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Josep Vicent dirige a la Argovia Philharmonic en una gira por Alemania y Suiza

El director alicantino, que ha estado al frente de algunos de los conjuntos sinfónicos más prestigiosos del mundo, abordará con la formación helvética un programa con obras de Turina, Mozart y Beethoven con todas las entradas de los conciertos vendidas con varios días de antelación

Vicent: “La Argovia Philharmonic es una reputada orquesta, con un enorme compromiso en el trabajo, gran capacidad técnica y muy activa en Centroeuropa donde su labor tiene mucha relevancia”; y destaca que “se nota que son músicos con una larga tradición y muy conectados”

Los conciertos se llevarán a cabo en Aarau (Suiza) los días 23 y 26 y en Baden-Baden (Alemania) el 24, tras el realizado en la ciudad bávara de Rosenheim con gran éxito y tres bises el pasado día 16

El programa incluye las obras La oración del torero opus 34 de Turina, el Concierto para clarinete en la mayor KV 622 de Mozart, con el clarinetista Patrick Messina; y la Sinfonía número 7 en La mayor opus 92 de Beethoven

Aarau (Suiza), 20 de febrero de 2023

Josep Vicent dirige a la Argovia Philharmonic en una gira de conciertos que recalará en las ciudades de Aarau (Suiza) los días 23 y 26 y en Baden-Baden (Alemania) el 24, tras el realizado con gran éxito y tres bises en la ciudad bávara de Rosenheim el pasado día 16. El director alicantino, que ha estado al frente de algunos de los conjuntos sinfónicos más prestigiosos del mundo, abordará con la formación helvética obras de Turina, Mozart y Beethoven, con todas las entradas vendidas con varios días de antelación.

El programa de estas actuaciones incluye La oración del torero opus 34 de Joaquín Turina (1882-1949) que abrirá los conciertos, para continuar con el Concierto para clarinete en la mayor KV 622 de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), con el clarinetista Patrick Messina como solista; y la Sinfonía número 7 en La mayor opus 92 de Ludwig van Beethoven (1770-1827).

Vicent ha asegurado que “la Argovia Philharmonic es una reputada orquesta suiza, con un enorme compromiso en el trabajo, gran capacidad técnica y muy activa en Centroeuropa donde su labor tiene mucha relevancia”; y destaca que “está siendo un trabajo intenso y potente, se nota que son músicos con una larga tradición y muy conectados con los festivales de Alemania, Suiza…” El director, que se muestra muy agradecido por liderar esta formación, subraya que “tenemos un solista, Patrick Messina, que está haciendo un Mozart magnífico; el trabajo con él está siendo para mí una revelación. Recientemente, Patrick lo grabó con el maestro Riccardo Muti y las conversaciones al respecto están siendo fantásticas. Un auténtico placer de proyecto y con una gran ilusión por brindar al público este repertorio”.

La obra del compositor sevillano fue compuesta inicialmente para cuarteto de cuerda en 1925, para orquesta lo hizo un año después, y fue estrenada por Bartolomé Pérez Casas al frente de la Orquesta Filarmónica de Madrid, en el Teatro de la Comedia el 3 de enero de 1927. La de Mozart vio la luz en Viena en 1791 y fue compuesta para el clarinetista Anton Stadler, gran amigo del compositor austriaco. Consta de tres movimientos y es una pieza de referencia para los intérpretes del instrumento de viento. 

La sinfonía de Beethoven fue acabada en 1812 y dedicada al conde austriaco Moritz von Fries, un destacado melómano, banquero y mecenas de la época. El compositor alemán, que obtuvo el reconocimiento del público y la crítica, dirigió a la orquesta en su estreno durante un concierto de caridad para los soldados heridos en las guerras napoleónicas en Viena el año 1813.

La Argovia Philharmonic, fundada en 1963, es una orquesta profesional del cantón suizo de Aargau con conceptos innovadores en el ámbito de la música clásica. Brinda un amplio repertorio en sus conciertos y es invitada regularmente a grandes auditorios como el Tonhalle Zurich y al Kultur-und Kongresszentrum de Lucerna. Es la formación residente del auditorio Alte Reithalle Aarau, que abrió sus puertas en octubre de 2021, actúa con relevantes solistas internacionales y con artistas y solistas emergentes. El noruego Rune Bergmann es su director titular desde la temporada 2020-21. 

Prestigiosas formaciones

Josep Vicent (Altea, Alicante) ha dirigido prestigiosas formaciones como la London Symphony Orchestra, Slovenian Philharmonic, Rotterdam Philharmonisch, Orchestre de Chambre de Paris, Royal Philharmonic, Orquesta del Teatro Mariinsky, Residentie Orkest, Royal Liverpool Philharmonic, Orquesta de Kiev, Leipzig Gewandhaus, Orquesta Nacional de España; sinfónicas de Barcelona, Milán, Valencia, Palau de les Arts, Radio Televisión Española, New World Symphony Miami, Durban, Auvergne; así como las nacionales de Bélgica, Chile, Uruguay y Brasil, entre otras. En la actualidad y desde 2015 es director artístico y musical del Auditorio de la Diputación de Alicante y director titular de la formación ADDA Simfònica.

Fue director principal de la Orquesta Sinfónica de las Islas Baleares y de Jeunesses Musicales World Orchestra (The World Orchestra) desde 2005 a 2015, con las que realizó quince giras en cuatro continentes. En las últimas temporadas ha debutado con la Filarmónica de Buenos Aires en el Teatro Colón, la WDR Funkhausorchester, la Ópera de Rouen, la Orchestre National de Lille y la OSPA en el concierto de los Premios Princesa de Asturias. 

Ópera y nuevos formatos

Ha dirigido producciones operísticas en el Teatro Real de Madrid, Théâtre Royal de La Monnaie de Bruselas, el Teatro del Liceu de Barcelona, la Opera de Leipzig, Rouen, el Festival de Peralada o el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Pionero en la exploración de nuevos formatos y públicos para la música clásica trabaja como director musical con la aclamada formación operística y teatral La Fura del Baus desde 2014.  Su amplia discografía se encuentra publicada en sellos como ARIA classics, que ha publicado su último álbum, Ritual Dances, the book of great ballets, con tres CDs que incluyen las obras El pájaro de fuego, Petrushka y La consagración de la primavera de Ígor Stravinsky interpretadas por ADDA Simfònica, dirigida por Vicent; así como en Warner Classics, Deutsche Grammophone, Verso, Ensayo, Columna Música…  

Con una amplia trayectoria en la música contemporánea, ha estrenado más de cien obras de nueva creación y ha sido director artístico del Festival Xenakis en Holanda y del Festival Nits de la Mediterrània en España. Fue asistente del maestro Alberto Zedda y ha sido reconocido con diversos premios y galardones a lo largo de su carrera. Es Embajador Internacional designado por Federico Mayor Zaragoza para la Fundación Cultura de Paz. Asimismo, colabora con reputados solistas como Katia y Marielle Labèque, Maria João Pires, Joaquín Achúcarro, Ellinor d’Melon, Joaquín Riquelme, Pacho Flores, Paquito D’Rivera, Josu de Solaun, Pablo Sainz Villegas, Cuarteto Casals, Leticia Moreno, Ramón Vargas, Ángeles Blancas, Anna Fedorova, Denis Kozhukin… 

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Fronteras València fusiona música y literatura con autores como Manuel Vicent, Rodrigo Cortés, Sole Giménez, Elisabet Benavent o Carmen Linares

El festival reúne en València a más de veinte artistas y literatos en Les Arts y las bibliotecas municipales

El festival se desarrollará en València los próximos 9, 10 y 11 de febrero

Grandes conversaciones, encuentros privados, talleres, recitales y música en directo alrededor de la fusión entre ambas disciplinas

Acceso gratuito hasta completar aforo en todas las actividades y espacios

Valencia, 20 de enero de 2023

El festival Fronteras València reúne en la ciudad a grandes figuras del panorama artístico nacional para profundizar en la relación entre la música y literatura, con actividades, encuentros y recitales en directo que contarán con el escritor Manuel Vicent, el también escritor y cineasta Rodrigo Cortes, la cantante Sole Giménez, la escritora Elisabet Benavent, la cantaora Carmen Linares o el letrista y guitarrista de Vetusta Mola, Guille Galván, entre otros.

La cita, que pretende ofrecer una alternativa cultural de alto nivel y contribuir en el posicionamiento de València como referente nacional e internacional en el ámbito cultural, tendrá lugar los días 9, 10 y 11 de febrero, con actividades repartidas entre Les Arts, en la Ciudad de las Artes y las Ciencias, y la red de bibliotecas municipales de la ciudad, donde se celebrarán talleres sobre composición, interpretación y gestión cultural.

“Queremos poner en valor y explorar la relación entre las disciplinas artísticas, descubriendo la música que alimenta a los escritores y la literatura que inspira a los músicos. La fusión entre alfabeto y pentagrama ha engrandecido a ambas disciplinas desde siempre”, asegura el director artístico del festival, Jesús Ruiz Mantilla.

La conversación inaugural del festival contará con dos grandes figuras de la cultura valenciana: Manuel Vicent y Sole Giménez. El periodista y la cantante realizarán un recorrido generacional y literario por las obras que más les han influido en su trabajo en un encuentro moderado por la periodista Lara Siscar.

Ese mismo día tendrán lugar tres encuentros simultáneos en sendas bibliotecas. La chelista Helena Poggio, miembro de Carteto Quiroga, desgranará el proceso de creación con su instrumento; Benjamín Prado relatará los secretos de la composición de sus famosas letras para Joaquín Sabina y José María Sánchez Verdú acercará la inspiración literaria en la composición musical de vanguardia.

Viernes de cine, letras y música en Les Arts

La programación del sábado en Les Arts acogerá otras cuatro grandes conversaciones. Primero, el cineasta y escritor Rodrigo Cortés y el pianista Juan Pérez Floristán hablarán de ritmo y tempo en sus originales y transgresores trabajos en un acto moderado por la periodista Carmen Velasco

Además, la decana de la Escuela Berklee, Simone Pilon y Jesús Ruiz Mantilla conversarán sobre Woodstock y la contracultura y su impacto sobre la enseñanza.

Al mismo tiempo, el coliseo valenciano ofrecerá un encuentro a tres entre el letrista y guitarrista de Vetusta Morla, Guille Galván, la escritora Lucía Lijtmaer y el cronista Fernando Navarro para hablar de rock, cultura pop y fuentes de inspiración.

Finalmente, la pianista Rosa Torres-Pardo ofrecerá un recital en directo acompañada de los versos y la poesía de Antonio Lucas y Luisa Castro, en una velada poético-musical que será introducida por el periodista Miguel Ángel Hoyos.

Por su parte, el taller del viernes 10 lo impartirá Daniel Broncano, director del festival ‘Música en Segura’, sobre cómo montar y gestionar un festival de música en la actualidad, ante la enorme oferta y alternativas que existen.

Sábado con más arte en vivo

La última jornada dará paso a más encuentros y recitales de literatura y música en directo en Les Arts. La popular novelista Elisabet Benavent – conocida como Beta Coqueta – desvelará cómo la música recorre y traza el ritmo de sus conocidas novelas.

También, la cantaora Carmen Linares y el poeta Antonio Lucas pondrán la nota más emotiva y sentida en su encuentro. La última Premio Princesa de Asturias de las Artes y el poeta conversarán sobre emoción, cante y poesía. Desde esa perspectiva emocional también conversarán el literato Manuel Vilas, reciente ganador del Premio Nadal, y el guitarrista Pablo Sáinz Villegas, con la memoria y la poesía como telón de fondo bajo la moderación del periodista Joan Carles Martí

El Festival tendrá un cierre musical: Rosa Torres-Pardo volverá a sentarse ante el piano para acompañar el recital de los poetas Carlos Marzal y Raquel Lanseros, mientras

que GuitarCello (Fernando Curiel y Antonio Martín Acevedo) llevarán a las cuerdas clásicas la música de algunos de los grupos más emblemáticos del siglo XX.

En los talleres del sábado, la soprano Raquel Andueza dará las claves para el uso del instrumento musical más delicado, la propia voz.

Compartir un café con los autores

Como complemento a todos los actividades de Les Arts, se realizarán una serie de encuentros para conversar de tú a tú en pequeños grupos y bajo reserva con Manuel Vicent, Sole Giménez, Rodrigo Cortés, Guille Galván, Lucía Lijtmaer y Carmen Linares.

Todas las actividades son gratuitas y de libre acceso hasta completar aforo, con preferencia a las reservas que se realicen a través de la web del evento, festivalfronteras.com. Para los talleres y los encuentros con autores será imprescindible realizar una reserva.

La propuesta cultural está organizada por la concejalía de Acción Cultural del Ayuntamiento de Valencia, Les Arts y producido por La Fábrica.

Las bibliotecas municipales que acogerán los talleres son la Biblioteca de La Petxina, Biblioteca Carmelina Sánchez-Cutillas, Biblioteca Clara Santiró i Font, Biblioteca Patraix-Azorín y Biblioteca de Arrancapins Eduard Escalante.

Programa del festival

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Primer Premio para el pasodoble “JOSEFA LÓPEZ” del compositor de Amposta Lionel Beltrán-Cecilia

Consiguió el primer premio del XXXI Concurso Internacional de Composición Musical de Pasodobles “Villa de Pozo Estrecho” (Cartagena)

El compositor de Amposta (Tarragona) Lionel Beltrán-Cecilia consiguió el primer premio del XXXI Concurso Internacional de Composición Musical de Pasodobles “Villa de Pozo Estrecho”, celebrado en esta localidad murciana. Un prestigioso certamen organizado por la Asociación de Vecinos “San Fulgencio” de Pozo Estrecho con la colaboración del Ayuntamiento de Cartagena y que es todo un referente a nivel internacional, teniendo en cuenta las 31 ediciones realizadas. Este año ha contado con 21 obras presentadas, llegadas de toda la geografía nacional y de otros países como Francia, Portugal o Italia.

Lionel Beltrán-Cecilia fue uno de los tres compositores que pasaron a la final, celebrada la tarde del pasado sábado, 28 de enero, en el centro cívico de Pozo Estrecho. Lo logró gracias a su pasodoble titulado “Josefa López”, dedicado a su abuela materna, en el décimo aniversario de su fallecimiento y, la cual, este año cumpliría cien años.

«JOSEFA LÓPEZ» se ganó el favor de un jurado compuesto por cinco personas de gran experiencia en el mundo de la música y, finalmente, una vez que la Sociedad Artístico Musical Santa Cecilia interpretó las tres obras finalistas, el compositor de Amposta se alzó con el primer premio, dotado con 1.200 euros y tuvo el honor de poder dirigir el pasodoble ganador interpretado por la banda que, además, este año cumple 130 años.

Premios obtenidos en anteriores ediciones del certamen:

  • SEGUNDO PREMIO en el XXII Concurso Internacional de Composición Musical de Pasodobles “Villa de Pozo Estrecho” (2014) – Pasodoble LA VERBENA
  • TERCER PREMIO en el XXVI Concurso Internacional de Composición Musical de Pasodobles “Villa de Pozo Estrecho” (2018) – Pasodoble OHANA

o  DIPLOMA de HONOR en el XXVI Concurso Internacional de Composición Musical de Pasodobles “Villa de Pozo Estrecho” (2018) – Pasodoble OHANA

  • FINALISTA en el XXVII Concurso Internacional de Composición Musical de Pasodobles “Villa de Pozo Estrecho” (2019) – Pasodoble A CALAIX
  • FINALISTA en el XXVIII Concurso Internacional de Composición Musical de Pasodobles “Villa de Pozo Estrecho” (2020) – Pasodoble DE BANDA A BANDA
  • PRIMER PREMIO en el XXIX Concurso Internacional de Composición Musical de Pasodobles “Villa de Pozo Estrecho” (2021) – Pasodoble A LA PLAÇA

o DIPLOMA de HONOR en el XXIX Concurso Internacional de Composición Musical de Pasodobles “Villa de Pozo Estrecho” (2021) – Pasodoble A LA PLAÇA

  • PRIMER PREMIO en el XXXI Concurso Internacional de Composición Musical de Pasodobles “Villa de Pozo Estrecho” (2023) – Pasodoble JOSEFA LÓPEZ
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La música andalusí vuelve a la Valldigna después de diez siglos

Fiel a su tradición, en 2023 el CIMMedieval ofrece un recital el primer sábado de cada mes.
En febrero, la Orquestra Andalusí de la Valldigna trae de vuelta a la Valldigna la herencia musical andalusí.

La programación musical del Centro Internacional de la Música Medieval ha arrancado con fuerza en 2023. Inauguró la temporada el recital que ofreció el conjunto Artefactum en enero, y el próximo sábado 4 de febrero, a las 19:00 horas, el monasterio de Santa María recibirá la visita de la formación Orquestra Andalusí de la Valldigna, que interpretará un repertorio basado en los sones tradicionalesprocedentes del Magreb y herederos de la cultura andalusí.

La Orquestra Andalusí de la Valldigna ha recuperado una música que tuvo su cuna en la Península Ibérica hacia el siglo IX. Precisamente, la Valldigna, antes denominada el Valle de Alfandech (Alfàndech significa barranco, del árabe al-jandaq), estuvo habitada durante la Alta Edad Media por musulmanes, cuyapoblación se hallaba organizada en seis aljamas o comunidades: Simat (al-Simát), la Xara (al-Sa’rá’), Alfiílell (al-Fullál), Benifairó (Baní Jayrün), L´Ombria y la Taverna (al-Yibál al-Kubrá). De todas ellas, en la actualidad sólo subsisten como testigos de aquella organización territorial las localidades de Benifairó, Tavernes y Simat.

La música andalusí que interpretarán los miembros del conjunto viajó con la población exiliada al norte de África, especialmente a Argelia y Marruecos. El esplendor poético y musical de Al-Ándalus llega a su cumbre en el formato de nuba (nawba), un grupo de canciones que se enlazan unas con otras, en movimientos según una estructura rítmica y métrica definida. Probablemente fueron creadas por compositores anónimos, aunque a menudo se atribuyen a Ziryab, el músico más celebrado del occidente árabe.

Se dice que llegaron a sonar hasta veinticuatro nubas, una correspondiente a cada hora del día, que experimentarían las evoluciones previsibles de un legado transmitido por tradición oral, y que marcharon con sus intérpretes obligados al

forzado exilio. Ahora vuelven a casa, diez siglos después de que fueran creadas, y podrán ser disfrutadas por todos en el monasterio de Simat de la Valldigna.

La Orquestra Andalusí de la Valldigna está compuesta por una valiosa mezcla de músicos procedentes de Marruecos, Argelia, Irak, Túnez y España, dirigidos por los maestros Husam Hamumi y Reda Bentaher que han sido parte importante en las orquestas andalusíes del conservatorio de Fez y Tánger.

Acerca del CIMMedieval

El Centro Internacional de la Música Medieval – CIMMedieval es un centro pionero en la Comunidad Valenciana y en España en la formación continuada de músicas de la Edad Media desde el siglo V al XV.

El CIMMedieval es un centro de estudios y proyecto educativo que, desde la Comunidad de Valenciana, opera en más de 15 países: Alemania, Lituania, Polonia, Austria, Portugal, Brasil, Italia, Grecia, Argentina, México, Francia, EEUU, Colombia, Cuba, Países Bajos, Dinamarca o Reino Unido.

Cuenta, para llevar a cabo su actividad, con los exponentes internacionales más reconocidos: intérpretes, profesorado y constructores de instrumentos, en el ámbito de las músicas que van desde el siglo V al XV, los cuales, con su capacitación y destreza transmiten una experiencia acorde con los principios de la música medieval, qué es la base y los cimientos de todas las músicas posteriores y hasta la actualidad.

El CIMMedieval, viene a enriquecer la oferta educativa y poner en valor las músicas de la Edad Media, asociadas al patrimonio, la historia y la cultura, reforzando los vínculos con los ancestros musicales y profundizando en la magnitud de su vertiente artística y cultural que fomente en los asistentes la búsqueda de la belleza y el desarrollo personal, configurando finalmente un laboratorio de experiencia.

El centro es miembro de REMA (Red Europea de Música Antigua).

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ARIA classics edita ‘Origins’ de la violinista Lucía Veintimilla con obras de Muñiz, Coll, Marianelli e Ysaÿe

La artista valenciana, que actúa en las principales salas y auditorios de Europa y Asia y en festivales de música de todo el mundo, brinda en este primer disco en solitario “los fascinantes y singulares mundos sonoros” de prestigiosos compositores que han ganado premios como los Óscar, Globo de Oro, ICMA…

Con esta ambiciosa producción, que el sello distribuye internacionalmente, Veintimilla aborda obras que “contribuyen a engrandecer el repertorio de este instrumento”, dos son estrenos mundiales que encargó a Muñiz y Marianelli; la de Coll es la primera vez que se graba íntegra; y la de Ysaÿe la segunda

La intérprete destaca que el álbum “es un ejercicio extremo de sinceridad, valentía, fortaleza, y en ocasiones vulnerabilidad, en el que he explorado todo tipo de emociones y sonoridades; cada una de las obras “desafía las fronteras técnicas y musicales del violín”

Fernando Arias, director de ARIA classics, subraya que “este disco conjuga la calidad y excelencia de las obras de compositores de referencia, y el virtuosismo y musicalidad de Lucía Veintimilla en un repertorio muy exigente”

Castrillón (Asturias) – Valencia, 31 de enero de 2023

Portada del disco Origins, works for solo violin de Lucía Veintimilla

ARIA classics ha publicado Origins, works for solo violin [Orígenes, trabajos para violín solo] de la violinista Lucía Veintimilla con obras de Jorge Muñiz, Francisco Coll, Dario Marianelli y Eugène Ysaÿe. La intérprete valenciana, que actúa en las principales salas de conciertos y auditorios de Europa y Asia y participa en festivales de música de todo el mundo, realiza en este primer disco en solitario un recorrido autobiográfico y musical vinculado a personas y lugares que han sido cruciales en su desarrollo personal y artístico; y brinda “los fascinantes y singulares mundos sonoros” de cuatro prestigiosos compositores.

La artista, que ha colaborado con formaciones como la London Symphony Orchestra, The London Mozart Players, The Academy of Ancient Music, Leipzig Gewandhaus Orchestra o la Orchestra of the

Age of Enlightenment, y con directores como Sir Simon Rattle, Valerie Gergiev, Marin Alsop, Vladimir Jurowski, Antonio Pappano, Gianandrea Noseda, Elim Cham o Richard Egarr, entre otros; es una intérprete reconocida por su versatilidad como recitalista, música de cámara y solista. Sus interpretaciones han sido retransmitidas por Radio Nacional de España (RNE), la BBC Radio 3 de Inglaterra, Televisión Española (TVE)… y ha sido seleccionada para formar parte de Art on the move, un libro que retrata a cincuenta de los mejores artistas españoles afincados en Londres.

Lucía Veintimilla destaca que “este disco contribuye con dos obras nuevas (Muñiz y Marianelli) al repertorio violinístico, en un ejercicio extremo de sinceridad, valentía, fortaleza, y en ocasiones vulnerabilidad, en el que he explorado todo tipo de emociones, caracteres y sonoridades”. Veintimilla indica que cada una de las composiciones “amplía y desafía las fronteras técnicas y musicales de este instrumento histórico y eterno; y lo he querido hacer de la manera más atre-vida y expuesta, con obras contemporáneas escritas para violín solo”.

La artista considera que “explorar los particulares mundos sonoros y lenguajes de estos cuatro excepcionales compositores, y hacerlo junto a ellos, ha sido un honor y un regalo: Muñiz nos hace trascender hacia un plano espiritual a través de su lirismo religioso; Coll lleva las fronteras técni-cas y musicales de este instrumento a lugares inusitados hasta la fecha, es un despliegue voraz de efectos y sonoridades; Marianelli te sumerge en un fascinante universo lleno de fantasía y color; y la obra de Ysaÿe es un viaje musical por el siglo pasado, tintado de nostalgia, tristeza y a la vez de esperanza y belleza”. En relación con ARIA classics, señala que “comenté que quería grabar este disco y enseguida tuve todas las facilidades posibles para que este sueño se hiciera realidad, con la calidad de la producción del sello”.

Fernando Arias, director de ARIA classics, subraya que “este disco conjuga la calidad y excelen-cia de las obras de compositores de referencia en el panorama internacional, y el virtuosismo y musicalidad de Lucía Veintimilla en un repertorio solista muy exigente”. Arias también resalta “la gran aportación de este trabajo a la discografía violinística”.

Muñiz y Coll

En el libreto del disco Origins los autores exponen la génesis y características de sus obras. Salve Regina es la segunda de Jorge Muñiz “en un grupo de piezas marianas” para violín solo quemuestran “un viaje de emociones” a través de estos himnos a la Virgen María. El compositor astu-riano, cuya música es interpretada en Europa, Asia, América y Oceanía por reputadas formacio-nes; indica que “elementos del tradicional himno gregoriano están tejidos a través de toda la obra, unificando el lenguaje compositivo”.

Francisco Coll empezó a esbozar Hyperludes cuando aún era estudiante de música en Valencia en 2006 “hasta que en 2013 decidí ponerme a escribir la obra”. Compuso los tres primeros Hyperludes rápidamente, el cuarto meses después por encargo de la London Sinfonietta; y elquinto lo compuso “como sorpresa de boda a mi mujer”. Coll, uno de los compositores con más proyección internacional y reconocido por los prestigiosos Premios Internacionales de Música Clásica (ICMA) con tres distinciones y en los BBC Music Magazine Awards con dos; apunta que en esta suerte de partita se pueden escuchar “desde alusiones a corales renacentistas (V) o evocaciones del cante jondo (IV), a patrones rítmicos de rock (III) y melodías quebradas (I y II)”. El Concierto de violín de Coll está basado en el Hyperlude IV y su sinfonía Mural en el Hyperlude III.

Marianelli e Ysaÿe

La Suite para violín solo de Dario Marianelli parte del “deseo de llenar la forma antigua de la suite con algunas de mis propias digresiones musicales”; y es un intento de “comprender cómo esta forma musical todavía se erige como una vía fascinante de narrativa musical”. El compositor ita-liano, ganador de un Óscar, un Globo de Oro y con varias nominaciones a la mejor banda sono-ra, piensa que escribir una obra para violín “es uno de los proyectos más abrumadores”, y ase-gura que “el desafío de escribir para una solista virtuosa todavía tiene el poder de inspirar”.

La Sonate posthume pour violon seul, opus 27 bis de Eugène Ysaÿe (1858–1931 )es la última obra del álbum del compositor belga, considerado “el rey del violín”. La séptima sonata, que el autor dedicó al violinista gallego Manuel Quiroga, fue descubierta, completada y grabada por el violinista francés Philippe Graffin en Bruselas en 2018. La del disco Origins sería la segunda gra-bación, “es mi aportación para promocionar y dar mi versión de esta obra”, indica Veintimilla. Las sonatas de Bach y las de Ysaÿe están consideradas como la piedra angular del instrumento.

Discografía y premios

Veintimilla, que presentó Origins en la FNAC de Valencia, ayer 30 de enero, tras la que ofreció una breve actuación, tiene en su discografía un trabajo, Líquido, con Deco Ensemble que ha sido elo-giado por la crítica que lo califica de maravilloso y sobrecogedor, “tanto por la excelente selección de material como por la magistral ejecución de estos virtuosos intérpretes” de música de tango. Asimismo, grabó para un documental de ITN Production’s filming y Channel 4, sobre los puentes sobre el río Támesis; el 30 aniversario del Banco Europeo de Reconstrucción y Desarrollo, la exhi-bición Bestias de Londres del Museo de Londres, con Deco Ensemble para Telecinco en el pro-grama Ciudades musicales y en diversas grabaciones con el luthier Jardón Rico.

La violinista de Alcublas (Valencia), que ha recibido numerosos premios como el Premio Centenario de la Sociedad Británica-Española, Premio Elizabeth Sweeting o The Ann and Peter Law OAE, ha actuado para la British Spanish Society en St. James’s Church Piccadilly, en los Premios Princesa de Asturias 2021, en los festivales del Ciclo Interdisciplinar de Música de Cámara de Oviedo (CIMCO) y en recitales en la Sala Filarmónica de Varsovia, en la Mozarthaus de Viena y otras de Inglaterra, Francia, Alemania y Bélgica. Asimismo, continúa su labor docen-te como profesora de violín y piano en Londres.

20 años de experiencia Fernando Arias (1974, Avilés), es un músico, ingeniero de sonido y productor especializado en música clásica, ámbito en el que cuenta con más de 20 años de experiencia trabajando en ARIA classics y para reputados sellos como Naxos, Warner Classics o Sony Classical. Es licenciado en Percusión clásica por el Conservatorio Superior de Música de Oviedo y el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de París. Entre 1999 y 2020 fue el timpanista principal de Oviedo Filarmonía, y posteriormente el principal timpanista invitado de la Orquesta Filarmónica de Malta. Como productor musical ha tenido la oportunidad de grabar numerosos discos con algunas de las más prestigiosas orquestas y solistas, tanto a nivel nacional como internacional.

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Maria João Pires inaugura el II Festival de Piano Iturbi con un recital en colaboración con el Palau de la Música

Los pianistas Carlos Apellániz, Yulianna Avdeeva, Claudio Carbó, Josep Colom, Bartomeu Jaume, María Linares, Carles Marín, Óscar Oliver, Luis Fernando Pérez,Noelia Rodiles y Xavier Torres; Diego Ares (clavecín) y Antonio Simón (fortepiano), así como el director Manuel Hernández Silva y la Orquestra de València son los protagonistas de la edición.

El Festival de Piano Iturbi prepara su segunda edición con una programación que ofrecerá, del 28 de octubre al 4 de noviembre, un total de nueve conciertos. En la inauguración del Festival de Piano Iturbi, este jueves, y en el que participarán un total de 25 músicos, la pianista portuguesa Maria João Pires ofrecerá un recital en el que interpretará las Sonatas en La mayor, opus 120 D 664, yla Sonata en Si bemol mayor, D 960, las dos de Schubert, así como la Suite Bergamasque de Debussy. Este concierto forma parte de la temporada de abono de Otoño 2022 del Palau de la Música, y es fruto de la colaboración institucional. [Ver documentación adjunta].

Le seguirán intérpretes de referencia como Carlos Apellániz, Yulianna Avdeeva, Claudio Carbó, Josep Colom, Bartomeu Jaume, María Linares, Carles Marín, Óscar Oliver, Luis Fernando Pérez, Maria João Pires, Noelia Rodiles y Xavier Torres, que completan el plantel de solistas junto con Diego Ares (clavecín), Antonio Simón (fortepiano) y el director hispano-venezolano Manuel Hernández Silva, que dirigirá un ”concierto de conciertos” que contará con la participación de la Orquestra de València.

La pianista portuguesa Maria João Pires (Autor: Live Music Valencia)
El pianista madrileño Luis Fernando Pérez.
La pianista moscovita Yulianna Avdeeva (Autor: Sammy Hart)
El pianista valenciano Carles Marín (Autor: Michal Novak)
El pianista barcelonés Josep Colom (Autora: Paz Fernández)

La Diputació de València da continuidad así a un festival, bajo la dirección artística de Justo Romero, que conmemoró el 125 aniversario del nacimiento de José Iturbi en 2020 y que tendrá lugar los años pares, mientras que el  Premio Iturbi se celebrará, también con carácter bienal, los años impares.  

El Festival cuenta con la colaboración del Ajuntament de València, del Palau de la Música, del Institut Valencià de Cultura a través de la Direcció Adjunta de la Música i Cultura Popular, de la Real Academia de España en Roma adscrita al Ministerio de Asuntos Exteriores, del Palau de les Arts Reina Sofía y del Festival Piano aux Jacobins; y se llevará a cabo en diferentes escenarios de la ciudad de València (Teatre Principal, Palau de les Arts, Centre Cultural la Beneficència y L’Almodí).

Gloria Tello, diputada responsable del Premio Iturbi y presidenta del Palau de la Música, ha destacado que “comenzamos la segunda edición de este magnífico Festival Iturbi de la mejor manera posible, con la excelencia musical de Maria João Pires, una de las pianistas más queridas y admiradas por el público valenciano, que cosechó excelentes críticas en su reciente concierto con la Orquesta de València”. Tello ha valorado muy positivamente la colaboración institucional con el Palau de la Música, que ha propiciado aparte de este recital, un programa dentro del ciclo Cambra al Palau y otro concierto de abono de la Orquesta de València, que “enriquece la programación y aúna esfuerzos para hacer llegar la cultura, y que pueda disfrutar de ella toda la ciudadanía”.       

Justo Romero subraya que “esta edición reivindica su compromiso con la excelencia artística, con la música española y contemporánea; la calidad sin pasaportes y el decidido empeño de convertirse en reflejo del actual universo pianístico”. El director artístico considera que “la memoria inspiradora de José Iturbi requiere y reclama la máxima exigencia artística y un alto voltaje pianístico y musical”, y lo resume en cinco palabras, “virtuosismo, expresión, fidelidad, nitidez y compromiso”.

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Lola Andrés publica ‘de Uno’, su último libro de poesía en el que reflexiona sobre la mirada y la acción

La escritora, cuya obra en castellano y valenciano ha sido reconocida con diversos premios, incluye 20 poemas agrupados en dos bloques en un libro que forma parte de la Colección Marte de Ediciones Contrabando

Andrés, que expone la tristeza y la celebración de la vida, indica que “los Uno son trozos de lo que percibo en mí”, en una obra sin concesiones, entre la contemplación y los actos, que muestra de manera enigmática y cabalística

Las críticas destacan que el libro “es poesía en estado puro, natural”, y que “como los grandes representantes de la poesía moderna” se sumerge en “un estrato de dolor y conocimiento”, regresando a las fuentes del idioma con formas expresivas que “enlazan el minimalismo y el expresionismo alemán”

de Uno llega seis años después de Travesía, cuya tercera edición vio la luz en 2021 junto a las pinturas del artista catalán Pere Salinas en una cuidada edición de la editorial Contrabando

Andrés ha publicado también Moléculas y astros, (Premio Gerardo Diego de la Diputación de Soria, 2002); Jocs de llum (Premio Alfons el Magnànim Ciutat de València de poesía en valenciano, 2006); y Materia (Primer accésit del Premio de Poesía Ciudad de las Palmas de Gran Canaria, 2007), entre otros

Valencia, 31 de agosto de 2022

Portada del libro de Uno

Lola Andrés ha publicado de Uno, su último libro de poesía en el que reflexiona sobre un sentimiento ambivalente: la mirada y la acción, la tristeza y la alegría de la vida. La escritora, cuya obra en castellano y valenciano ha sido reconocida con diversos premios, incluye 20 poemas agrupados en dos bloques: Versión y El Poema, en un libro que forma parte de la Colección Marte de Ediciones Contrabando. 

Andrés indica que “los Uno son trozos de lo que percibo en mí. Tal vez por ello, la fiereza y la debilidad crezcan en la palabra de la misma semilla”. El poeta José Luís Falcó, profesor de Teoría de la Literatura de la Universidad de Valencia, proporcionó el título a la autora, a la que la palabra Uno “por su escarpado riesgo de contener lo disgregado, vino a revolver mi (in)capacidad de intentar mostrar la pesadumbre y la celebración de la vida”.

Una obra sin concesiones para el lector, “no entra dentro del buenismo poético”; pone el foco en la herencia religiosa, en la dicotomía entre la contemplación y los actos en medio de un mundo complejo que la autora expone de manera enigmática, cabalística y quizás hermética. Estrofas desnudas y desprovistas de artificios, “poesía del hueso”, en las que encuentran espacio dos “deidades accesibles” y contrapuestas: una vigilante, observadora, “cómo miramos”; otra invertida, transformadora, que altera la lengua, “cómo actuamos”. 

La poeta subraya que “el libro es un compendio de lo que yo observo, del bagaje que llevamos de la tradición, de los espantos, terrores… que tienes; pero también de lo bonita que puede ser la existencia”. Asimismo, es una crítica social al mundo actual y también a “lo que Uno es”, aunque la unidad “se puede romper, partir, disgregar…”, dentro de un mundo patriarcal, masculino, desde el que ella escribe “para darle la vuelta”. Sobre su lectura, indica que cuando lo terminó lo dispuso físicamente como fue concebido; sin embargo, siempre sospechó que El Poema fue el germen de una versión “más dilatada y promiscua” del libro.  

Las primeras críticas y reseñas destacan que el libro “es poesía en estado puro, natural”, en un mundo “plagado de instantes que hay que poetizar, desafío que acepta y logra, y los eleva a la categoría de poesía señera” (Enrique Villagrasa). Para la prensa especializada, tiene una estructura “fuertemente cohesionada” que recurre a “formas de discurso alejadas de la lógica habitual como son el mito o los diálogos” y que como “los grandes representantes de la poesía moderna acaba sumergiéndose en ese estrato de dolor y conocimiento que Nietzsche denominaba “espíritu dionisíaco”.

En de Uno desde el principio “aflora lo mítico” y la elipsis, “lo no dicho representa un papel fundamental”; se subraya que “frente a los usos cotidianos de la lengua (a menudo tendenciosos, mercantiles o acomodaticios), la poesía de Lola Andrés regresa a las fuentes del idioma. En su escritura suena un manar cristalino”, así como que sus formas expresivas “enlazan el minimalismo y el expresionismo alemán”, su estética “con las obras de Samuel Becket” y la palabra “se abre sin cesar a la plurisignificación: su ambigüedad no permite detener el flujo de sentidos” (Marcos Ávila).

Poesía y riesgo

Andrés encuentra en la poesía el canal idóneo de comunicación con los demás, “es una forma de  ser y de relacionarse”, y considera que es minoritaria pero llena de entusiasmo y de riesgo, aunque no descarta otros géneros. Desarrolla diversos proyectos entre los que cabe destacar una traducción, con Anacleto Ferrer, del alemán al catalán de la obra Mutterland / Màtria, un libro de poesía de Rose Ausländer para Vincle Editorial; además de un libro de conversaciones; un nuevo, y muy personal, poemario; y unos diarios y reflexiones en los que lleva trabajando varios años. 

La obra de Uno llega seis años después de Travesía, cuya tercera edición vio la luz en 2021 junto a las pinturas de Pere Salinas en una cuidada edición de la editorial Contrabando. El artista catalán, que ha expuesto en galerías de Alemania, Austria, España, Finlandia, Holanda, Israel y Suiza, aporta 19 obras al libro con las que “entra en la respiración que los poemas dejaron abierta para él”. Andrés formó parte del proyecto SonEn4 junto a la violinista Ester Vidal, la violista Pilar Parreño y la artista sonora, Ramona Rodríguez, que realizó una potente propuesta de videoarte para la presentación de este poemario.

Obras y premios
Lola Andrés (Valencia), licenciada en Filología por la Universitat de València, ha publicado también los siguientes libros de poemas: Moléculas y astros, (Premio Gerardo Diego de la Diputación de Soria, 2002); Jocs de llum, Edicions Bromera, 2006 (Premio Alfons el Magnànim Ciutat de València de poesía en valenciano, 2006); Materia (Primer accésit del Premio de Poesía Ciudad de las Palmas de Gran Canaria, 2007); Cielo líquido, Amargord, 2015; y Travesía (2021).

También ha publicado las plaquettes de Pendiente del aire, junto a la artista multidisciplinar madrileña Eva Hiernaux, en Ecuaciones de segundo grado (2013); cómo / sucede (en Silencio, varios autores), (2016); Poemes, catálogo y exposición Angles del buit en el Centre del Carme de València con las pintoras Carolina Ferrer y Encarna Sepúlveda (2016); Brecha, Poética y peatonal (edición y pinturas de Gabriel Viñals), ejemplar único, 2017 y Ho(yo) de hueso, en Las Hojas de Baobab, edición a cargo de Uberto Stabile y Gema Estudillo (2018).

Andrés ha traducido del catalán al castellano a poetas como Joan Navarro, Teresa Pascual, Jaume Pérez Montaner, Begonya Pozo o Josep Checa. También ha traducido al catalán, junto a Anacleto Ferrer, la poesía de Hannah Arendt, publicada en Edicions del Buc en 2018. Asimismo, sus poemas han aparecido en diferentes publicaciones nacionales e internacionales, ha sido incluida en diversas antologías y ha formado parte de diversos proyectos interdisciplinarios de poesía, música, danza y pintura.
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La soprano Ángeles Blancas prepara la gira de la ópera ‘El caso Makropulos’ de Janáček

La cantante española, que ha actuado en los teatros más importantes del mundo, encarnará a Elina Makropulos protagonizando esta exigente obra en tres actos y libreto en checo del reconocido compositor

Este proyecto de la Ópera Nacional Galesa (WNO) se representará del 16 de septiembre al 2 de diciembre en diversas ciudades del Reino Unido y se presentará en el Festival de Brno (República Checa), país del autor

La ópera forma parte de la temporada de otoño de la WNO con la dirección musical del checo Tomáš Hanus, en una nueva producción de la directora de escena Olivia Fuchs que se estrenará en el Wales Millennium Centre de Cardiff 

Blancas dará vida a la diva Elina Makropulos cuyo secreto de juventud es un elixir que le ha permitido, durante 300 años, vivir muchas vidas rompiendo corazones mientras persigue ser la mejor cantante de todos los tiempos

La soprano, que viene recabando los elogios de la crítica, ha actuado en el Covent Garden, Opernhaus Zürich, Gran Teatre del Liceu, Teatro Real, Ópera de Washington, Carnegie Hall y Fenice di Venezia, entre muchos otros

Cardiff (Gales), 30 de agosto de 2022

Ángeles Blancas Gulín ensaya en estos días la ópera El caso Makropulos de Leoš Janáček (1854-1928), un proyecto de la Ópera Nacional Galesa (WNO) que se representará del 16 de septiembre al 2 de diciembre en diversas ciudades europeas. La soprano española, que ha actuado en los teatros más importantes del mundo, encarnará a Elina Makropulos protagonizando esta exigente obra, en tres actos y libreto en checo del reconocido compositor, basada en la obra de teatro homónima de Karel Čapek. 

El caso Makropulos forma parte de la temporada de otoño de la Ópera Nacional Galesa cuya dirección musical estará a cargo del checo Tomáš Hanus, un experto en Janáček y especialista en este repertorio que además creció en la misma calle que el compositor. La nueva producción de la directora de escena Olivia Fuchs se estrenará en el Wales Millennium Centre de Cardiff y estará de gira en las ciudades del Reino Unido de Llandudno, Plymouth, Birmingham, Southampton y Oxford. 

También se presentará internacionalmente en el Festival de Brno que celebra y reivindica el trabajo y la obra de Janáček, el próximo mes de noviembre. En esta ciudad de la República Checa, en la que está enterrado el autor, se estrenó la ópera dirigida por Frantisek Neumann con Alexandra Remislavská-Čvanová el 18 de diciembre de 1926.

Blancas dará vida a la enigmática diva Elina Makropulos cuyo secreto de juventud es un elixir mágico que le ha permitido, durante más de 300 años, vivir numerosas vidas viajando por Europa, cambiando varias veces de nombre y rompiendo corazones en el camino mientras persigue el deseo de ser la mejor cantante de todos los tiempos, pero el efecto de la pócima comienza a desaparecer dejando en el aire la pregunta de si la inmortalidad realmente puede traer la felicidad.

Janáček es uno de los compositores checos más importantes junto con Antonín Dvořák y Bedřich Smetana y la presencia de su obra operística es cada vez mayor en el panorama internacional. Fue un gran estudioso de la música popular de su país y la eslava en general, y su música posee un estilo propio y muy personal, alejado de la tradición centroeuropea existente, que mostró en óperas como Jenůfa, Osud, Las excursiones del señor Broucek, Katia Kabanová o La zorrita astuta, entre otras. 

El músico basó su libreto en la obra teatral de Karel Čapek (1890-1938), un autor profundamente antifascista que advirtió en su libro La guerra de las salamandras (1936), una distopía de tono irónico que se considera una sátira del nazismo, así como en otras obras y escritos de la amenaza del Tercer Reich unos años antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial y de la incapacidad de los gobiernos mundiales para frenar a Hitler. El escritor, periodista y dramaturgo, fue propuesto en siete ocasiones como candidato para el Premio Nobel de Literatura por su trabajo, pero su denuncia de los totalitarismos motivó que no le concedieran el galardón en 1937 por temor a la reacción alemana.

Dilatada carrera internacional 
Ángeles Blancas ha trabajado recientemente con la London Symphony Orchestra en el Barbican Centre de Londres bajo la batuta del director británico Antonio Pappano en el papel de la madre en la ópera Il prigioniero del compositor italiano Luigi Dallapiccola (1904-1975) en un concierto celebrado el pasado 5 de junio. La cantante y Pappano ya coincidieron en la interpretación de esta obra en la Accademia Nazionale di Santa Cecilia en Roma en 2014.

La soprano es una artista con una dilatada y consolidada carrera profesional nacional e internacional y una soprano dramática especializada en el repertorio de autores como Richard Strauss, Wagner, Berg, Janáček, Reimann, Rhim, Schönberg y Messiaen. En el terreno de concierto y recital se ha prodigado también con obras de compositores como Brahms, Schumann, Mahler, Debussy, Ravel, Vaughan Williams, R. Strauss, Sibelius, Dutilleux o Kurt Weill.

Ha trabajado con prestigiosos directores de orquesta como Antonio Pappano, Fabio Luisi, Philippe Auguin, Juraj Valčuha, Lothar Zagroseck, Nello Santi, Marco Armiliato, Rafael Frübeck de Burgos, Alberto Zedda, Álvaro Albiach… y de escena como Graham Vick, Robert Carsen, Andrea Breth, David Poutney, Calixto Bieito o Emilio Sagi, entre otros. 

Blancas (Múnich), hija de la soprano gallega Ángeles Gulín y del barítono madrileño Antonio Blancas, viene recabando los elogios de la crítica en sus actuaciones en teatros como el Covent Garden (Londres), Opernhaus Zürich, Gran Teatre del Liceu (Barcelona), Teatro Real (Madrid), La Monnaie (Bruselas), Ópera de Washington, Carnegie Hall (New York), Fenice di Venezia, Hannover Staatsoper, Teatro Massimo de Palermo, Ópera de Marsella, San Carlo de Nápoles, Santa Cecilia y Ópera de Roma, Teatro Regio de Turín, Teatro Comunale de Bologna, Ópera de Montecarlo y el Teatro Colón de Buenos Aires, entre muchos otros.
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El cuarteto vocal Qvinta Essençia al festival de Besançon, Francia

El cuarteto vocal Qvinta Essençia, forma parte de la programación de la actual edición del prestigioso festival de música antigua que cada verano tiene lugar en la ciudad de Besançon, Francia.

El concierto tendrá lugar el próximo sábado 27 de agosto a las 21:00 h en la Chapelle du Centre Diocésain de la ciudad francesa.

Bajo el título de “El sentir de mi sentido”, el programa trata de reflejar la íntima unión entre poesía y música durante el Siglo de Oro español, prestando especial atención a los textos de temática amorosa. La selección de las piezas parte de textos de algunos de los poetas más representativos de la época, y las fuentes musicales son diversas, destacando el Cancionero de Medinaceli o la Recopilación de Sonetos y Villancicos a quatro y a cinco de Juan Vázquez

El concierto supone la presentación en el extranjero del nuevo proyecto discográfico del grupo, que verá la luz durante el próximo otoño.

Aquí adjunto el enlace a la programación del Festival:

https://festivaldemontfaucon.com/el-sentir-de-mi-sentido

QVINTA ESSENÇIA

Èli Casanova, soprano

Hugo Bolívar, alto

Albert Riera, tenor

Pablo Acosta, bajo

Qvinta Essençia se adentra en la interpretación de la polifonía del Renacimiento alejándose del camino de la ortodoxia. Sus interpretaciones están caracterizadas por la abundancia de detalles y de colores, en un diálogo donde cada una de las cuatro voces encuentra su lugar en el conjunto para hacer que la expresión del texto y de la música se sitúen en el centro de todo.

Actualmente abordan programas de diversa índole, todos ellos representativos de los principales compositores y estilos de los siglos XVI, XVII y XVIII, desde la música renacentista española, pasando por los grandes madrigalistas italianos, o llegando hasta Johann Sebastian Bach.

Qvinta Essençia ha formado parte de la programación de algunos de los festivales más importantes de España y Europa: Oude Muziek, Festival de Montfaucon, Day of Early Music de Lieja, Torroella de Montgrí, Palau de la Música Catalana, Festival Internacional de Santander, Barcelona Llums d’Antiga, Fundación Juan March en Madrid, Festival de Música Barroca de Albacete, Murcia Músicas Históricas, Festival de Música Barroca del Puerto de la Cruz en Tenerife, Sagunt in Excelsis, Festival de la Ribagorza, Festival Renaixement en Valencia, Festival de Música Barroca de Vélez Blanco o Festival de Música Antigua de los Pirineos.

En 2019 vio la luz su primer proyecto discográfico dedicado íntegramente al primer libro de madrigales de Luca Marenzio. Recientemente han grabado junto a Capella de Ministrers el programa Germanies, y en 2022 presentará su nuevo proyecto discográfico dedicado a la música y la poesía del Siglo de Oro.

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De bestiarios, herbarios y juglares: el FIMIF en la Valldigna, en su III edición, es una propuesta puntera de aprendizaje y disfrute en familia

Se trata de un evento creado para acercar a los niños y las niñas las formas del arte y las costumbres en la Edad Media, lejos de los modelos obsoletos en los que los padres relegan esas funciones a terceros desentendiéndose de este imprescindible espacio emotivo y lúdico.

El festival está organizado por la Mancomunitat de la Valldigna y el Centro Internacional de la Música Medieval, y cuenta con la colaboración de la Conselleria de Cultura valenciana.

En su tercera edición, el FIMIF se consolida como una cita de referencia europea en materia de divulgación histórica y aprendizaje compartido, que ha hecho reactivar el sector turístico de la zona, al ponerse en marcha proyectos de acción conjunta para afrontar las nuevas necesidades generadas por esta oferta de actividades.

Del 9 al 11 de septiembre vuelve al monasterio de Santa María de la Valldigna el Festival Internacional Medieval para público Infantil y Familiar de Europa (FIMIF), un evento pionero y único en su especie que pretende acercar a los más pequeños distintos aspectos de la cultura y la vida cotidiana en el Edad Media. Este año se celebra la tercera edición del festival, que en 2021 consiguió un éxito sin precedentes reuniendo a más de 400 niños, niñas y jóvenes en torno a sus actividades.

En 2022, el FIMIF ofrece talleres, actividades, espectáculos y experiencias en torno a la música, la danza y las artes plásticas medievales, pero también sobre el conocimiento y el uso de la botánica en la época. Mara Aranda, directora artística del festival, explica que “con estas actuaciones se generan experiencias que despiertan la curiosidad, generan simpatía y empatía, y estimulan esa percepción de la realidad más completa y plena, llevando al individuo a desarrollarse exponencialmente. Lo que ahora son juegos, después serán experiencias que deberán afrontar, ya como adultos, en su vida diaria”.

La tarde del 9 de septiembre se abre el Festival Internacional Medieval para público Infantil y Familiar con un taller de pintura medieval al temple de huevo, una técnica pictórica muy utilizada en la Edad Media para decorar los altares y las vigas de las iglesias y los castillos, así como las obras de arte en trípticos y retablos que decoraban las paredes de las casas y palacios de los reyes, nobles y altos cargos eclesiásticos. Este tipo de pintura no sólo tenía funciones ornamentales, pues también transmitía un mensaje, ya que la gran mayoría de la población era analfabeta. Generalmente representaba escenas de la Biblia, aunque también otras de la vida cotidiana, así como motivos vegetales y zoológicos. Los asistentes a este taller podrán crear su propia obra de arte medieval, en estilo románico o gótico lineal, sobre tabla de madera, utilizando esta ancestral técnica y fabricando para ello los pigmentos naturales, tal y como hacían los artistas en los talleres gremiales.

La jornada del viernes es de gran expectación. El espectáculo El secreto de la reina mora, que será interpretado por los alumnos del CEIP Jaume II el Just de Benifairó de la Valldigna, quienes han preparado la actuación a través de clases magistrales con actores, músicos, y profesionales de la danza, con la compañía argentino-valenciana-marroquí dirigida por Mercedes Campello en la danza, en la percusión por F. Depiaggi, en el trabajo actoral por Diego Monzón, además de la participación de un conjunto de músicos internacionales.

La mañana del sábado 10 de septiembre tendrá lugar el taller de percusión La madre que parió a la música, que, impartido por el grupo salmantino de música tradicional Mayalde, mostrará a las familias asistentes los sonidos del viento, del barro, la madera y el hierro localizados no sólo en instrumentos, sino en infinidad de utensilios convertidos en objetos sonoros. Esa misma tarde, los miembros de Mayalde ofrecerán un recital en el monasterio de la Valldigna, demostrando cómo se puede hacer música y tocar ritmos usando objetos cotidianos, como base de la música tradicional transmitida de generación en generación, desde donde la música medieval recupera muchas de las piezas que faltan a la hora de su estudio organológico, interpretativo y vital.

También el sábado se llevará a cabo otra actividad, esta vez relacionada con las artes plásticas, el taller de color El Bestiarium. Los pequeños y sus familias podrán participar en la construcción de un laberinto de imágenes gigantes basado en los bestiarios medievales. Escritos a mano e ilustrados por el iluminista o miniaturista, se trataba de códices manuscritos que recopilaban diversos tipos de textos, desde narraciones hasta descripciones, en torno a un inventario de animales reales y fantásticos, con ilustraciones y letras capitales para despertar la imaginación y la curiosidad. Los asistentes crearán sus propias bestias medievales inspiradas en las ilustraciones de la época para realizar una galería de los horrores, así como un abecedario bestiario, con el fin de confeccionar un bestiario medieval a modo de libro, recopilando algunas de las especies más terroríficas, mágicas e increíbles, tal y cómo hacían los copistas del Medievo.

El domingo por la mañana, el taller Mi primer herbario enseñará a los niños y niñas de seis a diez años y a sus familias cómo se estudiaba la botánica en la Edad Media. Antiguamente era muy común recoger hojas y flores del campo para secarlas, documentarlas, pintarlas y guardarlas en un libro hecho a mano. Este libro tan especial recibía el nombre de herbarium, y documentaba e identificaba cada una de las especies vegetales con fines medicinales y sanatorios, recopilando así en un mismo libro multitud de conocimientos. Los herbarium no solo tienen texto, sino que su gran atractivo reside en las ilustraciones pintadas que hay en él. Finalmente, el Festival Internacional Medieval para público Infantil y Familiar de Europa (FIMIF) será clausurado con la obra de teatro Teobald el juglar, un espectáculo infantil en formato de cuentacuentos, acompañado de un taller en el que pequeños y grandes podrán disfrutar y compartir la experiencia de crear un punto de libro de dragón y un estandarte medieval auténtico.

El FIMIF está organizado por la Mancomunitat de la Valldigna y el Centro Internacional de la Música Medieval, y cuenta con la colaboración de la Conselleria de Cultura valenciana.

Por la limitación de aforo, la reserva de plaza para las actividades debe realizarse obligatoriamente a través del número de teléfono de la Mancomunitat de la Valldigna: 96 281 25 35.

Acerca del CIMM

El Centro Internacional de la Música Medieval – CIMM es un centro pionero en la Comunidad Valenciana y en España en la formación continuada de músicas de la Edad Media desde el siglo V al XV.

El CIMM es un centro de estudios y proyecto educativo que, desde la Comunidad de Valenciana, opera en más de 15 países: Alemania, Lituania, Polonia, Austria, Portugal, Brasil, Italia, Grecia, Argentina, México, Francia, EEUU, Colombia, Cuba, Países Bajos, Dinamarca o Reino Unido.

Cuenta, para llevar a cabo su actividad, con los exponentes internacionales más reconocidos: intérpretes, profesorado y constructores de instrumentos, en el ámbito de las músicas que van desde el siglo V al XV, los cuales, con su capacitación y destreza transmiten una experiencia acorde con los principios de la música medieval, qué es la base y los cimientos de todas las músicas posteriores y hasta la actualidad.

El CIMM, viene a enriquecer la oferta educativa y poner en valor las músicas de la Edad Media, asociadas al patrimonio, la historia y la cultura, reforzando los vínculos con los ancestros musicales y profundizando en la magnitud de su vertiente artística y cultural que fomente en los asistentes la búsqueda de la belleza y el desarrollo personal, configurando finalmente un laboratorio de experiencia.

El centro es miembro de REMA (Red Europea de Música Antigua).

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