La música del compositor de Amposta Lionel Beltrán-Cecilia regresa tras una parada por culpa de la pandemia en tierras Portuguesas.
El compositor de Amposta Lionel Beltrán-Cecil
Después de dos años grabando con la banda de Força aérea Portuguesa, Wikings the Legend (2019) y Wild West (2020). Este 2021 la editorial Molenaar Edition sigue su fuerte apuesta por este compositor con la grabación de dos nuevas obras, ampliando su repertorio con Blue Hörn divertimento para trompa y banda, que fue interpretado por el maestro Pedro Marinho y la fantasía épica medieval The Royal Crown.
La grabación corrió a cargo de una de las bandas más prestigiosas de todo el territorio Portugués, bajo la dirección del Major Antònio Rosado y el director/supervisor Artur Rouquina que junto con el equipo técnico de Afinaudio, Paulo e Irene que se encargaron de que cada nota del compositor fuera una realidad, para que estas dos nuevas composiciones acaben viajando por todo el mundo, de la mano de la prestigiosa editorial Holandesa Molenaar Edition.
The Royal Crown tendrá su estreno mundial el sábado 20 de Noviembre en la ciudad de Amposta, a las 20h en el auditorio de la Unión Filarmónica a cargo de la banda de esta sociedad y dirigida por el propio compositor.
«Siempre es un placer y orgullo estrenar una obra en casa, rodeado de tu gente y compañeros de banda que han realizado un excelente trabajo. Después de casi dos años de inactividad de la banda por la pandemia, hacer el primer concierto en el auditorio y que te brinden la oportunidad de poder dirigir tu propia composición es casi un sueño, con el que se reanudará la música a nuestra sociedad».
https://coessm.org/wp-content/uploads/2021/11/728-Lionel-Beltran-Cecilia..jpg301401Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2021-11-18 13:15:242021-11-18 13:15:47Molenaar Edition vuelve a apostar por el compositor de Amposta Lionel Beltran-Cecilia
La historia de la música ha invisibilizado la presencia de las compositoras, que han compartido espacio y tiempo con los grandes artistas que conocemos en el presente.
Las mujeres no lo han tenido fácil para poder desarrollar una carrera profesional en la música, y más aún en especialidades como la composición, que se ubica en el ámbito de la creación, reservada en exclusividad para los hombres.
Por ello, la historiografía ha borrado de los libros, o más bien ni siquiera ha escrito, la presencia de las mujeres que, gracias al contexto familiar, personal, geográfico y/o político han tenido la oportunidad y han luchado por hacerse un hueco en el espacio cultural de su existencia. Este es el caso de la excelente compositora Marianna Von Martinez, reconocida en su época por su talento, su extraordinaria ética y su diligencia, contemporánea de Mozart, Haydn y el poeta Pietro Metastasio, que tuvo la fortuna de crecer y educarse en un ambiente ilustrado que potenció su talento y le dio alas para desarrollar una vida profesional alrededor de la música, rodeada de los artistas más reconocidos de Viena y sus visitantes.
Sonata para teclado nº 3 en La M
Nicolás Martínez, español exiliado en Nápoles tras la guerra de sucesión española se afincó en Viena en 1730, ejerciendo de maestro de ceremonias del nuncio papal. Allí se casó con Maria Theresia, de origen alemán y 24 años menor que él, con quien tuvo trece hijos, de los que seis llegaron a edad adulta y fueron educados en el pensamiento ilustrado. La quinta de estos seis era Marianna Martínez, nacida el 4 de mayo de 1744. Nacer y residir en la culta ciudad de Viena, centro del Imperio, cuna musical de Mozart, Haydn y Beethoven, fue uno de los factores que le propiciaron las posibilidades de vivir por y para la música.
Por otro lado, la residencia de Martínez constituyó una gran oportunidad para el desarrollo artístico de Marianna, pues la antigua casa Michaerlerhaus hizo coincidir en el tiempo y el espacio a Marianna, Metastasio y J. Haydn, contribuyendo al desarrollo y proyección de la compositora. La familia Martínez ocupaba el tercer piso de la Michaelerhaus, en esta misma planta, se alojó el poeta y famoso libretista Metastasio, que había sido nombrado poeta imperial. La profunda amistad que se creó entre ambos tuvo sus consecuencias en el desarrollo de Mariana, al tomar este la decisión de ejercer el papel de mecenas y mentor de la pequeña, a la que llamaba mi Santa Cecilia. Adoptándola como un proyecto artístico, contactó con Niccolò Porpora para que le impartiera clases de canto y composición e influyó para que también contribuyeran a la educación musical de Mariana Giuseppe Bonno y Johann Adolf Hasse. Este último comentaba que la cantidad de horas que Mariana dedicaba a la composición le perjudicaba la voz en el canto por la posición de la cabeza inclinada hacia la partitura. Mariana era considerada una niña prodigio, que no se conformaba con la interpretación musical, estudiando concienzudamente para convertirse en una gran compositora. Así mismo, el compositor Joseph Haydn, instalado en el último piso de la casa de los Martínez tras ser despedido del Coro de San Esteban, contribuyó a su formación musical impartiendo clases de clave, así como de composición, a cambio de estancia y manutención. Haydn llamaba a Marianna la pequeña española y su amistad duró el resto de sus vidas.
Metastasio estuvo presente en la vida de la compositora hasta su fallecimiento, aconsejándola y apoyándola constantemente. Charles Burney describe a Martínez como el “alter idem” de Metastasio. Así mismo, Charles Burney, a su paso por Viena la describe “recibida por los asistentes con enorme respeto” y, tras pedirle la interpretación de una obra valoró “su actuación superó, en verdad, todas mis expectativas. Cantó dos arias compuestas por ella misma sobre poemas de Metastasio acompañándose al clavecín de manera juiciosa y magistral”, a lo que sigue un aprecio por su técnica al instrumento, la voz y “un dominio extraordinario del contrapunto”.
Desde el punto de vista político, la emperatriz María Teresa de Austria vivió durante los primeros 36 años de vida de Marianna y esto favoreció a la compositora, pues alentó su proyección artística dado que, para la emperatriz, una mujer no dañaba la imagen pública del reinado, lo cual favorecía su aparición en público y la posibilidad de presentar sus composiciones. De este modo, se convirtió en una joven intérprete famosa en su tiempo reconocida por la corte, siendo una de las favoritas de la emperatriz, que la reclamaba frecuentemente para actuar frente a ella. Su manera de tocar el clave fue comparada con la de C. Ph. E. Bach y su interpretación vocal y su composición era apreciada por sus difíciles saltos, su ornamentación, la imaginación melódica y su exquisito uso del contrapunto.
Como Francesca Caccini y Barbara Strozzi, se dedicó paralelamente a la interpretación y la composición.
A los 16 años compuso la Misa en Do para la Misa Mayor en el día de San Miguel, en la que fue reconocida como una de las compositoras más preparadas de su tiempo. En la década de 1760 y 1770 compuso misas, conciertos, sonatas para teclado -de las 31 que compuso sólo se han conservado tres-, arias italianas y cantatas. Destacan la Obertura en Do M, llamada sinfonía al contener tres movimientos, compuesta en 1770, de estilo galante, con algunos elementos expresivos que se pueden ubicar en el empfindsamkeit, la Cantata La Tempesta y el Miserere mei Deus, adaptación musical de salmos para coro, solistas y bajo continuo. Como era costumbre en la época, se dudaba de las capacidades creadoras de las mujeres, por lo que ciertas voces cuestionaban la capacidad de conseguir logros de una persona de esa edad y sexo, planteando que su obra era compuesta realmente por un hombre, lo cual refleja la calidad de su obra.
Obertura/Sinfonía en Do M
Colaboró con el poeta Saverio Mattei, que la buscó tras el fallecimiento de J.A. Hasse sobre 1770. Su colaboración dio de sí obras que fueron interpretadas en Nápoles en Cuaresma, como el Miserere interpretado a inicios de abril de 1772. María Carolina de Austria, reina de Nápoles, quedó encantada con Marianna. Se conservan en Nápoles la Selección de arias compuestas para el deleite de Su Majestad de Marianna Martines. Mattei decía de Martines: “metempsícoris divina nos ha dado en la señora Marianna, si se me permite decirlo de este modo, a la hermana de Moisés”. Marianna fue invitada a viajar Nápoles, mas no acudió a la tierra natal de Mattei, con lo que finalizó la colaboración entre ambos.
Su educación fue, por lo tanto, exquisita, participando de la vida artística vienesa, como las veladas musicales en la casa veraniega de los Ployer, donde compartía con personalidades como Leopold Mozart, W. A. Mozart, Haydn, Albrechtberger y Josef Weigl. Uno de sus grandes reconocimientos fue ser admitida, por unanimidad, como miembro de la Academia Filarmónica de Bolonia como miembro de honor, en 1773, con el título Accademia filarmónica Onorata, siendo citada como “su aliento genial, la nobleza de la expresión y la asombrosa precisión de sus composiciones”. Fue la primera mujer, tras 108 años de existencia de la entidad, en ser admitida, siendo reconocida como un símbolo de la superioridad alemana. La Gaceta di Bolognna escribe: “¡Y qué raro y especial honor se rinde aquí al bello sexo, que ahora cuenta entre sus miembros a una mujer a quien tantas ciudades tienen razón para envidiar!”. Marianna escribió para la Academia la adaptación del Dixit Dominus, salmo 109, ante el que la Academia expresó el asombro de la belleza, ingenio y nobleza de expresión, sin embargo, no se interpretó la obra por la renuncia de Marianna de viajar al estreno de su obra.
Retrato: Anton von Marons (pintor de la emperatriz María Teresa). El pie del cuadro indica: Maria anna Martines. Pupila de Pierto Metastasio, nacida en Viena, el cuatro día antes de las nonas de mayo, 1744, [miembro] de la Sociedad Académica Filarmónica.
Coincide en el tiempo su ingreso en la academia con el ascenso social de sus hermanos, nombrados Caballeros, lo cual la ubicó en aristocracia, pasando a llamarse Marianna Von Martinez. Otro gran reconocimiento que obtuvo fue el haber sido nombrada Doctora honoris causa por la Universidad de Pavia por su contribución al mundo de la música.
La composición, relativamente aceptada en las mujeres, abarcaba plantillas de pequeño formato como sonatas a solo, arias, o pequeñas agrupaciones de cámara, aceptándose el clave, el arpa, o la voz y rechazándose los instrumentos de viento y de la percusión y las agrupaciones de gran formato. En ese momento, el acceso al teatro -ópera- estaba vetado a las mujeres que ejercían la composición, por lo que Marianna, en su afán de escribir obras que exigen de una gran plantilla, abordó otros géneros musicales como oratorios, misas y oberturas.
En marzo de 1782 la Tonkünstler-Societät de Viena ofreció la interpretación del ambicioso Oratorio Isacco figura del Redentore, cuyo texto pertenece a Metastasio, en el Kärtnertotheater, en Viena. La plantilla reunía a una orquesta compuesta por la cuerda, oboes, flautas, fagotes, trompetas, trompas y timbales, más un coro de unas doscientas personas. El estreno estaba acompañado de la interpretación de obras de J. Haydn, W.A. Mozart, L. Beethoven y G. F. Haendl.
Otras obras de gran formato son In exitu Israel para solistas, coro y orquesta, Psalm 112 para coro y orquesta y los Tres Conciertos para clave y orquesta en Do M, en La M y en Sol M.
Tras la muerte de sus padres y el fallecimiento de Metastasio, en 1782 hubo una serie de cambios en su actividad musical. El poeta, que siempre había prestado su ayuda a la familia, contribuyendo a su ascenso social, dejó su herencia a la familia Martínez, incluyendo dinero, su clavecín y sus partituras. Con la comodidad económica que se encontraron, Marianna y su hermana convirtieron su hogar, junto a sus hermanos y ubicado en un núcleo frecuentado por la élite, en lugar de reunión para artistas de la época, con veladas semanales de gran afluencia de personalidades, que se hicieron famosas en Viena. Esto generó para ellas una importante vida social vienesa en las que participaban músicos como Mozart, Haydn y el joven Beethoven. En estas veladas Mariana, dama soltera que contaba ya con 40 años, maestra de ceremonias de los conciertos que organizaba, participaba como intérprete y tocaba frecuentemente a cuatro manos con W. A. Mozart: el tenor Michel J. Kelly, que estaba muy impresionado por la musicalidad vienesa, afirmó haber visto tocar a Mariana junto con Mozart una sonata del compositor al piano a cuatro manos.
En 1790 fundó en su casa una escuela de canto “para su entretenimiento y por amor al arte” de la que salieron grandes voces del momento. El calendario de la vida artística de Viena y Praga de 1796 menciona a Mariana “ha compuesto misas y muchas arias que están muy cerca del estilo musical de Jommelli. Es una gran ayuda para la vida musical de Viena”
Mariana falleció en Viena a los 68 años de edad, el 13 de diciembre de 1812, en su propia casa habiendo sido la compositora más prolífica en Viena, con más de doscientas obras en su haber, pero pagó caro su prudencia y el no haber salido de Viena, en un momento en que los músicos viajaban a Londres, Praga, Milán y París para proyectar y desarrollar su arte, quedando en el olvido. No ayudó su conservadurismo, su respeto por las normas del decoro de la época, y su extrema precaución en aceptar las imposiciones de su contexto social. A pesar del éxito y la calidad de sus veladas musicales, este tipo de encuentros musicales pasaron desapercibidos para la historia de la música, y, con ello, la figura de Marianna Von Martinez. Otro elemento que no pasa desapercibido es que, aunque obtuvo reconocimiento como compositora, ninguna de sus obras fue publicada en vida. Hoy en día las obras que se conservan se hallan en los archivos de Munich, Bolonia, Berlín y Viena.
Dixit Dominus
Bibliografía/Webgrafía
Beer, Anna (2019) Armonías y suaves cantos. Barcelona, Acantilado
Rice, John (2013) La música en el siglo XVIII. Madrid, Akal
El Ayuntamiento de L’Olleria, la Junta Central de Fiestas de Moros y Cristianos de L’Olleria y la Sociedad Escuela Musical Santa Cecília de L’Olleria han convocado el 18º Concurso de Música Festera “Francesc Cerdà” de L’Olleria modalidad marcha cristiana 2022, con el fin de fomentar y estimular la actividad artística y creativa de la música festera.
Este acontecimiento ya se ha convertido en una cita ineludible en el calendario cultural de L’Olleria después de un total de 18 ediciones.
Como en las pasadas ediciones, los compositores/as interesados/as en participar tendrán que enviar sus obras, con los requisitos expresados en las bases y la declaración responsable, en el Ayuntamiento de L’Olleria a través del registro de entrada o de la sede electrónica (https://lolleria.sedelectronica.es/info.0) antes del 7 de enero de 2022 (consulta las bases aquí: https://cutt.ly/GTyDPMA).
Una vez finalizada esta fecha se seleccionará a los finalistas, las obras de los cuales serán interpretadas por la Sociedad Musical Santa Cecília de L’Olleria en un concierto donde se repartirán los premios a los galardonados o galardonadas.
Habrá un total de 4 premios:
– Un primer premio dotado con 2.000 euros
– Un segundo premio dotado con 1.000 euros.
– Un premio del público dotado con 500 euros.
– Un accésit de 250 euros para los finalistas no premiados.
Más información en el correo electrónico cij@lolleria.org y al 96 220 08 66.
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18é Concurs de Música Festera Francesc Cerdà de L’Olleria
L’Ajuntament de L’Olleria, la Junta Central de Festes de Moros i Cristians de L’Olleria i la Societat Escola Musical Santa Cecília de L’Olleria han convocat el 18é Concurs de Música Festera “Francesc Cerdà” de L’Olleria modalitat marxa cristiana 2022, amb la finalitat de fomentar i estimular l’activitat artística i creativa de la música festera.
Aquest esdeveniment ja s’ha convertit en una cita ineludible al calendari cultural de L’Olleria després d’un total de 18 edicions.
Com a les passades edicions, els compositors/es interessats/es a participar hauran d’enviar les seues obres, amb els requisits expressats a les bases i la declaració responsable, a l’Ajuntament de L’Olleria a través del registre d’entrada o de la seu electrònica (https://lolleria.sedelectronica.es/info.0) abans del 7 de gener de 2022 (consulta les bases ací: https://cutt.ly/GTyDPMA).
Una volta finalitzada eixa data es seleccionarà als finalistes, les obres dels quals seran interpretades per la Societat Musical Santa Cecília de L’Olleria en un concert on es repartiran els premis als guardonats o guardonades.
Hi haurà un total de 4 premis:
– Un primer premi dotat amb 2.000 euros
– Un segon premi dotat amb 1.000 euros.
– Un premi del públic dotat amb 500 euros.
– Un accèssit de 250 euros per als finalistes no premiats.
En esta ocasión vamos a hablar acerca de Bartolomé Pérez Casas, sin duda alguna importantísimo y reconocido músico, compositor y director de orquesta proveniente de nuestra Región de Murcia.
Nació en Lorca en el seno de una familia humilde en el año 1873 y a muy temprana edad comenzó a dar sus primeros pasos en la música de la mano de dos de sus familiares: su abuelo, Juan Casas, y su tío, José María Casas. Estos contaban ya con una trayectoria y un rol musical relevantes en Lorca. De hecho, su abuelo fue director de la banda de la Hermandad de Labradores y en 1854 cumplió su objetivo de que la agrupación que dirigía pasase a ser banda municipal, coexistiendo esta agrupación con otras en ese momento en la ciudad.
Con tan solo 9 años Bartolomé ya formaba parte de la banda de Lorca con el requinto. Unos años más tarde su tío José María, consciente de las facilidades que presentaba su sobrino para la música, lo alentó para que se trasladara a Madrid a estudiar en el conservatorio. Poco después, en 1890, regresó a la Región de Murcia para cubrir una plaza de requinto en la Banda de Música del Tercer Regimiento de Infantería de Marina, en la portuaria ciudad de Cartagena, donde también contrajo matrimonio con Angelita Ros Castelo. Debido a sus deberes castrenses y mientras estos se prolongaron en el tiempo, Pérez Casas no pudo continuar presencialmente en el conservatorio, por lo que se vio obligado a estudiar por correspondencia y de manera, además, autodidacta tanto Armonía como Composición con los profesores Cantó y Felipe Pedrell respectivamente. Será más tarde cuando tendrá la oportunidad de completar sus estudios superiores en el Conservatorio de Madrid.
En 1893 ganó por oposición la plaza de Músico Mayor en la Banda del Regimiento de Infantería de España nº48, lugar en el que estudió, de manera teórica y práctica, las peculiaridades y posibilidades que ofrecían los instrumentos de viento y de percusión que conformaban una banda militar. Los conocimientos adquiridos por Bartolomé durante esta etapa lo condujeron en 1897, superando con gran brillantez el proceso de las oposiciones, a alcanzar el puesto de director de música del Real Cuerpo de Alabarderos, formación que superó su nivel artístico bajo su batuta. Fue a partir de 1901 cuando comenzó a compatibilizar este trabajo con su labor de intérprete como violín 2º en la Orquesta del Teatro Real de Madrid.
Por otro lado, siguiendo la línea cronológica de su vida, cabe destacar que entre 1902 y 1903 compuso un Cuarteto en Re Menor con piano, la cual se estrenó en el Teatro de la Comedia. Pero fue en 1904 cuando fue galardonado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, junto a La vida breve de Manuel de Falla, por su suite murciana de carácter sinfónico titulada A mi tierra. Como se puede deducir de su título, dedicó su creación a Lorca, su tierra natal, y, según entendidos musicólogos, está enmarcada como una de las más grandes obras del nacionalismo español.
Fue en el año 1908 cuando, coincidiendo con la fundación que llevó a cabo de la Sociedad de Instrumentos de Viento, el rey Alfonso XII le encargó la instrumentación y armonización oficial de la Marcha Real, declarada como Himno Nacional de España por Decreto de 17 de julio de 1942, la cual se ha mantenido vigente hasta 1997. Según parece, la primera grabación de su instrumentación fue dirigida por él mismo e interpretada por la Banda de Música del Regimiento de Infantería Wad-Ras nº.53. A partir del Real Decreto del 10 de octubre de 1997, momento en que el Reino de España adquirió los derechos de autor de la Marcha Real (hasta ese momento pertenecían a los herederos de Pérez Casas), la versión sinfónica oficial pasó a ser la realizada por Francisco Grau, que es la que perdura hasta nuestros días.
En 1911 decidió solicitar su baja en el ejército para dedicarse a la docencia en el Real Conservatorio Superior de Madrid tras obtener plaza por oposición como catedrático de Armonía. Allí impartió clases hasta su jubilación a distinguidos músicos como Adolfo Salazar y Victorino Echevarría (antiguo director de la Banda Municipal de Madrid), entre otros.
En 1915 fundó y dirigió la Orquesta Filarmónica de Madrid, formada por profesores y músicos de la Banda de Alabarderos, cuyo objetivo era difundir y fomentar la música sinfónica. Tanto fue así que los conciertos que realizaron fueron los primeros de música sinfónica retransmitidos a través de la radio, en los que sonaban composiciones del momento como La Mer y La Valse de Debussyo el famoso Bolero de Ravel.
En 1925 la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando lo nombró Académico Numerario, cuyo discurso de ingreso trató sobre el tema “Los conciertos como signo de cultura musical en los pueblos”.
En el año 1938 fue nombrado director de la Orquesta Nacional de España y ocho años más tarde fue designado comisario general de la Música en el Ministerio de Educación Nacional, puesto que ocupó hasta el momento de su muerte en 1956.
Su ciudad natal condecoró a este lorquino ilustre con el nombramiento de Hijo Predilecto de la localidad. Además, una calle de la ciudad porta su nombre junto a una escultura que le rinde homenaje, así como un instituto de Educación Secundaria recibe también el nombre de tan grande músico.
Así, podemos afirmar a viva voz que Bartolomé Pérez Casas fue uno de los músicos murcianos más admirados en todos los círculos culturales de la época e indudablemente una de las figuras más importantes de todo el siglo XX.
José Luis Palao Azorín.
A continuación, a través de este enlace, pueden acceder al catálogo de obras de Bartolomé Pérez Casas en la página de la Biblioteca Nacional de España:
https://coessm.org/wp-content/uploads/2021/11/710-Revista-Diapason-Bartolome-Perz-Casas.jpg350396Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2021-11-11 11:48:342021-11-11 11:48:56Bartolomé Pérez Casas por José Luis Palao Azorín
Hay cientos de temas sobre los que se puede escribir en torno a la música, pero creo que todos pueden esperar su turno en mi bandeja de salida, la actualidad manda.
Estaréis cansados de la palabra pandemia, pero un poco de paciencia y esto ya sólo habrá sido una maldita pesadilla en nuestro pasado, pero hasta que esto pase, el cuerpo me pide dedicarle mi pequeño homenaje al músico en general, castigado duramente por esta situación.
Pero tampoco me apetece quedarme en la superficie, reflexionando sobre los problemas económicos que acarrea no poder trabajar, ya que esto ha castigado a muchos sectores, prefiero profundizar en la mente del músico.
Me siento autorizado por que tengo un pie dentro y otro fuera, quiero decir que soy un simple alumno de guitarra, principiante, pero tengo la perspectiva adecuada para poder entender ciertas cosas y la vez alucinar con otras, los que ya son músicos no lo perciben, ya lo tienen interiorizado y los que no, menos todavía.
Hablo de la dificultad de la música, a ver si me explico; Cuando empiezas te sumerges en un mundo imposible de comprender plagado de palabras que no habías oído en tu vida; anacrusa, pentatónica, fusa, coda, mixolidio etc., y el único tresillo hasta ahora era el de tu casa.
Y luego llega el instrumento, ¿habéis intentado soplar una flauta travesera, o colocar los dedos para hacer un acorde de guitarra si sois profanos?? Imposible.
Está demostrado que cualquier persona que se lo proponga puede aprender a tocar algún instrumento, pero eso solo serán los cimientos para los que quieren construir su vida en torno a la música, ya que, o tienes la suerte de que la diosa Atenea se acuerde de ti y te dé por componer sinfonías con 5 años como le sucedió a Mozart, que no es lo habitual o como casi todo en la vida, el éxito vendrá con el trabajo… mucho trabajo.
Y voy a hilar más fino, podríamos pensar que el músico lo hace a cambio de alimentar su ego recibiendo los aplausos del público, quizás la fama o el dinero, pero ¿qué hay del músico de orquesta o banda???
Este para mí es el gran músico, mi gran admiración y la razón de este sermón, me explico:
Se pega una vida entera estudiando horas y horas partituras complejas, intentando alcanzar la perfección, captando pequeños matices, a veces solo escuchando a los demás para intervenir en el momento adecuado, y lo más importante, a sabiendas de que él solo no es nadie, que su trabajo solo tendrá sentido en conjunto, que su nombre no aparecerá en los carteles, no grabará duetos con Melendi y en su camerino la única sorpresa será encontrar 30 compañeros sudorosos limpiando las boquillas comentando la jugada.
Me parece un acto de generosidad inusitado, en esta época de postureo, ni siquiera puede obtener la satisfacción de hacerlo para él mismo como entretenimiento, como yo saco canciones del Sabina o Fito, no puedes llevarte una tuba a la playa!!!
Y ahora vete por los pueblos los días FESTIVOS de invierno o en Julio vestido de traje para alegrar los corazones ajenos.
En definitiva, trabajo muy difícil para recibir muy poco a cambio, a veces nada, o incluso les cuesta el dinero a niveles de orquestas locales.
Creo que no tenemos ni la más remota idea de lo importantes que son, o somos, que desde la Edad Media o antes, ya sea en verbenas, músicos de cámara, para bailar, para hacer un viaje, hasta para trabajar la música nos acompaña y detrás hay un tipo que dio prácticamente su alma y su tiempo, por alegrar la tuya y tu tiempo.
Y aquí, en nuestra ciudad tenemos a la mejor banda del mundo, pero cuando los escuchéis observar a cada uno de sus componentes, aquí dos más dos no son cuatro, son cinco o mejor dicho diez más diez suenan como treinta y además, ellos como conjunto lo han tenido este año peor para ensayar y poder tocar, único alimento de sus almas, así que mi más sincero homenaje…
Ha muerto Georgie Dan, el inventor de “la canción del verano” y autor de innumerables éxitos de ventas y público. Una auténtica celebridad cuyas canciones pegadizas (y también pegajosas) anunciaron durante décadas el inicio estival en nuestro país. Sus sonsonetes nos acompañaron en aquellas verbenas que proliferaban por los pueblos de la España vaciada y las playas masificadas.
Su presencia en los programas de televisión ha sido obligada desde el tardofranquismo hasta hace muy pocos años. Y algo curioso, la muerte le ha sobrevenido a sus 81 años cuando “amenazaba” con una nueva canción. Eso es ser incombustible y lo demás tonterías.
Desde este blog queremos rendirle un sentido homenaje y poner en valor su capacidad de innovación y el rotundo éxito que alcanzó.
Además Georgie Dann era, sin duda, “uno de los nuestros”. Formado en el Conservatorio de Paris durante nueve años, alcanzó el premio final de carrera en la especialidad de Clarinete. Los que somos músicos sabemos que este premio no se lo dan a cualquiera y menos en París. Y no solo eso, también dominaba el saxofón, el acordeón y la estética del jazz. Y para más inri, cursó estudios de Magisterio. De casta le venía al galgo. Por lo que he podido leer en la Wikipedia su padre era solista de trompeta en una orquesta profesional francesa. Todo parecía indicar que seguiría sus pasos.
Sin embargo no fue así. La pirueta profesional que Giorgie realizó es sorprendente y a mi entender digna de elogio.
No discutiremos la calidad de su obra desde una óptica musicológica y tampoco caeremos en una crítica fácil propia de los sectores elitistas y puristas de la música clásica. Evidentemente, la música de Geogie Dann es lo que es y poco más. Pensada para que penetre en tu disco duro y jamás la olvides pues es casi imposible de borrar.
Simple y efectiva. Si se quiere, un bocadillo de mortadela comparado con la cocina creativa de “El Bulli”. Pero que levante la mano a quien no le gusten los bocadillos de mortadela con aceitunas.
Era muy joven cuando bailé “El Bimbó” con mi primer amor de verano (por cierto no correspondido). Han pasado más de 40 años y todavía guardo en mi mente la melodía y la singular coreografía que acompañaba aquella canción. Esa es otra, su propuesta siempre ha sido un concepto escénico global
Pero no le demos más vueltas al debate de la calidad. Todo tipo de música es necesaria. Y esta también.
Vayamos más allá. En este blog se reflexiona continuamente sobre las competencias que deben atesorar los músicos actuales para desarrollar una profesión sostenible y sostenida en el tiempo. Recientes investigaciones (sobre todo anglosajonas) nos dicen que los músicos con más exito profesional son aquellos capaces de desarrollar su labor en diferentes ámbitos y en diferentes tipos de música. En definitiva, ser polifacético. Así era ya en el siglo XVIII. J.S. Bach se ganaba la vida dando clases a aficionados, era organista y clavecinista, copiaba partituras y tuvo tiempo además para componer las obras más importantes de la historia de la música. También para engendrar y criar una caterva de hijos aunque desconocemos su grado de implicación en las tareas domésticas.
Georgie Dann era polifacético . Creo que debemos aprender mucho de su obra, apreciar su versatilidad y su capacidad de transformación más allá de cualquier prejuicio estético. En el día de su triste fallecimiento, es portada de todos los diarios nacionales y medios de comunicación, Hoy muchos lamentan la pérdida de un gran artista. Algo tendrá el agua cuando la bendicen.
Para finalizar, queremos expresar nuestro sincero reconocimiento y respeto. Pero sobre todo poner en valor el ejemplo de alguien creativo, valiente y original. Clarinetistas buenos hay muchos/as pero Georgie Dann solo ha habido uno.
https://coessm.org/wp-content/uploads/2021/11/701-georgie-dann-logo-655x368-1.jpg368655Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2021-11-04 13:02:502021-11-04 13:03:09Muere Georgie Dann: un músico extraordinario por Manuel Tomás Ludeña
¿Alguna vez has necesitado renovar tu repertorio y no lo has conseguido? ¿O tal vez ya tenías las obras en mente pero no has encontrado las partituras? Este problema puede ser muy frustrante para un director, pero que no cunda el pánico: hay soluciones. En el artículo de hoy os daremos una lista detallada de sitios web donde puedes descargar partituras de orquesta, banda y coro. Sea cual sea el tamaño de la agrupación, encontrar partituras es uno de los mayores retos para un director. Cuando se trata de sacar el máximo partido a un tiempo de ensayo limitado, asegurarse de que todos los intérpretes tienen una partitura adecuada a su nivel puede ser de gran ayuda. No obstante, encontrar sitios web donde encontrar partituras puede ser difícil. Google es un gran aliado, pero la inmensidad de internet puede abrumar a la hora de ser eficaces y encontrar lo que realmente necesitamos. Por eso hemos elaborado esta lista de los 50 mejores sitios con partituras para orquesta, banda, música coral y mucho más.¡No te las pierdas y descubre, renueva y sorprende con nuevo repertorio original a tu agrupación!
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https://coessm.org/wp-content/uploads/2021/10/691-paginas-web-partituras-banda-coro-orquesta.png3841120Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2021-10-28 20:05:112021-10-28 20:36:00Las 50 mejores páginas de descarga de partituras para banda, coro y orquesta
Puede que a muchos os suene este apellido. La Historia de la Música (la que va en mayúsculas, la más académica y convencional, la que se pierde un poco en aquellos tiempos que fueron antes y después del Barroco-Clasicismo-Romanticismo) nos dice que fue uno de los dos discípulos de Schoenberg.
Los tres juntos, Schoenberg y sus dos discípulos Berg y Webern, forman la que se ha llamado Segunda Escuela de Viena. La primera la forman las famosas tres B: Bach-Beethoven-Brahms. No sé si lo habrán notado, pero todos ellos son centroeuropeos, cuestión que ha suscitado ciertos recelos entre estudiosos y musicólogos. De alguna manera, la Historia de la Música (la de las mayúsculas) parece estar bastante centrada en determinadas coordenadas espacio-temporales, siendo esto algo que ha ido cambiando con el paso del tiempo, pero que sigue bastante arraigado. Sin embargo, no voy a entrar más en ello porque podría darnos para otro artículo fácilmente.
También merece la pena que les informe de un aspecto: en la Historia hay dos compositores con apellido similar: Webern y Weber. No los confundan o serán blanco fácil de los más listillos: el que nos atañe es el que lleva la ene al final. El que va sin ene es Carl Maria von Weber (1786-1826), compositor romántico (alemán también), conocido por la ópera El cazador furtivo. El que nos ocupa es el otro: Anton Webern (1883-1945).
Pues bien, Schoenberg, sin desprenderse del todo de la tradición, pero tratando de ser innovador, creó un sistema de composición (dodecafonismo) que se basaba en la serialización de las alturas. Para quien quiera saber más aquí puede leer:
Sus alumnos continuaron componiendo en este estilo, siguiendo con mayor o menor rigor estas serializaciones. Webern compuso música tanto empleando este sistema como sin él. Pero lo realmente interesante de Webern es que sentó las bases de gran parte de los derroteros que tomaron los compositores más vanguardistas que vinieron después.
Yo, personalmente, me quedo con dos aspectos. La importancia del gesto y del timbre en sus obras. Por una parte, condensaba el material que empleaba en pequeñas células o motivos donde se encontraba el, digamos, ADN de todas sus piezas. Y, por otra parte, tenía en cuenta aspectos tímbricos, es decir, no “solamente” importaban las notas y figuras en sus composiciones, sino que era muy importante la manera en que estas se tocaban y las características tímbricas de cada gesto musical. Cuando hablamos de timbre nos referimos a las cualidades intrínsecas del sonido, que dependen de factores físicos y acústicos un tanto complejos, pero que nos permite, por ejemplo, diferenciar entre un do3 tocado por una trompeta y el mismo do3 tocado por un piano. También el mismo do3 tocado por una trompeta con sordina o sin sordina. Si quieren saber un poco más de este elemento pueden leer:https://es.wikipedia.org/wiki/Timbre_(acústica)
La cuestión es que el timbre no había sido tratado en demasiada profundidad por la mayoría de los compositores anteriores, pero él comienza a poner el foco en este parámetro del sonido que, más adelante, será el eje vertebrador de muchas composiciones del s.XX. Un ejemplo de esto fueron los compositores espectralistas (les recomiendo este podcasts del programa Mikrokosmos de algunos compañeros del Conservatorio Superior de Música de Valencia en el que hablan de esto: http://www.upv.es/rtv/radio/microkosmos/64409)
Las obras de Webern están compuestas teniendo en cuenta al milímetro cada uno de los elementos de la música. Puede gustar más o menos, pero técnicamente son casi perfectas. Seguramente como consecuencia de esto, sus composiciones son generalmente breves y toda su obra está grabada en apenas dos CD.
Para lo último me he dejado el tema de su muerte, bastante curioso y controvertido. Circulan varias hipótesis en torno a ella, pero como yo no me atrevo a decantarme por ninguna, les dejo aquí un par de artículos por si les ha picado la curiosidad.
https://coessm.org/wp-content/uploads/2021/10/689-Anton-von-Webern.png9601858Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2021-10-28 11:43:012021-10-28 11:43:23Webern, el que va con ene por Esther Pérez Soriano
Como ya les informamos hace algunos días, María Hernández Pastor, alumna formada en la Escuela de Música la AAMY, ha comenzado este curso escolar a impartir clases en la misma, como profesora de contrabajo y bajo eléctrico.
Además, María fue seleccionada para formar parte del espectáculo musical y gastronómico Wah que inició sus interpretaciones a principios de octubre en las instalaciones de IFEMA en Madrid.
Wah, es un espectáculo inédito en Europa, donde durante 5 horas se puede disfrutar de una experiencia totalmente inmersiva en la que se combinan una espectacular puesta en escena y vestuario, con los mayores éxitos musicales de la historia. Pero además en su Food Hall se podrá viajar por la cocina de todo el mundo (China, España, México, Estados Unidos, Italia…), en un espacio gastronómico que se podrá disfrutar antes y después del show.
A continuación, pueden conocer un poco más a María Hernández Pastor: su trayectoria, su planteamiento pedagógico, sus vivencias; a través de la entrevista realizada a la profesora desde el Departamento de Comunicación y Prensa de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla:
https://coessm.org/wp-content/uploads/2021/10/676-MARIA-HERNANDEZ.jpg225540Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2021-10-21 16:14:132021-10-21 16:14:36Hablamos con la Profesora María Hernández Pastor
“Y para hablar de todo, en el pueblo hay una banda de música que presta su servicio, amenizando las funciones del mismo o anunciando la inauguración de alguna tienda”.
En 1891, Ildefonso González y Valencia, profesor de instrucción primaria en Carabanchel Bajo, escribió una extensa crónica que termina con la frase con la que se abre este artículo.
Es la primera mención que existe a una banda de música en Carabanchel. Esta fue la pista que me hizo tirar de la cuerda para profundizar en la historia de las bandas de música en nuestro barrio.
Aunque Ildefonso González hace esa mención, apenas hay información sobre la existencia de la banda de Carabanchel Bajo hasta 1908, año en que sí sabemos, según la prensa de la época, que había una banda en el pueblo que actuaba en diferentes eventos y festividades. Incluso, en esos años, Carabanchel Alto tuvo también su banda.
Se funda oficialmente en 1912
Mariano Gómez Camarero
Sin embargo, hay que esperar hasta abril de 1912, momento en que nace la Banda de Música de Carabanchel Bajo, con el amparo de su ayuntamiento. En ese momento, Mariano Gómez Camarero, un reconocido y joven músico toledano, consiguió ganar la plaza de director ante 17 aspirantes. Bajo su batuta, la banda disfrutó de sus mejores años y consiguió su premio más destacado, imponiéndose a las bandas de Leganés, Colmenar de Oreja y San Martín de Valdeiglesias en un importante concurso celebrado en el Parque del Retiro en 1915. La foto que abre este artículo muestra a la banda en plena actuación. Dicen las crónicas de la época que fue tal la asistencia de público a este concurso que las autoridades tuvieron que poner orden porque el aforo estaba más que completo.
Desde ese momento, la banda de Carabanchel gana mucho prestigio, actuando en diferentes municipios de Madrid e incluso en Toledo, donde va invitada por el ayuntamiento de la ciudad por ser la cuna de su director. En esos años, la banda es muy activa y actúa en multitud de eventos y fiestas de Carabanchel: desde las tradicionales fiestas de Santiago (25 julio) a las celebraciones por el fin de curso de la Escuela de Reforma Santa Rita; la inauguración de comercios o las corridas de toros de la plaza de Vista Alegre, que se inauguró en 1908. En ese momento se afirmaba con rotundidad que, tras la Banda Municipal de Madrid, la de Carabanchel era la mejor banda de toda la región. Y estaba formada por trabajadores, todos obreros, entre 30 y 40 músicos en total.
La partida de Gómez Camarero
En 1925, Gómez Camarero deja la banda para trasladarse a Córdoba, donde refundaría la banda municipal de esta ciudad. La mudanza la hizo con su familia, su mujer Trinidad Muñoz Grandes, hermana del capitán general Agustín Muñoz Grandes y junto a su pequeño hijo Mariano Muñoz, que había nacido en 1919.
La pareja se conoció y se casó en Carabanchel, acomodándose en la casa de los Muñoz Grandes, situada en la actual calle Eugenia de Montijo (por aquel entonces, Marqués de Salamanca). En esa casa, situada frente al ya desaparecido pub Chaiz, nació su hijo Mariano.
La actividad de Gómez Camarero en Córdoba fue muy prolífica, pero fue herido en la guerra civil, quedando inválido y muriendo en 1938. Su viuda, Trinidad, volvió a Carabanchel donde murió en 1976, siendo enterrada junto a su hermano Agustín en el cementerio de San Sebastián.
Segundo director: Victorino Echevarría
Tras un paréntesis después de la partida de Gómez Camarero, en que se suceden algunos directores con menor reconocimiento (maestro Linares y Francisco Gómez), asume la dirección de la banda de Carabanchel, al menos desde 1933, el maestro y compositor palentino Victorino Echevarría López, prestigioso compositor y director que llegaba de Berlín tras disfrutar de una importante beca de estudios.
Bajo su dirección estalla la guerra civil, momento histórico en que la banda de Carabanchel juega un papel clave. El argentino Víctor de Frutos relata en su libro “Los que no perdieron la guerra” cómo Victorino Echevarría se acercó al cuartel de reclutamiento de milicianos, situado en Campamento, para ofrecer a su banda al ejército republicano.
“Los músicos se hicieron presentes; sin poderlo afirmar, no eran menos de treinta, portando sus imprescindibles instrumentos. Fueron alojados en un pabellón independiente donde pudieran ensayar a su gusto, sintiéndose cómodos en la nueva situación”, señala De Frutos.
La alegría de los soldados fue inmensa. «Tendríamos a la Banda Municipal de Carabanchel, que era considerada la segunda en categoría después de la Banda Municipal de Madrid. Su director, al pedir un fusil, no dejaba dudas de que interpretaba el deseo del resto de los integrantes de aquella institución», narra De Frutos en su libro.
Y concluye: «Es difícil imaginarse la emoción que sentimos los responsables improvisados de aquella organización cuando vimos desfilar a la Banda Municipal de Carabanchel al frente y, de cuatro en fondo, a los carabancheleros del Batallón Primero de Mayo».
Retrato de Victorino Echevarría, por el pintor Rafael de Infantes
El fin de la banda
Victorino Echevarría fue director durante al menos siete años, pues tras la guerra civil, la banda de Carabanchel se disolvió y no volvió a actuar o, al menos, no he encontrado ninguna referencia.
De hecho, en enero de 1948, momento de la reapertura de la parroquia de San Sebastián tras los daños sufridos en la contienda bélica, actúa en la Plaza Mayor de Carabanchel la Banda Municipal de Madrid, dirigida por Jesús Arámbarri.
En ese mismo año, Victorino Echevarría se convirtió en director suplente de la Banda Municipal de Madrid, que fue la única que sobrevivió a la contienda y a la anexión de los pueblos que circundaban Madrid a la capital. Al final, en 1953 se convertiría en director adjunto de la banda madrileña y en 1961 en director titular, consiguiendo también importantes éxitos con esta formación.
La Banda Municipal de Madrid durante la reinauguración de la Parroquia de San Sebastián (20 de enero de 1948)
https://coessm.org/wp-content/uploads/2021/10/675-Foto-v0-Revista-Diapason-Banda-de-Carabanchel.jpg300574Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2021-10-21 14:30:492021-10-21 14:31:04¿Sabes que Carabanchel también tuvo su Banda de Música?
Su ciudad natal condecoró a este lorquino ilustre con el nombramiento de Hijo Predilecto de la localidad. Además, una calle de la ciudad porta su nombre junto a una escultura que le rinde homenaje, así como un instituto de Educación Secundaria recibe también el nombre de tan grande músico.
