Seguimos conociendo más de cerca a algunos profesores de la Escuela de Música de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla, así como determinados aspectos pedagógicos, históricos o curiosos relacionados con sus asignaturas y la Música en general.
En esta ocasión, hablamos con José Luis Palao Azorín, profesor de Percusión en la Escuela de Música de la Asociación de Amigos de la Música de Yecla.
Escrito por diapason – 14 octubre, 2021
Esto es lo que nos ha contado:
P.- Desde el año 2017 eres profesor en la Escuela de Música de nuestra ciudad. ¿Cómo enfocaste esta asignatura a tu llegada y cuáles son los principales aspectos a destacar?
R.- Bueno, comencé a formar parte del claustro de profesores con el fin de apoyar a Toni Lajara, mi antiguo profesor de percusión y buen amigo, y la verdad es que tenía una ilusión muy grande -la cual sigo, por suerte, conservando- por impartir clases en la que desde bien pequeño había sido mi Escuela de Música y, casi se podría decir así, mi segunda casa. La verdad es que el enfoque que traté de darle a la asignatura de Percusión fue semejante al que tenía Toni, ya que para mí era el modelo a seguir. Consideraba muy importante seguir sus consideraciones y directrices para remar ambos en la misma dirección. Los alumnos que tuve al principio y que procedían de Toni tenían muy buen nivel y eso permitió que me encontrase muy cómodo y que poco a poco fuese cogiendo más experiencia como docente de percusión. A día de hoy estoy muy contento con todos los alumnos y las alumnas que tengo.
P.- La percusión es una gran familia compuesta por numerosos instrumentos. ¿Cómo se secuencian en el aprendizaje? ¿Por cuáles soléis empezar y por qué?
R.- Así es. Todos sabemos lo completa y compleja que es la familia de la percusión. Podríamos, grosso modo, establecer una división de dos grandes grupos: los instrumentos de percusión determinada, que son capaces de producir las notas musicales, y los de percusión indeterminada, cuyos sonidos no están afinados en una nota exacta.
Dicho esto, a la hora de empezar con la percusión, solemos iniciar a los alumnos en la caja, que es el instrumento del que consideramos que surge la técnica básica de un percusionista. Poco después comenzamos con los timbales (primero se empieza con dos y paulatinamente, con el tiempo, se van agregando el resto) y, por último, con las láminas. De este modo, en todas las clases se ven estos tres instrumentos que consideramos principales. Una vez que el alumno va haciéndose con dichos instrumentos, se suele introducir la batería, ya que esta requiere de una mayor concentración y esfuerzo a la hora de la coordinación corporal.
Como se suele decir aquí en Yecla: “Cada maestrico tiene su librico”. Quiero decir con esto que cada profesor tendrá su manera, pero esta es la que, bajo nuestro punto de vista, a los alumnos más efectiva les resulta.
P.- ¿Qué consejos sueles dar a tu alumnado, a la hora de mejorar el ritmo, la coordinación, etc.?
R.- El principal aspecto a tener en cuenta a la hora de estudiar percusión es tener claro que somos, como les digo a mis alumnos, “los reyes del ritmo”. Para conseguir una estabilidad rítmica es necesario aliarnos con nuestro mejor amigo: el metrónomo. Es realmente importante que los alumnos lo utilicen desde el comienzo, ya que es la manera más eficaz de conseguir uniformidad y rigor en el ritmo. No obstante, también hay diferentes métodos que se ponen en práctica en las clases para que el alumno vaya interiorizándolo. Así me lo enseñaron mis profesores y trato de inculcárselo a mis alumnos, pues es algo primordial en la formación del músico y más concretamente en la de los percusionistas.
Por otro lado, para mejorar la coordinación creo que lo más útil es la práctica y no caer en la desesperación. Es importante en la enseñanza de la música inculcar la paciencia para que el alumno no se desanime, ya que los resultados pueden no ser en muchas ocasiones inmediatos. Resulta curioso ver cómo hay algunos alumnos que empiezan con dificultad en la coordinación y progresivamente van superándose a ellos mismos hasta llegar a ser unos excelentes intérpretes.
P.- Y en cuanto a hábito de estudio, cuéntanos lo que “no se ve”. ¿Cómo suele ser el día a día de un percusionista cuando ensaya?
R.- Bueno, en este sentido, siempre a la hora de estudiar es importante que el alumno comience el calentamiento con unos sencillos ejercicios de técnica que guarden relación con la lección o estudio que deben trabajar. De esta manera el alumno podrá hacerse una idea de las figuras rítmicas que le aparecerán en la lección y podrá ubicarse en el tempo que tendrá la lección que tiene que estudiar. Después pasará a centrarse en la lección propiamente dicha y la dividirá en pasajes con ayuda del profesor, identificando a priori qué partes podrían ocasionarle problemas a la hora de estudiarla. Más tarde, poco a poco, se irán enlazando todas esas partes y se irá consiguiendo el tiempo, los matices requeridos, la musicalidad y el resto de cuestiones musicales dependiendo del nivel. Creo que esto funciona de manera similar en el resto de instrumentos.
Pero, sin duda, una de las cuestiones que más quebraderos de cabeza nos da a los percusionistas es la manera de estudio. Claro, nosotros no siempre podemos tener en casa marimba o timbales por ejemplo, así que a cada alumno de percusión de la Escuela se le asigna un rato a la semana para que vaya madurando lo que está practicando y lo que se va a estudiar en las clases siguientes. También es importante que el alumno estudie las lecciones en casa, aunque sea solfeándolas únicamente o, por qué no, buscándose un medio para “simular” los instrumentos, como la mayoría de estudiantes de percusión hemos tenido que hacer en algún momento.
P.- Para terminar, nos gustaría que citaras a grandes percusionistas de diferentes estilos y nos recomendaras algunas de sus obras o interpretaciones para poder verlas en los siguientes vídeos y aprender con ellas.
R.- Algunos de los clásicos y populares percusionistas, además de compositores, son Emmanuel Sejourné, John Beck, o Ney Rosauro, entre muchos otros. El primer enlace que os dejo es el siguiente del Concerto No.2 for Marimba & Orchestra de Ney Rosauro, dividido en tres movimientos:
Primer movimiento:
Segundo movimiento:
Tercer movimiento:
También podemos citar algunos importantes percusionistas actuales como Conrado Moya (marimbista español internacional), Gratiniano Murcia (timbal solista) o Raúl Benavent (percusionista de la RTVE). Aquí podéis encontrar una interpretación a la marimba de Conrado Moya de ‘Chaconne’ (from Violin partita in D minor, BWV 1004) de J.S. BACH.:
¡Muchas gracias José Luis!
Cecilia O.
Colaboradora AAMY.
El año 2019 asistí a la Presentación en la Casa de Cultura del libro “La velocidad de las nubes” de la yeclana Ana Fructuoso Ros, Finalista del III Certamen Literario “MUJER AL VIENTO” que organiza el Ayuntamiento de Torrejón de Ardoz, y en el que colabora “Entrelineas Editores” publicando los libros. “La velocidad de las nubes” es una interesante novela que puede evocar sentimientos de cotidianeidad, de cercanía, de similitud, de escuchar la misma música, de leer los mismos libros, de vivir momentos de otras vidas semejantes, de conocer los mismos caminos,… es, pues, una novela que permite interactuar con una escritora que ha habitado y vive nuestras mismas calles. El libro lleva incluido un curioso índice, detrás del epílogo y delante de los agradecimientos, un índice sin la numeración de páginas habitual, un listado titulado “Banda sonora” con dos apartados: “En inglés” y “En castellano” en el que se incluyen cantantes y grupos musicales con las canciones que la autora ha ido nombrando a lo largo de la novela y actúa como si fuera una “playlist” de nuestros nuevos dispositivos tecnológicos, una “Banda sonora” que, según la autora, está preparada por su hermano, Juan Antonio Fructuoso Ros (“Ross” o “Juan Antonio Ros” que es como se le conoce en el panorama musical), un músico con relaciones familiares en Yecla que se desenvuelve desde hace muchos años en la música alternativa como multi-instrumentista, arreglista, productor…, comenzó su andadura como baterista y guitarrista en distintas bandas de su ciudad y ha participado en los primeros festivales nacionales (BAM, Benicasim, Festimad) y al otro lado del charco en la primera edición del IPO (Internacional Pop Overthrow) de Los Ángeles, ha publicado álbumes como “Sugar”, “Ross”, Supersonic Spacewalk”, “Rossland”, “Rumor“ y “Rumor 2“, “A Collection For Enemies And Friends”, “Durante el fin del mundo,… ha formado parte de grupos y ha actuado en solitario.
Y en ese engarce entre música y literatura no podemos olvidar a Haruki Murakami con sus exclusivas “Playlist”, en Spotify y otras aplicaciones digitales, que pueden tener más de tres mil canciones favoritas y que pueden perfectamente acompañar la lectura de sus obras, incluso en algunas la música da pistas de la trama y se imbrica entre las palabras como parte del mismo espacio textual. Haruki Murakamies un autor, que a muchas de sus obras les ha puesto el título relacionado con la música, a la que le da un papel destacado como uno más de sus personajes en las novelas; que habla de sus inicios trabajando en una tienda de discos o, después, sirviendo copas y poniendo música en “Peter Cat, algo parecido a un club de jazz” que regentaba junto a su mujer Yoko en Kokubunji, Tokio, donde también, alguna noche, había actuaciones en directo; que tiene una colección de más de 6000 discos de vinilo y que, últimamente, ha publicado el libro “Música, solo música” junto al, también japonés, director de orquesta Seiji Ozawa. “Música, solo música” no es una novela, es más bien una reflexión personal basándose en sus propias experiencias vitales, en la línea que también ha utilizado en “De qué hablo cuando hablo de escribir” sobre el oficio de escritor, o en “De qué hablo cuando hablo de correr” con los conocimientos del tema como corredor que ha participado en más de veinte maratones y su correspondiente tiempo de preparación, en este caso, “Música, solo música” no es un monólogo como los anteriores, es un diálogo con un director de orquesta japonés, famoso en todo el mundo, como es Seiji Ozawa y los dos maestros, en sus diferentes oficios, muestran sus conocimientos, hablan y reflexionan de todo tipo de música, sobre todo la etiquetada como clásica, desde los grandes compositores como Beethoven o Mahler al jazz o la ópera, dejando traslucir preferencias, afinidades, debates y discusiones sobre la gestión y el trabajo de la Música en mayúsculas, con múltiples referencias al diferente trabajo de cada uno. Una lectura interesante que, por supuesto, se puede acompañar de su correspondiente “playlist” en las plataformas digitales con las composiciones, canciones y títulos que nombran los dos autores a lo largo del libro y que es un repaso a partituras e interpretaciones míticas de la Historia de la Música, una obra que te mantiene entretenido y que puede incentivar para buscar y conocer otros horizontes, una buena reflexión sobre música y lectura.
La vida de Manuel Marvizón Carvallo (Sevilla, 1956) no comienza principalmente en la música pues en realidad comenzó su educación adulta como estudiante de medicina y psicología en la Universidad de Sevilla. Ya a la edad de 24 años, mientras estudiaba en la universidad, fue cuando ingresó en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla para estudiar, armonía, solfeo, piano y arpa. Este cambio radical supuso el surgimiento de un compositor de corazón y alma que ha escrito y sigue escribiendo grandes obras maestras, de hecho, su primera marcha fue “Madre Hiniesta” que es una de las más celebres marchas de la semana santa. Manuel, no solo es un compositor brillante en la música procesional si no que fuera de ésta ha escrito obras para muchos artistas como Los del Rio, María del Monte o Alejandro Sanz entre otros. También para el mundo audiovisual, televisión, publicidad y radio, donde en esta última hay que recordar que la sintonía que utiliza el locutor de radio Carlos Herrera en su programa es de él. Como hemos mencionado anteriormente, su primera aportación musical a la semana santa fue “Madre Hiniesta”, obra que compuso en el año 1997 para su pregón en la Hermandad de la Hiniesta a la cual pertenece. Luego le seguiría “Azul y Plata”, “Candelaria” y un largo etcétera.
Para saber que es o qué significado tiene esta marcha tenemos que saber que “Candelaria” es, en primer lugar, la imagen de María Santísima de la Candelaria, talla que data del s. XX esculpida originariamente por Manuel Galiano en 1924 y que es propia de la Hermandad de la Candelaria, hermandad sevillana sita en la Iglesia parroquial de San Nicolás de Bari. Por otro lado, el vínculo de la Hermandad de la Candelaria con el locutor Carlos Herrera es principalmente, a parte de su amor a su ciudad adoptiva que es Sevilla y otras cosas, es también porque Carlos Herrera pertenece a la Junta de Gobierno de esta hermandad en calidad de Diputado de Caridad y Obras Benéfico-Sociales.
