De nuevo el CIBM apuesta en sus estrenos por compositores valencianos.
En esta edición de 2022 una de las obras que se podrán escuchar por primera vez será El Quervo. Symphonic Variations on a Folk Song. For Wind Band del compositor Martínez Gallego.
La composición será interpretada como obra libre en 1ª Sección por la Asociación Musical Moteña de Mota del Cuervo (Cuenca). El Ayuntamiento de dicha población ha sido el artífice de este encargo para la agrupación musical, de la cual es director, José Enrique Martínez Esteve. La obra está construida en 4 movimientos que se ejecutan ininterrumpidamente, basada en un tema popular “Segudillas Torrás” de esta misma población.
La musicóloga Carmen Noeda, perteneciente a la asociación, nos describe la composición de la forma siguiente:
Portada de El Quervo
“Existen sonoridades volcadas en experiencias recónditas. Su escucha, a distancia de años, de siglos, es el hilo musical de nuestra infancia, de tantas vidas. El Quervo encierra la poderosa afirmación de un pueblo que vibra en el centro de La Mancha. De su cotidianidad se destila la emoción inmediata ante aquellas fechas que distinguen su calendario, la pervivencia de sus tradiciones, la integración de sus cantos y danzas como memoria viva. Mota del Cuervo no ha dejado que su folclore duerma el sueño de los justos. Resuenan como centinelas las voces de sus vecinos más longevos, directas al oído atento de generaciones que supieron mimar su riqueza musical. La Asociación Musical Moteña ha crecido en el roce de un acervo común que ahora despierta una necesidad creadora subyacente a cerca de cuarenta años de actividad. Este proyecto nace del dinamismo y la singularidad de un fértil repertorio intrincado en la vida de sus gentes. Las variaciones sinfónicas que componen El Quervo germinaron de las formas del folclore manchego inherentes a Mota del Cuervo: sus seguidillas ‘torrás’. La asimilación de su vertiginoso material temático despliega en el arranque de la obra una fuerza primigenia que atraviesa los cuatro movimientos sin interrupción, como una suerte de espiral activa de protagonismo indiscutible en su discurrir. Asoma en El Quervo el cuidado de su disposición estructural, la insistencia en el contraste rítmico, la nitidez de texturas que alternan densidad y esparcimiento o la integración del trazo popular y su distinción en bloques tímbricos extremos, en la minuciosidad de la escritura solística. Este juego entre la confirmación del sustrato popular y sus variaciones reposa en la diversidad de constantes metamorfosis que superponen paisajes sonoros experienciales. Se evoca así una trama de referencias imaginarias sobre Mota del Cuervo en los ecos de su leyenda, en el engranaje que empuja sin cesar las aspas de los molinos que coronan su sierra, en la algarabía de sus fiestas o la luminosidad de su laguna de Manjavacas. El proceso creativo de El Quervo indaga en el cordón umbilical que conecta a los moteños y a quienes se sienten moteños: la asunción de una tradición oral viva, la que convierte El Quervo en una invitación a la memoria de su escucha. “
Sin duda, una obra maestra valenciana que deleitará al público el próximo 16 de julio retomando de nuevo la esperada reanudación de este Certamen Internacional.
La formación de música histórica, dirigida por Carles Magraner, inicia en Orán una serie de cuatro conciertos (dos en Orán, Mostaganem y Argel); en los que en dos de ellos actuará junto al grupo argelino Ensemble Ibn Badja
La iniciativa artística en el país magrebí cuenta con la colaboración de Casa Mediterráneo, el Ministerio de Cultura-INAEM, Instituto Valenciano de Cultura, Fundació Baleària y los Institutos Cervantes de Argel y Orán
La formación profundiza en estos conciertos en las músicas tradicionales valenciana y argelina, así como las de la Edad Media y renacentistas, sustentadas en las raíces que compartieron durante siglos
Magraner: “Estamos muy satisfechos de volver a compartir unas músicas que ponen en evidencia lo próximas que son, en esencia, nuestras culturas”. El violagambista considera que “el Mediterráneo es un lugar de encuentro”
Magraner (violas) cuenta para esta gira con la soprano Carmina Sánchez, y los intérpretes Belén Nieto (flautas), Eduard Navarro (bandurria, cornamusa y dulzaina), Robert Cases (tiorba y guitarra), y Miguel Ángel Orero (percusión)
Orán (Argelia), 13 de mayo de 2022
Capella de Ministrers realiza una gira por Argelia en la que ofrecerá un total de cuatro conciertos: dos en Orán, uno en la ciudad de Mostaganem y otro en el Instituto Cervantes de la capital del país, Argel, donde finalizará este viaje musical. La formación, un referente internacional en la música histórica, lleva una propuesta intercultural en la que brinda programas de música tradicional y renacentista en una iniciativa artística que cuenta con la colaboración de Casa Mediterráneo, el Ministerio de Cultura-INAEM, Instituto Valenciano de Cultura, Fundació Baleària y los Institutos Cervantes de Argel y Orán.
El primer concierto lo ofreció Capella de Ministrers en el Teatro de la Fourmi de Orán con el programa Raíces de España el 11 de mayo; y en el Teatro Regional de la misma ciudad argelina actuaron con Moresca junto al Ensemble Ibn Badja de Mostaganem, el 12 de mayo. La gira prosigue, hoy 13 de mayo, en el Teatro Regional de Mostaganem con Moresca y la participación del Ensemble Ibn Badja y finalizará el 14 de mayo en el Instituto Cervantes de Argel con el programa Raíces de España.
La formación profundiza en estos conciertos en las músicas tradicionales valenciana y argelina, así como las de la Edad Media y renacentistas, sustentadas en las raíces que compartieron durante siglos. De hecho, la primera fase de la expulsión de los moriscos entre 1609-1614 se dirigió precisamente a territorio argelino.
Carles Magraner, director de Capella de Ministrers, ha manifestado que “estamos muy satisfechos de volver a compartir unas músicas que ponen en evidencia lo próximas que son, en esencia, nuestras culturas”. El violagambista y musicólogo considera que “el Mediterráneo es un mar que debe servir como lugar de encuentro”, y destaca que “la acogida que nos dispensa el público argelino en los conciertos es muy calurosa”.
Magraner (violas) contará para este repertorio en el país magrebí con la soprano Carmina Sánchez, y los intérpretes Belén Nieto (flautas), Eduard Navarro (bandurria, cornamusa y dulzaina), Robert Cases (tiorba y guitarra), y Miguel Ángel Orero (percusión).
Obras tradicionales y renacentistas
Los programas incluyen obras tradicionales como la canción de cuna Xiqueta meua, Nans de Xàtiva i fandanguet, Açoch, danza de las tres culturas, La dama d’Aragó, Tocs de Morella, Bolero de l’Alcúdia, Shatakhi & Zurni o Mareta; junto a otras piezas del siglo XIII al XVI de prestigiosos compositores de la época o anónimas como el Dindirindín del Cancionero de Montecassino, Folies les Caterines, Españoletas, xacaras y tarantella de Lucas Ruiz de Ribayaz, Perla mya cara, Brocat i dansa (cantiga de Alfonso X el Sabio), los Gozos a Nuostra Senyora la Antigua de Juan Bautista Comes; y andalusíes argelinas.
Capella de Ministrers, un grupo musical que celebra 35 años de trayectoria artística en este año, trabaja desde sus inicios en la recuperación y difusión del patrimonio musical que ha rescatado y difundido en más de 1.600 conciertos y recogido en esmerados trabajos discográficos y en varias participaciones, recopilatorios y cds promocionales.
Labor investigadora
Su labor investigadora se remonta hasta la Edad Media en la que ha abordado diferentes culturas. Obtuvo el prestigioso Premio Internacional de Música Clásica (ICMA) y el Premio Carles Santos en 2018, ha sido finalista de los Premios ICMA en 2021 y dos de sus discos fueron nominados en 2022, entre otros muchos galardones a lo largo de su historia.
La formación ha actuado en prestigiosos auditorios nacionales e internacionales y publicado trabajos en torno a la música de la corona de Castilla y de Aragón, árabe-andalusí, sefardí, cristiana, de la España virreinal del Nuevo Mundo, La ruta de la seda, el Misteri d’Elx, los Borja, medieval, renacentista, el Siglo de Oro, barroca, del Mediterráneo, zarzuela…
https://coessm.org/wp-content/uploads/2022/05/396-2022-02-Capella-de-Ministrers.-Oran-3691.jpg19201483Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2022-05-13 17:18:392022-05-13 17:19:06Capella de Ministrers realiza una gira por Argelia con programas de música tradicional y renacentista
Dentro de los diversos estilos de pasodobles, hay uno muy especial, los Pasodobles-Himnos, composiciones musicales dedicadas a algún colectivo social, religioso, lúdico, festivo, deportivo, etc.
La palabra himno, tiene diversas definiciones dentro del Diccionario de la RAE, de las que nosotros nos vamos a quedar con la siguiente:
Composición musical emblemática de una colectividad, que la identifica y que une entre sí a quienes la interpretan.
Asimismo en su primigenia, un Himno es un canto o un texto lírico que expresa sentimientos positivos, de alegría y de celebración. En la antigüedad era una composición coral dedicada a una divinidad, y que fue retomada durante la Edad Media con pleno valor litúrgico en la literatura latina cristiana, como por ejemplo con el “Pange lingua” de Tomás de Aquino para la conmemoración del Corpus Cristhie.
Puede estar dedicado a dioses, un santo, un héroe o a una persona célebre, también puede estar destinado a celebrar una victoria u otro suceso memorable o a expresar júbilo o entusiasmo, aunque en este caso estaría mejor llamarlo oda.
Igualmente puede ser una composición musical que identifica a una colectividad, una región, un pueblo o una nación y que une a quienes la interpretan (como hemos dicho según la RAE), y a estos últimos pertenece la obra de la que vamos a hablar hoy.
Los Labradores es el Himno de la Federación de Peñas de San Isidro de Yecla, entidad encargada de la organización de las tradicionales y populares fiestas que durante el mes de mayo se celebran en la ciudad de Yecla, en honor de San Isidro Labrador.
Este pasodoble-himno está compuesto por el músico yeclano Pedro Navarro Ruano y tiene letra escrita por Inmaculada Navarro Ruano.
Portada “Los Labradores” Pasodoble Himno de la Federación de Peñas de San Isidro de Yecla.
La devoción en Yecla por San Isidro Labrador, patrón de los agricultores, se remonta a los inicios del siglo XIX, cuanto entre los años 1816 y 1818 se constituyó la Real Empresa de Iluminación de Aguas de San Isidro, empresa fundada con el objetivo del alumbramiento de aguas en las inmediaciones del paraje del Cerrico de la Fuente, y que poco después fructificarían al conseguir alumbrar el nacimiento de un importante caudal, siendo el éxito de esta empresa el motivo para que se iniciase a celebrar el culto a San Isidro en Yecla, encargándose una imagen que fue puesta al culto en una capilla de la Ermita de Santa Bárbara. A partir de esta fecha se empezó a celebrar la onomástica del Santo, con hogueras la tarde noche de la víspera el 14 de mayo, a las puertas de la Ermita de Santa Bárbara, donde se disparaban cohetes y tracas y repicaban las campanas y el día 15 de mayo, procesión por la mañana seguida de una Misa Solemne.
En el año 1941 se fundaron en nuestro país las “Hermandades Sindicales de Labradores y Ganaderos” las cuales se constituyeron bajo el patronazgo del santo madrileño, siendo las promotoras de las Fiestas en honor de San Isidro en toda España, entre ellas la de Yecla; Junto al Arcipreste Esteban Díaz, la Sección Femenina y las gentes del campo. En el año 1943, la Hermandad tomó el acuerdo de adquirir una talla de San Isidro al escultor alcoyano Miguel Torregrosa Alonso. La imagen llegó a Yecla el día 14 de mayo de 1945, celebrándose al día siguiente, 15 de mayo, la primera procesión en su honor y que sería el origen de las actuales Fiestas de San Isidro en Yecla.
Hasta 1948, los festejos eran fundamentalmente de carácter religioso. A partir de 1949 se empiezan a incluir otros actos como el desfile, la ofrenda y una exhibición de folclore local. En 1950 se incorporan carros engalanados, origen de las actuales carrozas, aunque la técnica de los “papelicos” aún tardaría otro año en llegar. Las Fiestas de San Isidro vivieron durante la década de los años 50 un periodo de gran consolidación y esplendor.
A partir de 1952 comenzó a realizarse la conocida como Batalla de Flores y el Concurso de carrozas. Durante la misma eran arrojadas desde las carrozas y balcones de las casas gran cantidad de flores, dulces, confetis y serpentinas y se estableció la primera entrega de premios a los mejores vehículos y animales engalanados, así como a los labradores y labradoras ataviados con el traje típico local. A partir de entonces han aumentado los premios, donados tanto por organismos oficiales como por empresas particulares. Los temas de las carrozas antiguamente iban relacionados con el campo y los títulos eran críticas en forma de verso. Hoy en día el tema ha variado, en la categoría de adulta son temas relacionados con el campo, Yecla y costumbres populares; mientras que en la categoría infantil, son más temas de fantasía.
Actualmente la Federación de Peñas está formada por más de 50 peñas federadas, lo que supone un total de más de 2000 peñeros/as que hacen que durante los días de fiesta la ciudad de Yecla sea un bullicio de color, música y alegría. La Federación organiza, junto con la Concejalía de Festejos una gran cantidad de actos, centrados en los dos fines de semanas más cercanos al día 15 de mayo.
El 14 de mayo de 2021, las Fiestas de San Isidro Labrador de Yecla, obtuvieron por parte de la Secretaría de Estado de Turismo la declaración de Interés Turístico Nacional, en reconocimiento a los valores culturales y de larga tradición cultural que representan. “La elaboración artesanal por parte de las peñas de las más de 60 carrozas que suelen participar en la Gran Cabalgata, representando aspectos relacionados con la labranza, convierten estas fiestas en unas celebraciones repletas de originalidad y de atractivo turístico para todos los visitantes que acuden a Yecla en esas fechas”.
Pedro Navarro Ruano:
Nace en Yecla (Murcia) en 1974. Comienza sus estudios musicales en la Escuela de música de la Asociación de Amigos de la Música de su ciudad natal. Continúa sus estudios en el Conservatorio Profesional de Música de Villena en la especialidad de trombón, en el que obtiene el Título de Profesor en 1998, perfeccionando sus estudios en dicha especialidad con los profesores Raúl García, Mario Calvo Ponce, Indalecio Bonet y Baltasar Perelló. Realiza cursos de dirección de Banda con José R. Pascual Vilaplana, Ricardo Correa y Jan Cober.
En su faceta como compositor ha estudiado con profesores como Ramón Ramos, César Cano, Andrés Valero y Emilio Calandín, Francisco Tamarit, Gregorio Jiménez entre otros, con los que obtiene en 2006 el Título Superior de Composición en el Conservatorio Superior “Joaquín Rodrigo” de Valencia. Asiste a los cursos de Análisis Musical que Organiza el Festival de Música de Granada con los profesores Ivan Nommick, Francesc Cortés, Benet Casablanca, así como otros cursos impartidos por el compositor Sergio Blardony, Tomás Gilabert o la compositora y pedagoga húngara Katalin Szekely. Tiene en su haber distintas composiciones para banda, grupos de cámara, coro, así como obras electroacústicas. Su música ha sido interpretada tanto en nuestro país, como en otros países, Italia, Reino Unido, China, Japón, Corea del Norte, E.E.U.U.
Pedro Navarro Ruano.
En su labor como director de Coro, ha realizado cursos y seminarios con los directores Javier Busto, Albert Alcaraz, Esteban Sanz Vélez, Alonso Gómez Gallego, Marco Antonio García de Paz, Basilio Astulez, Julio Domínguez, César Alejandro Carillo, Tamara Brooks, Vytautas Miskinis, Rupert Damerell y Peter Phillips. Perfecciona su técnica vocal con los profesores José Ramírez, Carmen Lorenzo, Ricardo Castelló y Vincenzo Scarafile.
A lo largo de su carrera ha dirigido la Banda Juvenil de la Escuela de Música y el Coro Polifónico “La Purísima” de la A.A.M. de Yecla. En enero de 2008 se hace cargo de la dirección del Coro de la Unión Musical de Almansa (Albacete) y en 2009 del coro Voces de Hécula de Yecla (Murcia).
En julio de 2009 colabora con miembros de la Deustche Oper Berlin y su director de coro William Spaulding en la realización de la Ópera “La Flauta Mágica” en el I Festival Internacional de Música de Almansa.
En noviembre de este mismo año consigue el 1º Premio junto a la Coral Unión Musical de Almansa, en el V Certamen de Canción Castellana “Villa de Fuensalida” (Toledo).
En 2012 obtiene el Título Superior de Dirección de Coro bajo la tutela del profesor Ángel Martín Matute, en el Conservatorio Superior de Música de Murcia. Ha sido profesor de diversos Conservatorios de Música en la especialidad de Fundamentos de Composición, entre los que destacan Toledo, Almansa, Albacete, Alcázar de San Juan, Cieza, Jumilla y Pilar de la Horadada, así como el Conservatorio Superior de Castilla la Mancha.
Desde 2016 es socio fundador de Aedcoro, Asociación Española de Directores de Coro. En 2017 obtiene el título de Máster en Investigación Musical por la Universidad Internacional de la Rioja elaborando un trabajo de investigación sobre el análisis de la música de Tomás Luis de Victoria.
Actualmente compagina su labor de director de coro y compositor con la de docente como profesor en la especialidad de Fundamentos de Composición.
“Los Labradores” pasodoble-himno de la Federación de Peñas de San Isidro fue compuesto en el año 2004 por Pedro e Inmaculada Navarro Ruano, como autores de la música y la letra respectivamente, para representar el sentir de un pueblo en sus fiestas más populares.
Letra “Los Labradores”.
Según explican en la editorial GTE Música, donde se puede adquirir esta partitura: “La obra está estructurada en tres grandes secciones, a las que habría que añadir su introducción. Se trata de un Pasodoble que además hace las veces de Himno, ya que contiene un texto para ser cantado. Esta obra pretende poner música a las Fiestas de San Isidro Labrador que se vienen celebrando desde hace muchos años y que destacan por su gran colorido y participación de un pueblo totalmente entregado a ellas. Musicalmente hablando, la obra intenta adentrarse en el folclore y las tradiciones, es por ello que, tras la introducción, que recuerda al pasodoble “España Cañí”, comienza el 1º tema, elaborado con una melodía sencilla y pegadiza junto a su contrapunto, que rememora a los pasodobles clásicos de estilo taurino. Llegada la 2ª sección, el pasodoble se adentra en el folclore local, realizando citas literales de dicho folclore con el que tan ligada está esta fiesta vinculada a las tradiciones y a la agricultura. La obra finaliza con la 3ª sección que se adapta fielmente al texto. Texto que describe cada una de las escenas de la fiesta. Tema que, por otra parte, con el paso de los años, se ha hecho más popular en la ciudad y que recuerda a la música de un género tan nuestro como es la Zarzuela. En definitiva, es una obra pensada para representar a una fiesta multitudinaria, de corte sencillo y popular, que refleja el carácter y el sentir del pueblo yeclano”
En el siguiente vídeo, además de conocer las Fiestas de San Isidro de Yecla, podrán escuchar la grabación del estreno de dicho pasodoble realizada en el Teatro Concha Segura de Yecla, e interpretado por la Banda de Música y el Coro “La Purísima” de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla, dirigidos por Ángel Hernández Azorín.
– Archivo Pedro Navarro Ruano
– Archivo de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla (AAMY).
https://coessm.org/wp-content/uploads/2022/05/395-2022-Revista-Diapason-Los-Labradores-portada.jpg681463Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2022-05-12 20:13:472022-05-12 20:14:06Los Labradores por José Miguel Ibáñez Lax
Durante los últimos años, nos hemos visto inmersos en la preparación de este proyecto tan especial que tuvo su presentación en la Comunidad Valenciana en el verano de 2013, teniendo una gran aceptación entre los alumnos participantes y entidades organizadoras.
Las once ediciones que ya se han celebrado del mismo y por el que ya han pasado casi 200 alumnos. No obstante, para aquellos que no conocéis esta iniciativa formativa permitidme que os presente MUSICA·MAESTRO, un taller eminentemente didáctico orientado a la dirección y al singular entorno pedagógico que la envuelve.
Organiza: Federación Tinerfeña de Bandas de Música
Colabora: Auditorio de Tenerife “Adán Martín”
DIRECTORES:
Vivian Gutiérrez Abreu
Llorenç Mendoza
DIRIGIDO:
A Directores/as de Banda, Orquesta y Ensembles, estudiantes y músicos profesionales con o sin experiencia.
AGRUPACIÓN MUSICAL A DIRIGIR EN LAS SESIONES PRÁCTICAS:
A determinar entre:
Banda de la Federación Tinerfeña de Bandas de Música.
Grupo instrumental y/o vocal formado por alumnos/as.
Ensembles.
LUGAR DE REALIZACIÓN:
El curso se llevará a cabo:
Entre los días 11 y 23 de Julio de 2022 en la Sala Puerto del Auditorio de Tenerife “Adán Martín”
Avda. de la Constitución nº 1, C.P. 38003, Santa Cruz de Tenerife (Tenerife- Islas Canarias- España).
Y los días 23 y 24 de Julio en el Teatro el Sauzal
https://coessm.org/wp-content/uploads/2022/05/394-2022-XIII-Curso-de-Direccion-de-Banda-Orquesta-y-Coral-Fed-Tinerfena-2022.jpg19201429Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2022-05-12 17:53:212022-05-12 20:07:46XIII Curso de Dirección de Banda, Orquesta y Coral
La Unió Musical de Marratxí, en Mallorca, hemos diseñado un concurso de composición para bandas de música y hace unos días iniciamos el plazo de presentación de solicitudes
Bases
La Asociación Unió Musical de Marratxí, con la colaboración del Ayuntamiento de Marratxí, convoca el I Certamen de Composición para Bandas de Música «Fira del Fang». El objetivo del concurso es aportar un nuevo repertorio a las formaciones bandísticas y dar oportunidades a los compositores y compositoras actuales, ofreciendo un espacio y un instrumento con el que estrenar sus obras.
1. La participación del certamen está abierta a compositores/as mayores de edad sin restricciones según la procedencia.
2. Las composiciones deberán ser originales, inéditas y no estrenadas, entendiéndose por ello:
a. Obra de nueva creación
b. Que no sean copia, modificación o versión de otra obra existente
c. Que no hayan sido interpretadas o divulgadas en ninguna ocasión
d. Que no hayan sido premiadas en otro concurso
e. Que no hayan sido editadas o publicadas por ningún sello discográfico o editorial.
6. El tribunal se reserva el derecho a dejar el premio o premios desierto si estima que las obras presentadas no tienen el nivel necesario.
L’Ateneu Musical de Cullera posarà en marxa un projecte de masterclass de totes les especialitats musicals en les pròximes dates.
L’objectiu d’aquestes classes magistrals serà complementar la formació dels músics de la societat i de tots aquells del municipi i dels voltants que vullguen inscriure’s i també, seguint amb l’esperit que ens va dur a promoure per primera vegada les beques Minerva, promoure el talent musical del nostre poble.
Aquestes classes magistrals seran impartides per professionals de la nostra societat i per altres professors, tots ells de reconegut prestigi, que s’han mostrat disposats a participar en el projecte. La durada d’aquestes masterclass serà d’un dia i la informació i la inscripció en elles es podrà fer a través del mail classesmagistrals@ateneumusical.com. Les masterclass seran gratuïtes per als alumnes que participen regularment en alguna de les agrupacions musicals de la nostra entitat.
Per començar aquest 1r Cicle de classes magistrals, que al llarg del curs inclouran altres especialitats, tindrem l’oportunitat de tindre en la nostra societat als professors Elena Solanes (Violoncel) i Josep Hernández (Contrabaix) el dia 18 de desembre i a Rafa Navarro (Percussió) el dia 4 de gener.
Una vegada més l’Ateneu Musical de Cullera aposta per la formació dels joves músics del nostre poble i els seus voltants, complementant la formació que reben a les escoles de música i als conservatoris amb l’aportació de professionals reconeguts nacional i internacionalment que sense dubte milloraran les competències artístiques i musicals dels alumnes inscrits.
El trabajo “Les dones i la música; una relació dissonant?” nace con la voluntad de poner en el centro las protagonistas olvidadas de la historia de la música.
Por definición, en música, la disonancia es el conjunto de sonidos que el oído percibe con tensión, y que por ello tiende a rechazarlos. Algo parecido ocurre cuando hablamos de la mujer a lo largo de la historia, hablamos de personas rodeadas de convenciones sociales por el poder del patriarcado, por tradiciones y legislaciones que las dejan siempre en una posición vulnerable. Y en el mudo de la música no ha sido distinto.
Este trabajo va por ellas, por las músicas que se enfrentaron a la sociedad de sus épocas para poder desarrollar su talento musical.
Y a las que lo siguen haciendo.
Instrucción del trabajo
Cuando hablamos de la mujer a lo largo de la historia hablamos de personas encerradas por la convención social, por el poder patrimonial de patriarcado, por tradiciones y legislaciones que las dejan siempre en una posición vulnerable. Y en el mundo de la música no ha sido distinto.
¿Por qué no existe una tradición musical femenina? ¿Por qué no existió ninguna mujer con el talento de Mozart? ¿O sí que las hubo y han quedado, tanto ellas como su obra, relegadas al olvido? La búsqueda en la respuesta de este abanico de preguntas silenciadas, constituyen el estímulo para realizar mi trabajo de investigación, un trabajo que tiene como objetivo conocer, estudiar y sacar de las sombras de la inferioridad al colectivo femenino que va apostar por la música.
Siempre he considerado la discriminación de la mujer un tema especialmente interesante, por cómo ha ido evolucionando su historia y por cómo hemos conseguido pasar de una posición totalmente subordinada en todos los aspectos de su vida, a la igualdad (al menos legal) con el hombre, su gran dominador histórico. La música por otra parte siempre ha sido un pilar muy importante en mi vida, actualmente estoy cursando el último curso de grado profesional en el Conservatorio de Música de Tortosa, al tiempo que formo parte de la Banda Municipal de Música de Alcanar . Por eso, desde el principio decidí que quería que mi trabajo girara alrededor de la mujer, pero también de la música, y así, empecé a estudiar la relación entre estos dos mundos, que siempre me han atraído . Pero este campo es increíblemente amplio para poder ser estudiado, puesto que se nos presenta como una fuente inacabable de misterio. Por esa razón, tuve que marcar unos límites en mi investigación y definirla dentro de un ámbito que me era familiar y cercano, las bandas de música. Sin embargo, las bandas de música también son un ámbito muy extenso, por lo que tuve que delimitar aún más mi investigación y establecerla dentro de mi comarca, la comarca del Montsià, centrándola aún más en la banda a la cual pertenezco, la Banda Municipal de Música de Alcanar.
El desconocimiento o, incluso, la carencia incomprensible de interés de la mayor parte de nuestra sociedad por conocer la obra musical de muchas compositoras e intérpretes de diferentes épocas de la historia me hizo plantear la oportunidad que tenía de hacer un estudio del conocimiento de estas mujeres aprovechando el ámbito musical que ya tenía establecido, las bandas.
Por otra parte, partiendo de la realidad que en pleno siglo XX e incluso XXI siguen existiendo una serie de obstáculos e impedimentos que dificultan la presencia de la mujer en un panorama cultural y musical, decidí recoger las experiencias de las primeras músicas de las bandas de la comarca, especialmente las que formaron parte de la Banda Municipal de Música de Alcanar; y dedicar un espacio a sus voces que se encontraron entre prejuicios y normas establecidas. Así como, realizar un estudio de la inserción de la mujer en estas.
La falta de tiempo y la falta de documentos escritos relacionados con las mujeres en las bandas de la comarca, me obligaron a realizar un estudio, un trabajo de campo, basado en las voces de las propias protagonistas: las entrevistas y los resultados de las encuestas.
El documento que tiene en sus manos se divide en dos bloques: un marco teórico y un marco práctico. En el primero se explica de forma breve y general la situación de las mujeres compositoras, directoras e instrumentistas durante la historia, así como los hechos más remarcables de éstas, fundamento para realizar la otra parte. Por otra parte, en el marco práctico se realiza un análisis de las bandas de la comarca y de la inserción de la mujer en éstas, además, consta de un estudio sobre el conocimiento de mujeres músicas reconocidas.
Este trabajo me ha permitido descubrir, conocer y estudiar la vida de unas mujeres que han dejado un legado importante para nuestra y las próximas generaciones, no sólo en el terreno musical sino en el de la igualdad profesional en general, puesto que algunas de ellas lucharon incansablemente por sus derechos, allanando el difícil camino hacia la igualdad.
Yo les invito a hacer un pequeño viaje para adentrarte dentro de una parte de la historia de la música de la mano de unas protagonistas que hasta hace poco habían sido olvidadas.
https://coessm.org/wp-content/uploads/2022/05/8411-Ttreball-d´investigacio-Ariada-Alonso-Sancho.png539442Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2022-05-09 19:59:592022-05-09 20:35:17Les dones i la música; una relació dissonant? por Ariadna Alonso Sancho
El taller-concierto para familias que esperan o van a adoptar un bebé vuelve a l’Almodí esta semana dentro del ciclo Menut Palau del Palau de la Música de Valencia
Está impartido por la psicóloga Amanda Meliá de Alba y el dúo De Soprano y Arpa
Valencia, 9 de mayo de 2022.
El Palau de la Música de Valencia programa esta semana en L’Almodí dentro de su ciclo Menut PalauCon bombo y platillos: La música en las etapas prenatal y perinatal, un taller-concierto de carácter participativo dirigido a familias (gestantes o adoptantes) que esperan un bebé y a público en general interesado en conocer la importancia de la música en la educación infantil desde edades muy tempranas.
La propuesta, que se mantiene en cartelera desde hace ya cuatro temporadas, busca despertar y estimular el interés de las familias por incluir la música como herramienta educativa que impulsa el desarrollo del cerebro del bebé de forma integral.
Durante el taller Amanda Meliá de Alba, doctora en psicología y especialista en psicología evolutiva y trastornos del neurodesarrollo, repasa los hitos evolutivos más significativos en las primeras etapas del desarrollo y que muestran más sensibilidad a la exposición musical. Expone que comprender cómo el cerebro de un bebé procesa la información y la integra es fundamental para ofrecer un ambiente enriquecido. Numerosos estudios confirman que la exposición a la música desde una edad muy temprana favorece el desarrollo de aspectos como la discriminación auditiva o la sincronización, habilidades fundamentales para el desarrollo del lenguaje y la comunicación.
Iniciativas como esta ofrecen a las familias la oportunidad de conocer cómo la música ofrece un marco genuino al respecto, y más si ponen en práctica lo aprendido en un espacio tan emblemático como L’Almodí en compañía del dúo De Soprano y Arpa, formado por la soprano Quiteria Muñoz y la arpista Úrsula Segarra.
El modo en el que el adulto guía en la escucha o la creación de la música, comparte espacio atencional y desarrolla el vínculo afectivo permite al bebé una mejor comprensión del funcionamiento del mundo, según explica Amanda Meliá de Alba. «Es muy importante crear un espacio inclusivo donde familias adoptantes, gestantes, o el público general tomen conciencia de lo poderoso que es hacer música con los más pequeños de la casa». Las integrantes del dúo artístico destacan «No hay que olvidar que los más pequeños de la casa son el futuro público que queremos que llene auditorios y teatros, y para eso son necesarios actividades como esta, donde las familias aprenden cómo escuchar música con los más pequeños».
Los asistentes construyen música de diferentes formas junto con el dúo De Soprano y Arpa, viviendo así el proceso creativo en primera persona, para aprender a analizarlo con ojos educativos. Tomar conciencia a partir de la experiencia de la música en directo tiene tal impacto que muchas familias repiten.
Con el fin de que las familias y el público general pueda dar continuidad en sus casas de lo aprendido en el taller-concierto, tendrán acceso a un libro resumen de los contenidos que podrán descargarse a través de códigos QR expuestos en el recinto.
Horarios e inscripciones
El taller-concierto tendrá lugar los días 11, 12, 13 y 15 de mayo en dos sesiones: a las 11 y a las 12:30 horas. Es gratuito y tiene una duración aproximada de 40 minutos.
Amanda Meliá de Alba es Doctora en Psicología y especialista en trastornos del neurodesarrollo y psicología evolutiva. Con experiencia docente en diferentes universidades nacionales e internacionales, ha desarrollado múltiples cursos y conferencias relacionados con los trastornos del neurodesarrollo, así como talleres para padres de niños con o sin dificultades en el desarrollo. Su interés por dar visibilidad a los trastornos del neurodesarrollo la lleva a colaborar periódicamente de forma altruista con asociaciones sin ánimo de lucro que intentan promover el conocimiento de trastornos que afectan al desarrollo infantojuvenil, favoreciendo su difusión, formando a profesionales, acompañando a posibles afectados y sociedad general.
De soprano y arpa
Quiteria Muñoz y Úrsula Segarra forman este dúo valenciano que propone un acercamiento diferente a la música clásica. Su planteamiento consiste en llevar la música a lugares no habituales y así llegar a un público diferente.
En abril de 2015 inician su andadura conjunta con la presentación del primer programa y trabajo discográfico bajo el título Douces Mélodies, con música francesa de entreguerras. En septiembre de ese mismo año amplían horizontes con su primera colaboración con la danza contemporánea y la moda en el espectáculo Irreverencia.
Han actuado en el Museo Sorolla y Casa Do Brasil e Iglesia de las Mercedarias Góngora (Madrid), Celrá (Girona), Auditorio de Cuenca, Zaragoza… y en salas más alternativas como Rambleta, Fabrika12, La Fábrica de Hielo, La Vitti, Convent Carmen… participando de manera habitual en festivales. En enero de 2017 fueron seleccionadas por el Centro de Creación e Investigación L’Animal a l’Esquena, para desarrollar su primer proyecto dirigido al público infantil: Peer Gynt, una adaptación libre de la obra H. Ibsen y música de E. Grieg, bajo la supervisión del coreógrafo Pep Ramis (Mal Pelo).
En mayo de 2017 se estrena Peer Gynt en el Palau de la Música de Valencia y poco después Bebesol, espectáculo de nueva creación dirigido a bebes de 0 a 16 meses, dos programas con los que han recorrido los principales auditorios de la Comunidad Valenciana.
En 2019 graban su segundo trabajo discográfico: Bebesol.
Úrsula Segarra (arpa) es natural de la Vall de Uxó (Castellón). Ha realizado sus estudios musicales en los conservatorios José Iturbi de Valencia, Superior de Castellón y Manuel Castillo de Sevilla, realizando un postgrado en el Conservatorio Superior demúsica de Madrid.
Galardonada en premios nacionales e internacionales, ha participado como solista con la Orquesta de RTVE. Asimismo, ha sido dirigida por maestros como L. Maazel, Z. Mehta, P. Steimberg, N. Luisotti y M. A. Gómez Martínez, entre otros.
Actualmente es freelance dedicada a la interpretación de todos los géneros musicales abarcando música sinfónica, de cámara y solista para arpa.
Quiteria Muñoz (soprano) nace en Valencia, ciudad donde finaliza sus estudios de piano y canto en el Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo. Forma parte de la Accademia italiana del bel canto Rodolfo Celletti. Ha cantado como solista de prestigiosos coros y grupos de cámara como Amystis cor de cambra, L ́Almodí Cor de cambra, Harmonia del Parnàs y Capella de Ministrers. Formó parte del Cor del Centre de Perfeccionament Plácido Domingo y es refuerzo del Cor de la Generalitat Valenciana, trabajando junto con la Orquesta de Valencia o la del Palau de les Arts, entre otras. En noviembre de 2015 debutó en el Teatro San Carlo de Nápoles con la Segunda sinfonía de Mahler dirigida por el maestro Fabio Luisi.
https://coessm.org/wp-content/uploads/2022/05/391-2022-BOMBOIPLATERETS-mayo.jpg14401920Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2022-05-09 16:59:052022-05-09 16:59:18Con bombo y platillos descubre a las familias los beneficios de la música desde temprana edad
Una año más la Academia Diesis colabora con la Universidad de Almería en el curso de verano:
«Taller de Dirección de Orquesta, Banda y Wind Ensemble»
Una gran oportunidad para realizar prácticas con orquesta, banda y ensemble y aprender de un profesorado internacional de primera linea:
– Andrea Brown, Universidad de Maryland (EEUU)
– Piotr Sulkowsky, Warminsko-Mazurska orchestra (Polonia)
– José MIguel Rodilla, Conservatorio Superior de Murcia (España)
– Juan José Navarro, Universidad de Almería (España)
https://coessm.org/wp-content/uploads/2022/05/390-2022-Taller-de-Direccion-de-Orquesta-Banda-y-Wind-Ensemble.jpeg11611170Vicente Cerdáhttps://coessm.org/wp-content/uploads/2017/10/COES_TRANS.pngVicente Cerdá2022-05-09 16:51:582022-05-09 16:51:58Taller de Dirección de Orquesta, Banda y Wind Ensemble
“Si todas las artes aspiran a ser como la música, todas las ciencias aspiran a ser como las matemáticas” , G. Santayana (1863-1952)
Me enfrento a este primer artículo sobre la música y las matemáticas, definiendo qué es lo que intentaré transmitir con los diferentes textos que vaya teniendo oportunidad de escribir.
En este sentido, procuraré que las lecturas sean amenas, didácticas y próximas a vosotros. Sé que sois amigos de la música, pero… ¿podréis ser también amigos de las matemáticas? Yo creo que sí.
Vamos a empezar por el título de esta revista: Diapasón. Ya sabéis lo que es: un pieza en forma de U construida con un metal elástico que, cuando se le golpea y se le hace vibrar, genera un sonido casi inaudible, que normalmente suele oírse acercándolo al oído. El diapasón más utilizado es el denominado la 440, que genera la nota la que tiene exactamente 440 Hz. (hercios), y con la que se afinan todos los instrumentos de una banda u orquesta.
Vale, pues sin quererlo ni beberlo, ya estamos hablando de matemáticas. ¿Ya? ¿Dónde? Pues concretamente en la palabra ‘sonido’ y en la palabra ‘hercios’. El sonido son oscilaciones de la presión del aire, provocadas por ejemplo por la vibración del parche de un tambor, de los platillos o de una caña en un clarinete.
Estos cambios de presión en el aire son convertidos en ondas mecánicas en nuestro oído, y finalmente percibidas por el cerebro. Y estas variaciones de la presión del aire se transmiten de un modo análogo a cuando tiramos una piedra en un estanque, y tienen –y llegamos aquí a las matemáticas– unas ecuaciones matemáticas que las describen mediante funciones sinusoidales, y que vienen dadas por factores como la distancia, la velocidad o la presión atmosféica existente. Por eso no suenan igual los instrumentos los días soleados que los lluviosos, o una sirena de una ambulancia cuando se nos acerca que cuando se nos aleja.
Por otro lado, los hercios son las unidades que expresan la cantidad de vibraciones que emite una fuente sonora por unidad de tiempo. Así, nuestra nota la con 440 Hz. nos dice que cada segundo se efectúan 440 vibraciones por parte de los brazos del diapasón. Del mismo modo que con nuestro coche vamos a 70 km/h., pudiendo ir más rápido o más lento en función de los metros que recorramos en una hora, con nuestro instrumento musical podremos emitir una vibración que se repetirá más o menos veces por segundo como dicho instrumento nos permita, medición que se efectuará mediante hercios, y que nos generará las notas musicales.
Bueno, pues hay un teorema del año 1822 del matemático francés Joseph Fourier (1768-1830) que afirma, en términos sencillos, que cualquier sonido musical es la combinación de sonidos sencillos.
Es decir, que cualquier sonido puede ser duplicado mediante la combinación de diferentes diapasones: las ondas de cada uno de ellos se agruparán generando una nueva onda mecánica que configurará la nota final. Este teorema es vital para la música, puesto que nos explica el porqué con diferentes instrumentos podemos generar las mismas notas musicales.
Otro punto interesante tiene que ver con la representación de un sonido o de una nota en particular, que puede ser realizada mediante un pentagrama, como todos vosotros sabéis. En dicho pentagrama, podemos ver qué nota musical es. Pero también mediante las fórmulas matemáticas correspondientes podríamos representar dicha nota mediante sus hercios: más hercios, sonido más agudo; menos hercios, sonido más grave.
Hablando de pentagrama, es interesante comentar que muchos de los términos que aplicamos cuando aprendemos solfeo, tienen también una relación con las matemáticas. La altura –término puramente geométrico– o tono de una nota, que nos dice si un sonido es grave (pocos hercios) o agudo (muchos hercios), su duración, su intensidad (un sonido fuerte o débil) son, por ejemplo, factores que son perfectamente medibles y, por ello, matemáticos.
¿Habéis pensado en la relación que existe entre las diferentes figuras musicales? Sí, aquello de 1 redonda = 2 blancas, 1 blanca = 2 negras, 1 negra = 2 corcheas, 1 corchea = 2 semicorcheas, etc. Pues es un ejemplo más de matemáticas en la música.
Estoy seguro que observáis que sumando la duración de dos figuras iguales se obtiene la figura con una duración inmediatamente más larga. Hemos hecho, pues, una suma. O una multiplicación por el número dos. Pura aritmética, ¿verdad?
Pues ahora que tenemos un diapasón, y sabemos cómo representar las notas musicales, musical y matemáticamente, nos falta afinar a la banda, ¿no?. ¿Y que es esto? Pues ni más ni menos que seleccionar unos sonidos que juntos son agradables para el oído humano, y descartar el resto. En términos matemáticos, tenemos que seleccionar las frecuencias de unos sonidos que sirvan para hacer música, y olvidarnos del resto. Debemos, en definitiva, crear una escala musical. ¿Y nos pueden ayudar las matemáticas a ello? ¡Pues claro que sí! ¿Cómo? Seguramente te pienses que harán falta grandes ecuaciones para representar una escala musical, pues… ¿te puedes creer que solamente necesito los primeros números que aprendemos cuando somos niños? Sí: el uno, el dos y el tres.
Pitágoras de Samos (aproximadamente 582 a. C. – 507 a. C.), además de ser famoso por un teorema atribuido a él, pero perteneciente a uno de sus colegas llamado Hipaso de Metaponto, fue un matemático griego que nos dio un sistema para construir una escala musical: es la denominada afinación pitagórica. Dedujo que un sonido musical producido por una cuerda es más agudo cuando más corta es dicha cuerda, y que para generar la octava siguiente más alta de una nota, había que dividir entre dos la longitud de dicha cuerda. Además, generó una fórmula para conocer todas las notas de la escala: partiendo de una nota cualquiera, basta generar seis quintas (un salto que comprende cinco notas de la escala musical) consecutivas por encima y una por debajo, lo que da lugar a las siete notas de la escala.
De este modo, continuando las quintas, obtendríamos toda la escala cromática.
¿Y cómo generamos estas octavas mediante a nivel matemático con las frecuencias, que hemos dicho que representan a las notas musicales mediante las ondulaciones de una cuerda? Pues considerando que si la onda se desplaza por una cuerda de longitud l, y tarda un tiempo t en llegar al final y volver hasta el inicio, lo que nos daría todo un ciclo de onda, pues entonces si la cuerda es la mitad de larga, veremos que la onda volverá justamente en la mitad del tiempo a su principio, lo que provocará que si en un segundo teníamos, con la nota la, 440 ondulaciones por segundo, para su octava tendremos 880 ondulaciones por segundo. O sea, que para conseguir una octava superior, bastará multiplicar por dos la frecuencia –los hercios– de la nota original.
Para visualizar mejor lo que pasa en una cuerda, podemos pensar que si tiramos una pelota a una pared que está de nosotros d metros, y nos llega rebotada después de 2 segundos, bastará acercarse la mitad de la distancia d/2 a la pared, para observar que nos llega en un segundo, es decir, en la mitad de tiempo. De este modo, con la mitad de una cuerda las ondas llegan en la mitad de tiempo a su origen, y vuelven a ser rebotadas, por lo que en el mismo tiempo, hay el doble de vibraciones. De ahí que una nota y su octava tengan un factor múltiplo de 2 entre sus frecuencias.
¿Y cómo encontramos estas quintas consecutivas, que nos generan el conjunto de toda la escala musical? Pues en lugar de multiplicar por 2, lo que tendremos que hacer es multiplicar la frecuencia por 3/2, que, mira por dónde, es la fracción más simple posible, puesto que solamente implica a los números naturales más pequeños que generan un número fraccionario: el 2 y el 3. Así, las diferentes frecuencias de las notas musicales vendrán dadas por una multiplicación iterativa por la razón 3/2.
Así, si partimos del la estándar para la afinación, podemos encontrar el resto de notas multiplicando poco a poco por 3/2 (para encontrar todas las notas de la escala) y por 1/2 (para encontrar la octava correcta). ¿Se puede con menos complicaciones generar algo tan rico como la escala musical.
Bueno, creo que ha sido una buen principio: sabemos lo que es el sonido, lo que produce el tono de una nota, cómo representarla, cómo dar su duración, y cómo generar el conjunto de la escala musical. Y todo ello haciendo solamente sumas y multiplicaciones de los números más elementales respecto a cualquier sonido que queramos coger como nota origen. ¿Véis como trabaja un órgano electrónico? ¿O los politonos de vuestro móvil? ¿O el equipo de música? ¿O el mp3 que escucháis todo el rato? ¡Solamente haciendo sumas en base a un sonido tomado como base!
Para acabar el artículo, me gustaría hablar de las simetrías y la música. En matemáticas, dos objetos son simétricos respecto a unas operaciones, cuando uno puede ser obtenido del otro mediante la aplicación de dichas operaciones. En un papel, por ejemplo, todos podemos realizar traslaciones, rotaciones y reflexiones de cualquier figura que dibujemos. Basta con copiar íntegramente el objeto en otra posición del folio que estemos utilizando, después de haberlo dejado igual que estaba respecto al punto de vista que teníamos antes del cambio, o después de haberlo girado del mismo modo que giran las agujas de un reloj, o haberlo dibujado copiando la imagen que obtenemos de dicho dibujo en un espejo.
Bueno, pues del mismo modo que podemos generar una frase que sea simétrica, como las frases “Dábale arroz a la zorra el abad” y “Anita lava la tina”, que se pueden leer al revés y nos resulta la misma frase (es una frase palíndroma), o de igual manera que existen los números capicúas, como el 77, el 303, o el 11411, pues los compositores musicales han tenido siempre en cuenta las simetrías que podrían obtenerse de las piezas y composiciones que creaban. Así, el siguiente fragmento de partitura es un ejemplo de simetría en una pieza musical. ¿Veis las notas de los primeros compases son las mismas que aparecen en los últimos compases?
Fragmento de «Six unisono melodies» de Bartók
En fin, ¡espero que la lectura del artículo haya sido interesante!
Un saludo cordial,
Juanfran
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Juan Francisco Martínez Cerdá
Matemático, antiguo músico de la Banda de música de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla.
Artículo aparecido en la Revista Diapasón de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla.
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