¡Estamos de estreno! Tenemos algo nuevo para ti y tus músicos.
Desde hace unos meses, Glissandoo viene trabajando en una funcionalidad que creemos ofrecerá a los líderes de las comunidades musicales una alternativa para fomentar la participación y motivar a los músicos: la gamificación.
Si coordinas o diriges una banda de música, un coro u otra agrupación musical, este artículo es para ti.
¿Qué es la gamificación? El proceso de gamificar consiste en aplicar técnicas utilizadas en videojuegos, pero en entornos reales. No somos los primeros en aplicar este tipo de técnicas a través de una App, por ejemplo, Strava lo ha introducido con mucho éxito en su aplicación relacionada con el deporte. Siempre desde el prisma positivo y desde una perspectiva individual, no de competición entre comunidades.
¿Y eso qué tiene que ver con las comunidades musicales? En realidad, creemos que tiene bastante que ver. Probablemente, uno de los indicadores de buena salud en una comunidad de músicos -y por extensión en cualquier tipo de comunidad- consiste en el grado de compromiso con el grupo. En el caso de las comunidades musicales, por ejemplo, quedaría reflejado en la tasa de asistencia a ensayos, conciertos, etc.
¿Puede ayudarme la gamificación a aumentar mi tasa de asistencia a ensayos?
Aunque no tenemos una fórmula mágica, trabajamos con la hipótesis de que aplicando técnicas de gamificación como la que propone Glissandoo, todas las comunidades musicales serán capaces de aumentar -en mayor o menor medida- la tasa de asistencia de sus músicos a los ensayos.
En las próximas semanas y con la vuelta progresiva a los ensayos, seremos capaces de descubrir si la hipótesis era correcta.
¿En qué consisten las insignias de Glissandoo?
A continuación, las 4 primeras insignias que ya están disponibles en Glissandoo:
Palabra de músico: 6 niveles en función del número de eventos respondidos por los músicos. El objetivo es premiar a los usuarios por dar su previsión de asistencia para que vosotros, los líderes de las comunidades musicales, podáis disponer siempre de la previsión de asistencia.
Racha de ensayos: 6 niveles en función del número de ensayos consecutivos a los que asisten los músicos. La idea es, de forma automática, reconocer el trabajo de aquellos miembros que no se pierden un ensayo.
Entrenamiento musical: 6 niveles que dependen del número total de ensayos acumulados. De nuevo, el objetivo es reconocer el número total de ensayos.
Músico de concierto: 6 niveles en función del número total de conciertos realizados por parte del músico. ¿Quién será el músico más asiduo a los escenarios?
Si eres administrador de una comunidad en Glissandoo, desde ya puedes acceder al Dashboard para comprobar en qué nivel se encuentran tus músicos. Y recuerda que pasar lista en los ensayos y conciertos, es una acción importante si quieres poner en práctica todo el potencial de la gamificación.
Hay preguntas y preguntas. Algunas las contestamos con naturalidad, en un golpe de voz. Pasan desapercibidas.
Pero hay otras (y estas son las buenas) que hacen que te pares a pensar. No hablo de problemas matemáticos ni leyes físicas, me refiero a opiniones, preguntas más personales. Sinceras.
Hace unas semanas alguien me preguntó: “¿Qué significa para tí la música? A priori, puede parecer una cuestión sencilla, sin embargo, a mí me resultó interesante y como respuesta, hice una estúpida comparación con el agua que más tarde entenderéis. Y es que todos sabemos lo importante que es y ha sido la música para nosotros, sobre todo estos últimos meses. Pero, ¿nos hemos parado a pensar hasta qué punto? Os propongo una cosa. Quiero que leáis y penséis las siguientes preguntas que os propongo:
¿Pones la radio o discos mientras conduces? ¿Cantas en la ducha? ¿Te gusta el cine o las series? ¿Tocas algún instrumento? ¿Sales de fiesta? ¿Hay canciones que te recuerden algún momento o a alguien en especial? Cuando tienes tiempo libre ¿escuchas música? ¿Cuáles son tus grupos o cantantes favoritos?
Ahora, responded a esta última. La más importante.
¿Crees que podrías vivir sin música?
¡Claro que NO!
Es totalmente imposible imaginarnos un trayecto de coche sin cantar a pleno pulmón ese CD que no cambiamos desde hace meses, una sala de espera sin la radio de fondo. Pensar que un sábado por la noche, solo se baila el silencio. La inconcebible idea de unas fiestas patronales sin los pasodobles de la banda. O la mejor escena de tu película favorita sin su banda sonora.
Recuerdos mudos, rodeados de silencio.
No soy, ni mucho menos, un experto como para decir con objetividad todos los beneficios de la música, pero, si ninguno de nosotros es incapaz de concebir su vida sin ella, es porque de alguna manera resulta esencial para nosotros. Como el agua. Por eso, al igual que es recomendable beber al menos 2 litros de agua al día, yo te digo que los bebas también de música. Bébela en grandes cantidades, pues nunca sacia del todo. Autorreflexión.
https://coessm.org/wp-content/uploads/2021/02/292-Aesthetic-wallpapers-que-debes-tener-en-tu-movil.jpg1365768Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2021-02-25 12:11:142021-02-25 12:11:47Autorreflexión por Juan Gómez Vizcaíno
La XXI edición de los Premios Euterpe ha otorgado un premio extraordinario dedicado “al músic valencià”
La Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana reconoce el papel de los músicos valencianos durante la pandemia
La entrega de los premios Euterpe ha tenido lugar esta tarde en La Alquería Julià – Casa de la Música, nueva sede de la FSMCV
Valencia, 24/2/2021
Después de un año en el que las sociedades musicales de la Comunidad Valenciana han sufrido gravemente el impacto de la pandemia, la Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana (FSMCV) ha hecho entrega esta tarde de los Premios Euterpe que concede anualmente la entidad.
Premio Euterpe a la participación federal a la Unión Artística Musical de Navajas
En esta XXI edición de los premios Euterpe, adaptada a las circunstancias sanitarias, la presidenta de la FSMCV, Daniela González, ha hecho entrega de dos galardones: el Premio Euterpe a la participación federal, que este año ha reconocido a la Unión Artística Musical de Navajas, y el Premio Euterpe “al músic valencià”, un galardón extraordinario que ha sido concedido este año de forma simbólica a todos los músicos y músicas que forman parte de este amplio colectivo, por su papel desarrollado durante la pandemia.
El acto se ha celebrado en la Alquería Julià – Casa de la Música, nueva sede de la FSMCV, respetando las limitaciones de aforo y sanitarias, y ha contado con la presencia de la presidenta de FSMCV, el presidente de la Unión Artística Musical de Navajas, Luis Rosalén, y de Alicia Ibeh, la música más joven de esta entidad, quien ha sido la encargada de recoger el premio en representación de los más de 43.000 músicos que integran actualmente las sociedades musicales de la Comunidad Valenciana.
Premio Euterpe extraordinario “al músic valencià”
“Las sociedades musicales estamos dando, de nuevo, ejemplo de nuestra capacidad de resistencia en esta pandemia. Y especialmente los músicos, en los peores momentos, han sido los artífices de que a todos los hogares nos llegaran notas de esperanza, consuelo y apoyo. Por eso, este año, en esta edición nuestros premios Euterpe, queremos rendirles homenaje y poner en valor el papel tan necesario de la música y la cultura en nuestra sociedad”, ha explicado la presidenta de la FSMCV, Daniela González.
Estos premios son convocados anualmente por la FSMCV con la finalidad de homenajear a la música valenciana en muy diferentes ámbitos de actuación, reconociendo la excelencia no solo de músicos, sino de todas aquellas personas, sociedades musicales, colectivos, entidades, instituciones, empresas o proyectos que apuestan decididamente por mantener, impulsar y desarrollar la cultura musical valenciana. Como consecuencia de las circunstancias sanitarias, los premios Euterpe, que históricamente son entregados en noviembre coincidiendo la festividad de Santa Cecilia, patrona de los músicos, han cambiado de formato en esta edición para adaptarse a las restricciones sanitarias y al contexto actual.
Premio “al músic valencià”
Por primera vez, la Federación de Sociedades Musicales hace entrega de un premio Euterpe a todos sus músicos. A través de este galardón, la FSMCV quiere rendir homenaje al papel que todos y cada uno de los músicos pertenecientes al colectivo de las sociedades musicales han jugado a lo largo de toda la pandemia del coronavirus. Convertidos en muchas ocasiones en abanderados de mensajes de esperanza y optimismo, los músicos han puesto de manifiesto, más que nunca, todos los valores que hacen único al movimiento de las sociedades musicales, como la colaboración, el compañerismo, la igualdad, la integración, el esfuerzo, la solidaridad, la ilusión y el amor hacia la música, han tenido un protagonismo enorme en uno de los años más duros para el colectivo debido a la paralización de los actos musicales por la pandemia.
Sobre la FSMCV
La FSMCV reúne actualmente a 550 sociedades musicales, con sus respectivas escuelas de música, que agrupan a 43.000 músicos y 60.000 alumnos que forman parte de este entorno asociativo y que disponen en sus estructuras de recursos humanos, artísticos y materiales que la FSMCV pretende potenciar y difundir, como muestra del rico patrimonio musical que atesora nuestro territorio, derivado de un movimiento asociativo considerado único en el mundo.
https://coessm.org/wp-content/uploads/2021/02/291-DSC_9317-.jpg12811920Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2021-02-24 18:51:512021-02-24 18:52:11La Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana ha hecho entrega de los Premios Euterpe que concede anualmente la entidad
El pianista valenciano ha analizado junto al crítico Arturo Reverter su quinto trabajo, editado por el reputado sello discográfico IBS Classical, en un acto que ha introducido el director artístico del auditorio, Joan Matabosch
En el cd interpreta tres obras: Davidsbündlertänze, Op 6 de Robert Schumann, y Drei Intermezzi, Op. 117 y Sechs Klavierstücke, Op. 118 de Johannes Brahms
Reverter, asegura que De Solaun “sirve con mimo, técnica adecuada y expresión justa” a las músicas de estos compositores en las que “acierta a penetrar de manera introspectiva con gran refinamiento y serenidad”
Para De Solaun, Premio ICMA 2021, “los ciclos pianísticos de Schumann son constantes digresiones, el título hace referencia a esta nueva manera de escribir música, que Schumann inventa y Brahms desarrolla”
Luciano González, asesor musical de la Fundación Botín, destaca en las notas del libreto “la inteligente y magistral interpretación del pianista”
Madrid, 24 de febrero de 2021
Portada del disco Digressions
Josu de Solaun ha presentado hoy su nuevo disco Digressions en el Teatro Real de Madrid junto al crítico Arturo Reverter en un acto que ha abierto el director artístico del auditorio, Joan Matabosch. El pianista aborda en el trabajo, editado por el reputado sello IBS Classical, tres obras: Davidsbündlertänze, Op 6 de Robert Schumann, y Drei Intermezzi, Op. 117 y Sechs Klavierstücke, Op. 118 de Johannes Brahms.
Matabosch, tras una breve introducción, ha dado paso a Reverter que ha expuesto que Schumann y Brahms son “dos nombres unidos por la historia, por afinidades personales, por comuniones estéticas. No hay duda de que el segundo se miró en el espejo del primero, a quien admiraba y con el que mantuvo una gran amistad, que se extendió a su esposa Clara, por la que el hamburgués se sentía especialmente atraído”. De Solaun “sirve con mimo, técnica adecuada y expresión justa” a las músicas de estos compositores en un trabajo en el que “podemos advertir esas concomitancias, aun apreciando los diferentes estilos y personalidades”.
Reverter, en la conversación, ha indicado que “fue una constante en Schumann la presencia de sus dos naturalezas, de sus dos Yo, Eusebius y Florestán, que se alternan en muchas de sus composiciones y que se muestran ya reconocibles en su op. 6, esas maravillosas Danzas de los compañeros de David, nacidas, entre otras muchas partituras, de la contemplación de su amada y deseada Clara”, y ven la luz las 18 piezas breves de la obra, “aunadas gracias a una escritura armónica muy modulante, a una espirituosidad y vuelo de un apasionamiento y, a la vez, de una expresividad y de un romanticismo auténticamente reveladores y premonitorios”.
Presentación del disco Digressions en el Teatro Real. De izquierda a derecha, Josu de Solaun, Arturo Reverter y Joan Matabosh.
El crítico musical ha asegurado que “sobre esa senda descansa Brahms, que da a luz, en la etapa final de su vida, a una serie de piezas magistrales”. Además, ha destacado que en la grabación “se recogen dos de los cuadernos en los que se agrupan: el de los 3 Intermezzi de la op. 117, en los que el pianista acierta a penetrar de manera introspectiva con gran refinamiento y serenidad contemplativa, y el de la op. 118, que alberga seis composiciones: cuatro intermezzi, una balada y una romanza, todas ellas construidas en forma de lied tripartito, con un episodio central y una repetición más o menos variada. Música de un raro y sutilísimo aroma poético”. Posteriormente, De Solaun ha ofrecido un pequeño recital a los asistentes con un programa que incluía algunas de las 27 piezas incluidas en el disco.
Recital de Josu de Solaun en el Teatro Real con ocasión de la presentación de su disco Digressions
Digressions hace referencia a la estética del fragmento, “teselas que se erigen como momentos poéticos”; es una acción de ruptura con el hilo del discurso musical. Para De Solaun “los ciclos pianísticos de Schumann son constantes digresiones, el título hace referencia a esta nueva manera de escribir música, propia del romanticismo alemán que Schumann inventa y Brahms desarrolla, y que tiene que ver con la inefabilidad del instante, aquello que no tiene principio ni fin y que no es el camino principal hacia un destino, sino la distracción, el intersticio”. Asimismo, subraya que “el disco es un homenaje a una amistad y a toda una estética compartida; no sé si existe en toda la historia de la música occidental un caso similar de retroalimentación artística”.
Contexto histórico y biográfico
El músico y poeta cántabro Luciano González Sarmiento desarrolla en el libreto del trabajo discográfico el contexto histórico y biográfico en el que se enmarcan las obras de los compositores y destaca “la inteligente y magistral interpretación del pianista”, que brinda “dos modelos significativos del tiempo romántico: Davidsbündlertänze(1837) de Schumann (1819-1856), punto álgido del primer romanticismo, primaveral y revolucionario, y dos obras de Brahms (1833-1897), protagonista del romanticismo otoñal, heterodoxo y conflictivo…”
González Sarmiento, asesor musical de la Fundación Botín, apunta al triángulo artístico y emocional que vivieron Schumann, la pianista y compositora Clara Wieck (su mujer, conocida como Clara Schumann) y Brahms, marcado “no solo por los sentimientos que le inspirara Clara, sino por la admiración que sentía hacia Schumann, a quien dedicaría sus primeras Variaciones sobre un tema de la primera de sus Bunteblätter op. 99”, que en palabras de Brahms son “pequeñas variaciones sobre un tema de él, dedicadas a ella”, obra con la que inicia “con maestría el arte de la digresión, otorgando a cada variación una autonomía propia”.
Ganador del Premio ICMA 2021
El disco estará disponible en el mercado nacional e internacional, así como en plataformas digitales, a principios de abril. Es el quinto trabajo del pianista tras la trilogía Enescu: Obras completas para piano solo, Stravinsky, I. Suite del cuento del soldado / Octeto / Les Noces, con varios artistas; y dos junto a la violinista alemana Franziska Pietsch: Sonatas para violín de Shostakovich & Strauss y Fantasque, álbum con el que ganaron recientemente en los prestigiosos Premios Internacionales de Música Clásica 2021 (ICMA en sus siglas en inglés) en la categoría de Música de Cámara y en el que interpretan sonatas para violín y piano de los compositores franceses Gabriel Fauré, Claude Debussy, Maurice Ravel y Francis Poulenc. El cd fue distinguido por un jurado compuesto por miembros de algunas de las más relevantes publicaciones especializadas europeas.
De Solaun (Valencia, 1981), único español que ha ganado el Concurso Internacional de Piano de Valencia Premio Iturbi en 2006 y el Concurso de Piano George Enescu de Bucarest en 2014, entre otros relevantes premios como el Concurso de piano de la Unión Europea 2009, es uno de los pianistas españoles con más proyección internacional, actúa en numerosos países de América, Asia y Europa como recitalista y solista junto a prestigiosas formaciones como la del Teatro Mariinsky de San Petersburgo, Orquesta de Cámara Rudolf Barshai de Moscú, Filarmónica La Fenice de Venecia, RTVE, Radio de Bucarest, Filarmónica George Enescu de Bucarest, Monterey Symphony Orchestra de California, Virginia Symphony Orchestra, American Ballet Theater Orchestra de Nueva York, Sinfónica Nacional de Colombia, Filarmónica de la Ciudad de México, Valencia, Galicia, Euskadi y Bilbao, entre muchas otras.
Dedicatoria
El pianista dedica Digressions a la memoria de su padre, Josu de Solaun Bilbao (1936-2020), fallecido en noviembre, “por todo lo que me enseñó, y sigue enseñando. Por todo lo que me quiso y sigue queriendo. Por creer en mí siempre, hasta en los momentos más difíciles; esos, los que cuentan. Aita, estás en mí siempre, hasta el final. Descansa en paz”.
Facilitamos a medios de comunicación un enlace de descarga con todos los temas del disco en alta calidad llamando al teléfono +34 618 54 68 62 o enviando un correo a alexis@capicua-dg.com.
VIDEOS
– Youtube. Robert Schumann. Arabesque Op. 18. Miami International Piano Festival
https://coessm.org/wp-content/uploads/2021/02/290-Josu-de-Solaun.-Digressions-03_1038.jpg19201440Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2021-02-24 18:18:422021-02-24 18:21:03Josu de Solaun presenta ‘Digressions’ en el Teatro Real, su nuevo disco con obras de Schumann y Brahms
“Todos hemos tenido un año difícil, muy difícil. Sin embargo, seguimos creyendo en el mensaje de la Música.
Los músicos tienen en su poder flores en lugar de armas, flores que nos traen alegría, esperanza, paz, hermandad, AMOR. Por lo tanto, la Música no solo es importante por ser un entretenimiento, la Música no solo es una profesión, la Música es una MISIÓN.
Por eso hacemos este trabajo: para lograr a través de esa misión una sociedad mejor.
Pensemos que las nuevas generaciones se han visto privadas durante todo este año de la reflexión profunda y crítica por atender, casi exclusivamente, a la salud y por supuesto que la salud es lo primero y más importante, pero también importa la salud mental y la Música ayuda a ello.
Por eso, mi mensaje a los gobernantes, presidentes y primeros ministros de todo el mundo es: consideren siempre la cultura como uno de los elementos primordiales para tener una sociedad mejor en el futuro”.
Riccardo Muti. Transcripción del discurso realizado en el transcurso del Concierto de Año Nuevo en la Sala Dorada de la Filarmónica de Viena, 1 de enero de 2021
Como casi siempre, la mañana del primer día del año mantengo el mismo ritual: ver y escuchar el famosísimo Concierto de Año Nuevo, unos años con más atención y otros, los que quizás la Nochevieja ha sido más intensa, la escucha ha mermado por culpa de la somnolencia. Este año no era el caso puesto que por desgracia, la Nochevieja de 2020, no pasará a la historia precisamente por la cantidad de horas bailando al son de las canciones del momento o los repetidos “brindis” con cava catalán, por lo tanto, en esta ocasión, mi atención estaba plenamente dirigida hacia lo que, con cierta curiosidad, iba a ser el primer concierto del 2021; digo con cierta curiosidad porque tenía la duda de cómo sería ver a la orquesta más famosa en el auditorio más televisado de la historia -¡sin público asistente!- espectadores, por otra parte, de cierta élite y que en esta ocasión, se quedarían al igual que yo año tras año, sin poder asistir a este magnífico evento; lo cual, tengo que decir, me producía cierto placer puesto que de esa manera y por una vez, todos los oyentes del mundo íbamos a ver este Concierto en las mismas condiciones -al fin éramos todos y todas iguales-. Sin embargo, ese extraño placer se fue al traste cuando vi el primer plano del auditorio vacío; en ese momento me recorrió una enorme tristeza y desolación: no era justo escuchar esa maravillosa orquesta tocando para un montón de asientos vacíos, carentes de japoneses, chinos, rusos, alemanes, austríacos, españoles, franceses….. Aquello tenía un aspecto extraño, fantasmagórico y desolador; solo la maravillosa decoración floral del auditorio lo hacía bello y esperanzador. A la estética floral se unió esplendorosamente la dirección con la que el Maestro comenzó a dar forma a la música. Por mencionar una de las interpretaciones, retengo en mi cabeza los ecos de una en particular – ¡qué Poeta y Aldeano interpretaron dios mío!, ¡Qué solo de violonchelo! – Esta composición fue una obra que no hace muchos años formaba parte del repertorio bandístico. El resto del concierto, sencillamente, estuvo maravilloso. Muti fue “Il Capo” absolutamente.
Además de todo esto, resulta que un murciano era el coreógrafo de los típicos bailes que todos los años intervienen en un momento de la retrasmisión: ¡qué más se podía pedir!
Pues sí, se podía pedir más, todavía quedaba lo mejor de la mañana. Antes de los tradicionales bises se produjo el milagro; el Maestro, Riccardo Muti, con la experiencia y sabiduría de sus 79 años, agarró con fuerza el micrófono y lanzó a los cuatro vientos el deseo para el Nuevo Año. Su alocución hecha en un inglés fácilmente entendible y con una maravillosa claridad, retumbó, no solo en la vacía Sala Dorada si no que hizo vibrar las paredes de los salones de todas las casas del mundo. Conforme el Maestro iba diciendo frase tras frase, mi corazón latía cada vez más fuerte y no era una fuerza cualquiera, era una fuerza enérgica, de ánimo y de alegría. Al mismo tiempo, mis ojos se humedecían y mi piel se erizaba. Ya con su magistral dirección a lo largo del concierto y a través de los sonidos producidos por la Filarmónica Vienesa esa sensación había hecho su aparición, sin embargo, en este instante, el estremecimiento era distinto; tenía otro cariz. Por fin, alguien y no cualquiera; el Maestro Muti y ante millones de espectadores, decía lo que yo – y sospecho que mucha más gente- pensaba, pienso y pensaré. Les puedo prometer que hubo un momento que mi loca imaginación me hizo ver una especie de alucinación: escuchando a uno de los más prestigiosos directores del mundo veía en él miles de bocas y voces a la vez expresando un único pensamiento. Es como si telepáticamente todos los músicos del mundo hablaran a través de la voz del maestro. Es como si la humilde labor que los músicos realizamos día tras día apareciera de repente en un gran luminoso de letras de luz en un color pleno de esperanza, dejando un mensaje que debemos trasmitir todos los días de nuestra vida: ¡La Música construye una sociedad mejor y esa debe ser nuestra misión!
Pocos días después recibía la siguiente noticia: la Asociación de Amigos de la Música de Yecla, su Escuela y su Banda eran reconocidas por el Ministerio del Interior como Entidad de Utilidad Pública. Casi cincuenta años de trabajo intenso se veían recompensados por el Gobierno de España, dos años después de iniciar el expediente se conseguía esa declaración. Resulta que el Maestro Muti tenía razón, resulta que los músicos tenemos la misión de hacer la sociedad mejor. Resulta que si trabajamos intensamente conseguiremos hacer entender a los demás que la Música es absolutamente necesaria. Resulta que si nos empeñamos, las asociaciones musicales, escuelas y bandas, con su labor sin ánimo de lucro, con su actividad altruista y sacrificada ayudan a mejorar el futuro y el presente de nuestra gente. Nuestros jóvenes y nuestros mayores tendrán una existencia más confortable y en definitiva más saludable. Nuestro cuerpo y alma andarán más felices por el camino de la vida.
Sigamos creyendo pues en nuestra MISIÓN. Continuemos luchando como hasta ahora por la MÚSICA. Ella debe seguir sonando en todos los rincones del mundo a pesar de esta traicionera y maldita pandemia. Esforcémonos al máximo en superar cualquier adversidad.
Ángel Hernández Azorín (2021)
Director de la Banda y Escuela de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla.
Director de la Banda “Asociación Jumillana de Amigos de la Música” de Jumilla.
https://coessm.org/wp-content/uploads/2021/02/390-MISION-POSIBLE-Usar-el-arma-mas-poderosa-LA-MUSICA.jpg614922Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2021-02-23 22:24:332021-02-23 22:24:55MISIÓN POSIBLE: Usar el arma más poderosa, LA MÚSICA por Ángel Hernández Azorín
https://coessm.org/wp-content/uploads/2021/02/288-Banda-Sinfonica-de-la-Federacion-Navarra.jpg732964Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2021-02-23 20:12:212021-02-23 20:13:29Banda Sinfónica de la Federación Navarra
El Concurso nació para aumentar las oportunidades artísticas de los jóvenes pianistas en este momento de crisis global.
Es la primera plataforma internacional en línea con excelentes socios de todo el mundo. Nomea Competition fue considerado como el mejor proyecto innovador italiano de 2020.
Premios: más de 15.000 € – ¡Las inscripciones son limitadas!
Contamos con un Código de Ética:
Los Pianistas que en los últimos dos años hayan estudiado de forma regular con algún miembro del Jurado Internacional 2021, no son elegibles para participar en la Competencia.
En el año de Dante y con motivo del 700 aniversario de la muerte del poeta, la Camerata Strumentale Città di Prato y la Orquesta Filarmónica de Florencia – la Filharmonie convocan un concurso internacional de composición sinfónica.
El proyecto tiene como objetivo fomentar y promover las energías creativas en el campo de la composición orquestal, centrándose en la figura y la poesía de Dante Alighieri.
La partitura deberá estar inspirada en la Divina Commedia, inspirándose en una figura, una imagen, un personaje o una selección de versos. El concurso está abierto a compositores de cualquier nacionalidad y sin límite de edad, quienes deberán componer una pieza sinfónica de una duración máxima de 15 minutos. Un prestigioso jurado internacional supervisará todo el proceso. Se seleccionarán tres puntuaciones para la etapa final y serán evaluadas por el jurado en una actuación pública, tras la cual se declarará el ganador.
Las composiciones de los tres finalistas serán posteriormente interpretadas y grabadas durante las futuras temporadas sinfónicas de Camerata Strumentale Città di Prato y la Filharmonie, y retransmitidas por Rete Toscana Classica.
El ganador absoluto del concurso recibirá un premio de 5000 euros , y la partitura seleccionada se publicará dentro de la serie Stilnovo de Edizioni Musicali Curci en Milán promovida por CIDIM: Comité Nacional de Música de Italia. Esta última institución gestionará la producción y distribución internacional entre la red de Instituciones Culturales Italianas de MAECI y la grabación de vídeo del concierto en el que Camerata Strumentale di Prato y la Filharmonie – Orquesta Filarmónica de Florencia interpretarán las composiciones finalistas.
El próximo sábado 27 de febrero de 2021, se inician los conciertos incluidos en la programación del XIX Ciclo “Aula de Conciertos” organizado por la Escuela de Música de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla y la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Yecla.
En esta decimonovena edición cuenta con la colaboración de Dúo-Graph, Familia Castaño, Digicol, Iberpiano, Juan Palao Peña, Autobuses Pelotón, Daemon 4, YeclaGrafic, Davó, Visual Rotulación y Frutas y verduras Hermanos Juan Ortuño, y como en otras ediciones anteriores también cuenta con el apoyo de los medios de comunicación locales: Onda Regional de Murcia, elperiodicodeyecla.com, Teleyecla, Onda Cero Yecla, Cope Yecla, Siete Días Yecla y Ser Arco Norte.
Este primer concierto del Ciclo consistirá en un Concierto del Aula de Canto, y será interpretado por: Sonia Marco, voz; Mari Carmen Palao, voz; José Antonio Cecilia, piano y Rubén Cecilia, guitarra.
Será un concierto en acústico, donde nos ofrecerán 12 canciones en español y en inglés de estilos muy diferentes que van desde clásicos de Extreme, Ana Belén, Joaquín Sabina, Luz Casal a Christina Aguilera, Mago de Oz, Marlango, Izal, Carla Morrison, etc. Canciones muy diversas y que han marcado a diferentes generaciones.
Los espectadores podrán disfrutar de un concierto muy ameno, con la calidez que darán las voces y los instrumentos en su conjunto.
Todos los conciertos, siempre que la situación sanitaria permita que se puedan efectuar de forma presencial, se llevarán a cabo en la Sala de Audiciones de la Escuela de Música a las 19:30 horas.
Al concierto del próximo sábado 27 de febrero NO se podrá asistir de forma presencial, siendo emitido en Streaming a partir de las 19:00 horas a través del Canal de YouTube de la AAMY, invitándoles una vez más a suscribirse en el canal oficial de YouTube de la Asociación:
https://coessm.org/wp-content/uploads/2021/02/285-XIX-CICLO-AULA-DE-CONCIERTOS-27F.jpg225540Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2021-02-23 11:28:382021-02-23 11:29:00Sábado 27 de febrero, Primer concierto del XIX Ciclo “Aula de Conciertos”
“Dedicamos este artículo a la memoria de Johnny Pacheco (25-3-1935/ 15-2-2021). Músico que ocupa merecidamente un lugar importante en la Historia de la Música Latina en la segunda mitad del Siglo XX”.
Con un especial y afectuoso recuerdo de su amigo personal Enrique Ortuño Soto”
Sección “Tirando del Hilo”
Justo Soriano Aliaga en colaboración con Enrique Ortuño Soto.
Hacia 1960 aproximadamente aparecieron a la venta en los escaparates de nuestro pueblo los discos de vinilo. Uno de los primeros lugares donde se vendían estaba muy cerca de la sede actual de la Escuela de Música. En aquel mismo sitio, a mediados de los 50, emitía sus primeros programas la emisora de radio local. Se conocía el establecimiento como “Casa del Botero”. Otros dos comercios de ferretería fueron también pioneros en poner a la venta novedades musicales: “Alberto Muñoz”, concesionario entonces de la marca “Philips” y “José María Alonso, el de los hierros”, de “Telefunken”.
Según avanzaban los años 60 se incrementaban las ventas de tocadiscos y equipos de sonido, así también las de discos de música. A principios de los años 70 era Librería Botella el establecimiento que más novedades discográficas ofrecía. Finalizando los años 70 y durante los 80 fue “Foto-Club El Molino” el lugar en el que más cantidad de discos se podían encontrar.
Fue a este comercio donde llegó a principios del año 1980 el primer LP de SALSA, editado por DISCOPHON, discográfica de Barcelona que había conseguido hacia 1974 la exclusiva para nuestro país del sello FANIA RECORDS de Nueva York, la firma original en la difusión del concepto SALSA.
ELLA FUE (SHE WAS THE ONE) — FANIA ALL STARS-USA 1976
La empresa DISCOPHON creada a principios de los años 60 editaba “música española moderna”. Fue la promotora de “Los Milos”, un grupo en el que debutó el gran Bruno Lomas, tristemente desaparecido. Competía durante los 60 con el “Dúo Dinámico”, el conjunto que más discos vendía en España, promocionado a su vez por LA VOZ DE SU AMO. Además DISCOPHON presentaba en su catálogo una notable selección de jazz, blues, soul, pop, flamenco y otros estilos. Editó en España los dos primeros discos de Bob Dylan, aunque pasaron desapercibidos. Las grabaciones de DISCOPHON según pasaron los años se fabricaban en prensajes de vinilo cada vez más delgados para abaratar costes y precios de venta, por lo que fueron llegando cada vez con más frecuencia a las secciones de Oportunidades y de Rebajas en las tiendas de discos. Se estima en unos ochenta títulos de SALSA los que llegó a poner en el mercado hasta los primeros años de los ochenta quizás 1983, probablemente año en que la empresa cerró por fallecimiento de su propietario. Las existencias de discos en stock los fueron saldando tiendas repartidas en diferentes lugares de nuestro país.
La repercusión en España del catálogo FANIA RECORDS durante sus primeros años fue escasa. Empezando por una desacertada presentación del sello en Madrid a cargo del Jefe de Promoción, Lauren Postigo, que tuvo la extravagante idea de hacerlo con una Cena Medieval. La SALSA apenas tuvo presencia escrita en periódicos, revistas o emisoras. Y difícil localización en tiendas. Quizá lo más relevante fue la emisión de un programa en Radio 3 con el título de “Canela 3”, en el que sobresalía el empeño divulgado del crítico musical Diego A. Manrique. Pero la coincidencia de la primera etapa de FANIA con la Movida Madrileña, el ascenso de la Música Disco y la efervescencia de la Transición con la aparición de Cantautores Españoles, Cubanos y otras músicas sudamericanas, le restaron la repercusión que quizás merecía. Si añadimos que su escasa distribución quedó interrumpida por el cierre de la empresa, la SALSA quedó relegada a un rincón en el mercado de la música. No obstante su llama prendió en un pequeño número de selectas o nuevas agrupaciones de nuestro país que extendieron la música salsera y consiguieron reunir afición. Debemos citar como destacadas a “Pernil Latino“, “Mirasol Colores“, “Gato Pérez“, “Orquesta Platería“, “La Sonora Latina“, “El Combo Belga“, “Juan Carlos Senante” y la agrupación de Yecla “La Salsa del Soto“.
MI GENTE – HECTOR LAVOE- FANIA ALL STARS ZAIRE-1974.
Para quienes lo saben y para quienes lo ignoran la SALSA se creó en Nueva York como definición de un estilo musical latino de raíz principalmente cubana (quizá tomada la palabra de una vieja canción de Ignacio Piñeira: “Échale Salsita”). La palabra SALSA la puso en marcha una empresa disquera llamada FANIA RECORDS; el nombre procede de una vieja canción cubana, compuesta por Reinaldo Bolaños: “Fanía funché”. Fanía es el diminutivo de Estefanía y funché es una harina africana fermentada y comestible. La canción de referencia contiene una jerga Africana-Castellana y aparece en el primer disco editado por el sello FANIA RECORDS: “Cañonazo”, a cargo de la Charanga de Johnny Pacheco uno de los dos socios y propietarios fundadores.
Se creó la FANIA RECORDS en Nueva York, el 23 de Marzo de 1963, en el domicilio y la onomástica del dominicano Johnny Pacheco (Juan Azarías Pacheco Kiniping). Nacido en 1935 se trasladó con su familia a Nueva York a la edad de once años, formándose como músico en la Julliard School. Es compositor, arreglista, flautista, director y también productor musical. Formó sociedad con Jerry Masucci, neoyorquino de origen italo-judío (nacido el 7 Octubre 1934 y fallecido el 21 Diciembre 1997) abogado y avispado negociante. Su asociación, comenzada casi por casualidad, fue complementaria: Pacheco en el aspecto musical (conocido como “El arquitecto de la SALSA”) y Masucci por aplicar acertadas ideas al desarrollo del negocio, convirtieron en un imperio la modesta empresa que comenzó con un préstamo bancario de 2.500 dólares y con una camioneta vendiendo discos por almacenes y tiendas de El Barrio- “Spanish Harlem” de Nueva York, donde viven la mayoría de los portorriqueños, minoría importante en la ciudad.
Todo fenómeno musical se puede intentar descifrar para acercarse a su comprensión y en este caso deberíamos hacerlo retrocediendo en el tiempo hasta los años 40, época en que los ritmos cubanos se pusieron de moda en Nueva York a través de actuaciones, presencia en radio y después en televisión, de vocalistas e importantes orquestas formadas por músicos cubanos y americanos que actuaban tanto en Cuba, lugar preferido de estancia y vacaciones por americanos, como en Nueva York; tierra de promisión para cubanos, portorriqueños, dominicanos y para muchos latinos en general. La llegada al poder de la Revolución Cubana rompió las relaciones entre ambos países y apareció un rechazo de carácter político por parte de los americanos a todo lo que significara Cuba. Sin embargo el gusto por lo latino en el aspecto musical no llegó a dañarse en Estados Unidos. Además, si añadimos la inclinación natural y nostálgica por la música propia en la amplia comunidad latina de Nueva York, tenemos el terreno abonado para sembrar algo que siendo en esencia cubano sonaba nuevo: la SALSA. Formada con base en la rumba (el tronco madre de la música cubana) con su rama principal, el Guaguancó y la familia de ritmos caribeños tradicionales o novedosos: la Bomba, la Plena, la Guaracha, el Son, la Pachanga, el Boogaloo, etc. Añadiéndose unos arreglos en donde cabían modos de jazz, pop y hasta de soul; poniendo a la instrumentación de base cubana trombones, guitarras eléctricas, teclados y hasta programaciones, dio como resultado una música sobre todo bailable, con un toque reactualizado, canalizando nuevos e inventivos ritmos y que servía también para escuchar al incluir temas clásicos y típicos, conocidos y experimentales, además de otros contenidos relativos a las problemáticas étnicas y de la inmigración latina.
QUITATE TU – FANIA ALL STARS OUR LATIN THIN (Documental)
Artífice principal de este cóctel fue Johnny Pacheco con un acertado instinto musical demostrado en la calidad de los músicos que fue eligiendo para su sello FANIA RECORDS desde el primer momento. En cuanto pudo armó una Súper Orquesta llamada FANIA ALL STARS, la más célebre formación de la SALSA y además emblema de la empresa discográfica. Debutaron ante unas 800 personas en Octubre de 1968, en la sala RED GARTER, en el Greenwich Village, tradicional lugar de baile, donde habían actuado durante mucho tiempo antes grandes figuras de la música cubana y latina.
Pero fue Jerry Masucci quien trajo la idea de los Macro Conciertos desde el Festival de Woodstockde 1969 al que asistió, presentando luego ante 4.000 personas, el 26 de Agosto de 1971, a FANIA ALL STARS en el CHEETAH de Broadway, esquina con la calle 52, la zona donde se encontraban prestigiosos clubs de jazz de Nueva York. Allí comenzó a tener nombre la SALSA, con impresionantes DESCARGAS (solos instrumentales encadenados) de hasta 20 minutos y con el público sin dejar de bailar. De este evento quedó testimonio en un documental: OUR LATIN THING, dirigido por León Gast, actuando de Director Musical Johnny Pacheco.
CONGO BONGO – FANIA ALL STARSYANKEE STADIUM 1973
El siguiente gran acontecimiento salsero fue un concierto celebrado en el YANKEE STADIUM el 24 de Agosto de 1973. Consiguió reunir a 45.000 asistentes. Se convirtió en un acto de afirmación nacionalista portorriqueña y latina. Cuando estaba sonando la tercera canción (el concierto estaba siendo grabado) hubo de suspenderse por un gran tumulto con invasión del escenario. El resto de la grabación se completaría en San Juan de Puerto Rico el 17 de Noviembre de 1973, con motivo del concierto celebrado por la inauguración del Auditorio Nacional “Roberto Clemente “.
BEMBA COLORA — CELIA CRUZ &FANIA ALL STARS
Gradualmente la marca FANIA RECORDS fue absorbiendo discográficas latinas importantes, entre otras TICO RECORDS, VAYA, COCO, MARDI GRAS…Desplegó oficinas en los principales países de habla hispana en América y su formación estelar la FANIA ALL STARS realizó giras y conciertos durante bastantes años a escala mundial: En Kinshasa (Zaire)en 1974, con motivo del combate de boxeo entre George Foreman y Mohammed Alí, donde compartió escenario con grandes figuras como James Brown y Stevie Wonder entre otros. Actuaron en Londres en 1976 con Steve Winwood, año en el que a través de un acuerdo editaron discos en CBS e ISLAND. Conciertos en Japón (1976), Cuba en Marzo de 1979, con Weather Report, Stephen Stille importantes grupos cubanos como Irakere, Orquesta Aragón y otros. Hicieron Gira por Europa en 1980, que se alargó hasta 1981, actuando en Barcelona, concierto que DISCOPHON grabó en directo; aunque el disco editado, de pequeña tirada, se agotó rápidamente (llevaba sólo 4 temas de 15 grabados, por baja calidad de sonido del resto). Durante la década de los años 80 se produjo un período de dificultades por el fracaso de las expectativas en CBS y ATLANTIC, el fiasco económico de una película producida por Masucci, el ascenso del merengue dominicano y la salsa romántica; además de las bajas de músicos titulares en la formación debido a problemas tanto del rumbo artístico a seguir (dilema entre Salsa dura o romántica) como a discrepancias por falta de incentivos que hicieron abandonar el sello a artistas importantes. Todo ello hasta los primeros años de los 90. No obstante en 1990 dieron un memorable concierto en Madrid (Plaza de Toros de Las Ventas) como parte de una gira por Barcelona, San Sebastián, Tenerife y Las Palmas y que continuó en 1991 y 1992 recorriendo diferentes países de Europa y Sudamérica.
DESCARGA FANIA — FANIA ALL STARS BARCELONA 1990
La FANIA ALL STARS siguió actuando; celebró los 30 años de FANIA RECORDS con un concierto en Puerto Rico en 1994 al que siguieron otros en Nueva York y Miami. Entre 1995 y 1996 realizaron otra gira del que sobresalió su concierto de Colombia en 1996. Debemos hacer notar que aunque músicos importantes abandonaron el sello, aparecieron como invitados en los conciertos y en las grabaciones que se fueron realizando posteriormente. La FANIA ALL STARS siguió reuniéndose periódicamente para actuaciones y grabaciones en vivo de conciertos en diferentes partes del mundo con una formación cambiante y variable, puesto que aunque fallecieron diversos músicos importantes, se renovaron por otros de gran categoría. En 2013 conmemorando los 50 años de FANIA RECORDS se anunció una gira de conciertos titulada “La Gran Finale”. Es la gira que parece ser marcó el punto final, pero nunca se sabe….
Al parecer, Pacheco vendió su parte de la empresa a su socio Masucci alrededor de 1980, cuando tenían como sellos subsidiarios a muy notables marcas de música latina de Nueva York citadas anteriormente. Johnny Pacheco quedó en adelante con el cargo de Director Musical. Jerry Masucci murió inesperadamente en Buenos Aires en 1997. La empresa se vendió y ha cambiado de dueño varias veces. El enorme patrimonio con miles de grabaciones se fueron reeditando. Últimamente han aparecido grabaciones inéditas de tomas históricas en la casa de veraneo de Masucci.
En 2014 la Asociación Americana de Compositores, Autores y Publicadores (ASCAP) en los 100 años de su fundación otorgó el “Premio a la Herencia Hispana” a la FANIA ALL STARS. En 2015 Johnny Pacheco recibió homenajes por sus 50 años de trayectoria artística consistentes en conciertos y la realización de un documental YO SOY LA SALSA, en el que se narra los orígenes de este movimiento cultural que supo conectar con la comunidad latina de muchas naciones y con el mundo entero, a través de la herencia renovada en la música Afro-Caribeña.
La SALSA se puso en pié desde un terreno previamente abonado por la tradición del baile latino que mantenían diversos famosos clubs de Nueva York: CARAVANA CLUB, LA CONGA, THE CHINA DOLL, THE PARK PALACE y otros, situados en el Spanish Harlem. Pero es el PALLADIUM (estratégicamente situado) desde mitad de los 50 y con una programación impresionante de bailadores, cantantes y orquestas, entre las que destacaban las de: MACHITO, TITO RODRIGUEZ y TITO PUENTE, el club que desató la afición por el baile con las modas del Chachachá y sobre todo con la del Mambo; atrayendo a Afroamericanos, Judíos, Italianos y a las más destacadas figuras del cine y el espectáculo como Marlon Brando, Bob Hope, Sammy Davis Jr, Frank Sinatra… entre otros; siendo una referencia de integración social y étnica. El PALLADIUM cerró en 1966, coincidiendo con el giro estilístico que se fue imponiendo con la aparición en el Jazz del estilo Bebop como en la música latina con el estilo LatinJazz. Ambas corrientes derivaban hacia la música de Concierto.
MAMBO MADNESS –TITO RODRIGUEZ
Los antecedentes de la SALSA tienen como precursores a orquestas y cantantes que hicieron innovaciones musicales huyendo de la monotonía interpretativa. Podríamos comenzar mencionando a CHANO POZO, conguero cubano (1915-1948) capaz de ejecutar tres ritmos al mismo tiempo (toque, canto y baile). Otro antecesor fue MIGUELITO VALDES, cantante de Cuba (1912-1978) improvisador de divertidas jergas sin sentido en sus canciones.
BABALU — MIGUELITO VALDES
La Orquesta Afrocubana de MACHITO con MARIO BAUZA como Director Musical, fue la gran referencia para la música latina, porque en ella se realizaba la mejor fusión entre la música cubana y el jazz; por la maestría de MACHITO en lo cubano y de MARIO BAUZA en el jazz. Ambas orquestas tuvieron como vocalista a GRACIELA, poseedora de una de las voces más sencillas y cautivadoras de la música tropical.
SOMOS SALSEROS — ORQUESTA AFROCUBANA MACHITO
Tampoco debemos dejar de mencionar las dos figuras fundamentales del PALLADIUM: TITO RODRIGUEZ, cantante y director de su orquesta quien amplió y engrandeció la fusión entre el jazz y la música latina (la FANIA ALL STARS le dedicó a él y sus composiciones el primer LP que grabó en Estudio en 1976) y TITO PUENTE “El Rey del Timbal” un “puente” entre el jazz y lo latino, además muy respetado por ambas aficiones.
EL REY DEL TIMBAL — TITO PUENTE ORCHESTRA
Un personaje inolvidable fue el cubano con voz de tenor BENNY MORE quién comenzó a cantar en el Trío Matamoros. Más tarde brillaron sus interpretaciones en la orquesta de Pérez Prado y finalmente formó su propia orquesta llamada “La Banda Gigante “. Era un talento natural sin estudios musicales al que le escribían los músicos todos los arreglos y composiciones que ideaba. Admirador de Benny Goodman (de quien tomó el nombre). Fue él quien acercó el son cubano al jazz. Aunque tuvo una corta vida, dejó un gran legado musical.
https://coessm.org/wp-content/uploads/2021/02/284-LA-SALSA-Y-LA-FANIA-Parte-I.jpg225224Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2021-02-23 11:03:422021-02-23 11:05:58La Salsa y la Fania-Parte I
