada en la repetición constante y repetida de movimientos sobre el instrumento intentando modificar la respuesta motora, inmovilizando correlativamente los dedos, excepto el distónico. Este es el resultado del estudio realizado por el instituto de Tarrasa:

Un total de 86 músicos fueron diagnosticados de distonía focal, predominando varones y los músicos profesionales, El instrumento más tocado entre los no afectados por la distonía es el piano, mientras que en los más afectados son los guitarristas. Entre los 36 guitarristas afectados, 22 tocaban la guitarra clásica y los 14 restantes la guitarra flamenca. Se desconoce esta distribución en guitarristas no distónicos o el la población general, y las variables sexo e instrumento son estadísticamente independientes, Los músicos diagnosticados de distonía habían iniciado la práctica instrumental a los 12,4 años y tocaban de media 4,8 horas diarias justo antes de iniciarse el problema. En los músicos no distónicos la media de inicio fue a los 11 años de edad y tocaban de media 3,5 horas diarias. En el momento que fueron atendidos, los pacientes distónicos tenían 35,4 años y los no distónicos 28,6.

Tras realizar estos estudios, se concluye en la importancia de un estudio sano, sin ningún tipo de sobre saturación, para poder evitar en la medida de lo posible que aparezca

Conclusión

Tras realizar este estudio sobre esta afección, me reitero en la idea de que la importancia de realizar un estudio con los descansos necesarios, a nivel físico y mental, puede prevenir la aparición de esa sobrecarga neuronal. Es cierto que no se conocen las causas esclarecidas por las que puede aparecer, pero tras ver los estudios realizados, estamos seguros de que, podría ser un gran condicionante el hecho de, estudiar con una mala higiene postural y demasiado tiempo sin descanso, durante un largo periodo de tiempo.

Autora

Alicia Avilés Valero, 36 años. Profesora de violonchelo y ayudante de solista en la Orquesta sinfónica de Torrevieja (Alicante). Componente titular del Dúo Valero.

Bibliografía

  • Micheli Sorticati-Cerósimo (2002): “ Vivir con dístonía.”
  • Entrenamiento y Neuroplasticidad. Rehabilitación de distonías. Joaquín Farias

Webgrafía

Las bandas de música que participarán en el LXXIII Certamen Nacional de Bandas de Música ‘Ciudad de Cullera’ 2020.

Son las siguientes:

1.- Unión Musical de Godelleta

2.- Sociedad Unión Musical de Crevillent

3.- Sociedad Musical «La Armónica» de San Antonio

El pasado viernes 20 de diciembre finalizó la prórroga establecida en el plazo de inscripción de sociedades musicales o bandas municipales para participar en la 73ª edición del Certamen Nacional de Bandas de Música ‘Ciudad de Cullera’, que se celebrará el próximo domingo 19 de abril de 2020.

Dado que en el punto 6º de las bases aprobadas que rigen este certamen se estipula que el número máximo de bandas participantes en este certamen será de tres y dado que han sido tres finalmente las entidades musicales inscritas, se ha resulto declarar oficialmente como entidades musicales participantes a estas tres bandas.

Se ha fijado para el próximo sábado 4 de enero a las 12 horas el sorteo del orden de actuación en el certamen en la Casa de la Cultura C/La Bega, 14, con la presencia de representantes de estas sociedades musicales. Este acto contará también con la asistencia del compositor de la obra obligada de esta edición del certamen para poder resolver cuantas dudas sobre ella tengan los directores de las bandas, y en él se les entregará la obra y otra documentación relativa a su participación en el mismo y se tratarán aspectos del desarrollo del certamen.

Consulta la Resolución.

Fuente: Nuestras Bandas de Música

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Aldaia, los días 9 y 10 de mayo, y Llíria, el 16 y 17 de mayo, acogerán la 44ª edición del Certamen, que se celebrará por primera vez fuera de la capital valenciana

El Certamen presenta cambios importantes tanto en la composición del jurado como en los criterios de evaluación

13/12/2019

La Diputació de València ha presentado la convocatoria del Certamen de Bandas de Música, que en 2020 celebra su 44ª edición repleta de cambios en diferentes aspectos como la localización del evento, el modelo de puntuación, el jurado o el número de secciones.

La novedad más llamativa es que el Certamen sale por primera vez de Valencia capital para desarrollarse en dos municipios diferentes. En concreto, el TAMA de Aldaia acogerá el fin de semana del 9 y 10 de mayo el concurso de las secciones tercera y cuarta; mientras que la sede de la Unió Musical de Llíria, localidad recientemente declarada Ciudad Creativa de la Música por la Unesco, será el lugar donde concurran las bandas de la primera y segunda sección.

El diputado de Bandas de Música, Jordi Mayor, ha informado que “a partir de ahora la intención es llevar el certamen al mayor número de pueblos posible, con la voluntad de que la ciudadanía de nuestras comarcas pueda disfrutar, en un ambiente festivo, de este importante acontecimiento”. Para reforzar el carácter participativo de la población, se ha previsto que las bandas acudan desfilando a los auditorios, para lo cual se ha creado un premio específico al mejor desfile, dotado con 1.000 euros.

Además, el número de secciones para la nueva edición se reduce a cuatro, aunque el número de bandas admitidas aumenta: hasta cuatro en la primera sección, y hasta seis en las secciones restantes. La cuantía de los premios para los ganadores también se incrementa: 3.500 euros para la primera sección, 3.000 euros la segunda sección, 2.500 euros la tercera y 2.100 para la cuarta.

Nuevos criterios de evaluación y obras obligadas

Con el objetivo de adaptarse a los estándares internacionales de baremación, la Diputació ha decidido ampliar los criterios de puntuación de cuatro a diez. Según Mayor, “esta nueva evaluación ayudará a que las calificaciones sean más objetivas y precisas, ya que se valorarán aspectos que hasta ahora no se tenían en cuenta de una manera específica, como la técnica métrica o de encaje”.

En esta línea de impulsar la objetividad e independencia hasta las máximas cotas, por primera vez ningún cargo vinculado a la Diputació formará parte del jurado, que podrá tener carácter internacional y que, en todo caso, contará con profesionales cualificados del campo de la música.

En cuanto a las obras que deberán ser interpretadas, este año se pretende que sean las propias agrupaciones las que adapten estas piezas, “fomentando de este modo la creación musical”, en palabras del diputado. Las obras obligadas serán las siguientes:

Sección Primera: Gloses II de Amando Blanquer

Sección Segunda: Mare Nostrum de Miguel Asins

Sección Tercera: Festa de les Falles de Ferrer Ferran

Sección Cuarta: aún por determinar

Nuevo logotipo

La Delegación de Bandas de la Diputació de València ha aprovechado el acto para presentar su nuevo logotipo, creado por la diseñadora Juliane Petri. “Se trata de un logo emotivo, inspirado por la tradición popular de las bandas, y que aglutina el sentido de pertenencia a este mundo”.

Transglobal Music World Charts (TMWC), que ya distinguió a Sefarad en el corazón de Marruecos, primero de la colección Diáspora, sitúa el trabajo de recuperación de música sefardí en el quinto lugar de los 100 mejores del mundo

TMWC está formada por críticos que trabajan en medios de 4 continentes y su objetivo es  facilitar la inclusión de artistas en base al mérito y el talento

La cantante, con 30 años en escena, es la intérprete de música sefardita española más internacional, ha cantado músicas turcas, griegas, occitanas, valencianas y música antigua y medieval que ha recopilado en 20 esmerados trabajos discográficos

Sefarad en el corazón de Turquía incluye una docena de temas que muestran cómo la tradición oral ha logrado conservar un rico patrimonio y una estrecha vinculación con España (Sefarad para los judíos) tras su expulsión en 1492

Mara Aranda será la directora del Centro Internacional de Música Medieval (CIMM) bajo los auspicios de la Mancomunidad de la Valldigna; su objetivo es ser una referencia en la interpretación, estudio e investigación de las músicas medievales

El CIMM celebrará un encuentro mensual en el que prestigiosos etnomusicólogos, académicos y músicos como Eduardo Paniagua, Carles Magraner, Arianna Savall y Peter Uldman, Al Maqam, Paloma Gutiérrez y Manuel Vilas y Begoña Olavide, impartirán un curso y ofrecerán un concierto

Valencia, 21 de diciembre de 2019

Mara Aranda ha logrado con el disco Sefarad en el corazón de Turquía el premio al Mejor disco europeo 2019 que otorga Transglobal Music World Charts (TMWC). Consigue así que la segunda entrega de la serie titulada Diáspora, que la compondrán cinco discos dedicados a la tradición judeo-española de Marruecos, Turquía, Grecia, Bulgaria y la antigua Yugoslavia, obtenga el mismo reconocimiento que Sefarad en el corazón de Marruecos. [Ver documentación adjunta].

TMWC, formada por diversos críticos de música que trabajan en medios especializados de cuatro continentes, sitúa este último trabajo de recuperación de música sefardí en Turquía en el quinto lugar de los 100 mejores del mundo. El objetivo de esta entidad es difundir las mejores producciones de música mundial seleccionadas por reconocidos especialistas, así como facilitar con los galardones la inclusión de artistas en base al mérito y el talento, en lugar de la popularidad, las grandes producciones o las ventas récord.

Aranda, con 30 años en escena, es la intérprete de música sefardita española más internacional, ha cantado músicas turcas, griegas, occitanas, valencianas y música antigua y medieval que ha recopilado en veinte esmerados trabajos discográficos que han merecido numerosos galardones y el reconocimiento del público y de los medios.

Sefarad en el corazón de Turquía incluye una docena de temas que muestran cómo la tradición oral ha logrado conservar un rico patrimonio y una estrecha vinculación con España (Sefarad para los judíos) tras su expulsión en 1492. El libreto del disco está prologado por Susana Weich Shahak, especialista en la recopilación de la tradición oral de los sefardíes y miembro del Centro de Investigaciones de la Música Judía en la Universidad de Jerusalén; Moshe Shaul, licenciado en Sociología y Ciencias Políticas y director en la Emisión Judeoespañola de Kol Israel entre 1977 y 1994; así como Karen Sharon del centro de investigaciones sefardí-otomanas de Estambul. Weich Shahak y Shaul recibieron en 2017 la medalla al mérito civil, la más alta distinción que el rey de España concede a un civil por su trabajo.

Weich Shahak expone en las notas al programa que “el cd, preparado con tanta dedicación y cuidado por Mara Aranda, nos demuestra la riqueza del repertorio musical de los sefardíes de Turquía, incluyendo los tres géneros tradicionales: romances, coplas y cantigas”. El trabajo recupera un pasado común del crisol de culturas peninsulares que forjaron lo mejor de su conocimiento, sus artes, sus descubrimientos y las tradiciones que conformaban su identidad.

Los cantos viajan a nuevos lugares con la expulsión y sus portadores, y en el disco se da especial preeminencia a las romansas que hablan de personajes épicos, históricos o legendarios ligados al pasado medieval de la Península y que se siguen cantando hoy en día en España, América y también en boca de los sefardíes en las diversas geografías de la diáspora.

Mediterraneidad y 40 instrumentos de la época
Aranda, cantante e investigadora, ha mostrado su satisfacción por el reconocimiento de la TMWC y ha dado las gracias a los críticos que han valorado su trabajo. Asegura que “en el disco hay canciones que destilan mediterraneidad con su amalgama de culturas; otras tienen el fondo cítrico, ácido, por la crítica que desprenden”. Aranda indica que los temas hablan de “los dolores de los desengaños, la pérdida, el sinsabor del camino del cantor y de acontecimientos históricos”, como el asesinato del duque de Gandía, Juan Borja (Borgia en su transcripción italiana), hijo del papa Alejandro VI, nacido en Xàtiva (Valencia), que los sefardíes cantan aún hoy en día en el corazón del antiguo Imperio Otomano.

“El hecho sucedió en Roma el 15 de junio de 1497”, indica Weich Shahak que considera que “dada la fecha y la ubicación del suceso que relata, posterior a la expulsión, este romance fue incluido en el repertorio sefardí ya en el exilio, tal vez llevado a la región otomana por emigrantes judíos que pasaron antes por Italia o por los conversos que llegaron más tarde”.

La artista valenciana se ha rodeado de prestigiosos músicos para abordar este repertorio, con más de 40 instrumentos de la época, como Jota Martínez, Abel García, Fernando de Piaggi, Robert Cases, Abdelatif Louzari, Azzan Kirko, Kaveh Sarvarian, Miguel Angel Orero, Rosa Sanz, Gloria Aleza, y Liliana Benveniste. Asimismo, ha contado con Estreyikas d’Estambol, un coro infantil sefardí dirigido por Izzet Bana.

Centro Internacional de Música Medieval
Mara Aranda será la directora del Centro Internacional de Música Medieval (CIMM) que se ubicará en el Real Monasterio de Santa María de la Valldigna y se constituye bajo los auspicios de la Mancomunidad de la Valldigna integrada por las localidades de Barx, Benifairó y Simat. El objetivo es ser una referencia en la interpretación, estudio e investigación de las músicas medievales y de los códices manuscritos, así como la reconstrucción de instrumentos de la época.

El CIMM celebrará un encuentro mensual en el que prestigiosos etnomusicólogos, académicos y músicos impartirán un curso de 10 horas el fin de semana y ofrecerán un concierto, los sábados a las 19.30h. El primero tendrá lugar el 4 y 5 de enero con Eduardo Paniagua y el programa Cantigas de Valencia; el 1 y 2 de febrero, Carles Magraner ofrecerá el Llibre Vermell de Montserrat; el 29 de febrero y 1 de marzo, Arianna Savall y Peter Uldman Johansen, Cants del sud i del nord; el 4 y 5 de abril Al Maqam, Romance Andalusí y Moaxaja & zejel ; el 2 y 3 de mayo, Paloma Gutiérrez y Manuel Vilas actuarán con Cançons del trobador Bernat de Ventadorn; y el 6 y 7 de junio, Begoña Olavide lo hará con Toques en el tiempo, música y cantos judíos, musulmanes y cristianos.

Aranda diseña un concepto abierto del proyecto, para la participación en las actividades no será necesario tener estudios previos de música puesto que la forma de transmisión será la empleada durante la Edad Media, esencialmente oral y con el apoyo de la lectura de las fuentes originales. Está especialmente indicado y dirigido a estudiantes de escuelas y centros de música, conservatorios (el Instituto Superior de Enseñanzas Artísticas concederá puntos a los alumnos del grado), musicología, filología, arte, historia, profesores de música, músicos profesionales de cualquier estilo, miembros de corales amateurs o profesionales, aficionados, simpatizantes o interesados en estas músicas y sonoridades.

La actividad, fundamentalmente práctica, estará orientada a los diferentes repertorios que se irán abordando y en los que se desarrollará la memoria auditiva, el trabajo de concentración, la expresión artística y la recuperación de un gran patrimonio musical en el que se cimentan todos los estilos musicales posteriores. Asimismo, el CIMM albergará una de las colecciones más importantes de Europa de instrumentos medievales reconstruidos a partir de la iconografía medieval que podrá ser visitada por el público.


– Más fotografías
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VIDEO

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AUDIOS

– Spotify / Sound Cloud
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https://soundcloud.com/maraaranda/sets/mara-aranda_diaspora
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DOCUMENTACIÓN

–  Mara Aranda
https://mara-aranda.com/

– Transglobal Music World Charts
https://mara-aranda.com/

– Sefarad en el corazón de Turquía. Libreto y dossier
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– Sefarad en el corazón de Marruecos
https://www.dropbox.com/home/Mara-Aranda_Sefarad-en-el-corazon-de-Marruecos/CD%20Sefarad%20Marruecos.%20Portada.libreto

Dadas las circunstancias actuales, se amplía el plazo de recepción de los originales del V Concurso Internacional de Composición Musical Real Academia de Bellas Artes de San Carlos hasta el día 31 de agosto.

Fuente: Nuestras Bandas de Música

a se conocen las bases del V Concurso Internacional de Composición Musical que convoca la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia.

El plazo de presentación de las obras finalizará el 15 de mayo de 2020, inclusive.

La convocatoria está abierta a todos los compositores de cualquier nacionalidad, sin límite de edad y que no hayan sido premiados en alguna edición anterior. Cada compositor podrá presentar una sola obra. La obra presentada debe ser original del autor e inédita.

Las obras deberán estar escritas para Trombón de varas tenor en Sib, (opcional con transpositor de Fa) y piano (sin medios electroacústicos). La duración de las composiciones debe ser entre 12 minutos como mínimo y 20 minutos como máximo.

La documentación deberá ser entregada con acuse de recibo, o remitida por correo certificado a la siguiente dirección: V Concurso Internacional de Composición Musical Real Academia de Bellas Artes de San Carlos C/ San Pío V, 9 – 46010 Valencia. España

El Jurado será nombrado a propuesta de la Sección de Música de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos y aprobado por la Junta General de la Academia.

Se establece un único premio de 4.000 euros.

El estreno absoluto de la obra galardonada tendrá lugar durante el último trimestre de 2020 en el Salón de Actos de Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, que se reserva el derecho a elegir a los intérpretes que ofrecerán su primera audición.

Accede a toda la información y documentación para participar aquí (bases completas en Español)

All the information and required documents to participate is here (complete contest rules in English)