Confederación Española de Sociedades Musicales

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La joven cantante valenciana, que acompaña a la prestigiosa banda galesa en una gira europea en la que se ofrecerán un total de 16 conciertos en 8 países, actúa en dos  pases en el emblemático teatro parisino

Con 23 años, afrontó con su banda unos conciertos muy especiales y un fantástico reto como es tocar un escenario en el que han actuado grandes bandas y artistas como The Beatles, The Rolling Stones, Janis Joplin, David Bowie, Frank Sinatra…

La crítica, que ya hablaba de un talento muy especial, ha destacado que Sheikh “prosperará con la confianza, vivacidad y la seguridad de una estrella emergente”, y remarca que con sus canciones “sienta las bases de joven figura”

La gira proseguirá en Frankfurt mañana viernes y Sheikh, acompañada por Rowan Davies, George Gardiner y Lorenzo Passarella, actuará en febrero en Amsterdam, Berlín, Colonia, Munich, Zurich, Milán, Lausanne, Luxemburgo y Hamburgo

Sheikh publicará el 28 de febrero en varias plataformas Everybody hears but no one’s listening, un disco que producen Jamie Morrison (batería de Stereophonics) y Nigel Walker, (Paul McCartney, Elton John, Bob Dylan, El Canto del Loco, Pereza…)

París, 30 de enero de 2020

Nadia Sheikh triunfó con su propuesta indie y pop-rock, en los conciertos celebrados en el Olympia de París de la mano de Stereophonics, la prestigiosa banda galesa a la que acompaña en una gira europea que ha recalado en la capital francesa ofreciendo dos actuaciones, ayer y anteayer, y que llega casi a su ecuador tras las ofrecidas en Liverpool, Leeds, Madrid y Barcelona. [Ver documentación adjunta].

La cantante y compositora valenciana abordó en los conciertos temas como Break Free, No. 24, Flip the Coin, Going down, Toxic, The Wire y el EP 50 feet, así como Get Away, el nuevo sencillo que ha sacado a principios de año y que formará parte del nuevo disco, Everybody hears but no one’s listening [Todos oyen pero nadie escucha], que publicará en varias plataformas el 28 de febrero con la producción de Jamie Morrison (batería de Stereophonics) y Nigel Walker, (Paul McCartney, Elton John, Bob Dylan, El Canto del Loco, Pereza…), y que incluirá cuatro canciones y un bonus track.

Con 23 años, Sheikh afrontó con su banda, Rowan Davies (bajo), George Gardiner (batería) y Lorenzo Passarella (guitarra), dos conciertos muy especiales y un fantástico reto como el que supone tocar en el Olympia, un escenario por donde han pasado y grabado discos en directo grandes bandas y artistas de todo el mundo como The Beatles, The Rolling Stones, Jimi Hendrix, Janis Joplin, David Bowie, Deep Purple, Billie Holiday, Frank Sinatra, Arctic Monkeys, Taylor Swift, Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina, entre muchos otros.

El Olympia, con 2.000 localidades, registró un lleno en los dos conciertos y la intérprete española ha agradecido “la gran acogida y el calor del público francés en los dos pases”. Sheikh ha destacado la acústica de la sala y ha comentado que “ha sido muy emocionante, y daba un poco de vértigo estar en un teatro emblemático donde han tocado grandísimos grupos y músicos”.

La gira, en la que se ofrecerán un total de 16 conciertos en 8 países, proseguirá en Frankfurt mañana viernes al que seguirán actuaciones en el mes de febrero en Amsterdam, Berlín, Colonia, Munich, Zurich, Milán, Lausanne, Luxemburgo y Hamburgo. Alemania es el país en el que más conciertos se realizarán en este tour que visitará cinco ciudades diferentes, en España y Reino Unido dos.

Estrella emergente
La prensa especializada, que ya hablaba de un talento muy especial, de su capacidad de emocionar y de ser una artista camaleónica, ha destacado en esta gira que Sheikh “prosperará con la confianza, vivacidad y la seguridad de una estrella emergente”, ha subrayado que la intérprete hispano-británica utiliza el mestizaje de culturas “con buenos resultados” y remarca que con sus canciones “sienta las bases de joven figura que, seguro, pronto conoceremos”.

Stereophonics está cosechando el reconocimiento de la crítica y el público en una gira en la que presenta Kind, su último trabajo, así como sus grandes clásicos, Dakota, Have a nice day, Maybe tomorrow, Fly like an eagle, entre otros. La banda, formada por Kelly Jones (voz, guitarra y composición), Richard Jones (bajo y voz), Adam Zindani (guitarra) y Jamie Morrison (batería), es uno de los referentes del panorama musical británico. Inició su andadura en 1992 y en su dilatada historia ha vendido más de 40 millones de discos en el mundo; en su discografía cuenta con 12 trabajos de estudio publicados, así como EPs y diversas colaboraciones.

Proyección internacional

Nadia Sheikh en concierto en el Olympia de París. Autora: Solly Alba

Sheikh (L’Alcora – Castellón, 1996) sigue aún intentando asimilar la oportunidad que le ha brindado Stereophonics con esta gira que representa una magnífica manera de dar a conocer y proyectar internacionalmente su música en grandes auditorios. Con casi 10 años de trabajo en una carrera artística que empezó con tan solo 14, indica que “no podía pensar que un día iba a poder tocar junto a una gran banda de la que soy fan y que ha sido y es una gran inspiración para mí”.

La cantante ha actuado en el Festival Internacional de Benicàssim (FIB) 2018, en el Tramlines Fringe Festival (Sheffield), el Y Not Festival (Derby) o en el Festival Isle of Wight en Reino Unido, así como en diversos conciertos que le llevaron en noviembre pasado a Manchester, Madrid, Valencia, Castellón y Brighton para presentar sus últimas canciones. El año 2019 fue muy importante en su carrera, recibió el apoyo de importantes medios de comunicación españoles e ingleses y realizó una gira por Reino Unido en colaboración con la promotora This Feeling. El presente año lo ha empezado con mucha fuerza en una gira con una banda a la que admira y con ilusión por los proyectos que llevará a cabo.

– Más fotografías
https://soundofbrit.fr/2020/01/29/photos-stereophonics-nadia-sheikh-lolympia-paris-le-28-janvier-2020/
https://www.dropbox.com/sh/2xf6kq7t0n4oizi/AACiMvm1CFdSeCn4KAIl7fmWa?dl=0
https://www.nadiasheikh.com/prensa
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VIDEOS

http://www.youtube.com/NadiaSheikhVEVO

Olympia (París)
https://www.youtube.com/watch?v=Wo8ve04nTBE
https://www.youtube.com/watch?v=Ibhe2WDUeYc
https://www.youtube.com/watch?v=XQctfT-GshA
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AUDIOS

https://open.spotify.com/artist/1REWoOzJNHGCPDYsSBBghV?si=-8xy30aYQXqHYIHWIhaGGA

https://itunes.apple.com/gb/artist/nadia-sheikh/892011618
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DOCUMENTACIÓN

–  Nadia Sheikh
https://www.nadiasheikh.com/

– Stereophonics
https://www.stereophonics.com/

– SLK Associates (Relaciones públicas)
http://www.slkassociates.com/
https://www.facebook.com/slkassociates
https://www.instagram.com/slkassociates/
https://twitter.com/SLKAssociates

REDES SOCIALES

http://www.instagram.com/nadiasheikhmusic
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http://www.twitter.com/NadiaSheikh_

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– GIRA EUROPEA DE STEREOPHONICS / NADIA SHEIKH

   Enero
   18/1 – Uni MounCord Hall, Liverpool – Reino Unido
19/1 – O2 Academy, Leeds – Reino Unido
24/1 – Palacio Vistalegre, Madrid – España
25/1 – Razzmatazz, Barcelona – España
28/1 – Olympia, París – Francia
29/1 – Olympia, París – Francia
   31/1 – Batschkapp, Frankfurt – Alemania

   Febrero
   1/2 – AFAS Live, Amsterdam – Países Bajos
2/2 – Huxley Neue Welt, Berlín – Alemania
4/2 – Carlswerk Victoria, Colonia – Alemania
5/2 – TonHalle, Munich – Alemania
6/2 – Volkshaus, Zurich – Suiza
8/2 – Lorenzini District, Milan – Italia
9/2 – Les Docks, Lausanne, Suiza
11/2 – Rockhal Box, Esch Sur Alzette – Luxemburgo
12/2 – Docks, Hamburg – Alemania

La Asociación de Fagotistas y Oboístas de España (AFOES) organiza su primer concurso nacional de composición para fagot y piano.

AFOES inicia este proyecto con el afán de promover la composición de compositores españoles para fagot y oboe.

Además, la obra ganadora del primer premio del concurso de composición será la obra obligada del IV Concurso Nacional AFOES 2021 para fagot

El fallo del jurado se hará público en el 6º Congreso AFOES de Barcelona que se celebrará del 4 al 6 de septiembre de 2020, y además en nuestra página web.

El plazo de presentación de la obra en los formatos indicados y el boletín de inscripción empieza el día de la publicación en la web de estas bases y finalizará el 30 de junio de 2020.

Se establecen 3 premios:
 1 er premio: 750 €* y publicación de la obra. Además, será la obra obligada del IV Concurso AFOES 2021 para fagot. En la edición de la obra se añadirá el siguiente texto: “Obra ganadora del I Concurso Nacional AFOES de
Composición para fagot 2020”.
 2º premio: 250 €* y publicación de la obra. En la edición de la obra se añadirá el siguiente texto: “2º premio del I Concurso Nacional AFOES de Composición para fagot 2020”.
 3 er premio: publicación de la obra. En la edición de la obra se añadirá el siguiente texto: “3er premio del I Concurso Nacional AFOES de Composición para fagot 2020”.

Descargar Bases Completas PDF

Mas información: http://afoes.es/

En el marco de las actividades del II Congreso Internacional de la Comisión de Bandas de Música de la Sociedad Española de Musicología (SEdeM), que se celebrará próximamente en la Universidad de Jaén el 30 y 31 de enero 2020, la Banda Municipal de Jaén estrenará la obra LUMO, pieza inédita para banda del compositor valenciano Ramón Ramos Villanueva (Alginet, Valencia, 1954-2012).

Cartel del II Congreso Internacional de la Comisión de Bandas de Música de la SEdeM

El compositor Ramón Ramos es considerado hoy un referente imprescindible para entender los últimos treinta años de creación musical contemporánea en la Comunidad Valenciana y en España.

Ramos se formó en el Robert-Schumann-Institut de Düsseldorf (Alemania), entre 1975 y 1983, donde practicó los nuevos lenguajes musicales y tendencias de la Neue Musik, asistió becado a los renombrados Ferienkurse de Darmstadt y entró en contacto con los compositores más destacados del momento (Ligeti, Kurtag, Ferneyhough o Grisey, entre otros).

En su regreso a España, Ramos trajo consigo todo su amplio y valioso bagaje musical en Alemania, y jugó un papel trascendental en la consolidación y difusión de la música de nueva creación en la Comunidad Valenciana, donde cosechó una sólida trayectoria como compositor y ejerció durante dos décadas la cátedra de composición en los Conservatorios Superiores de Música de Alicante y Valencia. Ramos falleció en 2012 a la temprana edad de 54 años tras una larga convalecencia.

Las importantes investigaciones sobre el compositor llevadas a cabo por el Dr. Héctor Oltra García (Alboraya, Valencia, 1976, compositor, director e investigador musical) en su Tesis Doctoral (UPV, 2017) –sobresaliente con mención cum laude y propuesta a premio extraordinario de doctorado en la Universitat Politècnica de València– y en su reciente publicación monográfica La expresión estructurada (EdictOràlia, 2019), dilucidan por primera vez y en toda su extensión la trayectoria vital y creativa de Ramón Ramos, como resultado de una profunda investigación musicológica, un complejo ejercicio de catalogación y recuperación de partituras, y un exhaustivo estudio analítico musical y estético que abarca la obra completa del compositor valenciano.

LUMO, obra inédita, prácticamente desconocida y no estrenada, ha podido ser rescatada por el Dr. Oltra en el transcurso de sus investigaciones, llevando a cabo sobre la obra un profundo estudio analítico y contextual, y realizando una edición crítica de la partitura a partir del manuscrito del autor.

Se trata esta de una marcha mora para banda, compuesta en 1992 por Ramón Ramos durante su estancia en Alicante como catedrático de composición en el Conservatorio Superior de Música y como director de la Banda del Ateneo Musical «Maestro Gilabert» de Aspe.

Su composición está claramente inspirada por el ambiente bandístico popular y festivo alicantino, cuyo máximo exponente musical lo encarnan las marchas de Moros y Cristianos. Compositivamente, LUMO combina la tradición popular con el compromiso estético del autor hacia la música de nueva creación, llevando a cabo un ejercicio de simbiosis entre el estándar tradicional de la marcha mora y los recursos de su propia dialéctica musical contemporánea, la cual se manifiesta en el empleo de una serie tetrafónica y la presencia de armonías y recursos no tradicionalmente propios del género, aunque sin perder por ello un ápice del idiosincrático carácter fastuoso de la marcha mora. Estas particularidades estéticas, esta amalgama estilística, hacen de esta obra un ejemplo de singular valor y relevancia para el patrimonio musical bandístico, especialmente si se contempla en el contexto del repertorio para banda –y particularmente en el de moros y cristianos– de inicios de la década de los 90, regido entonces principalmente por los lenguajes musicales tradicionales.

El estreno absoluto de LUMO tendrá lugar el próximo 30 de enero a las 20 h en el Aula Magna de la Universidad de Jaén, en el concierto que la Banda Municipal de Jaén ofrecerá como parte de la actividad de recuperación de patrimonio bandístico del II Congreso Internacional de la Comisión de Bandas de Música de la Sociedad Española de Musicología (SEdeM), reunión científica que, bajo el lema «La banda de música en el foco: nuevos paradigmas de investigación bandística en España», reunirá a investigadores de diferentes procedencias, disciplinas e intereses, aglutinados bajo el paraguas temático de la banda de música. Además del estreno de LUMO, el día 31 de enero a las 13:15 h en la Sala de Juntas de la Universidad de Jaén, el Dr. Oltra ofrecerá una comunicación titulada «La obra para banda del compositor valenciano Ramón Ramos Villanueva (1954-2012): Recuperación, análisis y aportaciones a la estética musical bandística de finales del siglo XX», con el objetivo de poner en valor, contribuir a su difusión y dar a conocer en el Congreso la música para banda de uno de los compositores valencianos más trascendentes e influyentes de los últimos treinta años.

Enlaces de interés:

II Congreso Internacional de la Comisión de Bandas de Música de la Sociedad Española de Musicología (SEdeM)

https://www.cbm-sedem.com/copia-de-congreso-internacional.

(Programa completo de actividades: https://20622ec8-e1f8-48a3-924a-d5e61744dd8f.filesusr.com/ugd/f539cc_eb36f5a75d74499e8415bd49aa113e62.pdf)

Dr. Héctor Oltra García

https://www.hectoroltra.com/index.html

LA EXPRESIÓN ESTRUCTURADA: Trayectoria vital y creativa del compositor valenciano Ramón Ramos Villanueva (1954-2012) (EdictOràlia Llibres i Publicacions, 2019)

https://www.edictoralia.com/la-expresion-estructurada-trayectoria-vital-y-creativa-del-compositor-valenciano-ramon-ramos-villanueva/

Cancelado el FIMValencia 2020

Queremos agradecer el apoyo y confianza mostrada tanto por alumnos y familias como por patrocinadores e instituciones públicas que nos ayudan a mantener la ilusión en este proyecto incluso en esta inesperada situación en la que nos encontramos a causa del coronavirus.

Por ello estamos creando iniciativas adaptadas a la actualidad, realizando Masterclasses online, video conferencias y charlas en directo con algunos de nuestros profesores. Todos estos servicios los estamos ofreciendo de manera gratuita con el único propósito de apoyar educativamente a nuestros seguidores ofreciendo una oferta cultural del máximo nivel.

Después del éxito conseguido con la Masterclass de trompeta de Adrián Martínez, con más de 100 inscripciones en apenas unas horas. Anunciamos las próximas masterclasses:

– 25 de abril – Yuki Koyama, Flauta Solista de la Orquesta de la Radio de Finlandia y Profesor en la Academia Sibelius (inscripción el 19 de abril a las 12:00).

– 2 de mayo – Esa Tapani, Trompa Solista internacional y Profesor en la “Frankfurt Musikhochschule” (inscripción el 26 de abril a las 12:00)

Os pedimos que nos ayudéis a difundir las actividades que estamos ofreciendo, compartiendo nuestros posts para que todos los músicos interesados puedan beneficiarse de nuestro proyecto.

Sin más, deseamos una pronta normalización y que cada uno de vosotros y vuestras familias estéis lo mejor posible en estos duros momentos que estamos pasando.

#fimvalencia #coronavirus #covid19 #masterclass #trumpet #Manises #Valencia #orchestra #orquesta #music #musica #musicos #cultura #trompeta #conservatorio #apunt #noticias

La 4ª edición del Festival Internacional de Música de Valencia tendrá lugar en el Instituto Ausiàs March de Manises.

Este centro cuenta con una gran cantidad de aulas, una sala de conferencias y un pabellón deportivo perfectos para la realización todas las actividades de nuestro Festival: clases individuales, clases colectivas, ensayos de orquesta y banda, música de cámara, talleres, conferencias, exposiciones…

La 2ª edición del Concurso de Jóvenes intérpretes FIMValencia para las especialidades de cuerda tendrá lugar el último día del Festival como acto de clausura.

Este año nos visitan 36 profesores de 7 nacionalidades distintas cubriendo todos los instrumentos de la orquesta sinfónica (violín, viola, violoncello, contrabajo, trompeta, trompa, trombón, tuba, flauta, oboe, clarinete, fagot y saxofón). Además, contamos con varias actividades complementarias, entre ellas, una charla con Guillermo Dalia, psicólogo especializado en músicos, autor de algunos de los libros más importantes en este campo y una charla con Claudia Montero, compositora ganadora de 4 Grammys Latinos.

Contamos con el «Auditorio Germanías» y la Capilla de la Casa de la Cultura “Sala Vicent Ros” de Manises para la realización de conciertos durante la semana del festival.

Manises es una ciudad muy céntrica situada a tan solo 10km del centro de Valencia y además posee conexión de Autobús y Metro. También tiene acceso directo desde la autovía A-3 (Madrid) y el Aeropuerto Internacional de Valencia se sitúa a menos de 2km de nuestra sede. Además,  esta ciudad cuenta con diferentes hoteles para todos aquellos asistentes que los necesiten.

Por otra parte, gracias al soporte de nuestros patrocinadores, conseguimos reducir al mínimo los costes de inscripción, siendo uno de los festivales internacionales de estas características más asequibles de toda España. Además, el FIMValencia realiza una labor social, ofreciendo conciertos gratuitos de los solistas internacionales que nos visitan y siendo una de las experiencias musicales más económicas y completas de toda España.

Toda la información: https://www.fimvalencia.com/

lunes, 27 de enero de 2020

La datación de los acontecimientos cuando se remontan años y años siempre es difícil, y en el caso de la Banda Municipal de Alcanar se trata de 175 años , pero la fundación de la banda está bien fechada: el 3 de junio de 1845. Cuando, en reconocimiento al trabajo del escultor local Miguel Gisbert, al paso de la Reina Isabel II de Borbón por Alcanar, concede al escultor unos instrumentos de música.

A partir de este hecho se han sucedido los directores, músicos y espectadores fieles de una banda consolidada que afronta con ilusión la celebración del 175 aniversario y lo hace a través de una representación de su versatilidad y sus inquietudes . Viernes 24 de enero de 2020 en el Casal Cívic Trinitario Bel de Alcanar ha realizado el acto de presentación del programa de actividades especial de la Banda Municipal de Alcanar , con la presencia del alcalde del municipio y concejal de la banda Municipal -tal es la importancia de la banda, que ocupa una concejalía en el consistorio- Joan Roig; el director de la banda, Pascual Arnau; y el presidente de la Federación Catalana de Sociedades Musicales, José Parés.

Los actos del 175 aniversario arrancan el 7 de marzo en la plaza del Ayuntamiento, día antes del Día Internacional de las Mujeres, con el concierto Mujeres y Música , que homenajeará a las mujeres que han normalizado el mundo de las bandas. Coincidiendo con Semana Santa, en la Iglesia de San Miguel tendrá lugar el concierto Música Sacra y Ópera (4 de abril 2020) , con la colaboración del barítono Gerard Ramon y la Banda de Cornetas y Tambores.

Destacando otro de los ejes de la Banda Municipal de Alcanar, que es la banda formada por los alumnos de la Escuela Municipal de Música de Alcanar, es decir, la Banda Juvenil actuará miércoles 13 de mayo en la escuela Juan Bautista Sierra .

Y así se llega al ecuador de la celebración el 27 de junio con el Gran Concierto de Aniversario en la plaza del Ayuntamiento, donde participará el Grupo de Teatro Crisol . Este concierto de homenaje tendrá un bis en el recinto portuario de Las Casas de Alcanar, el domingo 16 de agosto .

Iniciando el cuarto trimestre del año se producirá un hermanamiento histórico con la Banda Municipal de Barcelona , Un concierto ( sábado 26 de septiembre de 2020 ) en la que se invitará a la Banda Municipal de Barcelona.

En el marco de la celebración de su 175 aniversario, Alcanar acogerá (sábado 3 de octubre) la 39ª Encuentro de Bandas de la Federación Catalana de Sociedades Musicales , un evento que anualmente reúne a más de 30 entidades y 1000 músicos de todo el país .

Finalmente los actos del 175 aniversario se cerrarán el sábado 21 de noviembre en el Concierto de Clausura por Santa Cecilia en el Centro Cívico de Alcanar.

Una exposición que recorrerá la historia

A lo largo de la historia de la Banda Municipal de Alcanar, entre otros, se pueden enumerar hitos tales como la participación en el concurso Alarde Musical de pasodobles celebrado en Vinaròs en 1951, donde la banda alcanzó el primer premio; más recientemente, la participación del 128º Certamen Internacional de Bandas de Música «Ciudad de Valencia» , el 18 de julio de 2014.

Todos estos aspectos de la historia de la banda, incluyendo un extenso fondo fotográficos de músicos y ex directores se podrá disfrutar en la exposición conmemorativa 175 imágenes – Historia de la Banda Municipal que se podrá disfrutar los meses de mayo y junio en la Cisterna del Valle a Alcanar y el Hogar de Jubilados de las Casas de Alcanar. Además de imágenes habrá instrumentos antiguos y objetos representativos de la banda. Habrá los instrumentos que la Reina Isabel II regaló al escultor Miquel Gisbert?

VI CONGRESO DE EDUCACIÓN E INVESTIGACIÓN MUSICAL

“¿Se enseña o se aprende?”

Conservatorio Superior de Música de Aragón

28-29 de Febrero y 1 de Marzo

El Instituto de Educación Musical (IEM) es una asociación de profesores creada y dirigida por Emilio Molina, que se centra en promover y potenciar un sistema pedagógico para el aprendizaje y la enseñanza de la música basado en el desarrollo integral de la creatividad y de la imaginación, y en la improvisación entendida como control del lenguaje musical.

Su objetivo más importante es difundir mediante cursos, conciertos, conferencias, coloquios, publicaciones, etc. las teorías y los métodos de trabajo que definen la “Improvisación como Sistema Pedagógico“.

El Congreso CEIMUS VI tendrá lugar en el Conservatorio Superior de Música de Aragón, en Zaragoza, un centro joven y dinámico, que ha sabido posicionarse como uno de los centros superiores musicales más reconocidos. 

El CSMA es un centro público dependiente del Departamento de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de Aragón, quien apuesta por estas enseñanzas, como un eje integrador y promotor de calidad artística y cultural.

Se ubica en en un edificio nuevo dotado con una instalaciones inmejorables.  LOCALIZACIÓN (pincha aquí)

COMITÉ ORGANIZADOR:

Emilio Molina (Director del IEM)

COMITÉ CIENTÍFICO:

Daniel Roca (CSMC)
Pedro Cañada (COSCYL)
Víctor Solé (Conservatori Liceu)
Carles Marigó (ESMUC y Conservatori Liceu)
Ana López (CIEM Moreno Torroba, Madrid)

Comité de Promoción: Ana Álamo

Organización técnicaEnclave Creativa Ediciones
Secretaría: Esther Pérez Achón (EC-IEM)

Soporte informático, Web y audiovisuales: Enclave Creativa Ediciones

Plazo de inscripción: Hasta el 20 de Febrero de 2020
Recepción de comunicaciones: Hasta el 15 de Diciembre de 2019
Más información: enclavecreativa@enclavecreativa.com

Cómo llegar?

Zaragoza es una fascinante ciudad, muy bien comunicada tanto por carretera como con autobús y con AVE Madrid (hay un descuento especial de Renfe para los asistentes al Congreso CEIMUS VI Información en esther@enclavecreativa.com ).

https://ceimus.es/

www.enclavecreativa.com

Esta semana se ha presentado la 59ª edición de la SMR, de Cuenca, el Festival de Semana Santa por excelencia del panorama musical español, se celebrará del 6 al 12 de abril, en diversas sedes de concierto de la ciudad (Teatro-Auditorio, Iglesia de la Merced, Espacio Torner, Capilla del Espíritu Santo de la Catedral de Cuenca, y la Iglesia de Arcas)

Fuente: docenotas.com, 17/12/2019

Cristóbal Soler, Director artístico de la SMR desde 2017, ha diseñado un amplia y variada programación, articulada a través de sus diversos apartados (SMR-Semana de Pasión, SMR-Antigua y SMR-Contemporánea), en la que destaca la presencia de numerosos conjuntos e intérpretes de renombre nacional e internacional como la Freiburger Barockorchester, Vox Luminis, Lionel Meunier, Amsterdam Baroque Orchestra & Choir, Ton Koopman, Conductus Ensemble, Andoni Sierra, Nereydas, Javier Ulises Illán, María Espada, La Folía, Guillermo Turina, Iagoba Fanlo, Gabriel Díaz, la Orquesta Sinfónica RTVE, PluralEnsemble, Fabián Panisello o Angélica de la Riva, entre otros.

Tal como explicó Soler en la presentación, “Desde hace unos años venimos desarrollando un modelo sostenible de programación con estrenos, aniversarios, recuperaciones de patrimonio y colaboraciones, abarcando diversos estilos y estéticas”.

El acto de presentación estuvo protagonizado, además por Cristóbal Soler, por Rosa Ana Rodríguez Pérez, Consejera de Educación, Cultura y Deportes, de Castilla La Mancha; Álvaro Martínez Chana, Presidente de la Diputación de Cuenca; Ángel Mariscal Estrada, alcalde de Cuenca y Amaya de Miguel, Directora General del INAEM.

Johann Sebastian Bach sigue siendo uno de los ejes vertebradores del festival, y además de la Pasión según San Mateo, la 59 SMR presentará J.S.Bach: Pasión, Muerte y Resurrección, cantatas para la Semana Santa a cargo de Conductus Ensemble, dirigidos por Andoni Sierra; los recitales  Bach y sus coetáneos con la violinista Tetiana Lutsyk, Bach schreibt zeitgenössisch, con el violonchelista Iagoba Fanlo.

La 59 SMR se unirá a la celebración del 250º aniversario del nacimiento de Beethoven, con Obituario a Beethoven, y el pianista Eduardo Fernández.

La 59 SMR presentará diversos proyectos de recuperación del patrimonio musical español, en el que participan intérpretes vinculados a la Comunidad de Castilla-La Mancha: Estruendos sonorosos, con Nereydas y Javier Ulises Illán, con obras de Corselli, Lidón y Porretti; Nebra & Nebra, a cargo de los Músicos de Su Alteza y Luis Antonio González, con obras de José de Nebra Mezquita, albergadas en el Archivo de la Catedral de Cuenca. Otro de los proyectos de recuperación del patrimonio español será la celebración del 550º Aniversario del nacimiento del compositor toledano Francisco de Peñalosa, con Juan Carlos Asensio y su Schola Antiqua.

Altera Bestia para soprano solista y 16 instrumentos, del compositor Jesús Torres será la obra de encargo de la 59 SMR de Cuenca; su texto, en latín, pertenece a un fragmento del Apocalipsis de San Juan. La soprano Isabella Gaudí y el PluralEnsemble, bajo la dirección de Fabián Panisello, protagonizarán su estreno absoluto en el concierto de clausura de la SMR el Domingo de Resurrección.

La 59 SMR se suma a las conmemoraciones del V Centenario de la primera circunnavegación de Magallanes y Elcano con un concierto del grupo barroco La Folía dirigido por Pedro Bonet. El programa dedicado a las músicas de evangelización por las rutas ibéricas que España y Portugal comenzaron a explorar a partir de finales del siglo XV comprende obras en castellano, francés, latín, quechua y chiquitano relacionadas con los tres océanos y los cuatro continentes.

La Academia de la SMR participa, además, en dos citas musicales barrocas: el Stabat Mater, de Pergolesi, y Dixit Dominus, de Handel.

El cartel de la 59 SMR ha sido diseñado por José María Lillo, artista plástico nacido en Cuenca y formado bajo la influencia de Fernando Zóbel, que actualmente ejerce la docencia en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca.

La SMR presenta una nueva web renovada y con diseño responsivo, que se puede visualizar en todo tipo de dispositivos (móviles, tablets, ordenadores)

Se puede consultar la programación detallada de la 59 SMR en www.smrcuenca.com

De los más de 300 aspirantes, han sido seleccionados un total de 107 jóvenes músicos con edades comprendidas entre los 15 y los 28 años, bajo la dirección del prestigioso director valenciano, Cristóbal Soler. El 53% de la plantilla estará compuesta por mujeres.

La Joven Orquesta Sinfónica es una unidad artística de alto rendimiento basada en un proyecto artístico y pedagógico creado en 2014 por la FSMCV para fomentar el desarrollo profesional de los músicos y la promoción del talento de los intérpretes de cuerda valencianos.

Por primera vez, músicos procedentes del resto de España han optado a integrar la plantilla de esta formación.

Cristóbal Soler contará con tres directores asistentes esta temporada: Saül Gómez, Vicent Mengual y Álex Puchades, cuyo primer concierto tendrá lugar el próximo 23 de febrero en el Palau de les Arts.

Valencia, 27/01/2020

La Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana (FSMCV) ha seleccionado a los nuevos integrantes de la Joven Orquesta Sinfónica para su plantilla de 2020. Las audiciones, realizadas en la sede de la Banda de Campanar (Valencia), han sido un rotundo éxito debido a la cantidad de solicitantes y al enorme talento de todos los aspirantes.

Las pruebas para la selección de la plantilla de 2020 han estado marcadas por la gran competencia entre los candidatos, demostrando el gran interés por esta iniciativa entre los jóvenes músicos y el enorme talento musical de la ‘cantera’ existente en las sociedades musicales de la Comunidad Valenciana.

Así, del total de 369 músicos que realizaron la prueba de selección, el 29% fue seleccionado para integrar la plantilla final, compuesta por 107 jóvenes músicos procedentes de las sociedades musicales de la Comunitat Valenciana, con edades comprendidas entre los 15 y los 28 años, de los cuales el 53% son mujeres.

En categorías como los instrumentos de viento, donde el nivel de los participantes también ha sido muy elevado, el porcentaje de seleccionados ha sido del 17,3%. En determinados instrumentos, como por ejemplo en las trompetas y clarinetes, han concurrido más de 40 aspirantes para ocupar 4 plazas, respectivamente.

Asimismo, cabe destacar la juventud de los aspirantes y el potencial de los músicos jóvenes que este proyecto artístico y pedagógico impulsa, dirigido por el director valenciano Cristóbal Soler. De hecho, la edad media de los seleccionados es de 19 años. Del total, el 51% cuentan entre 17 y 20 años de edad y el 17% tienen entre 15 y 16 años.

“Estamos muy contentos. Por una parte la convocatoria para formar parte de la nueva plantilla de la Joven Orquesta Sinfónica fue todo un éxito -con cerca de 400 candidatos- y por otra parte, después de la selección, nos encontramos con un grupo con un nivel realmente alto, excelente. Tendemos a hablar de la Comunidad Valenciana como una tierra de músicos pero no solo es eso, es una tierra de excelencia musical y se demuestra con proyectos como la Joven Orquesta Sinfónica de la FSMCV”, ha declarado Cristobal Soler.

Para la presidenta de FSMCV, Daniela González, “la Joven Orquesta sinfónica es uno de los proyectos artísticos más relevantes, en el que procuramos promover el talento joven y proporcionar a los músicos nuevos horizontes profesionales” .

La Joven Orquesta Sinfónica de la FSMCV nace en 2014 con el fin de promocionar el estudio y la práctica de la música en una vertiente que es complementaria a la experiencia bandística y con los objetivos de fomentar el estudio y la práctica orquestal, proporcionar a los estudiantes la oportunidad de trabajar bajo la dirección de los mejores directores de orquesta, accediendo a un repertorio orquestal de alta calidad y dificultad. La orquesta desarrolla un programa anual de encuentros pedagógicos y conciertos. A su vez, la Joven Orquesta Sinfónica permite a los músicos vivir una experiencia de convivencia con otros estudiantes con los mismos intereses e inquietudes artísticas.

Cantera de talento joven con sello valenciano

La mayoría de los participantes pertenecen a la provincia de Valencia (70%), seguido  de Alicante (20%), y Castellón (9%). Como dato relevante, por primera vez, y dada la repercusión de la Joven Orquesta Sinfónica, fuera de la Comunitat Valenciana también ha tenido incidencia este proceso de selección, por lo que se han recibido candidaturas de músicos procedentes de otros puntos de España, como Barcelona o Granada, entre otros.

Saül Gómez, Vicent Mengual y Álex Puchades, directores asistentes

Siguiendo la línea de formación y promoción del talento joven de nuestras sociedades musicales, el maestro Cristóbal Soler ofrece la posibilidad de contar con directores asistentes, que son invitados por el propio director a participar como directores de la Joven Orquesta. Así, para la temporada 2020 los asistentes serán los directores valencianos Saül Gómez, Vicent Mengual, y Álex Puchades.

CV DE LOS DIRECTORES ASISTENTES DE LA JOVEN ORQUESTA SINFÓNICA DE LA FSMCV

Vicente Mengual

Vicente Mengual Caudeli inicia sus estudios en 1996 en la escuela de la Sociedad Musical de Benirredrà con el trombón de varas de la mano de Rafael Donet y Donet. Años mas tarde, accedería al Conservatorio Profesional de Música «José Climent» de Oliva, para estudiar con José Vicente Oliver Zaragozá. Finalmente estudia en el Conservatorio Superior de Música «Salvador Seguí» de Castellón con los maestros Salvador Tarrasó Aledón y Juan Bautista Abad Peñarrocha obteniendo la calificación más alta de su promoción.

Ha realizado diversos cursos y clases maestras con profesores e intérpretes de talla internacional como: Christian Lindberg, Michael Becquet, Jacques Mauger, Gilles Millie, Armin Rossin, Carlos Gil, Indalecio Bonet, Daniel Lasalle, Salvador Pellicer, etc.

Asimismo, estudia durante cinco años Dirección de Banda en la Escuela Comarcal de las Juventudes Musicales de la Vall d’Albaida con los maestros José Rafael Pascual Vilaplana, Ramón García Soler, Juan Alborch Tarrassó, Tomas Gilabert y Juan José Silvestre.

Aparte, realiza cursos de dirección con maestros de talla internacional como Thomas Doss, Alex Schillings, Rafael Sanz Espert o Enrique García Asensio.

En el año 2013 cursa el Máster en formación del Profesorado en Educación Secundaria en la especialidad de Música en la Universidad de Valencia.

Ha realizado dos cursos de la especialidad de Dirección en el Conservatorio Superior de Música «Joaquín Rodrigo» de Valencia y al mismo tiempo estudia en la Italian Conducting Academy, dentro de la Milano Máster Music School de Milán un postgrado de dirección de Orquesta con el maestro de renombre internacional Gilberto Serembe.

Titulado con el Máster en Dirección Sinfónica, Vocal e Instrumental en el Centro Superior de Enseñanzas Musicales «Katarina Gurska» de Madrid con el maestro Cristóbal Soler, siendo el director más joven del estado en tener esta titulación.

Obtiene el postgraduado de Dirección de Orquesta en la Academia Internacional de Dirección Orquestal «José Collado» de la mano de directores de prestigio internacional como Arturo Tamayo, José Luis Temes, Sergio Alapont, Rubén Gimeno, Yi Chen-Li, Roberto Forés, John Carewe bajo la tutela del maestro Cristóbal Soler.

Actualmente estudia el Título Superior de Dirección en el Conservatorio Superior de Música de Galicia bajo la tutela del maestro Cristóbal Soler Almudéver.

Asimismo, estudia el posgrado de Gestión Empresarial de la Música en la Universidad de Valencia.

Premiado el año 2017 con el premio Hermes al Director y Compositor, premio concedido por la Federación de Sociedades Musical de la Comunidad Valenciana Safor-Valldigna.

Ha sido maestro de metal grave en la escuela de música de la Sociedad Instructivo «Unión Musical de Xeresa».

Desde el año 2013 hasta el 2015 se maestro de lenguaje musical y de metal grave en la escuela de la Agrupación Musical «Santa Bárbara» de Piles.

Director de las bandas jóvenes de la Agrupación Musical «Santa Cecilia» de Ador, Unión Musical «Santa Cecilia» de la Alquería de la Condesa y Agrupación Artístico Musical «Santa Bárbara» de Piles, de la que fue maestro fundador de la su Banda Infantil.

Como ha director invitado, ha dirigido bandas como la Unión Artístico Musical «San Francisco de Borja» de Gandia, Sociedad Unión Musical «Santa Cecilia» de Barx, Unión Musical «Santa Cecilia» de la Alquería de la Condesa, Unión Musical de Ràfol de Salem, Unión Musical de Catarroja y la Unión Musical de Tárbena.

También ha dirigido la Banda y la Orquesta del Conservatorio Superior de Música «Manuel Masotti Littel» de Murcia y la Banda y la orquesta del Conservatorio Superior de Música «Joaquín Rodrigo» de Valencia.

En el mundo de la composición, ha compuesto marchas para varias comparsas y capitanías, así como una marcha de procesión dedicada a la Hermandad del Santo Sepulcro de Gandia.

Algunos de sus pasodobles han interpretado en el Certamen Provincial de Bandas de música de Valencia.

Maestro de Educación Secundaria el Centro Escolar «Gregori Maians» de Gandia.

Desde febrero del año 2015 hasta Mayo de 2017 fue director de la banda joven y de la banda sinfónica de la Unión Musical de Aielo de Malferit.

Desde Mayo de 2017 hasta noviembre de 2018 es director de la Unión Musical de Tárbena.

Actualmente y desde Noviembre de 2018 dirige la Sociedad Musical de Benirredrà.Ha recibido clases de percusión de profesores como Jesús Salvador «Chapi» , Joan Cerveró , Manuel Tomás , Manel Ramada , Miquel Bernat , Kevin Hathway , Tom Free , Josep Vicent … de Didáctica de la Percusión de Antonio Domingo , César Peris… Clases de Dirección de Orquesta, Coro y Banda con E.García Asensio , Diego Ramón , Miquel Rodrigo, Ramón Ramírez , Eugene Corporon, J.R. Pascual Vilaplana, Franco Cesarini, Alex Schillings, Douglas Bostock, Thomas Doss…

Álex Puchades

Nace en Valencia donde estudia las especialidades de violín, viola y trompa. También ha realizado estudios de musicoterapia en la Universidad Internacional de Valencia (V.I.U.).

Como intérprete ha colaborado en numerosas agrupaciones con las que ha realizado conciertos por España, Portugal, Francia, Austria, Liechtenstein, Alemania, Italia, Suiza y Estados Unidos.

Como director se ha formado en la escuela «Juventuts musicals de la Vall d’Albaida» con los profesores: José Rafael Pascual Vilaplana, Tomás Gilabert, Ramón García Soler y Juan José Silvestre. Complementa esta formación en la Societat Musical «L’Artística Manisense» con los profesores José Martínez Colomina y Juan Carlos García López.

Ha asistido a diferentes cursos de dirección de orquesta, banda y coro con los maestros: George Pehlivanian, Eugene Corporon, Jan Cober, Arturo Tamayo, Vladimir Ponkin, Bruno Aprea, Sergi Alapont, Rubén Gimeno, Álvaro Albiach, John Carewe, Nacho de Paz, José Luís Temes, Roberto Forés y Yi-Chen Lin, entre otros.

Ha obtenido el DipABRSM de dirección por la Royal School de Londres y el master en dirección de orquesta por la escuela Katarina Gurska de Madrid.

En la actualidad está cursando el título superior de dirección con el maestro Cristóbal Soler.

Como director ha trabajado con diferentes agrupaciones de las que destacan: Orquesta de la academia de SMR de Cuenca, Orquesta de Sant Andreu de Barcelona, Orquesta filarmónica de la universidad de Valencia, Orquesta de la Universidad complutense de Madrid, Orquesta de la UIMP de Santander, así como diferentes bandas y coros de la geografía valenciana.

Es el director titular de la Orquesta sinfónica del C.I.M. de Benimaclet, de la Orquesta  «Tetracorde» de Foios y de la Banda de la A.M.S.C. de Almenara.

Saül Gómez Soler

Saül Gómez Soler nace en Ontinyent (Valencia) en 1982. Es Profesor Superior de Música Licenciado en Percusión y Composición por el Conservatorio Superior de Música Joaquín Rodrigo de Valencia. Lo es también en Dirección de Orquesta por el Conservatorio Superior de Música del Liceo de Barcelona.

Ha estudiado dirección de banda en la ISEB en Trento (Italia) con Jan Cober, Felix Hauswirth, Carlo Pirola y Franco Cesarini.

Dirección

Ha dirigido varias formaciones bandísticas tanto en España como en diferentes partes de Europa, (Salzburgo, Innsbruck, Praga, Berlín, Múnich…). Actualmente es director de la Agrupación Musical Santa Cecilia de Castalla, de la Societat Musical La Primitiva Setabense de Xàtiva y de la Orquesta Sinfónica Caixa Ontinyent. Es también profesor de orquesta dentro del cuerpo de profesores de música y artes escénicas de la Generalitat Valenciana.

Ha tenido la oportunidad de dirigir a prestigiosos solistas internacionales como Vasko Vasilev, Pacho Flores, José Franch, Francesca Calero, Luís González, Roberto Turlo, Juan Lago o Pablo Zinger,  estrenando obras de autores de los más prestigiosos compositores españoles.

Durante 2018 ha sido el titular de la Joven Banda Sinfónica de la Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana (FSMCV) con la que ha estrenado varias obras y ofrecido conciertos en la Comunidad, Madrid y Francia.

Composición

En el campo de la composición, podemos encontrar sus obras editadas en Piles y Molenaar y además, posee además su propio sello editorial.

Participa regularmente como jurado en diferentes certámenes y su música se puede encontrar en diferentes CDs.

Ha recibido diferentes encargos de entidades como la Orquesta Sinfónica de RTVE, la composición de la obra obligada en el Certamen Internacional de Valencia de 2015, música de cámara para la orquesta de RTVE, la obra obligada para el Festival Internacional de Percusión Percute 2016 así como encargos para solistas internacionales como Jose Franch Ballester, Maria José Montiel, José Cháfer o Javier Llopis. También ha recibido encargos de prestigiosos solistas internacionales como José Franch o el dúo Madrid Okho.

Ha sido galardonado con diferentes premios y distinciones como la Mención Honorífica de la Excelentísimo Ayuntamiento de Ontinyent, su municipio natal.

Desde el 2013 es miembro de la Academia de la Música de Valencia, así como de la Asociación de Compositores COSICOVA. También pertenece a la Academia de los Grammy de Los Ángeles.

Audiovisual

Actualmente, centra su carrera en la composición de música sinfónica y música para el sector audiovisual. En este ámbito, ha recibido tres nominaciones a los Hollywood Music in Media Awards de Los Ángeles y una para los premios Jerry Goldsmith.

En 2018, estrenó obras en Vancouver y Texas y sus composiciones fueron interpretadas en países como Bélgica, Portugal, Italia, Japón, Canadá, Alemania, Suiza, Taiwán y Colombia.

La Unión Musical Santa Cecilia de Dosbarrios conjuntamente con el Excmo. Ayuntamiento de Dosbarrios, con el objetivo de promover e impulsar la cultura musical a través del apoyo a las bandas no profesionales de nuestro país, presentará en julio de 2020 una nueva edición del Certamen Internacional de Bandas de Música Villa de Dosbarrios

El nombre que recibirá esta nueva Edición de 2020 será “XII CERTAMEN INTERNACIONAL DE BANDAS DE MÚSICA VILLA DE DOSBARRIOS” (“XII CIBM VILLA DE DOSBARRIOS”)

Inscripción del 27 de enero al 25 de febrero de 2020 (Ambos inclusive)

El sábado 18 de julio será la fecha de celebración de la “XII Edición del CIBM Villa de Dosbarrios”

Obra obligada, Con carácter obligado y puntuable, se interpretará la obra “Una noche en Granada” de Emilio Cebrián Ruíz

Obra libre, También, con carácter puntuable, en el 125 aniversario del nacimiento del cine, se interpretará una composición para banda relacionada con la música de cine, cuya duración en ningún caso podrá exceder de los 12 minutos.

#certamen2b20

Bases Completas

Publicado en: Noticias sobre CIBM Valencia

El Certamen Internacional de Bandas de Música “Ciudad de Valencia” ha presentado las obras obligadas que tendrán que interpretar las agrupaciones que participen en la próxima edición del Certamen musical. De esta forma, las obras obligatorias en función a la sección de participación serán:

La Sección de Honor interpretará obras de Florent Schmitt y José Serrano

Las agrupaciones participantes en la Sección de Honor del Certamen Internacional de Bandas de Música “Ciudad de Valencia” 2020 tendrán que interpretar como obras obligatorias las partituras “La Venta de los Gatos” del compositor José Serrano y «Dionysiaques Op. 62» de Florent Schmitt.

BIOGRAFÍA JOSÉ SERRANO

Nació en Sueca, Valencia, en 1873, y al igual que otros compositores de zarzuela, fue su padre, director de banda de música, quien le introdujo en este campo. A los 16 años se traslada a Valencia para proseguir con sus estudios, trasladándose posteriormente a Madrid con la intención de obtener una beca con la que proseguir sus estudios pero se encuentra en un mundo muy distinto al que había dejado en Valencia y en el que no tiene mucha suerte.

La ceguera progresiva del maestro Fernández Caballero le obliga a pedir a Serrano su colaboración para la partitura de Gigantes y Cabezudos, obra que fue elogiada en El Saloncillo, revista en la que Serrano escribía desde hacía unos meses.

La primera composición de Serrano estrenada con éxito, El Motete, se remonta a 1900 y fueron los hermanos Álvarez Quintero los que le ofrecieron el libreto. José Serrano no desaprovechó la oportunidad de situarse entre los grandes compositores. Su figura se engrandeció por la labor llevada a cabo en el primer tercio del siglo XX, enmarcándose en el género chico que, aunque empezaba a ceder frente a la zarzuela grande, perduraría muchos años en los gustos del público. Entre sus más de 50 obras para teatro destacan: La Reina Mora con texto de los Hermanos Álvarez Quintero, Moros y Cristianos, Alma de Dios, La Canción del Olvido, Los Claveles , La Dolorosa y La Venta de los Gatos.

Serrano también es sobradamente conocido por todos los valencianos por ser el compositor del himno de la Exposición Regional Valenciana de 1909, adoptado oficialmente como Himno de la Comunidad Valenciana en 1925, o del conocido pasodoble «El Fallero». Serrano murió en Madrid el 8 de marzo de 1941 dejando sin estrenar la obra La Venta de los Gatos, basada en una narración de Bécquer.

OBRA OBLIGADA: «LA VENTA DE LOS GATOS» (Arreglos de Sergi Pastor)

Se escribió como una tentativa para instaurar la ópera española. En 1900 José Serrano acababa de conocer su primer éxito gracias al entremés «El Motete». Animados por el éxito de la obra, los hermanos Álvarez Quintero proponen al maestro Serrano, que cree la partitura de la ópera «la Venta de los gatos», sobre libreto de los propios Álvarez Quintero inspirado en una narración de Gustavo Adolfo Bécquer. Al año siguiente ya habría escrito la obra, pero no se llegó a estrenar hasta el año 1943, en el teatro Principal de Valencia, dos años después del fallecimiento del músico, atribuyéndose a la falta de instrumentación los motivos de su no estreno, siendo objeto de burla y, fomentando su fama de «vago» que lo perseguiría durante toda su vida. Según señala toda la prensa de los cuarenta, esta orquestación fue completada por Enrique Estela, que fue el encargado de dirigir el estreno.

El argumento de la obra sigue fielmente la narración homónima de Bécquer La primera parte está dominada por la alegría, la fiesta y el amor compartido: Lorenzo ama a Amparo, joven que desde la niñez vive en la sevillana «Venta de los Gatos», rescatada de la inclusa por el ventero, padre de Lorenzo. La segunda es oscura, siniestra, traspasada por el dolor y la muerte: Amparo ha sido recuperada por su padre, un noble que se vio forzado a salir de España por razones políticas; la chica añora su vida anterior y como no puede volver a ella, muere; cuando el cadáver es conducido al cementerio que se ha levantado cerca de la venta, Lorenzo lo descubre y cae en la locura.

La narración no está basada en un hecho real, aunque sí maneja elementos históricos ya que La Venta de los Gatos y el cementerio de San Fernando existieron realmente.

BIOGRAFÍA FLORENT SCHMITT

Compositor impresionista francés que comenzó sus primeras lecciones de composición con el compositor local Gustave Sandre, antes de ingresar en el Conservatorio de París a la edad de 19 años, estudiando con compositores como Jules Massenet, Gabriel Faure y Theodore Dubois. En el año 1900 gana el Premio de Roma.

Antes de 1920, se consideraba que Schmitt estaba en la primera fila de los compositores musicales «avanzados», no conformistas, formando parte del grupo conocido como Los Apaches y siendo uno de los compositores franceses más interpretados en el período entre las dos guerras mundiales, cayendo luego en el olvido, aunque continuó escribiendo música hasta el final de sus días. Fue a su vez director del Conservatorio de Lyon desde 1921 hasta 1924, y entre 1929 y 1939 trabajó como incisivo crítico musical para la revista «Le Temps».

Florent Schmitt fue un compositor sofisticado, capaz de «saltar pistas» estilísticamente y crear obras de arte convincentes en diferentes estilos. Se negó a deshacerse de su personalidad musical particular, y sufrió los ataques de aquellos que en ese momento sintieron que no unirse a las filas de la vanguardia era digno de desprecio. Aunque tradicionalista en muchos sentidos, su música a menudo empleaba modismos armónicos y rítmicos sorprendentemente modernos. Escribió cerca de 138 obras a lo largo de su vida, componiendo para la mayoría de las principales formas musicales, excepto para la ópera. Su estilo era principalmente impresionista, similar al de Debussy, pero también incluía elementos de Wagner y Richard Strauss. Su quinteto para piano en si menor, compuesto en 1908, ayudó a establecer su reputación, pero hoy sus composiciones más famosas son La tragedie de Salome y Psaume XLVII (Salmo 47) y su obra para Banda Sinfónica Dionysiaques Op. 62, escrita entre 1913 y 1914.

OBRA OBLIGADA: «DIONYSIAQUES OP. 62» (Revisión de Felix Hauswirth)

Dionysiaques es un brillante viaje de fuerza de 11 minutos que lleva al oyente a un increíble viaje de sonido. Aunque el trabajo no es realmente programático, su título sugiere una orgía dionisíaca, que se realiza plenamente en la intensidad de la música con sus interesantes contrastes: cromatismo melancólico alternando con emocionantes clímax tutti.

Además, la partitura tiene una orquestación intrigante, que requiere varios instrumentos inusualespara la época, como el sarrusophone, el saxofón bajo, los clarinetes contrabajos e incluso los Ccontrabajos de cuerdas.

Al igual que muchas de las composiciones de Schmitt, la música es un desafío para los artistas intérpretes o ejecutantes, lo que puede explicar en parte por qué «Dionysiaques» tardó muchas décadas en convertirse en un elemento básico del repertorio de la banda de conciertos.
Las dos primeras grabaciones de Dionysiaques fueron realizadas por la misma Banda de la Garde Républicaine de Paris, con tres meses de diferencia! La primera de las dos se grabó en noviembre de 1927 bajo la dirección del compositor-director Guillaume Balay, mientras que la segunda grabación se realizó en febrero de 1928 bajo la dirección de Pierre Dupont.

Estas primeras grabaciones de Dionysiaques son de particular interés histórico porque utilizaron la orquestación original de Schmitt, incluyendo una serie de instrumentos que ya no son parte de la lista típica de conjuntos de viento (petit bugles, saxhorns, sarrusophones y similares).
Pero algo interesante sucedió, comenzando en otro rincón del mundo. En Japón, un país con una fuerte tradición de conjunto de vientos escolares, Dionysiaques comenzó a aparecer como una obra de competencia de banda. En los últimos 30 años, ha habido innumerables actuaciones de la partitura de Schmitt con conjuntos de vientos de nivel medio, secundario y universitario.

Más recientemente, en 1992, Dionysiaques fue nombrada una de las mejores composiciones para la banda de conciertos «Top 10» como parte de una evaluación general de partituras de viento de «mérito artístico serio» realizada por un panel de 20 jueces que incluyen a grandes especialistas como Eugene Corporon del Conservatorio de Cincinnati y Donald Hunsberger de la Eastman School of Music, contando con el legendario Frederick Fennell como asesor del proyecto.

¿Qué le da a Dionysiaques su poder de permanencia como pieza de concierto? Es muy ingenioso … siempre fresco e interesante … y al final, completamente emocionante. Rara vez se escucha una pieza musical que lleve al oyente a través de tantos estados de ánimo y contrastes en una docena de minutos.

En resumen, Dionysiaques ha existido durante un siglo, pero nunca envejece.

La Sección Primera interpretará obras de Julie Giroux y Pascual Piqueras

Las agrupaciones participantes en la Sección Primera del Certamen Internacional de Bandas de Música “Ciudad de Valencia” 2020 tendrán que interpretar como obras obligatorias las partituras “Bookmarks From Japan (The Great Wave Off Kanagawa – Hakone)” de la compositora Julie Giroux y «De Cai» de Pascual Piqueras.

BIOGRAFÍA JULIE GIROUX

Julie Ann Giroux nació en Fairhaven, Massachusetts, y se crió en Phoenix, Arizona y Monroe, Louisiana. Recibió su educación musical de la Louisiana State University y la Boston University. Estudió composición entre otros con John Williams, Bill Conti y Jerry Goldsmith. Julie es una intérprete consumada en piano y trompa, pero su primer amor es la composición. Comenzó a tocar el piano a la edad de tres años y había publicado su primera pieza a la edad de nueve.

En 1985, comenzó a componer, orquestar y dirigir música para televisión y películas. Tres horas después de llegar a Los Ángeles, estaba trabajando en la música para la miniserie ganadora del Premio Emmy «Norte y Su», seguidamente tranajó en la serie de televisión «Dynasty» and «The Colby», así como en varias películas como «Karate Kid II». Recibió su primera nominación al Emmy en 1988 por «North and South Part II – Love and War», y en los siguientes tres años fue nominada cada año por sus arreglos y composiciones originales para el show de los Premios de la Academia. Hasta la fecha, Julie tiene más de 100 créditos de cine y televisión y ha sido nominada a los premios Emmy varias veces. Cuando ganó su primer Premio Emmy, fue la primera mujer y la persona más joven en ganar el premio en esa categoría. Julie también tuvo el privilegio de hacer arreglos para Celene Dion, Paula Abdul, Dudley Moore, Liza Minnelli, Madonna, Reba McIntyre, Little Richard, Billy Crystal, Michael Jackson y muchos otros.

Julie escribe obras para todo tipo de formaciones sinfónicas y camerísticas, comenzando a escribir música para Banda Sinfónica en 1983 y dirigiendo su música en clínics por todo el mundo. Julie es miembro de la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores (ASCAP).

OBRA OBLIGADA: «BOOKMARKS FROM JAPAN» (The Great Wave Off Kanagawa – Hakone)

La Cuarta Sinfonía de Julie Giroux, «Bookmarks from Japan», es una obra de gran dificultad para Banda Sinfónica en seis movimientos que se pueden interpretar independientemente. Estrenada en 2013 en Japón por el Musashino Academy of Music Wind Ensemble, dirigiendo Ray E. Cramer y está basada en un conjunto de seis escenas históricas japonesas pintadas en madera de las que se interpretarán dos.

The Great Wave off Kanagawa
La obra de Hokusai «La gran ola de Kanagawa» (1830 y 1833), es conocida en todo el mundo dentro de la serie «Treinta y seis vistas del monte Fuji». Es su obra más famosa en la que podemos ver el Monte Fuji en el fondo, pero con el foco central en la enorme ola llamada Okinami (ola del mar abierto) y que en esta obra se representa desde sus comienzos en mar abierto, bastante tranquila, con la luz solar refractaria, bañada por el sol, y con su poder creciente con los vientos ondulantes hacia arriba y hacia abajo creando la primera formación de la gran ola, hasta su agonía final en una playa rocosa como final de su viaje.

Hakone
Basado en la escena titulada «Hakone» de Hiroshige Ando, de la serie impresa «Las cincuenta y tres estaciones de la autopista Tokaido», que representan las 53 estaciones de correos en el camino por el Tokaido de Edo a Kioto en 1832, en un viaje en el que se transportaban caballos como regalos que se ofrecerían a la corte imperial. En estas estaciones de correos ofrecían comida, alojamiento y establos para los viajeros de la autopista Tokaido.

BIOGRAFÍA PASCUAL PIQUERAS

Natural de Quart de Poblet. Funcionario de Carrera en el cuerpo de profesores de Música y Artes escénicas en la especialidad de Lenguaje Musical. Licenciado en Dirección de Orquesta por el Conservatorio Superior de Zaragoza y Diplomado en Trompeta en Solfeo y Teoría de la música. En otro plano ha realizado estudios de armonía moderna e improvisación de Jazz. Realiza el Master de Composición para Medios Audiovisuales en la Escuela Superior de música «Katerina Gurska» en el curso 2018-19 y el Taller de sonido y música en el cine en el curso 2019 como activo.
Ha estudiado Dirección de Orquesta con profesores de prestigio como Konrad Von Abel, George Phelivanian, Henrie Adams, Achim Holub, Octav Calleya, Arturo Tamayo, Juan José Olives, Juan Luis Martínez, José Rafael Pascual Villaplana y Massimiliano Caldi.

Ha dirigido distintos proyectos instrumentales, entre ellos la Joven Orquesta de Guadalajara, la Proyecto Alcarria Camerata y de la Banda Sinfónica Complutense de Alcalá de Henares. Ha sido invitado a dirigir distintas agrupaciones musicales como la Banda Municipal de La Coruña o la Banda Societat Artístico-musical «La Unió» de Quart de Poblet, Banda a la que pertenece.

Posee diversas composiciones publicadas en Editoriales como Piles y Branfor que son interpretadas por formaciones como las Bandas Municipales de Madrid, Huelva, Mallorca y A Coruña entre otras. Posee dos musicales compuestos, «El musi-drama del señorito Lasol», para Orquesta, y «Los delirios del señorito Lasol» para Banda Sinfónica. En breve saldrá a la luz una obra de encargo para Luis González Martí (Trompeta). Obtiene el 1º premio en el 1º Concurso nacional de composición para agrupaciones de metal de Alcasser en noviembre de 2.018. Realiza trabajos para documentales y cortometrajes, algunos de ellos emitidos en Televisión Española.

En la actualidad es Director del Conservatorio de Guadalajara.

OBRA OBLIGADA: «DE CAI»

La obra «de Cai» nace de la idea de componer una obra para quinteto de metal y cajón flamenco con el ánimo de acercar este estilo que tanto me gusta al repertorio para quinteto de metal. En ella confluyen distintos palos que de una manera intuitiva y fresca se juntan en esta pieza que ha tenido una gran aceptación en esta formación camerística gracias a Spanish Brass, uno de los grupos de música de cámara de más proyección internacional de nuestro país. Gracias a ellos la obra es conocida en el ámbito nacional e internacional.

La obra data de 1.997, y fue escrita con muy pocos recursos compositivos, ya que en aquel momento me encontraba en plena formación musical. Posteriormente se realizó la versión para banda, versión última que posee unas reseñas más claras hacia el leguaje jazzístico, lenguaje con el que tengo una gran afinidad al haberme desarrollado como trompetista de música moderna o Jazz a través de una larga e intensa trayectoria, sin olvidar además otras disciplinas como la Dirección y la Composición.

Los Tangos, la Bulería, y algún interludio indefinible se juntan en esta obra de melodía fácil y pegadiza en la que se intercalan distintos solos de instrumentos en clave de Flamenco-Jazz. El nombre de la obra denota proveniencia, «de Cai» alude a música de Cádiz. Dicho título está extraído de un lema que aparecía en la camiseta de un músico muy conocido con el que tuve la suerte de compartir escenario, Chano Domínguez. En aquella camiseta decía «Yo soy de Cai» y esta música intenta ser precisamente eso, «de Cai».

La obra «The Witcher» de Jordi Peiró es la obra obligatoria de la Sección Segunda

Las agrupaciones participantes en la Sección Segunda del Certamen Internacional de Bandas de Música “Ciudad de Valencia” 2020 tendrá que interpretar como obra obligatoria la partitura “The Witcher” de Jordi Peiró.

BIOGRAFÍA JORDI PEIRÓ

Titulado superior en Trombón y Bombardino por los Conservatorios de Valencia y Madrid.
Trombón A.Solista de la Orquesta Sinfónica del Vallés (Barcelona).
Trombón de la Orquesta Filarmónica de Málaga.
Profesor de Trombón, Bombardino y Tuba de los Conservatorios de Benidorm, (Alicante)
1º premio de Composición AETYB 2015 (Asociación Española de Tubas y Bombardinos) con la obra «LA FLOR DEL CEREZO» para Orquesta Sinfónica y Bombardino solista, «LA BATALLA DE LA ROCHELLE» fue seleccionada como obra obligada en el Certamen Autonómico de Valencia del 2016.

EVEREST poema sinfónico para banda es seleccionada como obra obligada en el CIBM «Ciutat de Valencia» en 2017 en su 1ª sección.
AL-BUAHYRA fue estrenada por la banda municipal de Valencia en el día de la Comunidad Valenciana en 2017.
Recibe el encargo del famoso trompetista belga Benny Wiame para la composición de una balada que es estrenada por la KH Sta. Lucia Engsbergen Limburg Bélgica.

Compone música de cine para las productoras BLUE TEAR PRODUCCIONES y CANSPAN FILM FACTORY. Tiene varios cortometrajes CARTAS y SEMILLAS, dos largometrajes LUCES, fue candidata a los premios Goya en 2017 en el apartado de música, y BURGA con Mercé Llorens y Manuel Gallardo.

Es colaborador de la Fundación Vicente Ferrer, para la cual ha escrito la obra ANANTAPUR con el fin de recaudar fondos para dicha fundación benéfica. Socio de la SGAE, y miembro numerario de la M.I. academia de la música valenciana.

Jordi Peiró Marco es profesor de BOMBARDINO en la BANDA MUNICIPAL DE VALENCIA.

OBRA OBLIGADA: «THE WITCHER»

The Witcher es una obra programática que consta de un solo movimiento fragmentado en cinco episodios que se enlazan imperceptiblemente sin interrupción alguna. La carencia de relación entre sus episodios la convierte en el principio formal, alejándose de cualquier estructura definida. Adquiere una forma autónoma e independiente, como es el Poema Sinfónico. Cada episodio está provisto de una exposición temática independiente, la cual trata de reproducir con precisión diversos momentos y estados de ánimo del personaje, característica principal de la Música Programática.

«Portaits Of Spain» de Teo Aparaicio-Barberán es la obra obligada de la Sección Tercera

Las agrupaciones participantes en la Sección Tercera del Certamen Internacional de Bandas de Música “Ciudad de Valencia” 2020 tendrá que interpretar como obra obligatoria la fantasía para banda “Portaits Of Spain / Retratos de España” del compositor de Enguera Teo Aparicio-Barberán.

BIOGRAFÍA TEO APARICIO-BARBERÁN

Nace en Enguera en el año 1.967. Estudió saxofón con M. Vidal, F. Moral, G. Castellano, Antonio Daniel y J.M. Londeix entre otros. Estudia además, contrabajo, piano, armonía, contrapunto y fuga, composición y dirección de orquesta consiguiendo dos menciones honoríficas al final de sus estudios. El compositor Luis Blanes ha sido la persona que más influenció su carrera musical. Es DOCTOR en música por la facultad de humanidades de la Universidad Cardenal Herrera CEU.

Ha sido director titular de las bandas de Enguera, Fte. La Higuera, Vva. de Castellón, Quart de Poblet, Alaquàs, Xátiva y Benifairó de la Valldigna. Como director invitado ha estado al frente de numerosos conjuntos instrumentales (Banda Primitiva de Lliria, Banda Municipal de Palma de Mallorca, Banda de Sta. María da Feira en Portugal, Banda Municipal de Alicante, Banda Nacional de La Habana, Banda Nacional de San José de Costa Rica, Banda «La Artística de Buñol», Banda Municipal de Valencia, Banda Municipal de La Coruña, Banda del Ministerio de Defensa de Rusia, Banda Municipal de Osaka (Japón), etc. Para las temporadas 2007 a 2009 fue director titular de la Banda de la F.S.M.C.V. y de 2016 a 2017 director artístico de PROESO.

Es autor de más de un centenar de obras para diferentes grupos instrumentales. Su música se ha interpretado en Austria, Alemania, Francia, Suiza, Portugal, Colombia, Bélgica, Japón, Holanda y Estados Unidos, etc. Sus obras han sido incluidas en numerosos certámenes nacionales e internacionales. Solistas tan prestigiosos como Armin Rosin, Raul Junquera, Vicent López, Manuel Miján y Ana María Ribeiro han estrenado su música. Sus obras están recogidas en más de 15 CD y editada por Ed.Piles, Albadoc, Tot per l´aire , la editorial belga Beriato y la americana Hal Leonard. Es miembro de COSICOVA y de la WASBE. Es premio EUTERPE a la mejor creación musical sinfónica de 2012.
Ha trabajado como profesor de dirección y composición en diferentes Universidades y escuelas de Costa Rica, Colombia, Portugal, Bélgica y España. En la actualidad compagina la docencia con la composición.

OBRA OBLIGADA: «PORTAITS OF SPAIN»

Es una pequeña fantasía que recoge parte de las raíces musicales propias de este país. La obra se puede dividir estructuralmente en cuatro secciones que aparecen sin interrupción intentando crear diferentes atmósferas del folclore español. Podemos escuchar el típico movimiento de «seguidillas» con el que comienza la obra de gesto brillante y ritmo contagioso. Posteriormente aparece un «romance andaluz», de carácter más sosegado y exótica melodía. Este romance se estructura en A-B-A’, siendo B una sección contrastante (Allegro enérgico) y A’ una repetición de la primera parte con una codetta de transición al fandango posterior.

El «fandango», sin duda, es uno de los aires/tempos más característicos de la música española. Escrito en 3/8 y con un «Allegretto Scherzando» como indicación metronómica incluye, por descontado, el color de un instrumento tan nuestro como las castañuelas. Para finalizar, no podía faltar la «copla» proveniente de la zona mediterránea. Después de unos brillantes acordes de los metales que recuerdan las llamadas de «clarines» aparecerá un sencillo ritmo de tabal. La trompeta es la encargada de presentar el tema que irá apareciendo «in crescendo» con diferentes instrumentaciones hasta alcanzar su punto culminante. Por último aparece una reexposición del tempo de seguidillas y una breve coda final. Esta obra está enteramente construida dentro de un lenguaje tonal adaptado a los instrumentos de viento y con la escala «frigia» como principal elemento generador entre otras disposiciones armónicas muy tradicionales en el folclore español.

Este trabajo de Teo Aparicio es una de las obras de repertorio español para banda más interpretadas en el mundo. Fue estrenada y grabada por la Rundfunk Blasorchester de Leipzig en 2004. En 2010 se incluyó en el disco «Portraits of Spain»(Best Selections for concert band) de la prestigiosa editorial Beriato (actualmente Hal Leonard).